Made available in DSpace on 2014-12-02T11:16:51Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-03-21Bitstream added on 2014-12-02T11:21:19Z : No. of bitstreams: 1 000747036.pdf: 1938551 bytes, checksum: edd36c7647295b651940848c419de900 (MD5) / Este trabalho trata dos processos fonético-articulatórios da voz cantada que se desenvolvem na justaposição entre a sílaba verbal e a nota musical, considerados como os mínimos componentes que formam a linha melódica. Em nossa hipótese, a boa formação articulatória da linha melódica depende do controle dos processos articulatórios que se desenvolvem nos âmbitos interno e externo das sílabas, acoplados aos processos articulatórios que definem as fases do envelope dinâmico das notas. Como referência para o tratamento destes processos articulatórios, no contexto dos estudos sobre a dicção aplicada ao canto, propõe-se o modelo teórico de representação da ‘sílaba melódica’. Este modelo toma como base a estrutura de uma sílaba verbal constituída por três subcomponentes (ataque, núcleo e coda), acoplada a um modelo de envelope dinâmico da nota musical em três fases (ataque, sustentação, relaxamento). No contexto deste trabalho, chamamos de ‘abordagem articulatória’ o uso da ‘sílaba melódica’ como recurso para as práticas pedagógicas interpretativas do canto. Esta proposta foi desenvolvida especificamente com base nas características articulatórias do português brasileiro, de maneira a referenciar o falante natural desta língua em relação ao português brasileiro cantado e à pronúncia cantada de outras línguas / This paper deals with the phonetic-articulatory processes of the singing voice due to the juxtaposition of the verbal syllable and the musical note, considered here to be the smallest components of the melodic line. In our hypothesis, good articulation of the melodic line depends on the control of the articulatory processes involved in the internal and external forms of the syllables, coupled with the articulatory processes which define the phases of the dynamic envelope of the notes. As a reference for the treatment of these articulatory processes, in the context of studies of diction applied to singing, we propose the theoretical representation of the ‘melodic syllable’. This model has as its base the structure of the verbal syllable made up of three subcomponents (attack, nucleus, coda), coupled with the model of the dynamic envelope of the musical note in three parts (attack, sustain, release). In the context of this work, we refer to ‘articulatory treatment’ of the use of the ‘melodic syllable’ as a resource for the pedagogic practice of song interpretation. This proposal was developed specifically using the articulatory characteristics of Brazilian Portuguese, in order to give the native speaker of this language a reference in relation to sung BP for the sung pronunciation of other languages

Este trabalho tem por objetivo central compreender como se articulam práticas musicais de estudantes da Educação de Jovens e Adultos (EJA). Aborda sobre questões de repertório, divergências e convergências de interesses, entre universos musicais de estudantes de distintas gerações no contexto educacional da EJA. Investiga sobre práticas daqueles/as que não se encontram em idade considerada “ideal” para iniciar ou aprofundar sua formação escolar nessa área, embora a apropriação e a transmissão da música ocupe um lugar importante em suas cotidianidades A metodologia utilizada é o estudo de caso, tendo como campo empírico uma instituição escolar da EJA, localizada em Porto Alegre. Foram realizadas observações nas aulas e oficinas de música, entre outros espaços, bem como entrevistas com dezessete estudantes cujas idades variaram entre 21 e 78 anos. A presente pesquisa está apoiada em estudos que abordam a temática geracional (Ariès, 1991; Debert, 1998; Salles Oliveira, 1999; Ferrigno, 2003; Brito da Motta, 2005, entre outros), e em estudos da Educação Musical (Small, 1984; Arroyo, 1999, DeNora, 2000; Souza, 2004). Os resultados revelam que uma co-educação musical se gesta entre os/as participantes da pesquisa. Sem perder de vista as diferenças, e em um contexto educacional que preza pela busca de relações igualitárias, aprendizagens musicais mútuas entre gerações, se tecem nesse cenário.

