A presente pesquisa pretende refletir sobre a formação do cantar no cotidiano. O olhar investigativo repousou sobre a formação do cantar, que se modifica a partir das relações que o sujeito cantante estabelece com a sua voz e para além de sua emissão vocal. A pesquisa adotou como método investigativo o estudo de caso para abordar o cantar de dois sujeitos interessados em relatar o seu percurso de formação. A coleta de dados integrou materiais diversos cedidos pelos participantes, gravações de áudio de observações e entrevistas abertas. O foco de análise privilegiou a captura de cantares (passados, presentes e expectativas futuras) e espaços nos quais os sujeitos cantantes circulam, trabalham, vivenciam e experimentam o seu cantar. Essas histórias foram descritas visando ao desvelar do canto vinculado às experiências de vida na perspectiva teórica de Josso (2004) e no cantar diário à luz da sociologia do cotidiano de Pais (2003). Os resultados da pesquisa revelam trajetórias individuais de um saber fazer [cantar] que é/foi apreendido e aprimorado nas experiências de vida e no aqui e agora em que o cantar soa. É nesse contar [estudos de caso] que os sujeitos cantantes apresentam os processos de formação, as estratégias e formas de lidar, relacionar, conhecer e aprender. O presente estudo contribui para as reflexões sobre a aprendizagem e o ensino do canto, oferecendo subsídios para a formação de professores nesta área. / This research seeks to reflect on the formation of singing in daily life. The investigative look rested on the formation of singing, which changes from the relations that the singing person establishes with his or her voice, and beyond with his or her vocal emission. The research adopted as it's investigative method the case study to address the singing of two people interested in reporting their formation course. Data collection included various materials provided by participants, audio recordings of observations and open interviews. The analysis focused on the capture of singing (past, present and future perspectives) and spaces where the singing people go around, work, live and experience their singing. These stories were described, aiming at the unveiling of singing linked to life experiences from the theoretical perspective of Josso (2004) and in the daily singing from the perspective of Pais’ sociology of everyday life (2003). The research results reveal individual trajectories of a know-how [sing] which is or was learned and enhanced through life experiences; and the here and now that the singing sounds and permeates. It is in this telling [case studies] that the singing people show formation processes, strategies and ways to cope, connect, know and to learn. The present study contributes to the reflections on learning and the teaching of singing, providing subsidies for teacher training in this area.

Este trabalho teve como objetivo compreender a formação, atuação e identidades musicais de tecladistas de instrumentos eletrônicos, considerando as especificidades do instrumento e os contextos onde estes músicos se formam e atuam. Sendo o teclado eletrônico um instrumento que integra em si a tecnologia da música e a tradição da performance nas teclas, esta pesquisa investigou como os tecladistas lidam com estas especificidades na sua formação, que atuação resulta desses processos formativos e que concepções sobre si mesmo como instrumentistas constroem nesse processo. Para buscar respostas a estas perguntas, realizei um estudo de caso qualitativo (STAKE, 2001; YIN, 2001), que contou com a colaboração de três tecladistas, tendo como instrumento de coleta de dados, a entrevista semiestruturada (KVALE, 2007). Esta pesquisa alinha-se com a sociologia da educação musical e tem como referenciais teóricos a socialização e a socialização musical (BERGER E LUCKMANN, 2014; NANNI, 2001; SETTON, 2008, 2011), a tecnologia da música no contexto da educação musical (CHALLIS, 2009; COOPER, 2009; DILLON, 2009; FIELD, 2009; SAVAGE, 2009) e as identidades musicais (HARGREAVES, MIELL E MACDONALD, 2002; O’NEILL, 2002). Os dados e sua posterior análise revelaram que muitos são os caminhos que possibilitam a formação do tecladista eletrônico e muitas são as formas de atuar por meio desse instrumento. O teclado eletrônico se revelou um instrumento versátil, assim como seu instrumentista: aulas de instrumento, cursos eventuais, a aprendizagem por meio da prática, uso de recursos como a internet, manuais e revistas, o contato com diversas referências sonoras, a socialização na família, na igreja e/ou em bandas constituíram o caleidoscópio que se revelou ser a formação destes músicos. Como resultado, eles encontraram diversas formas de atuar e construíram diferentes concepções acerca do que é ser tecladista, caracterizando diferentes identidades musicais. Esta pesquisa contribuiu com dados relevantes sobre a formação, atuação e identidades musicais dos tecladistas eletrônicos, dados estes que poderão contribuir para lançar um novo olhar para a pedagogia do teclado eletrônico e seu potencial nos diversos espaços de atuação da educação musical.

