[EN] CULINART: Dramatic Strategies and artistic creation as a process of integration and transformation. Summary The following research work done for this thesis starts with the experience acquired at the "Accademia di Belle Arti di Roma" and the subsequent implementation of a personal vision from the theatrical space and its relationship with the educational project developed by Som3 called CULINART: Sensory alimentary Education through art. To this end, we have created a range of culinary and artistic training programs that facilitate, through practical experimentation, a more effective and deep learning about the relationship between what we eat and how that affects us physically and emotionally, that is, our health, starting from innovative and motivating perspective for participants. The exploration of the creative processes from our senses is produced jointly by the disclosure of some of the major problems of environmental nature that affect our social reality. Thus, with the expression as a starting point and the deepening of the importance of healthy alimentary habits, the aim of the project rely on independent expression of emotions, thoughts and feelings from participants regardless of their intellectual, social or religious level, promoting development of creativity and social integration processes, using experimentation through research. The project seeks to deepen the understanding of the plastic and visual languages, knowledge and respect of our own environment, as well as the reinterpretation of the scenic areas with an educational and creative role from a framework in which to develop open and flexible creativity itself. / [ES] CULINART: Estrategias Dramáticas, Creación plástica y Gastronomía como proceso de integración y transformación. Resumen El siguiente trabajo de investigación realizado para esta Tesis doctoral parte de la experiencia en la Accademia di Belle di Roma y la puesta en marcha de una visión personal a partir del espacio escenográfico y su relación con el proyecto educativo desarrollado por SOM3 llamado CULINART: Educación sensorial alimentaria a través del Arte. Para ello se han creado diferentes acciones formativas culinarias y artísticas que facilitan, mediante la experimentación práctica, un aprendizaje más eficaz y profundo sobre la relación entre aquello que comemos y el modo en que nos afecta a nivel físico y emocional, es decir, a nuestra salud, partiendo de una perspectiva innovadora y motivadora para los participantes. La exploración de los procesos creativos a partir de nuestros sentidos se produce de manera conjunta a través de la divulgación de algunos de los principales problemas de índole medioambiental que afectan a nuestra realidad social. De este modo, con la expresión como punto de partida y la profundización sobre la importancia de unos hábitos alimentarios saludables, se persigue que los participantes puedan expresar de forma autónoma emociones, ideas y sentimientos independientemente de su nivel intelectual, social o religioso, favoreciendo el desarrollo de la capacidad creadora y sus procesos de integración social, utilizando para ello la experimentación a través de la investigación. El proyecto busca la profundización en la comprensión de los lenguajes plásticos y visuales, el conocimiento y respeto de nuestro propio entorno, así como la reinterpretación de los espacios escénicos con una función educativa y creativa a partir de un marco de trabajo abierto y flexible donde desarrollar la propia creatividad. / [CAT] CULINART: Estratègies Dramàtiques i creació plàstica com a procés d'integració i transformació. Resum El següent treball d'investigació realitzat per a esta Tesi doctoral part de l'experiència en l'Accademia dI Belle dI Roma i la posada en marxa d'una visió personal a partir de l'espai escenogràfic i la seua relació amb el projecte educatiu desenvolupat per SOM3 cridat CULINART: Educació sensorial alimentària a través de l'Art. Per a això s'han creat diferents accions formatives culinàries i artístiques que faciliten, per mitjà de l'experimentació pràctica, un aprenentatge més eficaç i profund sobre la relació entre allò que mengem i el mode en què ens afecta nivell físic i emocional, és a dir, a la nostra salut, partint d'una perspectiva innovadora i motivadora per als participants. L'exploració dels processos creatius a partir dels nostres sentits es produïx de manera conjunta a través de la divulgació d'alguns dels principals problemes d'índole mediambiental que afecten la nostra