Orientador : Profª. Drª. Silvana R. Scarinci / Dissertação (mestrado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Artes, Comunicação e Design, Programa de Pós-Graduação em Música. Defesa: Curitiba, 25/02/2016 / Inclui referências : f. 103-106 / Resumo: O presente trabalho trata sobre a vida, obra e voz do famoso cantor do início do Período Barroco Francesco Rasi. Conhecido por ter personificado o personagem de Orfeu na ópera homônima de Claudio Monteverdi, a figura desse cantor, apesar de célebre em sua época, encontra-se em nossos dias desprovida do merecido realce. Rasi, que também foi poeta, instrumentista e compositor teve significativa contribuição para o desenvolvimento e estabelecimento da música criada na Itália no início da primeira metade do século XVII. Membro da Camerata Florentina esteve envolvido na execução das produções florentinas e mantovanas de diversos dos mais proeminentes autores da época, como, Cini, Belli, Peri, Monteverdi, Gagliano e Chiabrera. Suas composições se encontram entre os primeiros exemplos da monodia no mundo. Sua trajetória é analisada do ponto de vista pessoal, profissional e por fim vocal. Para tanto, buscamos reunir dados biográficos a seu respeito que juntamente com os relatos obtidos sobre sua carreira como cantor, possibilitaram a construção de um quadro maior sobre formação da figura do primeiro cantor de ópera da história e de como este atuou auxiliando na formação do gênero operístico. Uma análise da técnica vocal e dos ideais do canto barroco, da afinação utilizada pelos músicos naqueles dias e nas localidades onde ele atuou, em conjunto com as obras por ele executadas e compostas, também é feito no sentido de esclarecer qual seria sua classificação vocal transportada para os dias de hoje. Palavras Chave: Francesco Rasi. Canto Barroco. Voz. Ópera. Monteverdi / Abstract: The present work is about the life, works and voice of the famous singer from the beginning of the Baroque Period, Francesco Rasi. Mostly known for having personified the character of Orpheus in Monteverdi's homonymous opera, this singer, although famous on his days, is now quite forgotten. Rasi, who was also a poet, a composer and an instrument player, had a significant contribution for the development and establishment of the music created in Italy on the beginning of the first half of the XVII century. Member of the Florentine Camerata he was involved in the execution of the Florentine and mantuan productions of many of the most important authors of that time like Cini, Belli, Peri, Monteverdi, Gagliano and Chiabrera. His compositions are among the first examples of the monody in the world. His trajectory is analyzed from the personal, professional and vocal point of view. In order to do so we gathered biographic data about him that, along with descriptions of his carrier as a singer, made possible the construction of a larger picture regarding the formation of the figure of the first opera singer and how he helped the formation of the operatic gender. A analysis of the vocal technique and ideals of the baroque singing, of the tuning used by the musicians of those days and localities where he performed, in conjunction with the pieces performed and composed by him, is also accomplished in this work in order to clarify what would be his vocal type transported to the one we use today. Key Words: Francesco Rasi. Baroque Singing. Voice. Opera. Monteverdi.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:27:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2005Bitstream added on 2014-06-13T19:56:14Z : No. of bitstreams: 1 freitas_mtb_me_ia.pdf: 736347 bytes, checksum: cd981c7edc6e7df7e1d2956d7f5bab0e (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / Este trabalho se constitui de uma pesquisa acerca do ensino e da prática pianística, focando, especialmente, a corporalidade gestual implicada no fazer musical, que se investiga na sua complexidade em contraposição às formas do ensino tradicional do piano, ensino este que se constituiu a partir de parâmetros mecaniscistas, em uma abordagem da execução musical dentro de uma concepção técnica profissionalizante, desenvolvida, sobretudo, nos conservatórios, desde de sua criação, e tendo como objetivo a formação instrumentistas virtuoses. A compreensão do gesto musical, em sua multidimensionalidade, é buscada através de uma metodologia interdisciplinar, localizada e fundamentada na espistemologia, ciência a partir da qual se situa o objeto desta pesquisa entre as atividades cognitivas relativas ao conhecimento musical. Desta forma, o trabalho referencia o gesto musical primeiramente na unidade complexa do índividuo e sua expressão, da qual parte o conhecimento. A unidade do sujeito é investigada sob diferentes ângulos, quais sejam, na integridade e intereção de suas funções cognitivas, de suas funções emocionais e psíquicas e de suas funções corporais, e, em especial, em relação à música, tomada como expressão completa e integrada deste indivíduo multideterminado. Situada a concepçao unitária de complexidade do conhecimento e do seu sujeito, e localizando as questões que surgem na abordagem tecnicista, este estudo destaca a presença e a expressão das funções humanas no corpo do índividuo, mostrando na prória corporeidade do sujeito a interação de todas as suas instâncias. Revela-se o corpo como protagonista natural, tanto nas funções psíquicas, quanto intelectuais, constituinte