Esta tese de doutorado apresenta o MEPSOM - Método de Ensino de Programação Sônica de Computadores para Músicos. O MEPSOM consiste em um sistema de computação que disponibiliza um conjunto de atividades para programação de software musical composto de exemplos e exercícios. O método foi idealizado para ser uma ferramenta de auxílio ao professor em cursos de Computação Musical, disponibilizando recursos didáticos para o ensino de programação nas áreas de composição e educação musical. O MEPSOM foi implementado sob a forma de programas de computador e utilizado em cursos de Computação Musical na UFRGS. Nesta Tese de Doutorado apresentamos o projeto e a organização do MESPCM, a implementação do método, relatos de sua aplicação e os resultados obtidos. Também expomos a utilização do método em laboratório, através de estudo de caso, e os resultados da sua avaliação por estudantes que participaram de pesquisas de levantamento. Por fim, a partir da análise dos dados obtidos, sugerimos um conjunto de aspectos considerados relevantes para futuras aplicações do MEPSOM.

Esta dissertação articula-se sobre dois pontos: a diversidade de culturas musucais com as quais se convive na sociedade contemporânea, tanto a nível nacional quanto a nível internacional e sua presença na educação musical, e os processos cognitivos presentes nos estilos musicais como um fundamento para uma educação musical intercultural. Esta concepção educacional é colocada como proposta para a superação de alguns problemas apresentados pela educação musical no Brasil: adequação à realidade contemporânea nacional e mundial e necessidade de fundamentação teórica. Estudos e propostas sobre uma educação musical intercultural são expostos juntamnete com as perspectivas de Leonard Meyer e Mary Louise Serafine a respeito de procesos cognitivos presentes na criação, compreensão e fruição dos estilos musicais. A contraposição deses dois conjuntos de ideias mostrou que os proessos cognitivos presentes nos estilos constituem-se em fundamentação para uma educação musical intercultural. Algumas estratégias são sugeridas para a consecução da concepção educacional resultante dos dois potnos que nortearam este trabalho.

Vinculado à Linha de Pesquisa Filosofias da Diferença e Educação da UFRGS, este texto, intitulado “Por uma (Des)Educação Musical”, toma para a sua realização a música, a infância e a educação como “lugares” de problematização das relações que os constituem. Como intercessores, trazemos pensadores como Friedrich Nietzsche, Paul Valéry, Gilles Deleuze, Manoel de Barros, Silvio Ferraz, Sandra Corazza, entre outros. O objetivo desta tese é pesquisar a criação de novas possibilidades de existência naqueles “lugares”, tendo como nosso principal guia o pensamento proposto pela Filosofia da Diferença. Tal investimento elege conceitos como "plano de composição" e "ritmo" para produzirem uma nova possibilidade de ação e relação entre aqueles que querem ensinar música e aqueles que desejam aprender música, entendendo que os espaços que escolhem estabelecer relações de ensino e de aprendizagem podem realizar tal feito, tendo a arte como orientadora das ações que são chamadas, neste trabalho, de (Des)educacionais. Compõem esta criação, desejos de escritura que passeiam por poesias, métodos, inventários, dicionários, cartas, experimentações, que carregam, além da força dos intercessores escolhidos, dos conceitos colocados em movimento, a potência produzida pelo bloco sensações, aspecto que define a criação em arte como tal. / Linked to the research line Filosofias da Diferença e da Educação, this text, entitled “Por uma (Des)Educação Musical” takes Music, Childhood and Education to problematize the relations which permeate these fields. Having as intercessors thinkers as Friedrich Nietzsche, Paul Valéry, Gilles Deleuze, Manoel de Barros, Silvio Ferraz, Sandra Corazza, among others, the aim of this doctorate thesis is to research the creation of new possibilites of existence for those fields by having as main guide the thought proposed by Philosophy of Difference. This choses concepts such as composition plan and rhythm to produce a new possibility of acting and interacting between those who want to teach music and those who want to learn music, understanding that the spaces they choose to estabilish teaching and learning relations can achieve such relations by having art as the guide of actions that are called here (un)instructive. This creation is composed of writings from poetries, methods, inventories, dictionaries, letters, experiences that carry, besides the strenght of intercessors and the concepts in movement, the power produced by sensations, aspect that defines creation as art itself.

