anglicky: Title of the thesis: Louis Leger, mediator of the Czech-French cultural relationships. Key words: Louis Leger, Slavic studies, Collège de France, correspondence, policy, Frantisek Palacky, Frantisek Ladislav Rieger, Ernest Denis, Hanus Jelinek, Karolina Svetla, Sobeslav Pinkas, Jan Neruda. Abstract: Louis Leger, french Slavophile, Slavicist and promoter of Czech issues in France in the second half of the 19th century, led correspondence with leading figures of the French nation as well as with the personalities of the Slavic word. Leger's correspondence with the Czech national elite is evidence of his interest in the Czech issue. Correspondence written in Czech and French is stored in the Literary Archive of the Museum of Czech Literature in Prague. The aim of this thesis is to discuss the Leger's written correspondence and present its contents to readers with regard to the historical context.

Cette thèse s’intéresse à la lisibilité de la littérature — à la lisibilité d’une certaine littérature : française, contemporaine, une littérature qu’on classe plus souvent qu’autrement du côté du champ poétique. Au départ, un simple constat : certains livres sont difficiles à lire. Parfois, on va même jusqu’à dire qu’ils sont illisibles; si ce jugement ne saurait fournir un concept rigoureux pour décrire les textes, il soulève toutefois un certain nombre de questions qui, elles, sont au cœur de cette thèse. Car il n’y a rien d’illisible en soi : l’illisible n’est pas une propriété, mais un jugement qui traduit une impasse de lecture. Ainsi, les verdicts d’illisibilités ont des causes et des conséquences très variées. L’illisible est situé : on peut difficilement l’aborder hors de ses circonstances, puisqu’il renvoie moins à un contenu spécifique qu’à une expérience. Il ne s’agit donc pas, ici, de lever l’incompréhension que l’on peut ressentir devant certains textes, mais bien d’interroger la place qu’elle occupe dans nos façons de lire et dans notre rapport à la littérature. Cette thèse se propose de réfléchir à ces questions en abordant, sous le mode du dialogue, les œuvres de Jean-Michel Reynard, Christophe Tarkos, Denis Roche, Anne-Marie Albiach, Jean-Marie Gleize, Christian Prigent, Valère Novarina et Pierre Guyotat. Ces œuvres n’occupent pas toutes la même place dans cette thèse. En ce sens, l’objectif n’est pas de les épuiser mais de soulever un certain nombre de questions à travers elles. Des questions différentes selon les œuvres, selon les écrivains, mais qui sont traversées par un même fil conducteur : l’expérience littéraire. À partir de situations chaque fois singulières, il s’agit ainsi d’éclairer certains aspects, certaines modalités de l’expérience littéraire. Les deux pôles de cette expérience sont ici l’écriture et la lecture, auxquelles il faut associer les figures de l’écrivain et du lecteur, qui occupent dans cette thèse une place centrale. La perspective est donc généraliste, qui soulève des questions tantôt poïétiques, axées sur la façon dont les écrivains vivent la genèse de leurs œuvres, et tantôt plus poétiques, voire politiques, qui renvoient plutôt à la façon dont les lecteurs font à leur tour l’expérience de ces textes à la singularité parfois radicale. En somme, les objectifs de cette thèse sont : 1) d’éclairer sous un nouvel angle les œuvres étudiées; 2) à travers leur exemple problématique, de poser les bases d’une réflexion sur la lisibilité, qui accorde une large place à la posture des écrivains et à la façon dont ils vivent la genèse de leurs œuvres; et 3) de contribuer aux études sur la genèse, la réception et la médiation des œuvres littéraires en réfléchissant à nos façons de vivre (avec) la littérature. / This dissertation focuses on the readability of literature—on the readability of a certain literature: French, contemporary, a literature that is more often than not classified in the poetic field. At first, a simple observation: some books are difficult to read. Sometimes we even get so far as to say they are unreadable; if this judgment cannot provide a rigorous concept to describe the texts, it nevertheless raises a number of questions which are at the heart of this dissertation. For there is nothing unreadable in itself: the unreadable is not a property, but a judgment that translates an impasse in reading. Thus, the verdicts of unreadability have varied causes and consequences. The unreadable is situated: it is difficult to approach it outside of its circumstances, since it refers less to a specific content than to an experience. The objective here is not to alleviate the misunderstanding that can be felt in front of certain texts, but rather to question the