das emoções bem como parâmetro e fundamento das ações cognitivas... / This essay consists of a research involving the teachings and practice of the piano, especialy the corporal gestures involved in the making of music, which is investigated in is´s complexity oposed to the forms of traditional teachings of the piano, teachings that consist of mechanical parameters, in a aproach of the musical execution within a tecnical conception, professionalizing, developed, overall, in conservatories, since its creation, and having in mind the formation of virtuous instrumentalists. A comprehention of the musical gesture, in its multidimensionality, is achieved throug a interdisciplinary methodology, located and fundamented en epistemology, a since in which the object of this research, among cognitive activities related to musical knowledge. The essay makes reference to the musical gesture primarily in the complex unit of the individual and his expression, of which knowledge is part. The unit of the subject is investigated from many points of wiew, wichever they are, in the integrity and interaction of his cognitive functions, of his emotional and psycological functions, and of his body functions, and specialy related to music, taken as a complex expression and incorporated in this multi-determined individual. Placed in a unitarian and systemic conception of the complexity of the knowledge and of its subject, and locating the matters that arise in the technicists aproach, this study highlights the presence and the expression of the human functions in the individual´s body, showing in its own body interaction in every instance. The body reveals itself as the main attraction naturaly, in psycological functions, and intelectual as well, container of emotionsas well as a parameter and basis... (Complete abstract click electronic access below)

Resumo: O presente trabalho resulta de um estudo sobre a participação do corpo na performance musical, desde a preparação do repertório até a sua apresentação no espetáculo, abordando-se o corpo do violonista não apenas como aquele que toca um instrumento, mas também buscando outras possibilidades de atuação, mais especificamente o elemento cênico. Verifica-se de que forma as experiências teatrais e de expressão corporal, podem auxiliar na performance do músico. Com base em referencial teórico explicitar-se-á a diferença entre performance e interpretação musical, a primeira como fruto da segunda. Através da relação entre corpo, música e técnica, serão enfatizados vários elementos considerados essenciais para uma melhor compreensão musical e, conseqüentemente, para a prática da performance musical. Estabelecendo analogias entre a performance musical e a performance teatral, assim como semelhanças e diferenças entre texto musical e texto literário, a proposta apresentada é de uma nova possibilidade de recital camerístico, tomando como exemplo três espetáculos realizados entre os anos de 2005 e 2009.

Orientadora : Profª. Drª. Valéria Lüders / Dissertação (mestrado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Artes, Comunicação e Design, Programa de Pós-Graduação em Música. Defesa: Curitiba, 10/02/2017 / Inclui referências : f. 117-123 / Resumo: A presente pesquisa estudou a aprendizagem musical no contexto de coral infantil, por meio do processo criativo aliado ao movimento corporal, como recurso pedagógico. Especificamente, esses foram os objetivos: a) investigar a proposta do Sistema Laban para a prática coral infantil; b) estudar o processo de ensino e aprendizagem na perspectiva histórico-cultural de Lev S. Vigotski; e c) compreender a relação entre o processo criativo e os movimentos corporais na apropriação de conteúdos musicais. A hipótese para esse estudo é a de que a aprendizagem musical da afinação vocal, reprodução rítmica, identificação melódica e pulsação é facilitada quando o foco do trabalho são as práticas de movimentos corporais durante o processo criativo. Os pressupostos desta pesquisa relacionados à aprendizagem e desenvolvimento humano, foram fundamentados na teoria histórico-cultural de Lev S. Vigotski (2002, 2010, 2014), a qual compreende que estes processos são construídos nas relações com o meio, por intermédio de trocas entre parceiros sociais no processo de interação e mediação. O estudo do movimento foi compreendido na perspectiva de Rudolf Laban (1978, 1990), sob a ótica da Dança Educativa Moderna, e no tratamento do movimento corporal em suas relações com os quatro fatores de movimento: Tempo, Espaço, Fluxo e Peso. Quanto ao processo criativo, este estudo foi referenciado na perspectiva dos dois teóricos, Vigotski (2014) e Laban (1990). Optou-se pela pesquisa-ação, por oportunizar a intervenção no processo educacional. A ação pedagógica aconteceu em um grupo coral formado com crianças de 7 a 12 anos de idade, regularmente matriculadas em uma escola da Rede Municipal de Ensino de Curitiba/PR. As aulas foram filmadas, com duração de uma hora e trinta minutos cada uma, totalizando em 19 horas e 30 minutos. Realizou-se uma avaliação, por meio da aplicação de um instrumento construído especificamente para esta pesquisa, aplicado individualmente para identificar o conhecimento musical dos participantes, anteriormente ao início da ação pedagógica, tendo sido o mesmo instrumento de avaliação, aplicado ao final das 19 horas e 30 minutos de aula. Ao final do estudo, constatou-se que é possível