Le genre féerique opère sous le règne de Victoria, un retour triomphant sur le devant de la scène littéraire et en profite pour s’immiscer dans les arts visuels. Sous la plume, le crayon ou le pinceau d’auteurs et d’artistes aussi bien masculins que féminins, textes et images prennent alors pour prétexte la peinture d’un monde merveilleux pour se jouer des conventions sociales et culturelles et examiner les idéaux, les angoisses, et les contradictions de la société de l’époque. D’un côté, les textes, visant un public tantôt juvénile, tantôt adulte, ou les deux à la fois, prolongent la tradition ancestrale du conte tout en la remettant au goût du jour. De l’autre, l’image, qui se met à envahir le quotidien, se charge, à travers la peinture et l’illustration, de doter le genre féerique d’une iconographie spécifique. A la croisée des deux, la littérature illustrée connaît un développement sans précédent. De par sa nature hybride, l’inspiration qu’elle tire du contexte socio-culturel, et son association privilégiée au domaine du féminin, la littérature féerique illustrée est propice à une analyse des rapports entre texte et image tout autant que des rapports entre genre masculin et genre féminin. En effet, la sexualité, tabou par excellence, et la question du genre (au sens anglo-saxon de gender, réalité sexuelle et construction, historique, sociale et artistique, d’un univers masculin et d’un univers féminin, avec tout ce que cela suppose comme normes, conventions, clichés, représentations…) devient, à cette époque, une thématique incontournable. Et elle a d’autant plus de pertinence en lien avec le féerique que ce genre n’inspire pas que les artistes et les auteurs masculins et qu’en tant que genre mineur il est traditionnellement, et symboliquement, considéré comme féminin – un statut qu’il partage d’ailleurs avec l’illustration. A plus d’un titre donc, la création féerique se trouve au croisement d’idées, complémentaires ou conflictuelles (masculin et féminin, texte et image, peinture et illustration, art et artisanat, culture savante et culture populaire, âge adulte et enfance, conformisme et subversion, tradition et innovation …). Cette étude, centrée sur le concept d’« entre deux » se propose, par conséquent, d’examiner le domaine féerique en tant qu’espace de rencontre entre toutes ces idées en considérant des toiles, des textes et des livres illustrés d’inspiration féerique et de confronter deux genres, gender et genre féerique, afin de mieux percevoir les liens qui ont pu être les leurs à l’époque victorienne, puis édouardienne. / Under the reign of Victoria, the fairy genre, after many years of banishment, is back on the literary scene and introduced as a major source of inspiration for the visual arts. Artists and authors create texts and pictures that turn the depiction of a fantasy world disregarding current cultural and social norms into an opportunity for the exploration of the ideals, anxieties and contradictions of the time. Original texts written for the adult and juvenile readerships keep the age-old tradition of the fairy tale alive, renewing its themes and representations in accordance with the current British tastes. Simultaneously, paintings and illustrations, at a time when pictures take an increasingly prominent place in everyday life and culture, provide the fairy genre with a specific iconography. At the crossroads of text and picture, illustrated literature goes through an unprecedented phase of popularity marked by two periods of golden age, in the 1860s and the 1890s. With its hybrid form, its inspiration derived from the social context and its privileged association with the feminine, the nineteenth-century and early twentieth century illustrated fairy literature is a cultural form most appropriate for the analysis of text/image relationships as well as the gender notions of the feminine and the masculine. Sexuality – the greatest taboo of the period – and gender matters are indeed key-topics at that time and they are all the more relevant in the fairy genre since, not only does it inspire both male and female creators, but, being a minor genre, it is traditionally and symbolically considered to be feminine. And so is illustration, for the same reason. In many respects, Victorian and Edwardian fairy creation is then at the crossroads of a number of notions, both complementary and antagonistic : masculine/feminine, text/image, painting/illustration, art/craftsmanship, high culture/low culture, adulthood/childhood, conformism/subversion, tradition/innovation…. Structured around the idea of an ‘in-between’ status, the present study shall therefore examine the field of literary and pictorial fairy creation as a space in which all these ideas meet through the analysis of fairy paintings, texts and illustrated books. Gender and fairy genre shall be considered jointly as an attempt to define and explore their relationships during the Victorian and Edwardian eras.

