[ES] La joyería como lenguaje plástico es una investigación que parte de dos orillas distintas: las artes aplicadas y las plásticas. En ella hemos intentado generar una teoría entorno a unas joyas que tienen como principal objetivo transmitir unas ideas, pensamientos, reflexiones o historias. Con la finalidad de observar cuáles son las posibilidades expresivas que nos ofrecen tanto en la joyería como en la escultura contemporánea. Empezamos analizando el concepto joya por medio de diferentes clasificaciones, con la intención de llegar hasta una terminología que acogiese nuestra propuesta. Con esta búsqueda llegamos a los estudios de la historiadora Liesbeth Den Besten, al igual que hasta los de Rosalind Krauss en los que nos habla de las cualidades del arte expandido que ya propuso en 1979 con la escultura, estudios que se acercan a esta joyería de carácter más experimental. Después de realizar este marco contextual analizamos esta tipología de objeto a nivel formal, simbólico y material. Porque, de este modo, hacíamos también un análisis del lenguaje plástico que generan. Una vez visto cómo funciona y qué posibilidades nos ofrece, pudimos vincular estas joyas al campo del arte de objeto. Dándoles así un contexto sobre el cual podíamos elaborar una teoría entorno a ellas. Para ello hicimos un análisis tanto formal como conceptual de los elementos que creemos que generan este lenguaje: - EL OBJETO como elemento que utilizamos para expresarnos - EL CUERPO como origen de las joyas, dado que extienden una parte de nosotros (como es nuestra cultura o identidad), a través de unos códigos simbólicos y formales, y los vuelven a introducir a la anatomía - EL ESPACIO como hábitat o territorio, ya sea corporal o espacial, que hace posible que se generen estas sinergias y que, igualmente crean el entorno y contexto con el que ofrecemos los conceptos a los demás Entender estas piezas como el resultado que obtenemos cuando articulamos un objeto, un cuerpo y un espacio, hizo que viésemos que estos tres elementos tienen la misma importancia en el proceso de trabajo si queremos crear con estos objetos simbólico- ornamentales. Asimismo, esta perspectiva nos permite contemplar también otras tipologías de joyas, como son aquellas que están hechas a partir del objeto cotidiano y abstracto, de la anatomía humana o del espacio, haciendo que podamos expandir nuestras capacidades expresivas tanto en un campo como en otro. Al igual que investigamos qué posibilidades plásticas y de comunicación nos ofrecen, también quisimos adentrarnos en el estudio de aquellos parámetros que entran en juego dentro del proceso de ideación, creación y materialización de estas piezas. Observamos que hay siete elementos claves que, si los tenemos en cuenta, pueden proporcionarnos una coherencia tanto formal como lingüística que enriquecerá el modo con el que transmitimos esos conceptos que queremos compartir con los demás. Simultáneamente, estos elementos nos llevaron también hasta un sistema de análisis con el que podemos valorar si los conceptos se ajustan a las piezas y si realmente funciona el lenguaje plástico que hemos creado. De manera paralela a la realización de este estudio teórico, hicimos otro práctico a través de trece proyectos que han sido fundamentales para elaborar de un modo más completo esta teoría, así como también para comprobar todas las hipótesis que nos planteaba. Estas dos vertientes de investigación han hecho que finalmente, elaboremos unos archivos en los que reunimos aspectos teóricos y conceptuales de nomenclaturas, referentes, tipologías, materiales, recursos retóricos, partes del cuerpo o modos expositivos. Igualmente, en uno de los dos anexos que presentamos, también hemos añadido un archivo más de referentes vinculados a la joyería, al objeto, al cuerpo y al espacio. Pensábamos que podía ser interesante ofrecer tanto aquellos aspectos que creemos más relevantes de estos objetos corporales, así como abrir las puertas de nuestro estudio para mostrar todas las obras, referentes o procesos que nos han ayudado a darle forma a esta tesis y que puede que en un futuro ayude, inspire o anime a seguir creando y expresándonos por medio del lenguaje de las joyas. / [CA] La joieria com a llenguatge plàstic es una investigació que naix de dos ribes diferents: les arts aplicades i les plàstiques. En ella havem intentat generar una teoria entorn d'unes joies que tenen com a principal objectiu transmetre unes idees, pensaments, reflexions o històries. Amb la finalitat d'observar quines són les possibilitats expressives que ens