Esta dissertação visa apontar possíveis caminhos e reflexões para uma pedagogia criativa para o violão em sintonia com propostas contemporâneas de educação musical que tem como base as pedagogias abertas e o modelo artístico de ensino de música. Ambos conceitos formam o alicerce do pensamento pedagógico-musical do Foro Latinoamericano de Educación Musical (FLADEM). As pedagogias abertas propõem a superação de estruturas curriculares rígidas e de procedimentos de ensino planejados de maneira a não considerar os interesses dos alunos. O modelo artístico de ensino de música integra o conceito das pedagogias abertas e significa trabalhar a música a partir da música, com os conhecimentos sendo construídos a partir das experiências vivenciadas pelos alunos, as quais incluem práticas criativas, como a composição e a improvisação. São tomados como referenciais teóricos a obra pedagógica da educadora musical argentina Violeta de Gainza (n.1929) e de autores associados ao FLADEM, assim como o legado pedagógico do músico e educador alemão Hans-Joachim Koellreutter (1915-2005), pela grande proximidade de seu pensamento com os conceitos das pedagogias abertas e do modelo artístico. Será também analisado o que chamei de \"abordagem geográfica\" do violão enquanto ferramenta pedagógica para o desenvolvimento de práticas criativas. Tal recurso musical consiste na exploração do instrumento a partir de seus aspectos físicos, algo notadamente presente na literatura violonística em obras de Villa-Lobos (1887-1959), Abel Carlevaro (1906-2001), Leo Brouwer (n.1939), entre outros. Questões específicas sobre estratégias de aulas envolvendo assuntos como composição, improvisação, experimentação instrumental, desenvolvimento técnico, sonoridade, fraseado, teoria musical, notação e o tocar de ouvido também são objetivos deste trabalho. A parte prática analisada envolve duas categorias: as experiências pedagógicas realizadas com estudantes de violão da FIAM-FAAM e da Teca Oficina de Música, instituições de ensino localizadas em São Paulo, e as minhas experiências composicionais próprias correspondentes à série de estudos violonísticos \"Desenhos\". Entre os aspectos observados, a criatividade, o perfil artístico e a formação pedagógica do professor de instrumento foram tidos como essenciais para o desenvolvimento deste modelo de ensino com o público iniciante. / This dissertation aims to point out possible paths and reflections for a creative guitar pedagogy in harmony with contemporary proposals of musical education that are based on open pedagogies and the artistic model of music teaching. Both concepts form the foundation of the pedagogical-musical thinking of the Latin American Musical Education Forum (FLADEM). The open pedagogies propose the overcoming of rigid curricular structures and planned teaching procedures that do not take the students\' interests into consideration. The artistic model of music teaching integrates the concept of open pedagogies and implies to work with music from the music itself, with the knowledge being constructed from the experiences lived by the students, which include creative practices, such as composition and improvisation. The pedagogical work of Violeta de Gainza (b. 1929) and authors associated with FLADEM as well the pedagogical legacy of German musician and educator Hans- Joachim Koelleutter (1915-2005) were used as theoretical references due to the close proximity of their thinking with the concepts of open pedagogies and the artistic model. I will also analyze what I call the \"geographical approach\" of the guitar as a pedagogical tool for the development of creative practices. This musical resource consists of the exploration of the instrument from its physical aspects, something notably present in the guitar literature on the works of Villa-Lobos (1887-1959), Abel Carlevaro (1906-2001), Leo Brouwer (b.1939) among others. Specific questions about classroom strategies involving subjects such as composition, improvisation, instrumental experimentation, technical development, sonority, phrasing, music theory, notation and playing by ear are also objectives of this dissertation. The practical part analyzed encompasses two categories: the pedagogical experiences with guitar students of FIAM-FAAM and of the Teca Oficina de Música, which are educational institutions located in São Paulo, and my own compositional experiences corresponding to the \"Desenhos\" series of guitar studies. Among the aspects observed, the creativity, the artistic profile and the pedagogical formation of the instrumental teacher were considered to be essential for the development of this model of teaching with beginners.