O presente estudo objetiva investigar a relação existente entre o desenvolvimento da competência musical das crianças que compõem a Orquestra de Flautas Heitor Villa Lobos e o desenvolvimento sociocultural da comunidade, procurando identificar de que forma a conquista dessa competência é influenciada pela interação: música-escola, música-família e música-comunidade em geral, bem como de que forma essa competência musical tem contribuído com a transformação social da comunidade. Para investigarmos este objeto de estudo, estaremos analisando a importância do meio social no desenvolvimento humano, procurando estabelecer um diálogo entre autores como: Henri Wallon, Piaget, Vigotsky, Urie Brofembrenner, Peter Smith, entre outros citados que abordam sobre a importância do meio social para o desenvolvimento humano. Do ponto de vista musical, estaremos buscando fundamento teórico em Jane W Davidson; Michael J. A Howe; John Sloboda e David Hargreaves; Isabelle Peretz (2006) Johanella Tafuri (2008) e Maffioletti (2011), que discutem sobre os fatores de desenvolvimento da competência musical. A metodologia da pesquisa possui uma abordagem qualitativa com a realização do estudo de caso de caráter etnográfico através de observações de aulas, ensaios e apresentações, bem como através da inserção no dia a dia da comunidade. Foram realizadas entrevistas semiestruturadas, questionários e conversas informais como procedimento complementar da pesquisa. Os resultados da pesquisa demonstraram que o contexto sociocultural é fundante para o desenvolvimento da competência musical, ao mesmo tempo em que é fortemente impactado por essa competência, repercutindo diretamente na família, na escola e na comunidade em geral. / The present study aims to investigate the relationship between the development of musical competence of children who comprise the Orchestra Flutes Heitor Villa Lobos and cultural development of the community, seeking to identify how the achievement of this competence is influenced by the interaction: music-school, music family-and-music community in general, as well as how that musical competence has contributed to social change in the community.To investigate this object of study will be analyzing the importance of the social environment on human development seeking to establish a dialogue between authors such as Henri Wallon, Piaget, Vygotsky, Urie Brofembrenner, Peter Smith, among others cited that discuss the importance of the social environment for human development. From the musical point of view we are seeking theoretical foundation for Jane W Davidson, Michael J. The Howe, John Sloboda and David Hargreaves; Isabelle Peretz (2006) Johanella Tafuri (2008) e Maffioletti (2011), arguing about the factors for the development of musical competence. The research methodology has a qualitative approach to the study of ethnographic case through observations of lessons, rehearsals and performances, and by inserting in daily community. Interviews were semi-structured questionnaires and informal conversations as a complementary procedure of the research. The survey results showed that the sociocultural context is foundational to the development of musical competence, while it is strongly affected by this power has a direct impact on the family, at school and in the wider community.