ofereixen tant en la joieria com en l'escultura contemporània. Començàrem analitzant el concepte joia per mitjà de diferents classificacions, amb la intenció d'aplegar fins a una terminologia que acollira la nostra proposta. Amb aquesta recerca aplegàrem als estudis de la historiadora Liesbeth Den Besten, igual que fins als de Rosalind Krauss on ens parla de les qualitats de l'art expandit que ja va proposar en 1979 amb l'escultura, estudis que s'apropen a aquesta joieria de caràcter més experimental. Després de realitzar aquest marc contextual analitzàrem aquesta tipologia d'objecte a nivell formal, simbòlic i material. Perquè, d'aquesta manera, féiem també una anàlisi del llenguatge plàstic que generen. Una vegada vist com funciona i quines possibilitats ens ofereix, vam poder vincular aquestes joies al camp de l'art d'objecte. Donant-les així un context sobre el qual podíem elaborar una teoria al voltant d'elles. Per portar-ho a terme férem una anàlisi tant formal com conceptual del elements que creiem que generen aquest llenguatge: - L'OBJECTE com a element que utilitzem per a expressar-nos - EL COS com a origen de les joies, donat que estenen una part de nosaltres (com és la nostra cultura o identitat), a través d'uns codis simbòlics i formals, tornant-los a introduir a l'anatomia - L'ESPAI com a hàbitat o territori, ja siga corporal o espacial, que fa possible que es generen aquestes sinèrgies i que, igualment creen l'entorn i context amb el qual oferim els conceptes a l'audiència Entendre aquestes peces com el resultat que obtinguem quan articulem un objecte, un cos i un espai va fer que veiéssim que aquests tres elements tenen la mateixa importància en el procés de treball si volem crear amb aquests objectes simbòlic- ornamentals. Així mateix, aquesta perspectiva ens va permetre contemplar també altres tipologies de joies, com són aquelles que estan fetes a partir de l'objecte quotidià i abstracte, de l'anatomia humana o de l'espai, fent que puguem expandir les nostres capacitats expressives tant en un camp com en l'altre. Igual que investigàrem quines possibilitats plàstiques i de comunicació ens ofereixen, també vam voler endinsar-nos en l'estudi d'aquells paràmetres que entren en joc dins del procés d'ideació, creació i materialització d'aquestes peces. Observàrem que hi ha set elements claus que, si els tenim en compte, poden proporcionar-nos una coherència tant formal com lingüística que enriquirà el mode amb el qual transmetem aquests conceptes que volem compartir amb els demés. Simultàniament, aquests elements ens portaren també fins a un sistema d'anàlisi amb el qual podem valorar si els conceptes s'ajusten a les peces i si realment funciona el llenguatge plàstic que havem creat. De manera paral·lela a la realització d'aquest estudi teòric, en férem un altre de pràctic a través de tretze projectes que han sigut fonamentals per a elaborar d'un mode més complet aquesta teoria, així com també per a comprovar totes les hipòtesis que ens plantejava. Aquestes dos vessants d'investigació han fet que finalment, elaborem uns arxius en els quals reunim aspectes teòrics i conceptuals de nomenclatures, referents, tipologies, materials, recursos retòrics, parts del cos o modes expositius. Igualment, en un dels dos annexes que presentem, també havem afegit un arxiu més de referents vinculats a la joieria, a l'objecte, al cos i a l'espai. Pensàvem que podia ser interessant oferir tant aquests aspectes que creiem més rellevants d’aquests objectes corporals, així com obrir les portes del nostre estudi per mostrar totes les obres, referents o processos que ens han ajudat a donarli forma a aquesta tesi i que tal vegada en un futur ajude, inspire o anime a seguir creant i expressant-nos per mitjà del llenguatge de la joieria. / [EN] Jewellery as a plastic language is an investigation that starts from two different edges: applied arts and fine arts. We have tried to generate a theory around jewellery pieces whose main objective is to transmit ideas, thoughts, reflections or stories. The aim is to observe which are the expressive possibilities that they offer, both jewellery and contemporary sculpture. We started by analysing the concept of jewellery pieces through different classifications with the intention of reaching a terminology that would embrace our proposal. This search leads us to the studies of the historian Liesbeth Den Besten, as well as those of Rosalind Krauss in which she talks about the qualities of the expanded art that she already proposed in 1979 through sculpture. Those studies are getting