O delineamento desta pesquisa deu-se a partir da busca de informações históricas sobre as origens musicais da cidade de Tatuí - SP e da análise sócio-cultural da contribuição da música na sociedade local. Desta busca resultou o resgate das origens do Conservatório Dramático e Musical \"Dr. Carlos de Campos\" de Tatuí, enquanto organização e instituição estadual pública de educação musical formal. Como observador de uma organização que nasce da tradição musical de Tatuí e pelo envolvimento direto com esta escola - a problemática de pesquisa surge na reconstituição histórica da memória da instituição. / The design of this work starts at the search for historical data about the musical roots in Tatuí City -São Paulo - Brazil and from the social and cultural analysis on the contribution of music to the local society. Of this search resulted the rescue of the origins of the Dramatical and Musical Conservatory Dr. Carlos de Campos of Tatuí, while organization and public state institution of formal musical education. As a direct observer of an organization that was rised through the musical tradition of Tatuí, and for the direct evolvement with this school - the issue of this research appears from the institution\'s historical and memory rebuilding.

A presente dissertação toma como objeto a escuta construída culturalmente elaborada conceitualmente a partir da concepção de escuta cultural proposta por Pierre Schaeffer , a fim de analisar seu papel e contribuição na aprendizagem e desenvolvimento musical de crianças de uma escola da cidade de São Paulo. O processo investigativo foi conduzido pela professora de música dos alunos observados, que, desempenhou o papel de observadora participante da investigação qualitativa. A pesquisa de campo sustentou-se em formulações teóricas de autores das áreas da Música, da Antropologia, da Educação e da Educação Musical, e na realização de entrevistas e questionário dirigidos às crianças. Foram investigados os elementos musicais extra e intra-classe/escola, presentes na construção do repertório de escuta de uma criança de sete anos e dos alunos de 5º ano do ensino Fundamental e realizadas a análise e interpretação de situações de aula, associadas ao objeto de estudo. Os resultados demonstram que a escuta construída culturalmente é elemento fundamental dos processos de aprendizado e desenvolvimento musical, servindo de referência ao professor, enquanto mediador, e à participação consciente da criança em seus próprios processos de aprendizagem musical. Conclui-se que o objetivo inicial de analisar e interpretar a participação e a contribuição da escuta construída culturalmente nos processos de educação musical de alunos de seis a dez anos de uma escola particular da cidade de São Paulo tenha sido alcançado. / The objective of this dissertation was to analyze the role and contribution of the cultural listening developed conceptually from the concept proposed by Pierre Schaeffer in the process of musical learning and development of children from a school in the city of São Paulo. The investigative process was conducted by the music teacher of the observed children, who took the role of a participant observer in the qualitative research of ethnographic type. The field research was based on theoretical formulations from authors of areas such Music, Anthropology, Education and Music Education, and also on the results of interviews and questionnaires aimed at children. We studied the musical elements extra and intra-classes/school present in the construction of the listening repertoire of a child of seven years and of children from fifth grade of elementary school and made the analysis and interpretation of classroom situations, associated with the object study. The results showed that the cultural listening is a fundamental process of musical learning and development, and should be used as a reference to the teacher, as a mediator, and also to the conscious participation of children in their own process of learning music. We concluded that the initial study aim of to analyze and interpret the participation and contribution of cultural listening in the process of musical education of students from six to ten year-old in a private school in the city of Sao Paulo has been achieved.

Este trabalho investigou a questão da desafinação vocal infantil em alunos de uma escola pública de Ensino Fundamental na cidade de Barueri, São Paulo. Essas crianças não conseguiam cantar de maneira satisfatória, apesar da prática do canto coletivo e dos modelos vocais do professor e do colegas nas aulas de Música da escola. Adotada a metodologia da pesquisa-ação (Thiollent, 2008), foram investigadas as causas do problema e tomadas novas medidas pedagógicas que culminaram na elaboração de um programa de atividades vocais. O referencial teórico que serviu de base para esta pesquisa está apoiado nos trabalhos de GARDNER (2002), ILARI (2006), FORCUCCI (1975), LECK (2002), SOBREIRA (2003), RAO (1996-2005), TELFER (2003) e GOETZE (2003). Os resultados do trabalho foram positivos, revelando a possibilidade de melhorar o problema da desafinação em alunos da escola básica, mediante um atendimento individual e ênfase na prática do canto coletivo desde os primeiros anos escolares. / This work investigated the question of the infantile vocal discord in pupils of a public school of Basic Education in the city of Barueri, São Paulo.These children did not obtain to sing in satisfactory way, although of the collective singing practice and of the vocal models of the professor and the colleagues in the lessons of music of the school. Adopted the methodology of the research-action (Thiollent, 2008), was investigated that the causes of the problem and new pedagogical measures had culminated in the elaboration of a program of vocal activities. The theoretical referencial that served of base for this research is supported in the works of GARDNER (2002), ILARI (2006), FORFUCCI (1975), LECK (2002), SOBREIRA (2003), RAO (1996-2005), TELFER (2003) and GOETZE (2003). The results of the work had been positive, disclosing the possibility to improve the problem of the discord in pupils of the basic school, by means of an individual attendance and the emphasis in the practice of collective singing since the first pertaining to school years.