Orientador: João Luís Cardoso Tápias Ceccantini / Banca: Álvaro Santos Simões Junior / Banca: Vera Teixeira de Aguiar / Resumo: O presente trabalho estuda o modo de caracterização das personagens dos contos de fadas de Charles Perrault (1628-1703) e o processo de transcontextualização (Hutcheon) dessas figuras para o universo ficcional infantil de Monteiro Lobato (1882-1948). Num primeiro momento, são analisadas cinco narrativas selecionadas da obra Contes de ma mère l'oye (1697) e de seu contexto de produção, com vistas a determinar o posicionamento (Maingueneau) e a concepção literária de Perrault. Na seqüência, é elaborado um estudo crítico dos contos de Monteiro Lobato, verificando as adaptações e/ou transformações realizadas pelo escritor brasileiro ao introduzir as personagens de Perrault nas aventuras do Sítio do Picapau Amarelo. Na parte final do trabalho, realizamos uma apreciação teórica do procedimento criativo adotado por Lobato, a fim de delinear o modo como se processa a reapresentação (Sant'Anna) dos elementos característicos dos contos de fada na produção ficcional de Lobato. / Résumé: e travail étude la manière de caractérisation des personnages des contes de fées de Charles Perrault (1628-1703) et le processus de transcontextualisation (Hutcheon) de ces figures pour l'univers fictionel enfantin de Monteiro Lobato (1882-1948). Dans le premier moment, nous analysons cinq récits sélectionnés de l'oeuvre Contes de ma mère l'oye (1967) et son contexte de production, avec l'objectif de determiner le positionnement (Maingueneau) et la conception littéraire de Perrault. Ensuite, nous entreprenons une étude critique des contes de Monteiro Lobato, en vérifiant les adaptations et les transformations que l'auteur brésilien a réalisées dans les personnages de Perrault qui sont introduits dans les aventures du Sítio do Picapau Amarelo. Dans la dernière partie du travail, nous réalisons une appréciation théorique du procédé créatif adopté par Lobato, avec l' intention de tracer la manière comme est executée la re-présentation (Sant'Anna) des éléments caractéristiques des contes de fées dans la production ficcionnelle de Lobato. / Mestre

Le travail de recherche porte sur la réécriture des contes de fées chez Ana Maria Matute. Toute réécriture d’un modèle narratif suppose une interprétation particulière du monde : le message transmis par les romans et les contes de la romancière s’avère en effet ambivalent en fonction du public visé, subvertissant ou non la morale traditionnelle des contes. Si je schéma narratif du genre est respecté lorsqu’elle s’adresse aux enfants, ce schéma est entièrement subverti dans les ouvrages destinés aux adultes, offrant de la sorte une vision paradisiaque et nostalgique d’une enfance perdue. Resituée dans le contexte plus vaste de la littérature espagnole de l’après guerre et étayée à l’aune de différents modèles critiques, notre recherche nous amène à montrer comment dans une structure sociale traditionnelle, les contes de fées et leur subversion motif récurrent ans l’univers romanesque de l’Espagne franquiste, peuvent alors constituer une remise en cause de l’ordre établi. / Our research is about the reelaboration of Fairy Tales in the contemporary Spanish Literature, and most particularly in the works of Ana Maria Matute. Any rewriting of a known narrative model implies a particular interpretation of the world : The message conveyed of a known narrative novels and tales is ambivalent, and dépends on te target audience, subvertin or not the traditional morals of fairy tales. If the tarrative scheme of this genre is respected when she addresses children, this scheme is entirely subverted in books aimed at adult, thus giving a heavenly and nostalgic vision of a lost childhood. Placed int the larger context of post-war how, in a traditional social structure, fairy tales and their subversion, which are recurrent patterns in the novelistic universe of franquist Spain, an then turn out to question the establishment.

