Au début du XIXe siècle s’amorce, en réponse à l’instabilité du monde, une crise de la représentation. Elle se traduit, dans les milieux romantiques, par une écriture de l’ambiguïté que l’on a coutume de désigner sous le nom de fantastique. En marge des visions grotesques ou dissonantes qui caractérisent de nombreux textes hoffmanniens, les récits de Charles Nodier, Joseph von Eichendorff, mais également, en partie du premier Gautier ou de Tieck, mettent en place un fantastique onirique, tirant sur le merveilleux. Touchant à l’intime et révélant les désirs cachés du sujet, cette modalité du fantastique sera appréhendée, à rebours d’une tradition critique qui privilégie l’étude de l’événement, sous l’angle du personnage. L’analyse comparée d’un corpus synchronique composé de contes et nouvelles de l’époque romantique se propose ainsi de contribuer à une poétique du fantastique et d’éclairer la relation qu’entretiennent les romantismes français et allemands .Ce travail fait tout d’abord ressortir la présence de rôles récurrents et de modalités de construction communes. Le récit est centré sur la relation unissant une figure fantastique et un sujet, autour duquel gravitent deux types, l’un donnant corps à l’interprétation surnaturelle, l’autre la rejetant. Le fantastique ne naît cependant pas uniquement de caractéristiques ontologiques, mais résulte d’une manipulation, qui joue sur l’évolution des interactions entre les personnages et sur les liens qui se tissent entre les différents niveaux narratifs. Cette manipulation sert un discours anthropologique et esthétique, qui révèle des points de convergence entre les romantismes français et allemands, esthétiques notamment, mais aussi des divergences profondes, quant à l’évaluation du rêve et de la folie ou des rapports entre littérature et religion. / At the beginning of the 19th century, the instability of the world lead to a crisis of representation and to the development of what Todorv called the fantastic genre. Unlike Hoffmann's grotesque or discordant visions, Charles Nodier's and Joseph von Eichendorff's stories are characterised by a dreamlike fantastic that is close to the supernatural.This kind of fantastic is connected with the intimate life of the subject and reveals their hidden desires. Contrary to traditional criticism, it will not be analysed through the prism of the event, but through the prism of the characters and their relations. By analysing romantic short stories, we aim to contribute to a general fantastic poetry and to shed a new light on the relations between French and German romanticisms. The first part of the study brings out the presence of typical roles and recurrent modalities of character construction: their names, their physical and psychological traits, their idiosyncraties. The fantastic story focuses on the relationship between a fantastic figure and a subject. Two stereotypes evolve around the latter: a character that defends a supernatural interpretation of the facts and a character that questions their reality. The fantastic effect not only results from ontological characteristics, but also from the interactions between the characters and between the various diegetic levels. The study of these interactions reveals a form of manipulation which serves an anthropological and esthetic aim. This is how, it reveals similarities but also differences between French and German romanticisms concerning the relation between literature and religion or the consideration of dreams or madness.

Ce travail se propose d’interroger le sujet pris sous le joug des discours de la post-modernité, à partir de ce que nous repérons comme la désacralisation de la croyance mythique. Ce remodelage symbolique fait basculer le lien social vers une société de la technique, une techni-cité, gouvernée par de nouvelles puissances économiques GAFAtisantes. Le sujet contemporain s’assujetti ainsi aux injonctions a-surmoïques d’un Père 2.0 qui le pousse toujours davantage dans la dégringolade subjective d’une jouissance absolue et massifère. Cette nouvelle organisation sociale fait alors éclore de nouvelles représentations de la folie. C’est ce qui nous pousse à réinterroger cette notion qui éclaire l’ensemble de notre propos. La clinique contemporaine témoigne de quelques formes de résistances du sujet. Celui-ci, ayant besoin de renouveler son rapport à l’Autre, se tourne vers de nouvelles formes de spiritualités qu’il prélève dans d’autres cultures. Il espère à partir de la mise en pratiques de ces traditions pouvoir extraire un savoir sur sa propre condition. Ce faisant, il technicise ces croyances importées qui aussitôt arrachées à leur socle symbolique virent à l’imaginaire et s’assignent à la logique capitaliste. Les nouvelles pratiques qui en émergent relèvent alors d’une post-traditionnalité qui offre un compromis au sujet cherchant à se renouveler subjectivement.La post-modernité ne connaissant aucune frontière, nous mettrons ces questions en jeu dans d’autres sociétés, notamment en Amazonie, au Sénégal et au Vanuatu. Nous constaterons que la folie demeure intimement liée au