Da longa experiência em sala de aula fazendo música com crianças, surgiu a questão: por que o espaço para a criação não faz parte da maioria dos métodos e das práticas dos professores de piano? Esse questionamento levou a outros sobre como ensinar piano criativamente e como guiar a construção do pensamento musical das crianças. Sem rejeitar os aspectos técnicos, a notação tradicional e a prática de música erudita na formação pianística, a busca por novas possibilidades de ensino vinha da consideração de que não se deveria restringi-lo a um repertório limitado, a um só tipo de notação e à interpretação como única forma de expressão musical. O constante desafio oferecido por alunos curiosos, indagadores, vibrantes e musicais também me impulsionou a olhar mais atentamente para suas produções musicais e a ouvir suas ideias sobre seu fazer musical. A partir dessas considerações, esta dissertação propõe uma reflexão pedagógico-musical disparada por relatos de experiência com meus alunos de piano da Escola Municipal de Iniciação Artística (EMIA). Apresento quatro composições, uma livre improvisação e duas entrevistas livres. Uma breve história do ensino de piano no Brasil e uma revisão concisa de métodos adotados na pedagogia pianística brasileira fundamentam historicamente esta pesquisa. Também analiso alguns que apresentam propostas de criação. Como referencial teórico, exponho as ideias de Hans-Joachim Koellreutter (1915- 2005) e de Violeta Hemsy de Gainza (1930-) sobre um fazer musical criativo e a necessária transformação da relação professor-aluno para que se desenvolva uma educação musical mais aberta. Discorro também sobre as ideias da pianista Moema Craveiro Campos e das educadoras musicais Maria Teresa Alencar de Brito e Viviane Beineke, profundamente ligadas ao pensamento de Koellreutter e Gainza. Contribuem, ainda, com esse corpus, conceitos sobre criatividade defendidos por pesquisadores ingleses das últimas décadas - Pamela Burnard, Anna Craft, Teresa Cremin e Bob Jeffrey -, como aprendizagem criativa, possibility thinking e voz do aluno. As reflexões aqui apresentadas visam contribuir com a educação musical através do piano, para que seja agenciadora de encontros criativos entre crianças e músicas. / After many years teaching music to children a concern appeared: why is there no room for creativity in the majority of the methods and practices of piano teachers? This question brought up others such as how to teach piano in a creative matter and how to guide children towards thinking in a musical mind set. Without ignoring the technical aspects, traditional notation and classical music training, the search for new possible teaching methods must not restrict the ability to establish full repertoire, the capacity to utilize multiple notation methods and the understanding that interpretation is not the only form of musical expression. The constant challenge offered by students who were curious, musical and vibrant spurred me to look more closely at their musical production and to listen to their ideas about making music. With these considerations in mind, this dissertation offers a reflection that is both musical and pedagogical based on my experiences with piano students from Escola Municipal de Iniciação Artística (EMIA). This research is supported by a concise review of methods used historically in the piano pedagogy of Brazil. I present four compositions, a free improvisation and two free interviews. My sciencitific resources are based on Hans-Joachim Koellreutter (1915- 2005) and Violeta Hemsy de Gainza\'s (1930-) ideas about making creative music and the necessity of a bond between teacher and student in order to develop a more open musical education. Moreover, I discuss the ideas of pianist Moema Craveiro Campos and the musical educators Maria Teresa Alencar de Brito and Viviane Beineke, while also showing interest in Koellereutter and Gainza\'s concepts. Contributing further to this corpus are the concepts of creativity (creative learning, possibility thinking and student voice) presented by English researchers of the last decades such as Pamela Burnard, Anna Craft, Teresa Cremin and Bob Jeffrey. The ideas presented here are intended to contribute to musical education through the use of the piano. In turn, this education will facilitate creative encounters between music and children.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2018-07-30T12:24:58Z No. of bitstreams: 1 Margarete Hiromi Kishi Diniz.pdf: 3006654 bytes, checksum: 613351350e1b0fdc888b53a4553c6333 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-30T12:24:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Margarete Hiromi Kishi Diniz.pdf: 3006654 bytes, checksum: 613351350e1b0fdc888b53a4553c6333 (MD5) Previous issue date: 2018-06-04 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This research aims to break the silence imposed by the formal curriculum of Basic Education, Music Education and Educators. The founder of this work sought to integrate the Life History of this researcher with the description and critical analysis of practices developed in musical projects carried out in a private elementary school in the city