realitat social. D'esta manera, amb l'expressió com a punt de partida i l'aprofundiment sobre la importància d'uns hàbits alimentaris saludables, es pretén aconseguir que els participants puguen expressar de forma autònoma emocions, idees i sentiments independentment del seu nivell intel·lectual, social o religiós, afavorint el desenrotllament de la capacitat creadora i els seus processos d'integració social, utilitzant per a això l'experimentació a través de la investigació. El projecte busca l'aprofundiment en la comprensió dels llenguatges plàstics i visuals, el coneixement i respecte del nostre propi entorn, així com la reinterpretació dels espais escènics amb una funció educativa i creativa a partir d'un marc de treball obert i flexible on desenrotllar la pròpia creativitat. / Rico Tortosa, B. (2016). CULINART: Estrategias Dramáticas, Creación plástica y Gastronomía como proceso de integración y transformación [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63443 / TESIS

From separation to the union with itself, from desertion to the assumption of inner responsibility, human conscience uses art to transform itself within boredom, as well as within its historical aspects. Since ancient times human being have referred to the destructive potential of boredom, but also to a certain link with creativity, considered either divine or natural in origin. It seems that from the most virtuous to the most banal of activities, boredom threatens to point at a mysterious void with no meaning that challenges the capacity of our conscience to create its own meaning. This void is feared by contemporary society, which struggles to avoid it by denying it in the form of the mere behavioral study of those involved, their abandonment in consumerist dynamics and, of course, direct criticism to the phenomenon of boredom itself. Precisely, in this last case of projection into criticism, we find the access to the unconscious implications of those transformation factors. Such implications prepare for its experience. They will be mainly the criticism itself, but above all the mechanism of the judgement or underlying devaluation which limits the reality we observe according to personal impressions which rule out some fundamental features of the artistic phenomenon as a whole. The judgement cannot avoid representing the judge, and, when that sensitive richness of reality is reduced, it cannot avoid finding in this judge the same devaluation it projects. This creative recognition of conscience, which science and avant-garde art stated along the 20th century, is the key to having a more creative life, since it allows the individual to be integrated as the centre of their experience of time. Even more so in boredom, whose effects on perception take us all the way from a stressful time which seems endless (a gap between time and reality) to the temporary suspension of the instant where our whole world is questioned. Avant-garde art has reflected this path towards the depths of boredom between the questioning of its present time and the promise of creative fulfillment. That is the reason why, from the very start, avantgarde has interpreted it according to its "negative" or "positive", separatist or unitary, aspects, event though the latter has gone practically unnoticed. The hatred declared by artists express that the first avantgarde period started to consider this emotion as a landmark in the process of creative liberation. It is in the second period that boredom is revisited with a more unifying intention by artists who renew the social function of art according to the experience of time. Thanks to this second movement and its promiscuous spread, time definitely becomes an artistic object and so does boredom, linked to it. Fort he first time boredom is used and shown openly as one more possibility of the creative and artistic experience open to interpretation, between the separatist disillusion and the conscious and spontaneous unity regarding creative processes. This phenomenon is growing in today's art. Both the number of works and of exhibitions increase at an international level. The proposals of Kama Sokolnicka, Nargess Hashemi or Navid Nuur, among others, deal with a bored conscience that is observed from the all-embracing cohesion with the world. Therefore, boredom gives way to the direct and present experience of individual creativity. That is why the work of art will not necessarily be shown as representing boredom in unity or separation, but rather as a