aprendizagem dos conteúdos musicais afinação vocal, reprodução rítmica, identificação melódica e pulsação utilizando-se como ferramenta pedagógica o processo criativo associado ao movimento corporal em aulas de canto coral. Como contribuição à área de Educação Musical e à produção científica em geral, apontou-se com este estudo, reflexões relativas ao corpo e ao processo criativo, no fazer musical. Palavras-chave: processo criativo; movimento corporal; prática coral infantil. / Abstract: The present research studies the way children learn music through creative process and corporal movement, as pedagogical resource. Specifically, has as objectives: a) to investigate the proposal of the Laban's System to the practice of children's choir; b) to study the process of teaching and learning in the cultural-historical perspective of Lev S. Vigotski; and c) to understand the relation between the creative process and the body movements on the appropriation of musical contents. The hypothesis of this research is that learning music: vocal pitch, rhythm reproduction, melodic identification and pulse; it is facilitated when the focuses of the work are the body movement's practices during the creative process. The postulates of this research, related to learning and human development, are based on Lev S. Vigotski's cultural- historical theory (2002, 2010, 2014). This theory includes these two processes built in relation to social area, through exchanges between social partners in the interaction and mediation process. The study of the movement comes from the perspective of Rudolf Laban (1978, 1990) and is thought along with Modern Educational Dance. The treatment of the corporal movement is linked with the four factors of movement: Time, Space, Flow and Weight. As for the creative process, this study is referenced in the perspective of the following two theoretical names: Vigotski (2014) and Laban (1990). We opted for action research, allowing intervention in the educational process. The pedagogical action was carried out with a children choir of children from 7 to 12 years old who were regularly enrolled in a school of the Curitiba/PR Municipal Teaching System. The classes have been filmed, they lasted one hour and thirty minutes each one, which includes in total nineteen hours and thirty minutes. It is in the context of this research that we created a tool to carry through an evaluation. We used that tool with all the children to check their previous knowledge of music before the beginning of the pedagogical action and at the end of the 19 hours and 30 minutes of class, using the same tool for evaluation. At the end of the study, we attest that it is possible to learn the following musical contents: vocal tuning, rhythmic reproduction, melodic identification and pulse using the creative process associated with body movement as a pedagogical tool in choir singing lessons. As a contribution to Music Education and to scientific production in general, the present study had pointed reflections about the body and the creative process, in music making. Keywords: Creative process; body/subject; children choir.

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Orientador : Profª. Drª. Salete Kozel / Coorientadora : Profª Drª Francine Barthe-Deloizy / Tese (doutorado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Ciências da Terra, Programa de Pós-Graduação em Geografia. Defesa: Curitiba, 28/03/2016 / Inclui referências : fls. 178-183 / Área de concentração : Espaço, sociedade e ambiente / Resumo: O objetivo desta tese é fazer uma interpretação geográfica da música rondoniense. Para isso nos propomos a elaborar uma teoria que tenha como núcleo central o conceito de paisagem musical e, através dele, desenvolver uma interpretação "poético-geográfica" da música, descobrindo como a experiência de ouvir música é capaz de nos colocar em relação com o mundo e com os lugares. O suporte teórico-metodológico fundamenta-se nas propostas e abordagens das geografias humanista e cultural. Temos ainda como suporte o pensamento de Jean-Marc Besse, filósofo francês interessado na epistemologia da geografia e da paisagem; Eric Dardel, o qual propõe uma visão fenomenológica para a geografia; Martin Buber, filósofo conhecido por desenvolver uma filosofia do diálogo e; Gaston Bachelard, o filósofo das imagens poéticas. O problema central pode ser configurado da seguinte forma: Como o conceito de paisagem pode contribuir para uma interpretação geográfica da música? Partimos da hipótese de que as músicas possuem a capacidade de transportar o ouvinte, projetando-o a se conectar com espaços da mente e do mundo. As músicas, por meio de sua base sonora propiciam uma pluralidade vivencial que não se resume ao sonoro. O verbal, o sonoro e o imagético se encontram na experiência do ouvir música. E é a partir dessa experiência que emerge a paisagem musical. Buscando compreender essa paisagem, constatamos que em Rondônia temos heranças culturais ainda não completamente compreendidas e mapeadas. No entanto, é possível identificar uma célula musical criativa e diferente, que traz em si seus caracteres específicos. Uma linguagem emerge daí, os maneirismos caracterizam um estilo próprio que revaloriza termos locais e ao mesmo tempo cria novos termos, tais como: beradero, caboco, MPBera... Esses termos e outros - elementos de uma paisagem musical específica - fortalecem o sentimento de pertencimento