close to this kind of jewellery which comes from a more experimental nature. After creating this contextual framework, we analyse this typology of object on a formal, symbolic and material level. Because, in this way, we are also analysing the plastic language they generate. Having seen how it works and what possibilities it offers, we were able to link these jewels to the field of object art. Thus, giving them a context in which we could develop a theory around them. In order to do that we did both a formal and conceptual analysis of the elements that, we think, generate this language: - THE OBJECT as an element used to express ourselves - THE BODY as the origin of jewels, since they extend a part of us (such as culture or identity), through symbolic and formal codes, and are being reintroduced to the anatomy - THE SPACE as a habitat or territory, either corporal or spatial, which makes it possible for these synergies to be generated and simultaneously create the environment and context through which we offer the concepts to the audience Understanding these pieces as the result obtained when articulating an object, a body and a space, made us see that these three elements have the same importance in the work process when creating with these symbolic-ornamental objects. Additionally, this perspective allows us to consider other types of jewels too, such as those which are made from quotidian and abstract objects, from human anatomy and space. This enables us to expand our expressive capacities both in one field and the other. Just like we investigate what plastic and communicational possibilities they offer, we also wanted to go deep into the study of those parameters that come into play within the process of ideation, creation and implementation of these pieces. There are seven key elements that, if we take them into account, can provide us both a formal and linguistic coherence that will enrich those concepts that we want to share with others, are being transmitted. At the same time, these elements also drove us to an analysis system with which we can value if the concepts fit the pieces and see if the plastic language we have created works. Parallel to the realization of this theoretical study, we did another practical one through thirteen projects that have been fundamental to elaborate this theory more fully, as well as to check all the hypothesis that were laid out. These two research aspects have finally led us to create files in which we join together conceptual and theoretical aspects of nomenclatures, models, typologies, materials, rhetoric resources, body parts or displays. By the same token, in one of the two annexes that is being presented, we have also added another file of references linked to jewellery, object, body and space. We thought that it could be interesting to offer both those aspects that we consider most relevant to these bodily objects, as well as to open the doors of our study to showcase all the works, referents or processes that have helped us to shape this thesis and in the future, it may help, inspire or encourage to carry on creating and expressing ourselves through the language of jewellery. / RANCISCO RODENAS, ALFRED PERIS, MIGUEL MOLINA y SARA VILAR que me ayudaron a conseguir la beca FPI de la UPV, dentro del Programa de Investigación y Desarrollo (PAID-01- 16) de la Universitat Politècnica de València. Así como a la misma institución por concederme tanto esta beca como la de movilidad para estancias de investigación. Pues gracias a ellas he podido disfrutar y dedicarme plenamente a este estudio. / Juan Tortosa, M. (2020). La joyería como lenguaje plástico. Una propuesta artística trazada a través del objeto joya y su relación con el cuerpo y el espacio [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/149396 / TESIS

O trabalho incide sobre a escultura inserida no espaço público do concelho do Porto no século XX, tendo para o efeito sido realizada uma inventariação informatizada das obras numa base de dados relacional, que funcione como suporte de uma interpretação e classificação expressamente concebidos para este trabalho. O texto está organizado em três partes: introdução; ciclos de escultura urbana do Porto; registo de conclusões, sendo a produção dividida em 4 classes: lugares de memória; elementos de animação arquitectónica, elementos de qualificação urbana e lugares de devoção ao mesmo tempo que a sua evolução se divide em 6 ciclos: fim-de-século; proto-modernismo; resgate; compromisso/contestação; renovação; internacionalização/individualização.