of São Paulo. The nature of the analysis process allowed the construction of a dense narrative, contributed in the matrix of Interdisciplinarity proposed by Ivani Fazenda, directing the collection of data of the research for the observation of important aspects of the relations and correlations between researcher, teaching performance, its student role and meanings of the school community. Interdisciplinarity provided the narrative-descriptive methodological process, a deep reveal of significant learning acquired in the process of personal and professional construction, which overflows and transposes personal barriers and floods the school universe. The result obtained, points to Interdisciplinarity as an aesthetic and sensitive need, which a Musical Educator lacks to be connected when the full exercise of teaching, because in order to achieve it in essence, they must be freed to provide freedom, autonomous, to enable autonomy and "Whole" to feel, think and do / Esta pesquisa tem como objetivo romper o silêncio imposto pelo currículo formal da Educação Básica, à Educação Musical e Educadores. O fundante deste trabalho buscou integrar a História de Vida desta pesquisadora com a descrição e análise crítica de práticas desenvolvidas em projetos musicais realizadas em três escolas privadas de Ensino Fundamental da cidade de São Paulo. A natureza do processo de análise permitiu a construção de uma densa narrativa, aportada na matriz da Interdisciplinaridade proposta por Ivani Fazenda, direcionando a coleta de dados da pesquisa para a observação de aspectos importantes das relações e correlações entre pesquisador, atuação docente, seu papel discente e significados da comunidade escolar. A Interdisciplinaridade propiciou ao processo metodológico narrativo-descritivo, um profundo revelar de aprendizagens significativas adquiridas no processo de construção pessoal e profissional, que transborda e transpõem as barreiras pessoais e inunda o universo escolar. O resultado obtido aponta para a Interdisciplinaridade da música como uma necessidade estética e sensível, a qual um Educador Musical carece de estar conectado quando do exercício pleno da docência, pois para atingi-la em essência, precisam estar libertos para propiciar liberdade, autônomos, para possibilitar autonomia e “Inteiros” para Sentir, Pensar e Fazer

O ensino de Matemática durante anos sofreu e ainda sofre com a abstração a que foi submetida a Matemática escolar, ocasionando muitas vezes o distanciamento da disciplina por parte dos estudantes. Em busca de novas abordagens para o trabalho com conteúdos matemáticos, a Música surge como um elemento facilitador neste processo, por meio de um trabalho interdisciplinar, podendo ser explorada sob diferentes aspectos, sejam eles rítmicos ou melódicos. Pensando sobre as relações matemáticas presentes na construção melódica da música ocidental, o estudo dos conceitos de razão e proporção se torna peça fundamental para a compreensão das mudanças ocorridas durante a história da música e a diferenciação de alguns termos matemáticos, como razão, proporção, quociente, fração e números decimais. Com a promulgação da Lei Federal nº 11.769/08 que determina a obrigatoriedade do ensino de música nas escolas brasileiras de educação básica, a discussão sobre as relações músico-matemáticas intensificam-se e abrem caminho para uma abordagem interdisciplinar relacionando a Educação Matemática e a Educação Musical, trabalhando conteúdos de ambas as áreas, porém sob o olhar do professor de Matemática. Para a construção do conhecimento seguindo esta abordagem, o presente trabalho propõe uma prática interdisciplinar por meio de oficinas, intensificando e explorando o processo de investigação e pesquisa, além de promover a autonomia e o senso crítico dos alunos. / The teaching of mathematics for years have suffered and still suffers from the abstraction that was submitted to school mathematics, often causing the detachment of discipline on the part of students. In search of new approaches to work with mathematical content, music emerges as a facilitator in this process, using an interdisciplinary work, which can be exploited in different ways, whether rhythmic or melodic. Thinking about the mathematical relationships present in the melodic construction of Western music, the study of the concepts of ratio and proportion becomes central to understanding the changes that occurred during the music history and contrast of some mathematical terms such as ratio, proportion, quotient, fraction and decimal numbers. With the enactment of Federal Law No. 11.769/08 that determines the requirement for teaching music in Brazilian schools of basic education, the discussion of the musical-mathematical relationships intensify and open a way for an interdisciplinary approach linking Mathematics Education and Music Education , working in both content areas, but under the professor of mathematics views. For the construction of knowledge by following this approach, this paper proposes an interdisciplinary practice using workshops, exploring and enhancing the process of investigation and research, and promote the autonomy and critical thinking of students.