place it occupies in our ways of reading and our relation to literature. This dissertation proposes to reflect on these questions by approaching the works of Jean-Michel Reynard, Christophe Tarkos, Denis Roche, Anne-Marie Albiach, Christian Prigent, Valère Novarina and Pierre Guyotat. These works do not all have the same place in this dissertation. In this sense, the aim is not to exhaust them but to raise a number of questions through them. Different questions according to the works, according to the writers, but which are crossed by a common thread: the literary experience. From singular situations, the goal is thus to understand certain aspects, certain modalities of the literary experience. The two poles of this experience are writing and reading—related to those are the figures of the writer and the reader, which occupy an important place in this dissertation. Therefore, the perspective is broad, which raises questions sometimes of poietic, centred on the way writers live the creation of their works, and sometimes more of poetic, even politic, which rather refer to the ways in which readers, on their side, experience these radically singular texts. In short, the objectives of this dissertation are: 1) to study these works from a new angle; 2) through their problematic example, to lay the foundations for a reflection on readability that gives a large place to the writers’ posture and the way they live the creation of their works; and 3) to contribute to studies on creation, reception and mediation of literary works by reflecting on our ways of living (with) literature.

Ce mémoire, qui s’intéresse aux enjeux de l’imbrication du philosophique et du romanesque chez les penseurs des Lumières françaises, cherchera à mettre de l’avant la contribution originale de Denis Diderot à la réflexion philosophique sur le roman, de même qu’à l’exploration des ressources littéraires permettant de philosopher par le roman. Nous nous proposons, dans un premier temps, d’examiner ce qui relève d'une théorisation explicite de l'écriture des fictions narratives dans l’oeuvre du philosophe langrois. Nous nous attacherons à montrer comment l’approfondissement des thèses de son matérialisme, ainsi que les déceptions consécutives à ses projets de réforme du théâtre, sont venus bouleverser les conceptions esthétiques et morales qui formaient le premier horizon normatif à partir duquel Diderot envisageait les modalités idéales de l'écriture et de la réception romanesques. Puis, dans un deuxième temps, nous chercherons à faire voir comment Diderot, à titre d’auteur de fictions narratives, entreprend une exploration aussi originale que féconde des ressorts proprement philosophiques de l’écriture romanesque. Les dernières sections de notre étude seront consacrées à une lecture approfondie de Jacques le fataliste et son maître. Nous tâcherons d’abord d’en dégager les principales ressources mises au service de la formation d’un lecteur de romans plus lucide et plus critique. Puis, nous chercherons à mettre en lumière de quelle façon cette propédeutique, si elle réussit, doit ultimement conduire le lecteur à entamer un véritable dialogue avec l’oeuvre, tant sur les questions métaphysiques et ontologiques qu’entraîne le « fatalisme » de Jacques, que sur les enjeux moraux qui en découlent. / This thesis, which deals with the interweaving of philosophy and literature in the work of French Enlightenment thinkers, seeks to shed light on Denis Diderot’s unique contributions to philosophical reflection on the novel, as well as to the exploration of the literary resources that make it possible to delve into philosophical issues through the novel. Beginning with an examination of Diderot’s explicit theories about writing narrative fiction, it argues that the outgrowth of his materialism and the disenchantment following his attempts at theatre reform upended the aesthetic and moral basis for the initial normative framework underpinning his analysis of how fiction is ideally written and received. It goes on to examine how Diderot, as a novelist, undertook an innovative and fruitful exploration of the unsuspected philosophical resources that narrative fiction offers. The final sections are devoted to a close reading of Jacques the Fatalist and His Master, beginning with an attempt to identify the main resources it deploys to train more lucid and critical readers of fiction. The thesis then seeks to show how this knowledge base, if successfully transmitted, ultimately leads the reader to engage in a genuine dialogue with the work, both in terms of the metaphysical and ontological issues raised by Jacques’ “fatalism” and the moral issues that ensue.