Escultora

Tesina para optar al grado de Licenciado en Artes con mención en Teoría e Historia del Arte / 2021

É objectivo deste trabalho tantar perceber que tipo de relação a escultura do séc. XX mantém com a morte. sendo a morte uma preocupação do homem, inerente à sua condição de ser vivo, é tida no séc. XX com especificidades próprias, po razões históricas sociológicas e filosóficas. Centra-se, portanto, esta pesquisa no questionar do modo como a produção escultórica se relaciona com a temática da morte, não já de uma forma literal - a produção específica, cultural - que manteve durante séculos, mas sobretudo de forma metafórica, como se a arte pensasse, ainda, a morte.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Ciências da Educação. Programa de Pós-Graduação em Educação / Made available in DSpace on 2012-10-24T03:38:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 249547.pdf: 11124425 bytes, checksum: ae8906bec6b81d2f2e89420fb3111f16 (MD5) / Considerando as crianças como produtoras de culturas infantis - com modos singulares de apropriação e criação nas diversas linguagens - esta investigação busca, a partir dos estudos advindos do campo da arte, - em particular da escultura - da filosofia, da sociologia da infância, da história, da psicologia, da antropologia social e da educação, sinalizar algumas bases teóricas e metodológicas que possibilitem olhar para as produções tridimensionais das crianças, promovendo-as enquanto esculturas plenas de valor estético, artístico e cultural, cultivando e ampliando assim, os processos de imaginação infantil. Para tal, realizou-se com as crianças -"brincantes de histórias" -, um mergulho em narrativas mitológicas universais e fantásticas da Ilha de Santa Catarina de modo a inspirar a criação escultórica das crianças; procurou-se promover e intensificar as experiências das crianças com esculturas de diversos estilos, tempos, dentro e fora dos museus da Ilha. Discute-se as relações entre os processos imaginativos infantis na criação escultórica, indicando-se a necessidade de diversificação das matérias disponibilizadas às crianças e dos tempos&espaços adequados para a fruição e a criação na linguagem da escultura. Todas estas ações e reflexões foram realizadas com um grupo de crianças de 4 a 5 anos de idade, inseridas numa instituição pública de educação infantil de Florianópolis-SC, visando, a contribuir para a valorização da infância e de sua produção cultural, no âmbito da construção de uma Pedagogia da Infância.

O trabalho considera a hipótese da escultura se constituir a partir da instauração de um litígio na matéria em operação pela coexistência de diferentes visões e interpretações prospectadas, de um lado nos processos mentais e interpretativos do autor, de outro lado na prospecção da matéria em operação. Para tanto este estudo estabelece o conjunto de conceitos básicos que nortearão a investigação e vão incentivar à prospecção, como o conceito de desafeição, de estranhamento, de abdução interpretativa, de fabulação, de fluxo e de deriva resultante, desenvolvendo estratégias e procedimentos para lidar com o amplo espectro que constitui o fazer escultórico ao operar a matéria e articular a irrupção de imagens, pulsões e desejos que emergem agregados às abduções. A construção metodológica deste estudo se alicerça sobre duas vertentes. De um lado, a Teoria da Formatividade de Luigi Pareyson, a questão do litígio abordado no texto de M. Heidegger, "A Coisa"; a questão da abdução, originalmente de C. S. Peirce, por meio dos estudos de Sami Paavola e Lorenzo Magnani e por fim o emprego do conceito de fabulação de Lévi-Strauss. De outro lado, é um trabalho de poéticas que se alicerça sobre a fala, o testemunho e a reflexão em primeira pessoa de toda uma série de artistas, considerados fundamentais para o entendimento das questões que constituem e definem o fazer artístico. / The work considers the hypothesis of the sculpture as been constituted on the instauration of a litigation in the substance in operation of the coexistence of different visions and prospected interpretations, from one side in the mental and interpretative processes of the author, and from another side in the prospection of the substance in operation. For in such a way this study it establishes a set of basic concepts that will guide this inquiry and stimulate the prospection, such as the concept of desaffection, defamiliarization, interpretative abduction, fabulation, flow and resultant drift, developing strategies and procedures to deal with the ample specter that constitutes the making of sculpture while operating the substance and articulating the eruption of images, pulses and desires that emerge connected to abductions. The methodological construction of this study is based on two sources. From one side, the Theory of Formativity from Luigi Pareyson, the question of litigious as approached in the text of M. Heidegger, "the Thing"; the question of the abduction, originally from C.S. Peirce, by means of the studies of Sami Paavola and Lorenzo Magnani and finally the concept of fabulation from C. Lévi-Strauss. On another side, it is a practice-based study and it is grounded on the speech, the testimonials and the reflection in a series of artists, considered basic for the understanding of questions that constitute and define the art making.