La littérature est une source d'où jaillissent les flots intarissables du paradoxe ; c'est dans cet entrelacement de dichotomies que nous nous sommes immergées pour percevoir l'unité sous-jacente derrière l'oxymore que constitue le titre de notre thèse : " une poétique de l'abjection dans la littérature gothique américaine postmoderne. " Si nous nous sommes tournées vers Stephen King, Peter Straub et Chuck Palahniuk et avons mis l'accent sur trois de leurs œuvres précises, notre démonstration se veut être transposable à l'ensemble de leurs écrits. Nous nous sommes interrogées sur la nature de l'abjection et sur sa prééminence dans une société américaine portant le sceau du puritanisme. Marqués par le Romantisme et le Gothique anglais, nos auteurs ont su donner aux thématiques caractérisant ces mouvements une voie nouvelle. Situer nos œuvres dans la lignée du gothique postmoderne nous permet d'osciller sur le paradigme de l'excès et de l'incomplétude, de la déconstruction et de l'unité. Le thème de la fragmentation apparaît comme l'un des fils d'Ariane permettant aux auteurs de tisser autour des lecteurs leur toile arachnéenne. Ce démantèlement qui affecte à la fois la dimension narrative et thématique des récits contribue à leur effet patchwork et subversif, nous liant à notre problématique postmoderne. Les paradoxes engendrés par nos récits leur donnent leur force et expliquent leur fascination sur le public. Nos pérégrinations menant à l'ouverture des différentes portes de l'interprétation révèlent que l'abjection devient source d'une nouvelle esthétique. Le laid peut véhiculer de la beauté et du sublime. L'harmonie qui existe dans le monde de la déchéance qui nous est dépeint explique l'emprise hypnotique de la littérature de l'abjection sur le lecteur. Source de poétique, celle-ci procure un plaisir de la lecture quasi jouissif pour ceux qui se laissent transporter par la magie créatrice de nos auteurs.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:52Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2009-01-16Bitstream added on 2014-06-13T19:26:59Z : No. of bitstreams: 1 santos_gg_me_assis.pdf: 1750869 bytes, checksum: fb2fb3fe242420c82b061b91478fae9b (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / e travail étude la manière de caractérisation des personnages des contes de fées de Charles Perrault (1628-1703) et le processus de transcontextualisation (Hutcheon) de ces figures pour l’univers fictionel enfantin de Monteiro Lobato (1882-1948). Dans le premier moment, nous analysons cinq récits sélectionnés de l’oeuvre Contes de ma mère l’oye (1967) et son contexte de production, avec l’objectif de determiner le positionnement (Maingueneau) et la conception littéraire de Perrault. Ensuite, nous entreprenons une étude critique des contes de Monteiro Lobato, en vérifiant les adaptations et les transformations que l’auteur brésilien a réalisées dans les personnages de Perrault qui sont introduits dans les aventures du Sítio do Picapau Amarelo. Dans la dernière partie du travail, nous réalisons une appréciation théorique du procédé créatif adopté par Lobato, avec l’ intention de tracer la manière comme est executée la re-présentation (Sant’Anna) des éléments caractéristiques des contes de fées dans la production ficcionnelle de Lobato. / O presente trabalho estuda o modo de caracterização das personagens dos contos de fadas de Charles Perrault (1628-1703) e o processo de transcontextualização (Hutcheon) dessas figuras para o universo ficcional infantil de Monteiro Lobato (1882-1948). Num primeiro momento, são analisadas cinco narrativas selecionadas da obra Contes de ma mère l’oye (1697) e de seu contexto de produção, com vistas a determinar o posicionamento (Maingueneau) e a concepção literária de Perrault. Na seqüência, é elaborado um estudo crítico dos contos de Monteiro Lobato, verificando as adaptações e/ou transformações realizadas pelo escritor brasileiro ao introduzir as personagens de Perrault nas aventuras do Sítio do Picapau Amarelo. Na parte final do trabalho, realizamos uma apreciação teórica do procedimento criativo adotado por Lobato, a fim de delinear o modo como se processa a reapresentação (Sant’Anna) dos elementos característicos dos contos de fada na produção ficcional de Lobato.