désordre social et que la contamination du discours économico-techno-scientifique contemporains produit des effets au-delà de la culture occidentale. / This research proposes to question the subject taken under the yoke of the discourses of the post-modernity, from what we see as the desecration of mythic belief. This symbolic remodeling shifts the social link towards a society of technology, a “techni-cité”, governed by new « GAFA » economic powers. The contemporary subject is thus subject to the a-parametric injunctions of a Father 2.0 which pushes him ever further into the subjective tumble of an absolute and massive enjoyment and « massifere ». This new social organization then gives rise to new representations of madness. This is what drives us to re-examine this notion that sheds light on our whole subject. This new social organization then gives rise to new representations of madness. This is what drives us to re-examine this notion that sheds light on our whole subject.The contemporary clinic shows some forms of resistance of the subject. The latter, needing to renew his relationship with the Other, turns to new forms of spirituality that he takes from other cultures .He hopes from the putting into practice of these traditions to be able to extract knowledge about his own condition. In doing so he technicizes these imported beliefs, which are immediately torn from their symbolic base, turn to the imaginary and take up capitalist logic. The new practices that emerge from it are part of a post-traditionalism that offers a compromise to the subject that seeks to renew itself subjectively.Since post-modernity knows no boundaries, we will put these issues at stake in other societies, particularly in the Amazon, Senegal and Vanuatu. We will find that madness is closely linked to social disorder and that the contamination of contemporary economic-techno-scientific discourses produces effects beyond occidental culture.

Das Ziel der vorliegenden Arbeit war, über die gezielte Analyse, Messung und Bewertung, einen entscheidenden Beitrag für das grundlegende Verständnis der Haftungsmechanismen bei der Verklebung von verpackungsindustrienahen Modellsystemen zu leisten. Anhand einer Vielzahl von Untersuchungen zur Charakterisierung der Oberflächenmorphologie, -chemie, -beschaffenheit, der grenzflächenenergetischen und Benetzungseigenschaften konnten einige Ansätze für Korrelationen zwischen Stoff- und Verbundeigenschaften ermittelt werden. Dazu wurden einige neue messtechnische Erkenntnisse zur grenzflächenenergetischen Charakterisierung der Modellsysteme (Modellklebstoffe und -oberflächen) gewonnen. Es wurde allerdings gezeigt, dass bei den beiden untersuchten Klebstoffsystemen (Schmelz- und Dispersionskleber) die Haftmechanismen oft durch klebstoffspezifische Phänomene (Schmelzklebstoffe - Wachsseparation und Dispersionsklebstoffe - wässriger precursor film), welche aufgrund einer grenzflächenbedingten Phasenseparation des Klebstoffes zur Bildung einer "Trennschicht" führen, negativ verändert werden können.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cette thèse examine la représentation littéraire de migrations depuis des colonies vers les centres impériaux à l'époque de la décolonisation par l'analyse comparative de romans antillais en langue anglaise et maghrébins en langue française traitant d'immigration vers la Grande-Bretagne et la France respectivement. L'attention portée à la relation de domination est un point de convergence majeur. Lamming, Chraïbi et Kateb la présentent comme une relation coloniale ayant des effets tant économiques que psychologiques et culturels. Boudjedra et Ben Jelloun dans les années 1970 placent et l'immigration et la colonisation dans le cadre plus large de l'exploitation capitaliste. La représentation des conditions de vie difficiles et de la marginalisation des immigrés participe dans ces romans d'une critique générale de la modernité européenne. Les auteurs maghrébins dénoncent le caractère oppressant de la rationalité occidentale, tandis que les romanciers antillais se concentrent sur les racines coloniales de l'attitude des Britanniques face aux populations non-Européennes. Des deux côtés, on répond au discours colonialiste et à la représentation positive du colonisateur à travers la manipulation du point de vue et de la voix narratifs et le thème de la folie. La plupart des écrivains réfutent les images négatives des immigrés en insistant sur des aspects négligés, tels que la dimension émotionnelle de leur vécu et les tenants et aboutissants coloniaux des relations entre immigrés et autochtones. Ce faisant, leurs représentations finissent par se conformer à la figure de l'immigré sous-tendant les discours qu'ils dénoncent. Leurs préoccupations se distinguent de celles de générations d'auteurs ultérieures et de discours récents sur les populations d'origine maghrébine et antillaise en France et en Grande-Bretagne