O trabalho considera a hipótese da escultura se constituir a partir da instauração de um litígio na matéria em operação pela coexistência de diferentes visões e interpretações prospectadas, de um lado nos processos mentais e interpretativos do autor, de outro lado na prospecção da matéria em operação. Para tanto este estudo estabelece o conjunto de conceitos básicos que nortearão a investigação e vão incentivar à prospecção, como o conceito de desafeição, de estranhamento, de abdução interpretativa, de fabulação, de fluxo e de deriva resultante, desenvolvendo estratégias e procedimentos para lidar com o amplo espectro que constitui o fazer escultórico ao operar a matéria e articular a irrupção de imagens, pulsões e desejos que emergem agregados às abduções. A construção metodológica deste estudo se alicerça sobre duas vertentes. De um lado, a Teoria da Formatividade de Luigi Pareyson, a questão do litígio abordado no texto de M. Heidegger, "A Coisa"; a questão da abdução, originalmente de C. S. Peirce, por meio dos estudos de Sami Paavola e Lorenzo Magnani e por fim o emprego do conceito de fabulação de Lévi-Strauss. De outro lado, é um trabalho de poéticas que se alicerça sobre a fala, o testemunho e a reflexão em primeira pessoa de toda uma série de artistas, considerados fundamentais para o entendimento das questões que constituem e definem o fazer artístico. / The work considers the hypothesis of the sculpture as been constituted on the instauration of a litigation in the substance in operation of the coexistence of different visions and prospected interpretations, from one side in the mental and interpretative processes of the author, and from another side in the prospection of the substance in operation. For in such a way this study it establishes a set of basic concepts that will guide this inquiry and stimulate the prospection, such as the concept of desaffection, defamiliarization, interpretative abduction, fabulation, flow and resultant drift, developing strategies and procedures to deal with the ample specter that constitutes the making of sculpture while operating the substance and articulating the eruption of images, pulses and desires that emerge connected to abductions. The methodological construction of this study is based on two sources. From one side, the Theory of Formativity from Luigi Pareyson, the question of litigious as approached in the text of M. Heidegger, "the Thing"; the question of the abduction, originally from C.S. Peirce, by means of the studies of Sami Paavola and Lorenzo Magnani and finally the concept of fabulation from C. Lévi-Strauss. On another side, it is a practice-based study and it is grounded on the speech, the testimonials and the reflection in a series of artists, considered basic for the understanding of questions that constitute and define the art making.