Esta pesquisa enfoca a aprendizagem na experiência musical narrada por crianças. Tem por objetivo compreender os significados atribuídos por crianças às suas aprendizagens musicais. Os participantes do presente estudo são três crianças, com idade entre 10 e 11 anos, que têm aula de música como uma das disciplinas obrigatórias que compõem o currículo escolar. A pesquisa acredita que as narrativas são fonte de conhecimento; que ao narrar uma história a pessoa organiza suas experiências, dando novos sentidos e significados ao que vivencia (BRUNER, 1997); e que a organização do pensamento em fala é um processo educativo (LARROSA, 1994). Com base nos estudos da Sociologia da Infância, a pesquisa entende as crianças como agentes sociais capazes de produzir conhecimentos que podem ajudar a compreender o mundo em que vivem (SARMENTO, 2009, 2005; SOARES, 2006; e CRUZ, 2008). Os principais autores que ajudaram a traçar os caminhos teórico-metodológicos foram Jean Clandinin e Michael Connelly (2011 e 1995b) e, no que se refere à Pesquisa Narrativa em Educação Musical, Margaret Barrett e Sandra Stauffer (2009). Foram realizadas três Entrevistas Narrativas com cada participante, a partir das quais elaborou-se esta Dissertação que retrata o modo como as crianças atribuem significado às suas aprendizagens musicais. Os resultados respondem às questões: Com quem, onde e como as crianças se relacionam com a música? O que é saber música? Por que ter aula de música na escola? Além da escola ou espaços de ensino de música sistematizados e o papel do professor, as crianças reconhecem suas próprias estratégias para aprender, como: ouvir música, prestar atenção em aula, estudar em casa, descobrir o que não é ensinado e não confiar sem crítica em tudo que os professores afirmam. As narrativas mostram que as crianças estão acompanhadas da família e da mídia em suas experiências musicais. A música pode ser observada nas narrativas das crianças nos três lugares comuns apresentados por Clandinin e Connelly (2011) e Clandinin, Puschor e Murray Orr (2007): Lugar, Temporalidade e Socialidade. Ao conhecer as experiências das crianças, pode-se avaliar o quanto a música faz parte de seu cotidiano. O conhecimento musical é reconhecido pelas crianças, principalmente, nas atividades de tocar um instrumento musical, ler partitura e dominar repertório. As crianças desta pesquisa, que têm aula de música na escola, deixaram claro o quanto as experiências escolares são prazerosas e servem de inspiração para estudos, desafios, questionamentos e planos futuros. / This research focuses on learning in musical experience narrated by children. It aims to understand the meanings assigned by children about their musical learnings. The participants of this study are three children aged between 10 and 11 years old who have music classes at school as one of the compulsory subjects that make up the curriculum. This research believes that narratives are a source of knowledge, that by telling a story a person organizes their experiences, giving new senses and meanings to what they experience (BRUNER, 1997), and that the organization of thought in speech is an educational process (LARROSA, 1994). Based on studies from Childhood Sociology, this research considers children as social agents capable of producing knowledge that can help understand the world in which they live in (SARMENTO, 2009, 2005; SOARES, 2006, and CRUZ, 2008). The main authors who helped outline the theoretical-methodological basis of this research were Jean Clandinin and Michael Connelly (2011 and 1995b), and, when it comes to Narrative Inquiry in Music Education, Margaret Barrett and Sandra Stauffer (2009). Three Narrative Interviews were conducted with each participant, from which the final reports that depict how they attribute meaning to their musical learnings were produced. The results answer the questions: With who, where and how children relate to music? What is know music? Why have music class in school? Apart from school or systematized music teaching spaces and the role of the teacher, children recognize their own strategies for learning, such as listening to music, paying attention in class, studying at home, finding out what is not taught, and not rely uncritically on everything teachers say. The narratives show that children are accompanied by family and media in their musical experiences. Music can be observed in the children’s narratives in the three commonplaces presented by Clandinin and Connelly (2011) and Clandinin, Puschor and Murray Orr (2007): Place, Temporality and Sociality. By knowing the children’s experiences, we can assess how music is part of their daily lives. Musical knowledge is especially recognized by children in activities where they play a musical instrument, read music and master repertoire. The children from this research, who have music classes at school, made it clear how pleasurable school experiences are and serve as an inspiration for studies, challenges, questionings and future plans.