The Rococo period in the arts, flourishing mainly from about 1710 to about 1750, was stylistically unified, but nevertheless its tremendous productivity and appeal throughout Occidental culture has proven difficult to explain. Having no contemporary theoretical literature, the Rococo is commonly taken to have been a final and degenerate form of the Baroque era or an extravagance arising from the supposed careless frivolity of the elites, including the intellectuals of the Enlightenment. Neither approach adequately accounts for Rococo style. Naming the Rococo raises profound issues for understanding the relations between conception and production in historical terms. Against the many difficulties that the term has involved in accounting for an immense but elusive cultural movement, this thesis argues that some of the chief philosophical conceptions of the period clarify the particular character and significance of Rococo production. Rococo production is here studied chiefly in decor, architecture, and the plastic arts. This thesis also makes an extended general argument for the value of intellectual history. Rococo style is a group of visual effects of which the central character is atectonicity. This is established by a synthesizing overview of Rococo ornamental motifs. Principal theorists of post-Cartesian thought have failed to see how these distinguish Rococo style from both Baroque and Enlightenment culture. The analysis addresses the historical narratives of Benjamin, Adorno, Foucault, Deleuze, and others about Baroque and Enlightenment culture. The core historical claim of this thesis is that Rococo atectonic effects are visual forms of the anti-materialist, idealist ontology of George Berkeley and of the metaphysics and ontology in the early work of Giambattista Vico. Close readings of important passages from works of both philosophers published in 1710 develop the relationship between atectonics and idealist ontology. Both men rejected the Baroque hierarchical cosmology in favor of finitude as the key to human understanding. The readings center on the issue of causality, including Berkeley's views of the perfect contingency of the world and on Vico's theories of truth and ingenium. A reading of Diderot's critique of the Rococo, which led the reaction to it, shows that he recognized the power of idealist ontology in the Rococo cultural production. The larger force in the rejection of Rococo is the emergence of the sublime as a morally fearful feature of physical nature. Montesquieu's aesthetic work also shows the transition to a more rigidly determined view of existence, which was expressed but constrained in the little-recognized lattice motif in Rococo arts. The result of these readings is the influence during and after the Rococo period of the concept of continuous creation, in which the memory and imagination of the human subject relays God-given powers of creation into the production of culture. Continuous creation also suggested a human capability to animate material nature. Rococo style displays this as a pre-cinematic effects that represent the non-material, non-causal deep structure of reality.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

À la question soutenant cette recherche : « comment la naissance symbolique du sujet croyant apparaît-elle à la lecture du livre de Jonas? », nous émettons l'hypothèse qu'un tel processus ne peut s'accomplir que par l'acte de parole. Le titre de ce travail : Avènement symbolique du sujet croyant par la parole : une lecture de Jonas souhaite évoquer l'interrogation et l'hypothèse initiales. Se présentant selon nous comme un modèle dans ce domaine, Jonas est considéré, dans cette présente étude, avant tout sous l'angle de porteur de la Parole. Dans le premier chapitre de notre travail intitulé Jonas un livre ouvert, nous rencontrons les diverses approches de ce petit prophète au cours des âges. Le deuxième chapitre ayant pour titre Construction d'une grille de lecture pour le livre de Jonas, présente le concept de la Parole élaboré par le psychanalyste Denis Vasse. Enfin, le troisième et dernier chapitre intitulé Analyse de Jonas le crieur, propose une lecture du livre de Jonas éclairée à la fois par une analyse de type synchronique et par des extraits des ouvrages de Vasse mis en parallèle avec le récit. / The title of this paper, Symbolic Becoming of the Believing Subject through Speech: a Reading of the Book of Jonah, evokes both the question and the hypothesis underlying this research. The question reads as follows: "How does the symbolic birth of the believing subject appear in the book of Jonah?" Our hypothesis states that an act of speech is necessary for this process to be fulfilled. Jonah appears as a model of this; in this study, he is considered first and foremost as bearer of the Word. The first chapter, entitled Jonah, an Open Book, shows different interpretations of this small prophet figure through the ages. The second chapter entitled Elaboration of a Reading Gridfor the Book of Jonah, analyses the concept of Speech proposed by the psychoanalyst Denis Vasse. The third and last chapter, an Analysis of Jonah the Crier, proposes a reading of the Book of Jonah based on a synchrony analysis of the text and on excerpts of the works of Vasse echoing the biblical story.