O trabalho considera a hipótese da escultura se constituir a partir da instauração de um litígio na matéria em operação pela coexistência de diferentes visões e interpretações prospectadas, de um lado nos processos mentais e interpretativos do autor, de outro lado na prospecção da matéria em operação. Para tanto este estudo estabelece o conjunto de conceitos básicos que nortearão a investigação e vão incentivar à prospecção, como o conceito de desafeição, de estranhamento, de abdução interpretativa, de fabulação, de fluxo e de deriva resultante, desenvolvendo estratégias e procedimentos para lidar com o amplo espectro que constitui o fazer escultórico ao operar a matéria e articular a irrupção de imagens, pulsões e desejos que emergem agregados às abduções. A construção metodológica deste estudo se alicerça sobre duas vertentes. De um lado, a Teoria da Formatividade de Luigi Pareyson, a questão do litígio abordado no texto de M. Heidegger, "A Coisa"; a questão da abdução, originalmente de C. S. Peirce, por meio dos estudos de Sami Paavola e Lorenzo Magnani e por fim o emprego do conceito de fabulação de Lévi-Strauss. De outro lado, é um trabalho de poéticas que se alicerça sobre a fala, o testemunho e a reflexão em primeira pessoa de toda uma série de artistas, considerados fundamentais para o entendimento das questões que constituem e definem o fazer artístico. / The work considers the hypothesis of the sculpture as been constituted on the instauration of a litigation in the substance in operation of the coexistence of different visions and prospected interpretations, from one side in the mental and interpretative processes of the author, and from another side in the prospection of the substance in operation. For in such a way this study it establishes a set of basic concepts that will guide this inquiry and stimulate the prospection, such as the concept of desaffection, defamiliarization, interpretative abduction, fabulation, flow and resultant drift, developing strategies and procedures to deal with the ample specter that constitutes the making of sculpture while operating the substance and articulating the eruption of images, pulses and desires that emerge connected to abductions. The methodological construction of this study is based on two sources. From one side, the Theory of Formativity from Luigi Pareyson, the question of litigious as approached in the text of M. Heidegger, "the Thing"; the question of the abduction, originally from C.S. Peirce, by means of the studies of Sami Paavola and Lorenzo Magnani and finally the concept of fabulation from C. Lévi-Strauss. On another side, it is a practice-based study and it is grounded on the speech, the testimonials and the reflection in a series of artists, considered basic for the understanding of questions that constitute and define the art making.

[EN] This thesis titled "The Textile: from the Myth of Origin to Multimedia Era", focuses on the issue of weaving as a distinctive activity of humans and as an always present metaphor throughout our evolution in this planet we inhabit. The thesis approaches this development by means of metaphors we always use as a tool to explain the world around us. Spoken language has limitations to explain some areas of human knowledge, and consequently, people have built new languages throughout history, languages more appropriate for these fields. An example of that are metaphors contained into myths elaborated by ancient cultures to explain the origin of the universe and behaviors of people. Another example could be the mathematical language used by science for understanding of specific fields of knowledge. Mysticism, science and art use metaphors to communicate. These three fields are basic along the conceptualization made by humankind in its history, though individually each one is inclined to one or more of these fields. Over time, metaphors endure and are still present in contemporary explanation of origin, and the act of weaving emerges as a possibility in that connection. In these pages, we first discuss myths belonging to the two main ancient Mexican cultures, because these two, like many other archaic conceptions of cosmos, figured into their mythologies the activity of weaving as one gods taught directly to humans; and that teaching contained the mystery of creation. From that point, we made a brief review over some of most important cultures that use metaphor of weaving as a representation of the original frame of universe, in order to realize how important it is. At last, we explore the possibilities opened by technology and science in the field of threads and fabrics to build contemporary expressions. / [ES] Esta tesis cuyo título es "El textil: del mito del origen a la era multimedia", aborda el tema del tejido y su pertenencia al ser humano como metáfora siempre presente a