Orientador: Maria do Rosário de Fátima V. Gregolin / Banca: Antônio Fernandes Júnior / Banca: Cleudemar Alves Fernandes / Banca: Luzmara Curcino Ferreira / Banca: Sonia Aparecida Lopes Benites / Resumo: A construção de identidades do feminino é a questão central deste trabalho que se desenvolve à luz da Análise do Discurso derivada de Michel Pêcheux, mais precisamente a partir dos aportes de Michel Foucault incorporados nesse campo do saber. O objetivo é contribuir com uma reflexão sobre o funcionamento discursivo da linguagem publicitária atravessada e constituída interdiscursivamente pelo discurso dos contos de fadas, focalizando os jogos de verdades e as redes de memória que historicamente subjetivaram/objetivaram o ser mulher. Parte-se do princípio de que, diante da imensa orquestração da mídia no cotidiano das pessoas e diante do fato de que a publicidade figura como uma das vozes mais ativas na ocupação dos espaços públicos na sociedade de consumo, sua linguagem (sedutora e persuasiva), suas múltiplas significações e os vestígios de sua historicidade, que forjam identidades, precisam ser investigados, descritos e analisados, de modo a se explicitarem os processos de apreensão e de produção de sentidos. O material de análise é constituído por peças publicitárias veiculadas, na mídia impressa, em três momentos: (i) início do século XX, época em que era bastante expressiva a circulação de anúncios de medicamentos, exaltando a natureza frágil da mulher; (ii) anos 1960 e 1970, momento em que a publicidade enaltecia a imagem de rainha do lar, contrariando os postulados feministas que começavam a ganhar visibilidade e dizibilidade nas práticas cotidianas; (iii) na atualidade, quando, então, é possível observar, no entrecruzamento da memória com as publicidades do passado, a permanência, o deslocamento e o apagamento de sentidos que falam da/sobre a mulher, possibilitando uma descrição e análise sobre os contornos identitários do feminino nos novos tempos. O gesto analítico diante dessas materialidades e do espaço de memória... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Résumé: La construction d'identités du féminin est la question centrale de ce travail, développé à la lumière de l'analyse du discours fondée par Michel Pêcheux, plus précisément à partir de la contribution de Michel Foucault incorporée dans ce domaine. Le but est de contribuer avec une réflexion sur le fonctionnement discursif du langage publicitaire traversé et constitué de l'interdiscursivité avec le discours de contes de fées, tout en envisageant les jeux de vérités qui, historiquement, ont subjectivé / objectivé l' être femme. On part du principe que face à l'immense orchestration des médias dans la vie quotidienne et le fait que la publicité est une des voix les plus actives dans les espaces publics dans la société de consommation, son langage (séducteur et de persuasif), ses multiples significations et les traces de son histoire, qui forgent des identités, doivent être étudiés, décrits et analysés afin d'expliciter le processus de prise et de production du sens. Le matériel pour l'analyse s'est composé des pièces publicitaires, en version imprimée, à trois reprises: (i) début du XXe siècle, une période où la publicité a été largement constituée du discours médical et de celui de la nature fragile, douce, paisible et maternelle des femmes (ii) les années 60 et 70, lorsque la 'publicité ennoblissait l'image de la maîtresse de maison, niant les postulats des féministes qui commençaient à avoir la visibilité et la disibilité dans les pratiques quotidiennes, (iii) actuellement, quand il est possible d'observer, au croisement de la mémoire avec la publicité d'autrefois, les continuités, les déplacements et les suppressions des sens qui parlent de la femme, ce qui permet de décrire et d'analyser les contours identitaires du féminin de nos jours. Le geste analytique face à ces matérialités et à l' espace de mémoire... (Résumé complet accès électronique ci-dessous) / Doutor