product of learning through boredom. Artists do no longer worry about showing their boredom, because instead of projecting it on the world, they have understood that its solution needs to go through the transformation of their perceptions. / De la separación a la unión consigo misma, del abandono a la toma de responsabilidad interior, la conciencia humana utiliza el arte para transformarse en el aburrimiento, así como en sus vertientes históricas. Desde la antigüedad se ha referido su potencial destructor pero también cierto vínculo con la capacidad creativa humana, bien fuera considerada de origen divino o natural. Y es que parece ser que de la más virtuosa a la más banal de las actividades, el aburrimiento amenaza señalando a un misterioso vacío de sentido que reta la capacidad de la conciencia para crear significado propio. Vacío que la sociedad contemporánea teme y se afana en esquivar al negarlo mediante el mero estudio conductual de los afectados, el abandono de estos a las dinámicas de consumo y cómo no, la crítica directa hacia el fenómeno mismo del aburrimiento. Precisamente, en este último caso de proyección en la crítica encontramos el acceso a las implicaciones inconscientes de estos factores del aburrimiento. Implicaciones que desde el centro de la conciencia aburrida predisponen a su experiencia. Estas serán eminentemente la crítica, pero sobre todo el mecanismo del juicio o desvalorización subyacente que acota la realidad observada en base a impresiones personales que descartan caracteres fundamentales del fenómeno artístico en su totalidad. De esta forma el juicio no puede evitar representar al juez así como, al reducir la riqueza sensitiva de la realidad, encontrar en este juez la misma desvalorización que proyecta. Este reconocimiento creativo de la conciencia, tal como la ciencia y el arte de vanguardia recuerdan en el siglo XX, es la clave para tener una vida más creativa al permitir integrar al individuo como centro de su experiencia temporal. Más aun en el aburrimiento, cuyos efectos sobre la percepción nos lleva de un tiempo estresante que parece no acabar nunca a la suspensión temporal del instante donde todo nuestro mundo es cuestionado. El arte de vanguardia ha reflejado este recorrido hacia las profundidades del aburrimiento entre el cuestionamiento de su tiempo presente y la promesa de plenitud creadora. Por esto desde sus inicios la vanguardia lo ha interpretado desde vertientes "negativa" o "positiva", separatista o unitaria, aunque esta última haya pasado casi desapercibida. La simpatía y odio declarados por los artistas expresan de forma nítida que durante el primer periodo de vanguardia esta emoción es una encrucijada en el proceso creativo. Es en el segundo periodo cuando el aburrimiento se interpreta íntegramente. Gracias a esto el tiempo se incorpora como objeto artístico y ligado a él, el aburrimiento. Por primera vez, el aburrimiento se utiliza y muestra como una posibilidad más de la experiencia creativa y artística abierta a la interpretación, entre el desencanto separatista y la unidad consciente y espontánea por los procesos creativos. Este fenómeno gana expansión en el arte actual. Tanto las obras como las exposiciones crecen internacionalmente. Las propuestas de Kama Sokolnicka, Nargess Hashemi o Navid Nuur, entre otras, abordan una conciencia aburrida que se observa desde la cohesión totalizadora con el mundo. Por lo tanto, el aburrimiento da paso a la experiencia directa y presente de la creatividad individual. Por esto la obra ya no se mostrará necesariamente como representación de aburrimiento en unidad o separación sino más bien como un producto del aprendizaje a través de él. Los artistas ya no se preocupan en mostrar su aburrimiento porque en vez de proyectarlo sobre el mundo, han comprendido que su solución pasa por la transformación de sus percepciones. / De la separació a la unió amb si mateixa, de l'abandó a la presa de responsabilitat interior, la consciència humana utilitza l'art per a transformar-se en l'avorriment, així com en els seus vessants històrics. Des de l'antiguitat totes les veus que ho han tractat en profunditat s'han referit al potencial destructor però també a cert vincle amb la capacitat creativa, bé fóra considerada d'origen diví o natural. I és que sembla ser que de la més virtuosa a la més banal de les activitats, l'avorriment amenaça assenyalant a un misteriós buit de sentit que repta la capacitat de la consciència per a crear significat propi. Buit que la societat