Cette thèse présente l'ensemble du parcours de création du metteur en scène québécois Denis Marleau, de la fondation de la compagnie de création UBU, qu'il dirige depuis 1982, jusqu'à 2005, année où est créé le spectacle Les Reines dont l'analyse du processus de création introduit ce travail. Construisant ses spectacles à partir d'œuvres littéraires et accordant une attention particulière à la profération du texte sur la scène par les acteurs, Marleau conçoit un théâtre s'inscrivant dans la mouvance du "théâtre de texte" qui se développe durant les années 1980, c'est-à-dire une pratique se fondant sur l'interprétation scénique d'une oeuvre textuelle, littéraire ou dramatique. Cette thèse observe le statut du texte dans les spectacles de Denis Marleau, en étudiant plus particulièrement le jeu des acteurs qui le profèrent. S'inspirant des œuvres littéraires qu'il met en scène, Marleau conçoit des modalités de jeu singulières qui éclairent en retour le texte. La perspective générale de cette thèse est ainsi la dramaturgie, entendue au sens de l'étude du passage entre le texte et la scène. Les différentes étapes du parcours de création du metteur en scène sont exposées à travers l'analyse de spectacles phares. Durant les années 1980, Denis Marleau conçoit des collages de textes appartenant aux répertoires des avant-gardes historiques. Pour interpréter ces collages, les acteurs développent des modalités de jeu où la théâtralité est exposée : gestes et diction sont artificiels et exacerbés. Marleau effectue un virage important au début des années 1990 lorsqu'il met en scène des pièces de Samuel Beckett, puis délaisse le collage pour se tourner vers des pièces "entières". Les modalités de jeu se transforment passablement, tandis que les acteurs conçoivent un jeu tout en retenue afin d'en favoriser la transmission limpide. La figure de l'auditeur apparaît dès lors de façon récurrente sur la scène de Marleau, figure qui écoute le texte proféré à l'instar du spectateur. Enfin, plus récemment, l'outil vidéo est utilisé sur la scène et participe autant à l'invention de nouvelles modalités de jeu qu'au raffinement de celles qui apparaissaient déjà dans les spectacles précédents. En commençant ce parcours dans les répétitions d'un spectacle, en procédant à l'analyse détaillée de trois spectacles et en évoquant plusieurs autres créations, cette thèse identifie différentes modalités de jeu afin de montrer l'évolution de la pratique du metteur en scène tout autant que la continuité dans sa vision esthétique. Si une rupture peut en effet être observée au tournant des années 1990, plusieurs modalités de jeu - le modèle de la marionnette, le jeu grotesque, le personnage-choral, la frontalité, entre autres exemples - sont récurrentes tout au long de son parcours. Le metteur en scène passe d'un "théâtre de l'exposition" à un "théâtre de la réduction", suivant les expressions élaborées dans cette thèse, mais il envisage le texte de la même façon, l'abordant comme une matière concrète, accordant autant d'importance au son et au sens des mots, et sa visée demeure semblable : Marleau souhaite trouver les stratégies pour le "faire entendre" avec clarté.