Cette thèse, de type quasi expérimental, étudie les effets produits par le récit de contes modernes sur l’imagination et la peur chez les enfants de 5 et 6 ans fréquentant le préscolaire. Le premier chapitre comprend la recension des écrits (conte et développement affectif), la présentation du modèle théorique utilisé et la formulation des hypothèses et sous hypothèses. La problématique développée fait la lumière sur des conceptions théoriques pertinentes (conte et développement affectif) et souligne l’absence de recherches rigoureuses se rapportant à l’influence psychologique de la littérature pour enfants. On souligne l’importance d ’élaborer une démarche de recherche spécifique visant à explorer et exploiter la fonction affective des contes modernes au préscolaire (5 et 6 ans), le sentiment retenu étant la peur. Le modèle théorique de Jerome L. Singer et Dorothy Singer est présenté en deuxième partie de ce chapitre. Ces auteurs ont étudié, en situation de jeu, les effets produits notamment sur l’agressivité par des émissions télévisées de fiction chez des enfants du préscolaire et du primaire. En incluant des variables semblables ou connexes à celles étudiées par Singer et Singer, nous avons structuré sensiblement de la m ê m e façon une démarche portant sur les contes modernes. La variable indépendante a été reconnue comme le récit de contes modernes, tandis que les variables dépendantes ont été assimilées à l’imagination et à la peur. On a choisi de vérifier les hypothèses et sous-hypothèses de la recherche en comparant un groupe expérimental et un groupe témoin, les deux groupes étant évalués par un pré-test et un post-test. Le déroulement de l’expérience fait l’objet du deuxième chapitre. On y décrit les moyens utilisés pour mesurer les variables en cause, c’est-à-dire les instruments de mesure utilisés au pré-test et au post-test (Questionnaire sur l’imagination et test J ’ai peur) et celui utilisé pour observer le jeu (Protocole d’observation du jeu). Sont identifiés ensuite les sujets ainsi que les étapes composant l’expérience: 1) la pré-expérimentation (instruments de mesure, entraînement des examinatrices au protocole d ’observation et à la manipulation du matériel audio-visuel, planification de la cueillette des données et répartition des observations) ; 2) l’expérimentation proprement dite (pré-test, sélection de contes, récit de contes, enregistrement vidéo de l’activité de jeu et application du Protocole d ’observation du jeu au visionnement des vidéos). L’analyse et la discussion des résultats constituent le troisième chapitre. Après la présentation du plan d ’analyse des données, on s’attarde à vérifier d ’abord les effets prédits par les hypothèses. Deux types d ’analyse sont utilisés, soit l’analyse globale (deux groupes de sujets) et l’analyse spécifique (expérimental puis contrôle). On vérifie ensuite le processus de transformation prévu par les sous-hypothèses dans l’activité de jeu. Les résultats obtenus sont discutés dans la dernière partie du chapitre. Les résultats montrent que le récit de contes modernes a produit des effets sur l’imagination et la peur chez les enfants qui avaient une grande peur des serpents, des bandits et des dragons et chez ceux qui avaient peu d’imagination; les peurs diminuent et l’imagination augmente du pré-test au post-test. Ils indiquent aussi que le jeu peut représenter pour l’enfant une occasion d’exprimer son imagination et ses peurs. Le but ultime de cette thèse était de faire une place plus grande à la fonction affective du conte moderne dans son exploitation à l’école. La réalisation de cette recherche semble confirmer l’importance de raconter des contes modernes à l’école auprès des enfants peu imaginatifs qui éprouvent des peurs. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2015

La littérature est une source d’où jaillissent les flots intarissables du paradoxe ; c’est dans cet entrelacement de dichotomies que nous nous sommes immergées pour percevoir l’unité sous-jacente derrière l’oxymore que constitue le titre de notre thèse : « une poétique de l’abjection dans la littérature gothique américaine postmoderne. » Si nous nous sommes tournées vers Stephen King, Peter Straub et Chuck Palahniuk et avons mis l’accent sur trois de leurs œuvres précises, notre démonstration se veut être transposable à l’ensemble de leurs écrits. Nous nous sommes interrogées sur la nature de l’abjection et sur sa prééminence dans une société américaine portant le sceau du puritanisme. Marqués par le Romantisme et le Gothique anglais, nos auteurs ont su donner aux thématiques caractérisant ces mouvements une voie nouvelle. Situer nos œuvres dans la lignée du gothique postmoderne nous permet d’osciller sur le paradigme de l’excès et de l’incomplétude, de la déconstruction et de l’unité. Le thème de la fragmentation apparaît comme l’un des fils d’Ariane permettant aux auteurs de tisser autour des lecteurs leur toile arachnéenne. Ce démantèlement qui affecte à la fois la dimension narrative et thématique des récits contribue à leur effet patchwork et subversif, nous liant à notre problématique postmoderne. Les paradoxes engendrés par nos récits leur donnent leur force et expliquent leur fascination sur le public. Nos pérégrinations menant à l’ouverture des différentes portes de l’interprétation révèlent que l’abjection