Depois de uma tradição que remonta ao Brasil imperial, o ensino de música nas escolas de educação básica do país caiu no ostracismo a partir da Lei Federal nº 5.692/71. O advento da Lei Federal nº 11.769/08, fruto da mobilização da sociedade civil, reintroduziu a música como conteúdo curricular obrigatório, algo que posteriormente foi estendido a outras linguagens por meio da lei nº 13.278/16. O objetivo do presente trabalho é analisar o processo de implementação e adequação da rede estadual paulista à Lei nº 11.769/08, levantando seus impactos, implicações, dificuldades e possíveis demandas decorrentes. A pesquisa se utiliza de uma abordagem qualitativa, tendo como mecanismo de coleta de dados a análise documental e entrevistas. A análise documental enfoca a legislação passada e atual, projetos de lei, atos normativos federais e estaduais, além de PCN e editais de concursos para contratação de professores. As entrevistas foram realizadas com professores de Arte da rede estadual de São Paulo, conduzidas por meio de um roteiro estruturado. Nas análises realizadas, constatou-se que, embora a Lei nº 11.769/08 tenha trazido avanço para a educação musical, ela não orienta sobre como seria sua implementação, dando autonomia às redes para se adequar. Com isso, evidencia-se que o panorama de ensino musical na rede de São Paulo, após a sanção da Lei nº 11.769/08, pouco foi alterado. A música continua como conteúdo dentro da disciplina Arte, não ocorreu a adequação de espaços físicos para o ensino musical e, tampouco, a aquisição de instrumentos e equipamentos ou aumento de carga horária. Não houve a contratação de profissionais com formação específica, nem a oferta de cursos de formação continuada em música para os profissionais que estão na rede. Ademais, os professores relatam dificuldades em lidar com o conteúdo musical e ainda apontam a desvalorização da área perante a comunidade escolar. De forma geral, os dados obtidos indicam que o processo de implementação da lei é incipiente, evidenciando a necessidade de ações políticas que promovam uma melhor adequação da rede a essa lei. A pesquisa ainda aponta a precarização do ensino de música para o ensino médio trazido pela lei nº 13.415/17. / After a tradition that goes back to Brazil as an empire, the music education in the basic education schools of the country suffered a relegation with the federal law nº 5.692/71. The beginning of the federal law nº 11.769/08, result of the mobilization of civil society, reintroduced the music education into required curriculum, which was extended for other languages of arts through the law nº 13.278/16. The aim of the present study is to analysis the adaptation process of the São Paulo state system to the law nº 11.769/08, collecting its impacts, difficulties and possible resulting demands. The research makes uses of qualitative methods, focused on the documental analyses and interviews. The focus of documental analyses the actual and predecessors laws, law projects about the theme, federal and state normative acts that regulates the law implementation, federal curriculum, notices of contest to teachers contraction to the state schools of São Paulo. The interviews with art teachers from the state schools of São Paulo were based in structured guideline of interviewing. In the analyses, it was verified that, although law nº 11.769/08 has brought progress to musical education, it does not move forward about how would be its implementation, giving autonomy to the system to best suit the law. In the analyses was found a few changed in the states schools of São Paulo with the enactment of law nº 11.769 / 08. The music continues as content within the Art discipline, there was no adaptation of physical spaces, no purchase of musical instruments and musical stuff or increase of the workload. Furthermore, there was no hiring of music teachers or the offer of continuing education courses in music for professionals who are in states schools. The teachers report difficulties in teaching the musical content, and that there is still a devaluation of the area before the school community. In general, the results of research show the implementation process of the law still it is incipient, highlighting the necessity of political actions that promote a better adequacy of the system to this law. The research also points to the precariousness of music education to high school brought by law nº 13.415 / 17.