contemporània tem i malda per esquivar en negar-ho mitjançant el mer estudi de la conducta dels afectats, l'abandó d'aquests a les dinàmiques de consum i com no, la crítica directa cap al fenomen mateix de l'avorriment. Precisament, en aquest últim cas de projecció en la crítica trobem l'accés a les implicacions inconscients d'aquests factors de l'avorriment. Implicacions que des del centre de la consciència avorrida, predisposen a la seua experiència. Aquestes seran eminentment la crítica mateixa, però sobretot el mecanisme del judici o desvaloració subjacent que fita la realitat observada sobre la base d'impressions personals que descarten caràcters fonamentals del fenomen artístic en la seua totalitat. D'aquesta forma el judici no pot evitar representar al jutge així com, en reduir la riquesa sensitiva de la realitat, trobar en aquest jutge la mateixa desvaloració que projecta. Aquest reconeixement creatiu de la consciència, tal com la ciència i l'art d'avantguarda han recordat al llarg del segle XX, és la clau per a tenir una vida més creativa en permetre integrar a l'individu com a centre de la seua experiència temporal. Més encara en l'avorriment, del qual els efectes sobre la percepció ens porta d'un temps estressant que sembla no acabar mai a la suspensió temporal de l'instant on tot el nostre món és qüestionat. L'art d'avantguarda ha reflectit aquest recorregut cap a les profunditats de l'avorriment entre el qüestionament del seu temps present i la promesa de plenitud creadora. Per açò des dels seus inicis l'avantguarda ho ha interpretat des dels seus vessants "negativa" o "positiva", separatista o unitària, encara que aquesta última haja passat pràcticament desapercebuda. La simpatía i l'odi que els artistes del primer període d'avantguarda expressen considera aquesta emoció com un encreuament en el procés d'alliberament creatiu. Serà en el segon període quan l'avorriment és tornat a visitar amb una intenció més integradora per artistes que renoven la funció social de l'art sobre la base de l'experiència temporal. Gràcies a aquest segon moviment i la seua promíscua dispersió, el temps s'incorpora definitivament com a objecte artístic i lligat a ell, l'avorriment. L'avorriment s'utilitza i mostra per primera vegada sense embuts, com una possibilitat més de l'experiència creativa i artística oberta a la interpretació, entre el desencantament separatista i la unitat conscient i espontània pels processos creatius. Aquest fenomen guanya expansió en l'art actual. Tant les obres com les exposicions creixen internacionalment. Les propostes de Kama Sokolnicka, Nargess Hashemi o Navid Nuur, entre d'altres, aborden una consciència avorrida que s'observa des de la cohesió totalitzadora amb el món. Per tant, l'avorriment dóna pas a l'experiència directa i present de la creativitat individual. Per açò l'obra ja no es mostrarà necessàriament com a representació d'avorriment en unitat o separació sinó més aviat com un producte de l'aprenentatge a través d'ell. Els artistes ja no es preocupen a mostrar el seu avorriment perquè en comptes de projectar-ho sobre el món, han comprès que la seua solució passa per la transformació de les seues percepcions. / Velasco Caballero, S. (2017). EL TIEMPO A SECAS. Estudio sobre las posibilidades creativas del aburrimiento aplicadas a la creación artística [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/86212 / TESIS

Conferencia que aborda los aspectos de la innovaciòn en los negocios, tanto en grandes empresas como en pequeñas. Aborda las ventajas competitivas en las pymes para abordar la innovaciòn.

Este no es un libro de recetas, es uno de preguntas sin respuesta, de acertijos y búsquedas inconscientes. No es un libro de autoayuda, es un libro de autoaprendizaje, una guía para exploradores dispuestos a enfrentarse a lo desconocido. Este no es un handbook o vademécum de la creatividad, es un libro que usa de manera simple el lenguaje cotidiano de la creatividad. Esta obra de Liliana Galván facilita el aprendizaje a través de la experiencia de autoevaluarse, de recostarse en el diván de su conciencia, de escucharse y analizarse. No se trata de evaluaciones psicológicas, sino más bien de que el lector se analice de manera mucho más natural y validando él mismo sus propios resultados. Este es, en suma, un ensayo de lo que podría pasar si el lector se anima a «co-crear», a construir —junto con la autora— el panorama, el instante, hasta que ambos encuentren significados relevantes. El resultado es personal y único.