devient source d’une nouvelle esthétique. Le laid peut véhiculer de la beauté et du sublime. L’harmonie qui existe dans le monde de la déchéance qui nous est dépeint explique l’emprise hypnotique de la littérature de l’abjection sur le lecteur. Source de poétique, celle-ci procure un plaisir de la lecture quasi jouissif pour ceux qui se laissent transporter par la magie créatrice de nos auteurs. / Literature is a stream from which gush forth the inexhausting flows of paradoxes; we have immersed ourselves in this entertwining of dichotomies to perceive the underlying unity behind the oxymoron constituting the title of our thesis: “a poetics of the abjection in American postmodern gothic literature.” If we have chosen Stephen King, Peter Straub and Chuck Palahniuk and have focused on three specific novels, our demonstration intends to be transposed to the whole range of their works. We wondered about the nature of abjection and its pre-eminence in an American society bearing the seal of Puritanism. Marked by Romanticism and the English gothic, our authors have been able to convey to the themes characterizing those movements a new direction. Setting our novels in the wake of postmodern gothic is a way for us to oscillate on the paradigm of excess and incompleteness, deconstruction and unity. The theme of fragmentation appears as one of Ariadne’s clues allowing the authors to weave their gossamery web around the readers. This dismantling which both affects the narrative and thematic dimension of the novels contributes to the patchwork and subversive effect engendered, linking us to our postmodern problematic. The paradoxes engendered by our novels give them their strength and account for their fascination on the audience. Our peregrinations leading to the opening of the various interpretative doors reveal that abjection becomes the source of a new aesthetics. Ugliness can convey beauty and sublime. The harmony which exists in the world of discrepancy depicted to us explains the hypnotic ascendancy of the literature of abjection on the reader. Source of poetry, it brings about a pleasure of reading verging on climax for those who let themselves be carried away by the creative magic of our authors.

Les formes personnelles du récit (roman à la première personne et roman épistolaire) se sont imposées comme des formes privilégiées de la narration romanesque depuis la fin du dix-septième siècle jusqu'aux années 1760. L’étude a porté sur ce qui a pu inciter les auteurs, féminins ou masculins, à adopter très fréquemment une voix féminine dans ces narrations à la première personne. Qu'autorise cette voix féminine ? Cette adoption implique-t-elle une identification possible au féminin ? S'agit-il au contraire de mieux « construire » une représentation du féminin auquel d'ailleurs, en retour, les femmes peuvent finir par s'identifier ? L’étude a d'abord porté sur l'héritage des voix féminines en revenant à la situation de ce qu'on peut qualifier de « genres féminins » au dix-septième siècle : l’écriture épistolaire et mondaine pratiquée par Madame de Sévigné, les contes de fée, et le genre du roman-mémoires qui se développe sous la plume de romancières comme Mme de Villedieu ou Mme de Murat. Tous ces genres mettent en place certaines images de la féminité et de la narration féminine marquées par l’audace, l’humour, le badin et parfois la mise à mal des modèles héroïques. Ceci nous a menée à la voix de la Marianne de Marivaux qui est le pivot de cette réflexion, en ce qu’elle a incarné le féminin dans le roman-mémoires pendant plusieurs décennies. En amont, il s’agissait de voir en quoi la voix imaginée par Marivaux n’avait pas surgi ex nihilo, mais comment elle avait été préparée par les romancières et écrivaines de la seconde moitié du XVIIe siècle, et de quelle manière les conditions étaient réunies pour qu’émerge cette voix véritablement fondatrice. En aval, l’étude nous a permis de voir en quoi cette voix a influencé et inspiré les auteurs contemporains de Marivaux ou ceux qui l’ont suivi. L’étude se poursuit par une confrontation entre La Religieuse de Diderot et la Nouvelle Héloïse Rousseau afin d’observer la manière très différente mais en écho dont les deux romanciers faisaient parler des personnages de femmes et ramenaient dans le champ du romanesque une forme de tragique ou de pathétique qui semblait éteindre la voix de Marianne et donc avec elle les voix des romancières et conteuses de la fin du XVIIe siècle. / The personal narrative forms (novels written in the first person and epistolary novels) are among the most commonly used narrative forms in novels written between the end of the seventieth century