Esta pesquisa busca refletir sobre o processo de elaboração de arranjos musicais feitos para o ensino de piano. O trabalho procura esclarecer e compreender as escolhas, decisões e alternativas empregadas diante de possíveis problemas da didática musical e didática do instrumento. Os arranjos analisados foram elaborados para prática de piano em conjunto, consistindo em peças criadas para serem tocadas por quatro ou cinco alunos no mesmo piano, uma atividade que foi desenvolvida pela pesquisadora nas duas instituições onde trabalhava durante o mestrado: Associação Pró-Cultura e Arte de Ivoti-Ascarte/Instituto de Educação Ivoti-IEI e na Fundação Municipal de Artes de Montenegro – FUNDARTE, localizadas no Rio Grande do Sul. Como metodologia, foi construído um tipo de memorial, que colaborasse para a reflexão sobre o processo de elaboração dos arranjos, a partir de autores como: Bosi (1994); Teixeira, Zamberlan e Rasia (2009); Morisse (2012); e Anastasiou (2002). Foram analisados sete arranjos didáticos elaborados em épocas diferentes, são eles: A História de uma Gata, do musical Os Saltimbancos, de Luis Enríquez Bacalov e Chico Buarque (elaborado em 2011); Three little birds, de Bob Marley (elaborado em 2011); Viva la vida (elaborado em 2009) e Speed of Sound (elaborado em 2010), ambas do grupo Coldplay. As outras três peças foram elaboradas durante a escrita desta dissertação, no decorrer do ano de 2012, sendo elas: Rock and roll old times, de compositores variados, pois se trata de um medley; Paradise e Violet Hill, ambas do grupo Coldplay. Como aporte teórico da pesquisa foram abordados os conceitos de arranjo; transcrição, adaptação, redução (Pereira, 2011; Duarte, 2010; Lima Júnior, 2003; Aragão, 2001a e 2001b) e música original (Carvalho, 2008; Aragão, 2001a e 2001b). As reflexões feitas nesta pesquisa esclarecem uma prática de música em conjunto voltada para a didática do piano, evidenciando uma abordagem músico-pedagógica onde o aprendizado dos alunos é o alicerce da criação de cada arranjo. Acredito que este trabalho possa vir a contribuir para que outros professores e alunos possam buscar alternativas e ideias para criarem seu próprio material, de acordo com suas necessidades e/ou, ao buscarem material alternativo, possam analisar e refletir sobre a forma como um outro arranjo se apresenta e trabalha questões de didática musical. / The research seeks to reflect upon the process of arranging musical pieces made for teaching piano. It seeks to explain and recognize the choices, decisions and options put before potential didactical musical problems and didactics of musical instruments. Pieces were analyzed and created to be played in class piano, consisting of pieces made to be played by four or five students on the same piano, an activity that was developed by the researcher in two institutions where she worked during her Masters: Ascarte (Associação Pró-Culture e Arte Ivoti)/Instituto de Educação Ivoti (IEI) and the Fundarte (Fundação Municipal de Artes de Montenegro), both located in Rio Grande do Sul State. As methodology, a memorial was developed, to work and explain the process of making arrangements, from authors such as: Bosi (1994); Teixeira, Zamberlan and Rasia (2009); Morisse (2012); and Anastasiou (2002). Seven pieces were analysed, four were prepared at different times, including: A História de uma Gata, the musical Os Saltimbancos, Luis Enríquez Bacalov and Chico Buarque (arranged in 2011), Three Little Birds by Bob Marley (arranged in 2011), Viva la Vida (arranged in 2009) and Speed of Sound (arranged in 2010), both by the group Coldplay. The other three pieces were arranged during the writing of this dissertation, throughout the year of 2012: Rock and roll old times, from various composers as it is a medley and Paradise and Violet Hill, both by the group Coldplay. As theoretical research, the concepts of arrangement, transcription, adaptation, reduction (Pereira, 2011; Duarte, 2010; Lima Jr, 2003; Aragão, 2001a and 2001b) and original music were addressed (Carvalho, 2008; Aragão, 2001a and 2001b). The reflections made from this research describe an exercise focused on piano technique, showing a pedagogical music approach where student learning is the foundation of the creation of each piece. The intent is that this project may potentially contribute to other teachers and students who seek alternatives and ideas to create their own material, according to their needs and/or to seek alternative materials, and, that they may analyze and ponder on how other pieces show and work musical didactics.