Este trabalho está estruturado a partir de três diferentes e concomitantes frentes de pesquisa (cujos suportes metodológicos são discutidos na Introdução) e traz uma abordagem diversificada acerca da Regência coral infantojuvenil. Parte-se de uma pesquisa social com 52 regentes que, em suas respostas ao questionário apresentado, identificam características, desafios e dificuldades de ordem social e técnica no desenvolvimento de seus grupos e nos oferecem dados sobre o atual contexto em que a atividade coral é realizada. Com a análise desses dados, foram eleitos três focos de pesquisa bibliográfica, referentes às principais questões colocadas pelos regentes: a própria Regência, a Técnica Vocal e a Educação Musical. Assim, foram levantados pontos de vista de variados autores referentes a esses itens,que tradicionalmente fazem parte da formação do regente e compõem o conjunto de saberes, competências e habilidades desse profissional. Segue-se uma discussão sobre elementos estruturais dos coros e sobre os aspectos de um planejamento em canto coral, visando facilitar e organizar as tarefas do regente, especialmente no que concerne aos procedimentos de ensaio e aos processos de criação e recriação na música coral. A pesquisa-ação foi realizada a partir doPCIU! (Projeto Coral Infantojuvenil da Universidade Federal de Mato Grosso do Sul), um grupo coral infantojuvenil criado especificamente para os fins desta pesquisa, que perpassa toda a discussão e sintetiza o todo, na medida em que se observa o desenvolvimento do coro e se analisam as atividades e escolhas técnicaspresentes nos ensaios. As dificuldades relatadas pelos colegas regentes corais participantes da pesquisa servem de pano de fundo permanente ao processo reflexivo e interagem com as práticas do PCIU!, em uma pesquisa coesa que une teoria e prática e se consolida em um trabalho artístico de performance musical. / This work is structured from three different and concomitant research fronts (whose methodological supports are discussed in the Introduction) and brings a diverse approach to the Children\'s and youth\'s choir conducting. It begins from a social survey with 52 conductors; in their responses to the questionnaire presented, they identify features, challenges and difficulties of social and technical order in the development of their groups and provide us data about the current context in which the choral activity is fulfilled. By analyzing these data, we elected three focuses of literature research, about the main issues raised by conductors: the Conducting itself, Vocal Technique and Music Education. Thus there were raised points of view of various authors regarding these items, which traditionally are part of the conductor\'s formation and consist the set of knowledge, skills and abilities of this professional. Then follows a discussion about structural elements and planning in choral singing, aiming to facilitate and organize the conductor\'s tasks, especially what regards to the processes of choral rehearsal and the processes of creation and recreation in choral music. The action research was accomplished from the PCIU! (Children and Youth Choir Project of the Federal University of Mato Grosso do Sul), a children\'s and youth group created specifically for the purposes of this research, which permeates the whole discussion and summarizes the whole, accordingly it observes the development of the choir, and it analyzes the activities and technical choices present in rehearsals. The difficulties reported by fellow conductors participants of the research serve as a permanent backdrop to the reflective process and interact with the PCIU! practices, into a cohesive research that combines theory and practice and is consolidated into an artistic work of musical performance.