Tesis desarrollada en cinco capítulos. Dos que recogen la teórica directamente relacionada con la investigación en torno a los cuatro elementos de la creatividad (persona, proceso, producto y contexto), su génesis y la evaluación de los mismos. Dos capítulos dedicados a los "espacios creativos" (uno de ellos al espacio educativo): factores que mejoran o dificultan la creatividad y su desarrollo. El quinto dedicado al estudio empírico: hipótesis, objetivos, metodología, resultados y análisis. Una reflexión final, y un decálogo que busca resumir algunos tópicos relacionados con la creatividad. La parte teórica La investigación se realiza con una muestra de 90 alumnos de 1º y 3º de Educación Primaria, 45 en grupo experimental. Se busca comprobar la influencia del programa de mejora de la creatividad de Renzulli y Col. (1986) en los incrementos de creatividad, y su relación con los rasgos de personalidad de los sujetos, o con su inteligencia. / This thesis is made up of five chapters, besides a final reflection and a decalogue that summarizes some topics related to the creativity. The first two chapters are the theory related to the investigation about the four elements of the creativity (person, process, product and context) and their evaluation. The following two chapters are about the "creative spaces" (one of them about the educative space): factors that improve or make difficult to the creativity and its development. Finally, the fifth chapter is dedicated to the empirical study: hypothesis, objectives, methodology, results and analysis. That study is made with a sample of 90 students of first and third of primary school (45 in experimental group). The purpose is to verify the influence of the program of creativity improvement, of Renzulli and Col. (1986), in the increases of the creativity and their relation with the personality traits of students or their intelligence.

Este trabajo lleva por título, Teorías Implícitas de la Creatividad y Formación Docente: Los Significados de la Creatividad en la Licenciatura en Educación Preescolar para el Medio Indígena, 1990, es producto de la investigación realizada en la Unidad 071 de la Universidad Pedagógica Nacional, de Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, México, durante el periodo de 2004 – 2009. Se pretendió identificar los significados que los estudiantes-profesores y asesores de la Licenciatura en Educación Preescolar para el Medio Indígena, plan 1990 (LEPMI’90) atribuían a la Creatividad, para comprender el Ser Creativo de estos actores educativos, partiendo de la reflexión de que el término Creatividad podría tener diferentes significados para los individuos dependiendo del grupo social de pertenencia, de los espacios sociales donde estudian o trabajan y de la posición que ocupan. Los objetivos específicos de investigación fueron identificar los significados que le atribuyen a la creatividad los estudiantes-profesores de la LEPMI, analizar el proceso de construcción de los significados a través de un ejercicio exploratorio para identificar sus concepciones sobre el término, identificar y analizar el concepto que tienen estos actores educativos de sí mismos y de sus alumnos como creativos y el valor que le atribuyen, así como identificar y analizar los factores que contribuyen al desarrollo del autoconcepto o autovaloración positiva o negativa de los estudiantes-profesores y asesores con relación a ser creativos. El diseño de esta investigación fue de tipo exploratorio fenomenológico y se empleó una metodología cualitativa, porque el objeto de estudio así lo requería, ya que se trataba de descubrir, entender el fenómeno de la Creatividad y su significación en la formación docente de la Licenciatura en Educación Preescolar para el Medio Indígena, 1990, desde la perspectiva subjetiva de cada participante y desde la perspectiva construida colectivamente; por sus objetivos, la investigación fue de tipo básica y no fue una investigación aplicada. Para la elaboración de los instrumentos que permitieron recolectar, organizar y sistematizar la información se atendieron las indicaciones de Abric (2001) referidas a los métodos interrogativos y asociativos. Como la comprensión y explicación de los significados de Creatividad no se agotan en un solo constructo teórico, se realizó el ejercicio de articular tres constructos: Las Teorías Implícitas, Representaciones Sociales y la Filosofía del Lenguaje, específicamente la Semántica y la Pragmática. / This work titled Implicit Theories of the Creativity and Teacher Formation: The importance of Creativity in the education of preschool teachers in indigenous communities, 1990, is the result of the research done, from 2004 to 2009, by Unit 071 of the Universidad Pedagógica Nacional, Tuxtla Gutiérrez. Chiapas. México. The research sought to define the meaning that student-teachers and assessors from the program attribute to the concept of Creativity, in order to understand the creativity of these educators, starting from the idea that the term, creativity, may have different meanings for individuals depending on their social group, the social environment where they work and study, and the social position they actually