O objetivo geral desta pesquisa foi investigar o perfil e as crenças de autoeficácia dos professores de música que atuam nos anos finais do ensino fundamental. O referencial teórico baseou-se na Teoria da Autoeficácia de Albert Bandura (1997). A Autoeficácia refere-se à percepção da pessoa sobre sua capacidade para aprender ou desempenhar uma determinada tarefa. As crenças de autoeficácia são formadas através de quatro fontes principais: experiência de domínio, experiência vicária, persuasões sociais e estados somáticos e emocionais. O presente trabalho utiliza um recorte de dados da pesquisa intitulada “Mapeamento dos Professores que Trabalham com Ensino de Música nas Escolas de Educação Básica: Um Survey sobre sua Formação, Atuação e Crenças de Autoeficácia”, realizada pelo grupo de pesquisa Formação e Atuação do Profissional em Música (FAPROM), coordenado pela professora doutora Liane Hentschke. A abordagem metodológica é de caráter quantitativo, utilizando como método o survey baseado na internet. Para a coleta de dados, foi utilizado um questionário autoadministrado de caráter fechado, armazenado na plataforma online SurveyMonkey. A amostra da presente pesquisa é composta por 161 professores de música que atuam nos anos finais do ensino fundamental de todas as regiões do Brasil. Os resultados desta pesquisa demonstraram que os professores que compõem a amostra, em geral, apresentam níveis elevados de crenças de autoeficácia, pois atribuíram altos índices aos itens de cada dimensão investigada. Foi possível inferir que os professores possuem crenças de autoeficácia mais enfraquecidas na dimensão “Lidar com Mudanças e Desafios”, uma vez que a foi atribuído o escore menos elevado. Os dados levantados indicaram que os professores de música com mais de 40 anos de idade e mais de 11 anos de experiência docente atribuíram escores mais elevados às dimensões das crenças de autoeficácia investigadas. Este trabalho contribui para a ampliação do pequeno conjunto de dados disponível a respeito do perfil dos professores de música em nosso país. Além disso, traz novos dados que podem auxiliar nas discussões sobre políticas públicas de incentivo à formação inicial e continuada desses professores. / The main objective of this research was to investigate the profile and beliefs of self-efficacy of music teachers who work in the final years of elementary school in Brazil. The theoretical background was based on Albert Bandura's Theory of Self-efficacy (1997). According to this author, self-efficacy refers to a person's perception of their ability to learn or perform a particular task. The beliefs of self-efficacy are based in four sources principles: enactive mastery experience, vicarious experience, verbal persuasion and physiological and affective states. The present work uses a dicing of data from a biggest project entitled "Mapping of Teachers Working with Music Teaching in Basic Education Schools: A Survey on Their Formation, Performance and Beliefs of Self-efficacy", carried out by the Professional Training and Acting Research group In Music (FAPROM), coordinated by the professor doctor Liane Hentschke. The methodological approach is quantitative and applies internet-based survey. A self-administered closed-ended form stored online at SurveyMonkey platform was used for data collection. The sample of the present research is composed of 161 music teachers who work in the final years of elementary education in all regions of the country The results of this research indicated that, in general, the interviewed teachers presented high levels of self-efficacy beliefs, as they attributed high indexes to the investigated items in each dimension. The lowest score was attributed to the dimension “Dealing with Changes and Challenges” and, thus, it was possible to infer that the teachers have weaker beliefs of self-efficacy in this dimension. The collected data showed that music teachers with more than 40 years of age and more than 11 years of teaching experience are those who attributed higher scores to the dimensions of self-efficacy beliefs. This work contributes to the expansion of the small dataset available regarding the profile of music teachers in our country. In addition, it brings new valuable data, which may contribute to discussions about public policies to reformulate the initial and encourage the continuous formation of these teachers.