e corroboram para uma possível identidade cultural a partir da música. Para a análise geográfica das músicas optamos por uma divisão temática que se configurou em três pares de conceitos, que são: amor e felicidade, ética e liberdade, cultura e identidade. Palavras-chave: geografia, música, paisagem, paisagem musical, relação. / Résumé: L'objectif de cette thèse est de faire une interprétation géographique de la musique rondônienne. Pour cela, nous proposons d'élaborer une théorie qui a comme noyau central le concept de paysage musical et, à travers lui, de développer une interprétation " poétique-géographique " de la musique, en découvrant comment l'expérience d'écouter de la musique est capable de nous mettre en relation avec le monde et avec les lieux. Le support théorique- méthodologique est fondé sur les propositions et les approches de la géographie humaniste et culturelle. Nous avons aussi comme support la pensée de Jean-Marc Besse, philosophe français intéressé à l'épistémologie de la géographie et du paysage; Eric Dardel, lequel propose une vision phénoménologique de la géographie; Martin Buber, philosophe connu pour le développement d'une philosophie du dialogue, et Gaston Bachelard, le philosophe des images poétiques. Le problème central peut être défini de la façon suivante : Comment le concept de paysage peut-il contribuer à une interprétation géographique de la musique ? Nous partons de l'hypothèse que les musiques possèdent la capacité de transporter l'auditeur, le projetant à se connecter avec des espaces de l'esprit et du monde. Les musiques, au moyen de leur base sonore, apportent une pluralité existentielle qui ne se résume pas au sonore. Le verbal, le sonore et l'imagétique se rencontrent dans l'expérience d'écouter de la musique. Et c'est à partir de cette expérience qu'émerge le paysage musical. En cherchant à comprendre ce paysage, nous avons constaté qu'en Rondônia, nous avons des héritages culturels non encore pleinement compris et cartographiés. Cependant, il est possible d'identifier une cellule musicale créative et différente, qui apporte en elle-même ses caractères spécifiques. Un langage émerge alors, les maniérismes caractérisent un style propre qui revalorise des termes locaux et, en même temps, crée de nouveaux termes, tels que : béradêro, caboco, MPBera... Ces termes et d'autres - éléments d'un paysage musical spécifique - renforcent le sentiment d'appartenance et corroborent une possible identité culturelle à partir de la musique. Pour l'analyse géographique des musiques nous avons opté pour une division thématique qui se configure en trois paires de concepts, que sont : l'amour et le bonheur, l'éthique et la liberté, la culture et l'identité. Mots-clé : géographie, musique, paysage, paysage musical, relation.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 115698.pdf: 45824073 bytes, checksum: dfec466a8000268236eb207712729e20 (MD5) Previous issue date: 2014-03-21 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Arquivo protegido, não foi possível copiar resumo

Orientadora: Sonia Ray / Banca: Rogério Luiz Moraes Costa / Banca: Valerie Albright / Acompanha o CD "Umagoma - Estudos " e o DVD com o recital de defesa / Resumo: A improvisação livre, por suas características sui generis, traz ao campo da preparação para performance uma problemática diversa daquela encontrada a partir do seu estudo fundado na música tradicional, idiomática, seu objeto preferencial. Este trabalho investiga os elementos e a eficácia da preparação para a performance do contrabaixo na improvisação livre, visando a um só tempo contribuir para o estudo da preparação para performance musical, como também fornecer subsídios para a preparação e prática da improvisação livre no contrabaixo. A partir de uma revisão bibliográfica sobre os temas da improvisação livre e da preparação para performance, busca-se definir os elementos específicos necessários à preparação para performance da improvisação livre, fazendo uma análise de sua aplicação na preparação para performance musical. Discute-se também as bases conceituais da improvisação livre, buscando uma maior compreensão desta prática. Por fim, sugere-se guias para a prática da improvisação livre no contrabaixo através de estratégias e exercícios, com o intuito de estimular o conhecimento e o uso desta prática entre estudantes e músicos em geral. / Abstract: Free improvisation, regarding its unique characteristics, brings to the performance field of research a diverse problematic that is found in studies based on the traditional, idiomatic music, its preferential object. This work investigates the elements and efficiency of the free improvisation performance preparation on the double bass, aiming both to contribute to the musical performance study and to provide subsidies to the free improvisation preparation and practice on that instrument. From a literature review on the themes related to the free improvisation and performance preparation, this paper seeks to define the specific elements needed to the free improvisation performance preparation, analyzing its application in musical performance, broad sense. It also discusses the conceptual basis of the free improvisation, in order to enlarge this practice's comprehension. Guides to the initial approach to free improvisation on the double bass are presented, in order to stimulate the student and general musician to this practice. / Mestre