and the period circa 1760. This research aims to identify the motivations of many male as well as female authors to use very frequently a woman’s voice in their first person narration. What does this woman’s voice allow? Does it mean the author identifies himself with a woman ? Or is it a way to shape a woman’s representation, to which the women, in return, might identify themselves ? This research studies the legacy of women’s voices, through what we may call the feminine narrative forms in the 17th century : the epistolary and mundane writtings of Madame de Sévigné, the fairy tales and the memoir-novels from Mme de Villedieu or Mme de Murat. All these narrative forms convey an image of feminity and feminine narrative forms full of audacity, humour, « badin » and also a certain undermining of the heroic role model. “The voice of Marivaux’s Marianne” is at the center of this reflexion, as she embodied the feminine in the memoir-novels for several decades. A feminine voice who did not appear ex-nihilo but whose emergence was fully prepared by the female novelists and writters of the second half of the 17th century. And a feminine voice who did not disappear with her author, as many Marivaux’s contemporaries and authors in the following years gave new inspirations to this voice. This study also confronted La Religieuse de Diderot and La Nouvelle Héloïse de Rousseau in order to identify the very different, although mirroring ways in which the two authors have the women characters express themselves and bring forward a form of tragedy and pathetic that seems to silence Marianne’s voice and close the era of the female authors and storytellers of the end of the 17th century.

Écrivain dramatique, romancier, nouvelliste et conteur, Carlo Collodi (1826-1890), à sa mort, est avant tout reconnu comme un journaliste de talent, auteur apprécié de livres pour enfants. Paradoxalement, l’œuvre de Collodi, sous la plume de ses biographes les plus célèbres, devient ensuite celle d’un seul livre : Le avventure di Pinocchio. Storia di un burattino (1883), un chef-d’œuvre isolé « écrit par hasard » (selon l’expression de P.Pancrazi). La recherche récente de type philologique – en particulier les travaux de Daniela Marcheschi – réinsère Pinocchio dans un ensemble littéraire faisant fonction d’atelier de création, dans lequel se sont élaborés les outils stylistiques et thématiques ancillaires de l’œuvre majeure. Une étude intertextuelle, ainsi qu’une approche de type anthropologique, de l’ensemble du corpus collodien, montrent que Pinocchio est l’aboutissement d’une recherche existentielle : le projet collodien, paré de la magie des contes de fées, explore les limites du vivant et de l’inanimé, il pose la question de l’intégrité des êtres. L’analyse textuelle révèle que l’auteur a tenté, avec Pinocchio, une opération de « reproduction », de régénération, un engendrement sans la mère: la création du pantin n’est pas celle d’un être nouveau mais initialement celle d’un double du vieillard, rajeuni. Voilà pourquoi « l’enfant parallèle », auquel Collodi donne corps, n’est pas le fruit d’un désir de paternité classique, mais l’objet d’une entreprise chimérique visant à refuser le destin mortel de l’homme. / Carlo Collodi (1826-1890) playwright, novelist, short story writer and storyteller was, at his death, known primarily as a talented journalist and author of popular books for children. Paradoxically, Collodi’s work, according to his most famous biographers, had been reduced to a single book: Le avventure di Pinocchio. Storia di un burattino (1883), an isolated masterpiece "written by chance" (in the words of P. Pancrazi). Recent philological research - in particular the work of Daniela Marcheschi - reinserts Pinocchio into a literary corpus that functioned as a creative writing workshop, in which the stylistic and thematic tools subordinate to the main work were developed. An intertextual study and an anthropological approach to the complete works of Collodi show that Pinocchio is the culmination of an existential search: Collodi’s design, adorned with the magic of fairy tales, is to explore the limits of the animate and the inanimate and raise the question of the integrity of the human being. Textual analysis shows that what the author attempted with Pinocchio is a project of reproduction or regeneration, a sort of engendering without the mother: the puppet he created is not initially a new being, but rather a duplicate of the old man rejuvenated. That is why "the parallel child " to which Collodi gives life stems not from the desire for traditional paternity, but from the impossible dream of refusing the mortal destiny of man.