Esta tese consiste num estudo exploratório-descritivo quali-quantitativo de caráter interdisciplinar, que busca compreender de que modo a Cultura Digital influencia a prática musical, quais recursos são utilizados e que funções desempenha na performance musical. Apoiada na ideia de que os avanços na performance e a concepção de diferentes estratégias de aprendizagem musical mediadas pelas tecnologias podem ser atribuídas ao nível de inserção dos sujeitos na Cultura Digital do seu contexto sociocultural, a investigação orienta-se pela seguinte questão: “De que modo a Cultura Digital afeta a performance musical?” A metodologia envolve o emprego de três procedimentos principais: 1) revisão bibliográfica, incluindo o uso de softwares na performance musical e o contexto da amusia; 2) aplicação de um questionário on-line e 3) entrevistas semiestruturadas com cinco músicos profissionais experientes. Participaram da pesquisa 50 sujeitos maiores de idade, sendo estes estudantes, amadores ou profissionais da área da música. Os resultados mostraram acentuada influência da Cultura Digital, notadamente por meio da utilização de softwares de confecção e arquivamento de partituras e de edição de áudio, de aplicativos de gravação e de manutenção de afinação e de andamento no âmbito da preparação da execução musical. Na performance ao vivo, são empregados principalmente softwares de leitura de partitura digitalizada e de gravação da apresentação para posterior divulgação. Constatou-se que a Internet se configura como recurso de pesquisa, aprendizagem, estudo, ensaio, difusão e compartilhamento da produção musical. Foi encontrada predominância de maior utilização de novas tecnologias digitais entre músicos dedicados à música popular e do gênero masculino. A Cultura Digital verificada nas práticas musicais dos sujeitos desta pesquisa mostrou ser capaz de transformar os modos de aprender e de se relacionar com a música, com repercussões positivas no desenvolvimento da musicalidade. No contexto da Educação Musical, a Cultura Digital se faz presente desde o planejamento pedagógico, na pesquisa de materiais, no implemento de recursos tecnológicos como aplicativos de apoio ao estudo e à execução, até a gravação das aulas e difusão da performance dos sujeitos em situação de autoaprendizagem. Os achados do presente estudo mostram que a Educação Musical e a performance musical podem contar com o apoio de recursos tecnológicos específicos que mobilizam de modo autônomo as aprendizagens essenciais de planejamento, concepção, estudo, ensaio e registro do desempenho musical dos músicos. / This thesis consists of an exploratory-descriptive qualitative and quantitative interdisciplinary study which seeks to understand the way in which digital culture influences musical practice, what resources are used and the role of digital culture in musical performance. Based on the idea that progress in musical performance and the conception of different strategies of technologymediated musical learning can be attributed to the level of insertion of individuals in the digital culture of their sociocultural context, this investigation is guided by the following question: How does digital culture affect musical performance? The methodology involves the use of the main procedures: 1) bibliographic review, including the use of softwares during musical performance and the context of amusia; 2) application of an online questionnaire, and 3) semi-structured interviews with five experienced professional musicians. Research involved the participation of a group of fifty adults, formed by students, amateurs and professionals from the field of music. Results showed strong influence of digital culture, notably through the use of softwares to create and save sheet music and to edit audio, apps for recording, staying in tune and keeping tempo of music in preparation for a performance. In live performance, softwares are mainly used read scanned digital sheet music and to record presentations for further release. The internet was found to be a means for researching, learning, rehearsing, disseminating and sharing one's musical production. A greater tendency to use new technologies was found among male popular musicians. The digital culture seen in the musical practices of the subjects of this research revealed to be able to transform their ways of learning and relating to music, with positive repercussions in the development of musicality. In the context of music education, digital culture is present at many stages, from pedagogical planning, research on materials and implementation of technological resources, such as apps to support music study and performance, to recording lessons and releasing performances of individuals in learning situation. The findings of this study show that music education and musical performance may count on the support of specific technological resources that mobilise in an autonomous way the essential lessons of planning, conception, study, rehearsal and documentation of musical performance.