lo largo de su evolución en el planeta que habitamos. Se hace un acercamiento a ese desarrollo a través de las metáforas que siempre utilizamos como instrumento para explicar el mundo que nos rodea. El lenguaje tiene limitaciones para explicar algunos de los sectores del conocimiento humano, por lo que se han construido a lo largo de la historia, lenguajes apropiados a dichos campos: un ejemplo son las metáforas contenidas en los mitos que los seres humanos antiguos construyeron para explicar el origen del universo y la actividad de las personas, y otro podría ser el del lenguaje matemático que la ciencia utiliza para llegar al entendimiento de campos específicos del saber. Misticismo, ciencia y arte utilizan metáforas para comunicarse. Son tres campos que innegablemente conforman el pensamiento de la humanidad, aunque individualmente cada quien se incline por alguno o varios de esos campos. A través del tiempo las metáforas perduran y siguen presentes en la explicación contemporánea del origen y la actividad del tejido se presenta como una posibilidad de relacionar. En este trabajo se analizan primero los mitos pertenecientes a las dos principales culturas mexicanas, pues ellas, como muchas otras concepciones arcaicas, representaron en su mitología la actividad de tejer como una de las actividades que fueron enseñadas a los humanos directamente por los dioses y que contenía el misterio de la creación. Luego se hace un breve recorrido por algunas de las culturas más importantes que utilizan la metáfora del tejido como forma de construcción del universo, para darnos cuenta de su importancia y finalmente se exploran las posibilidades que la tecnología y la ciencia han proporcionado en el campo de los hilos y las telas para construir la expresión contemporánea. El papel de la mujer en estas metáforas es predominante, pues el elemento femenino como productor de vida, como creador, es primordial en la construcción de dichos mitos. La función de los textiles y el tejido en la cultura contemporánea mantienen su significado de unión, relación y construcción de algo nuevo por la unión de los elementos. El arte contemporáneo también ha incluido la metáfora y los materiales del tejido que manifiestan esa pertenencia del textil a la expresión del ser humano. / [CAT] Aquesta tesi té com a títol: "El tèxtil: del mite de l'origen a l'era multimèdia", aborda el tema del teixit i la seva pertinença a l'ésser humà com a metàfora sempre present al llarg de la seva evolució al planeta que habitem. Es fa un apropament a aquest desenvolupament a través de les metàfores que sempre utilitzem com a instrument per explicar el món que ens envolta. El llenguatge té limitacions per a explicar alguns dels sectors del coneixement humà, de manera que s'han construït al llarg de la història, llenguatges apropiats a aquests camps: un exemple són les metàfores contingudes en els mites que els éssers humans antics van construir per explicar l'origen de l'univers i l'activitat de les persones, i un altre podria ser el del llenguatge matemàtic que la ciència utilitza per arribar a l'enteniment de camps específics del saber. Misticisme, ciència i art, fan servir metàfores per comunicar-se. Són tres camps que innegablement conformen el pensament de la humanitat, encara que individualment cadascú s'incline per algun o diversos d'aquests camps. A través del temps, les metàfores perduren i segueixen presents en l'explicació contemporània de l'origen, i l'activitat del teixit es presenta com una possibilitat de relacionar. En aquest treball, s'analitzen primer els mites pertanyents a les dues principals cultures mexicanes, doncs elles, com moltes altres concepcions arcaiques, van representar en la seva mitologia l'activitat de teixir com una de les activitats que van ser ensenyades als humans directament pels déus i que contenia el misteri de la creació. Després es fa un breu recorregut per algunes de les cultures més importants que utilitzen la metàfora del teixit com a forma de construcció de l'univers, per adonar-nos de la seva importància i finalment s'exploren les possibilitats de la tecnologia i la ciència han proporcionat en el camp dels fils i les teles per construir l'expressió contemporània. El paper de la dona en aquestes metàfores és predominant, ja que l'element femení com productor de vida, com a creador, és primordial en la construcció d'aquests mites. La funció dels tèxtils i el teixit en la cultura contemporània mantenen el seu significat d'unió, relació i construcció d'una cosa nova per la unió dels elements. L'Art contemporani també ha inclòs la metàfora i els materials del teixit que manifesten aquesta pertinença del tèxtil a l'expressió de l'ésser humà. / Yllades Nieto, ME. (2015). El textil: del mito del origen a la era multimedia [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/57488 / TESIS