Este trabalho apresenta algumas contribuições para uma atualização metodológica e pedagógica do ensino de instrumentos de sopro em aulas coletivas inspirado pelas práticas informais de aprendizagem identificadas por Green (2008), Braga (2005) e Priest (1989) entre outros. As práticas informais são um conjunto de atividades identificadas pela literatura como típicas da música popular ou tradicional que possuem interesse para a educação musical formal. Suas características principais podem ser resumidas como: concessão de espaço e tempo para os alunos improvisarem e experimentarem; livre escolha do repertório e; maior uso de modelos visuais e sonoros dados pelo professor e por gravações trazidas à sala de aula. As práticas informais estão de acordo com a pedagogia de Paulo Freire na medida em que colocam a autonomia como meio de aprendizagem e não apenas como finalidade. A formalização das práticas musicais na direção da escrita e leitura de partituras é um processo antigo correlacionado ao desenvolvimento do racionalismo na história do pensamento ocidental em sua busca pela precisão, segundo Koellreutter (Brito, 2007). O caminho que as práticas musicais tomaram teve seu ápice no século XIX, sendo que o sistema de ensino dos conservatórios constituído nesta época perdura até os dias de hoje na educação musical, em especial no ensino formal e tradicional. É só a partir da segunda metade do século XX que os trabalhos de educação musical procuraram reequilibrar o processo de transmissão da música em busca da oralidade e da subjetividade que quase se perdeu. Este trabalho procura ser mais uma contribuição nesta direção. A pesquisa procurou implementar as práticas informais seguindo em linhas gerais o modelo sugerido por Green (2008) mas também incorporando as contribuições de outros autores como Braga (2005) e Priest (1989) no curso de iniciação aos instrumentos de sopro do Guri. O foco principal foi a análise do comportamento dos alunos perante as atividades, geralmente pouco estruturadas, bem como de seu desenvolvimento musical ao longo das aulas, utilizando o método de pesquisa baseado no estudo de caso instrumental. Apesar de vários percalços ao longo do trabalho, os resultados obtidos foram bastante favoráveis a adoção destas práticas e corroboram com as ideias de Green (2008). Tanto no que diz respeito a tocar a melodia escolhida pelos próprios alunos, como nas improvisações, vários deles demonstraram bastante desembaraço e independência. Também se observou que, por serem uma forma mais direta e musical de se aprender, as práticas informais permitiram aos alunos lidar com materiais musicais muito mais ricos e complexos do que em um curso tradicional. Por outro lado estas práticas pareceram mais adequadas para os alunos mais velhos, uma vez que estes tendem naturalmente a ter mais voz no grupo e a exercer mais plenamente a sua autonomia, inibindo os mais jovens que talvez tivessem sido beneficiados por mais apoio docente. / This work presents some contributions for a methodological and pedagogical update to the teaching of woodwind instruments in group lessons based on informal learning practices identified by Green (2008), Braga (2005) and Priest (1989) among others. Informal learning practices are a set of activities identified in the literature as typical of popular or traditional music which are of interest for formal music education. Their main characteristics can be summarized as: granting time and room for the student\'s experimentations and improvisations; freedom to choose their musical repertoire; enhanced use of visual and sound role models exposed by the teacher and by musical recordings brought to the classroom. Informal practices are in harmony with Paulo Freire\'s pedagogy since they place autonomy as a mean of learning and not only as a goal. Following Koellreutter (BRITO, 2007), the formalization of musical practices towards the writing and reading of musical scores is a very old process related to the development of rationalism in the history of the western thought in its aim for precision. The path taken by musical practices had their pinnacle at the 19th century, when the conservatory learning system developed, which persists until today mainly in formal traditional education. It is only on the second half of the 20th century that the studies in musical education seek to balance the music transmission process towards an almost gone oral tradition and subjectivity. The present work tries to make a contribution in this direction. The research attempts to implement the informal practices according to the general guidelines of the model proposed by Green (2008), incorporating also the contributions of other authors like Braga (2005) and Priest (1989), in the beginner class of woodwind instruments at Guri program. The main focus of the analysis was on the responses of the students along the generally non-structured activities as well as their musical development throughout the course, using the research method based on instrumental case study. Despite several setbacks during the research, the results were highly favorable to the adoption of those practices and corroborate with Green\'s (2008) ideas. In terms of student\'s success in playing the tunes chosen by them, as well as in improvising several of them showed self-sufficiency and were at ease with the instrument. As the Informal Learning Practices are a more musical and nonmediated way of learning, the students were able to deal with a richer and more complex musical content. On the other hand those practices seemed more suitable to older students since they tend to have a more active role in the group and to exercise more fully their autonomy, inhibiting the youngest, that would probably have benefited from more teacher\'s support.