Titre de l'écran-titre (visionné le 8 février 2024) / Derrière l'école se cache la question des finalités éducatives. Et ces finalités, à travers les époques, témoignent immanquablement d'idéaux axiologiques propres à une aire géopolitique et culturelle donnée. L'histoire de l'éducation occidentale a été caractérisée par plusieurs éléments de continuité, mais aussi, à d'autres moments par quelques moments de rupture. Ce fut notamment le cas dans l'Europe du XVIIIᵉ siècle, où la pensée philosophique des Lumières, marquée, entre autres, par des idéaux d'égalité, d'émancipation et de raison, et par la volonté claire d'abolir l'Ancien régime, influencera grandement la pensée éducative contemporaine. Afin de mieux comprendre comment la conception éducative des penseurs des Lumières est teintée par des considérations sociopolitiques sous-jacentes, nous avons tenté de répondre à la question suivante : Quel type d'individu l'éducation doit-elle tendre à former ? Pour y répondre, nous avons analysé la pensée éducative de Diderot, de Kant et de Rousseau, telle qu'elle peut respectivement être circonscrite dans l'*Encyclopédie, Réflexions sur l'éducation* et l'*Émile*. Si leur conception éducative est teintée d'idéaux qui leur sont propres et que, par voie de conséquence, chacun envisage l'éducation selon des finalités spécifiques, ils s'entendent tous sur le fait que l'éducation devrait préparer le terrain pour la mise en place d'un nouveau contrat social, dans lequel chaque citoyen contribue à l'établissement d'une meilleure société. / Behind the school lies the question of the purposes of education. And, through the ages, these purposes automatically attest to axiological ideals of a given geopolitical and cultural area. The history of Western education has been characterized by several elements of continuity, but also by moments of disruption. This was particularly the case in 18th-century Europe, where the philosophical thought of the Enlightenment--known for its ideals of equality, emancipation and reason, as well as the clear desire to abolish the Old Regime--would greatly influence contemporary educational thought. In order to better understand how the educational design of the Enlightenment thinkers was coloured by the underlying sociopolitical considerations, we have attempted to answer the following question: What type of individual benefits from education? In response, we have analyzed the educational concepts of Diderot, Kant and Rousseau as described in l'Encyclopédie, *Lectures on pedagogy* and *Emile*, respectively. Even if their views differ due to ideals which are specific to each, they nevertheless agree on the fact that education should lead to the establishment of a new social contract, where every citizen contributes to a better society.

Cette étude comporte deux objectifs principaux. Le premier est de donner des ordres de grandeur et des gammes de variation des paramètres traduisant : (1) la taille, la masse volumique, la vitesse de chute des soudes transportés par temps de pluie à l'aval des réseaux d'assainissement; (2) la répartition, dans les rejets urbains de temps de pluie, entre pollution dissoute et pollution fixée sur ces solides, ainsi que la répartition de cette pollution entre classes de particules. Le deuxième objectif est de fournir des éclairages pour des options ou des solutions techniques visant à fonder une politique de lutte contre la pollution des rejets urbains par temps de pluie. La première partie de ce mémoire est consacrée aux questions de méthode (sélection des paramètres à mesurer, choix des sites de mesure, ajustement des procédures de prélèvement et de mesure). Nous analysons ensuite, dans la deuxième partie, les résultats obtenus au cours de neuf pluies, réparties sur quatre sites très différents par leur situation géographique, par la nature du réseau et par la dimension du bassin versant. La dernière partie aborde les trois thèmes suivants : (1) flux polluants et volumes associés ; (2) identification des sources de cette pollution ; (3) dimensionnement et mode de gestion des capacités à mettre en place pour intercepter et traiter la pollution.