occupy. The specific research objectives were to identify the meanings attributed to the creativity of students, teachers LEPMI’1990, analyze the process of construction of meaning through an exploratory exercise to identify their conceptions about the term, identify and analyze the concept who have these educational actors themselves and their students as creative and value attributed to him, and to identify and analyze factors contributing to the development of self-concept or self-worth positive or negative student-teachers and advisers in relation to be creative. The design of the investigation was Exploratory Phenomenology, using the 'Qualitative method, due to the objectives’ requirements, now that researchers have tried to understand the phenomenon of creativity and its significance in the education of pre-school teachers in indigenous communities, from a subjective perspective of each participant and from the constructed collective perspective; for its objectives, the investigation was basic and not applied. The elaboration of the instruments that allowed the collection, organization and systemization of the information followed the Abric (2001) indications referring to the interrogative and associative methods. As the understanding and explanation of the characteristics of creativity cannot be covered in only one theoretical construct, we carried out the exercise of joining three constructs: The Implicit Theories, Social Representations and Language Philosophy, specifically the semantic and pragmatic

This article deals with the importance of developing creative competencies in business sciences professionals, specifically marketing. It seeks to show the scope and advantages found in the development of lateral thinking so as to achieve a more empathetic relationship between business managers and their target audiences within a globalized economic context requiring greater personalization and social emphasis on corporate actions. This all is addressed from the parallel experience in creative and business schools, with the new approaches in business planning based on lateral, iterative, and cooperative thinking exercises as a starting point, and existing innovations as an example. The goal is to generate model proposals that can be integrated into the curriculums, and can shorten the gaps expressed today by independent business schools as opposed to the typical university academic model, and also to provide for the generational gaps existing in new consumers. / El presente artículo expone la importancia de formar competencias creativas en los profesionales de las ciencias empresariales, específicamente de mercadotecnia. Busca mostrar los alcances y ventajas que ofrece el desarrollo del pensamiento lateral, a fin de lograr una relación más empática entre los gestores de la empresa con sus públicos en un contexto económico globalizado que requiere de mayor personalización y énfasis social de las acciones corporativas. Se aborda desde la experiencia paralela en escuelas creativas y de negocios, partiendo desde los nuevos enfoques de la planificación de negocios basada en ejercicios de pensamiento lateral, iterativo y de cooperación; tomando como ejemplo las innovaciones producidas. Se busca generar propuestas de modelos que se integren a los currículums, que acorten las brechas que hoy se expresan desde escuelas de negocio independiente frente al modelo academicista de las universidades; así como atender a las brechas generacionales que se imponen en nuevos consumidores.

Conferencia presentada como parte de los Ad days UPC 2019. Juan Camilo Correo. VP de Cuentas en Wunderman Thompson. / El expositor propone un nuevo modelo de agencia orientado a generar experiencias relevantes: Es el paso de emisor a agente de valor.

El objetivo del presente proyecto profesional es generar una propuesta que busque promover el hábito de lectura en niños mediante una metodología de investigación acción, tomando en consideración a los actores claves en el entorno del niño, tales como la familia y los docentes. Ahondando en el desarrollo de la investigación, esta presenta como punto de partida el proceso de exploración general de los conceptos, así como de los contextos, tanto nacional como internacional, en torno a la lectura. Ello conlleva a la delimitación del público objetivo sobre la base de los objetivos de investigación y a la exploración de sus necesidades a través de los procesos de Empatización, para de esa forma idear propuestas que satisfagan la problemática abordada. El resultado de la tangibilización de ideas se ve reflejado en la generación de prototipos, los cuales deberán ser testeados para así obtener el feedback necesario que logre desembocar en un prototipo final. El resultado de esta investigación, por tanto, deviene en una plataforma tecnológica de aprendizaje adaptativo orientado a promover el hábito de la lectura en niños a través de un sistema evaluativo que considera a los colegios como punto de acceso y a los docentes como involucrados y facilitadores en la consecución de este objetivo. / Proyecto Profesional

Tesis para optar al Grado de Magíster en Educación Mención Currículo y Comunidad Educativa