François-Antoine-Valentin Riccoboni (1707-1772) représente un paradigme de la rencontre des cultures théâtrales italienne et française au XVIIIe siècle, du point de vue des pratiques scéniques, de la dramaturgie, de la poétique et de la théorie du jeu. Son travail d’acteur participe de l’esthétique italienne visant un jeu plus simple et naturel, qui aura plusieurs échos dans la réforme de la pratique scénique française, la critique contemporaine et la théorie du jeu. Son œuvre se développe dans le sillon de la tradition de la Comédie-Italienne de Paris, démontrant la persistance des processus de composition poétique typiques du savoir artistique italien. Danseur et maître de ballet, François expérimente les possibilités du ballet-pantomime au carrefour des influences choreutiques anglaises, foraines, et du jeu pantomimique italien. Son Art du Théâtre (1750) représente la translation de sa pratique scénique dans le domaine théorique et esthétique. Manuel à l’usage des aspirants acteurs, il revendique aussi une théorie fondée exclusivement sur la pratique du plateau. Aussi, définit-il pour la première fois une théorie du jeu qui repose sur les qualités rationnelles et imitatives de l’acteur, laquelle influencera notamment le Diderot du Paradoxe. Divisé en quatre parties, notre travail reconstruit la vie de Riccoboni (I Partie) ; essaie de saisir son jeu scénique en italien à l’impromptu, en français, dans le chant et dans la danse (II Partie) ; analyse son œuvre dramatique (III Partie) ; étudie l’Art du Théâtre (IV Partie). Deux volumes d’annexes rassemblent des documents d’archives inédits, le répertoire raisonné et l’édition des œuvres inédites de François. / François Antoine Valentin Riccoboni (1707-1772) exemplifies the intersection between Italian and French theatrical cultures in the 18th century in terms of staging practices, dramaturgy, poetics, and the theory of acting. Rooted in the Italian aesthetic, his acting aimed to achieve a style that was simpler and more natural and would be echoed in a number of ways in the reform of French stagecraft, contemporary criticism and the theory of acting. His work develops in alignment with the tradition of the Comédie Italienne in Paris, thus demonstrating the longevity of the process of poetic composition characteristic of the Italian artistic expertise. Dancer and ballet master, Riccoboni experiments with the possibilities of the ballet-pantomime at the juncture of influences from English dance, fairgrounds, and Italien pantomime. His Art du Théâtre (1750) proposes the transposition of his stage techniques in the areas of theory and aesthetics. A practical handbook designed for aspiring actors, it claims also to be a theory based solely on stage experience. It articulates, for the first time, a theory of acting based on the rational and imitative qualities of the actor, which will influence notably Diderot in Le Paradoxe. Divided in four parts, this doctoral dissertation retraces Riccoboni’s life (Part I); attempts to understand his stage craft in Italian all’improvviso, in French, in song and dance (Part II); analyzes his dramatic works (Part III); and studies his Art du Théâtre (Part IV). Two volumes of appendices offer previously unpublished archival sources as well as the annotated inventory and edition of previously unpublished texts by Riccoboni. / François Antoine Valentin Riccoboni (1707-1772) rappresenta un paradigma dell’incontro tra la cultura teatrale italiana e francese nel XVIII secolo, dal punto di vista della pratica scenica, della drammaturgia, della poetica e della teoria della recitazione. La sua arte attoriale partecipa dell’estetica italiana, tesa ad una recitazione più semplice e naturale, che avrà delle eco importanti nella riforma della pratica scenica francese, nella critica contemporanea e nella teoria della recitazione. La sua opera si sviluppa nel solco della tradizione della Comédie Italienne di Parigi, dimostrando la persistenza di processi compositivi tipici del sapere artistico italiano. Ballerino e maître de ballet, François sperimenta anche le possibilità del ballet-pantomime all’incrocio delle influenze coreutiche inglesi, foraines, e dell’arte scenica e pantomimica italiana. Il suo Art du Théâtre (1750) rappresenta la traslazione della sua pratica attoriale nel dominio teorico ed estetico. Manuale pratico all’uso degli aspiranti attori, esso rivendica inoltre una teoria fondata esclusivamente sulla pratica del palcoscenico e definisce per la prima volta un processo interpretativo basato sulle qualità razionali e imitative dell’attore, teoria che influenzerà particolarmente il Diderot del Paradoxe. Diviso in quattro parti, il nostro lavoro ricostruisce la vita di Riccoboni (I Parte); cerca di restituirne la pratica scenica nella recitazione all’improvviso, in francese, nel canto e nella danza (II Parte); analizza la sua opera (III Parte); studia l’Art du Théâtre (IV Parte). Due volumi di appendici raccolgono documenti d’archivio inediti, il repertorio ragionato e l’edizione delle opere inedite di François.