La notion de « bile », exprimée par le substantif χολή, représente l’un des plus importants et des plus célèbres concepts de la médecine hippocratique, inséparable dans la pensée moderne de la fameuse théorie humorale. Au premier abord, les choses semblent donc claires. Cependant, lorsqu’on se plonge dans la lecture des écrits hippocratiques, la notion de cholè s’avère moins simple et évidente. Notre analyse des textes hippocratiques montre, en effet, que la cholè diffère d’un traité à l’autre et que chaque auteur hippocratique élabore sa propre notion de cholè. Nous nous sommes posé alors la question de l’origine de ce concept médical, ainsi que de l’origine de son cadre, qui est la théorie humorale. Notre quête des origines nous a amenée jusqu’aux idées homérique de chólos et aristophanique de cholè, qui se présentent toutes les deux comme fondamentalement différentes de l’idée médicale de cholè, unissant en elles-mêmes les notions de substance et d’état d’esprit. C’est justement cet écart entre les concepts non-médicaux et les concepts médicaux qui nous a intéressée au plus haut point, car il permet de voir comment les médecins hippocratiques élaborent leurs idées et leur discours. L’essentiel de notre travail consiste, donc, en un examen approfondi des procédés par lesquels les hippocratiques s’approprient des idées non-médicales : ce qu’ils retranchent, ce qu’ils rajoutent et ce qu’ils remanient. Nous espérons ainsi mettre en évidence les chemins par lesquels passe la pensée médicale ancienne, dans son processus d’émancipation de la culture traditionnelle, mais aussi des autres « sciences » de l’époque, telle que la philosophie. / The notion of « gall », expressed by the noun χολή, is one of the most important as well as the most celebrated concepts of the hippocratic medicine, inseparable for the modern mind from the humoral theory. At first sight then, the idea of « gall » seems fairly obvious. However, reading hippocratic treatises in detail, one realizes that the notion of cholè turns out to be far more complex and intricate than expected. Our analysis of the most relevant hippocratic texts shows indeed that the concept of cholè varies according to the texts involved, as every author tends to develop his own concept of cholè. We tried to find out whether the complex nature of the medical concept known as cholè could be elucidated by a survey of its origins, and a survey of the origins of the humoral system as a whole. Our search for the origins of cholè has led us to the Homeric concept of chólos and to the Aristophanic concept of cholè. The prerequisites of both notions conspicuously differ from the medical concept of cholè, because they unite the substance with a state of mind. This discrepancy between medical and non-medical concepts was of utmost importance for us, since it helped to understand how hippocratic authors developed their ideas and their discourse. The main asset of our work consists, therefore, in an in-depth analysis of the ways in which hippocratic authors take over some non-medical ideas to frame concepts of their own : what are the components they cut out, add or modify. Our goal is to show how ancient medical thought proceeds, in its endeavour to emancipate itself from the tradition as well as from the other contemporary “sciences”, as philosophy.

Ce travail est consacré à l’étude du personnage allégorique de la Folie sur la scène de l’Académie Royale de Musique entre 1697 et 1718. Qu’il soit suggéré ou personnifié, ce caractère féminin est abondamment présent dans les spectacles de cette période. A la fin du règne de Louis XIV, la Folie fait peu à peu son entrée à l’Opéra. Entourée de Momus, du Carnaval, de Bacchus, de l’Amour et des personnages de la commedia dell’arte, la Folie « ramène les tendres Jeux », « chasse la Raison cruelle » et invite sans cesse à « goûter les charmes de la vie ». En accédant à l’Opéra, cette figure extravagante et enjouée signale une évolution de ton qui préfigure le changement de mœurs associé à la Régence. Mais au-delà de la philosophie hédoniste qu’elle dispense, quel est le sens caché des paroles de la Folie ? Faut-il voir dans la présence de ce personnage une remise en cause de l’ordre établi, de la politique sociale et de l’austérité marquant la fin du règne ? Son utilisation permet-elle, sous la couverture d’une « maladie de l’âme », de critiquer la politique et les mœurs de Louis XIV ? Qui se cachent derrière le discours subversif de la Folie ? Quel est le rôle de cette figure dans les débats esthétiques de l’époque ? Cette recherche explore le rôle, ainsi que le traitement musical, dramatique et scénique d’une telle figure à travers l’étude d’ouvrages créés à l’Opéra. Nous proposons ici un portrait physique, moral et social de la Folie, à la lumière de multiples documents musicaux, textuels et iconographiques de l’époque, et présentons différents traits de caractère du personnage et plusieurs thèmes qui lui sont liés afin de comprendre les raisons de sa présence à cette époque. / This work is devoted to the study of the allegorical figure of Folly on the stage of the Académie Royale de Musique between 1697 and 1718. Suggested or personified, this female character is abundantly present in the spectacles of this period. At the end of the reign of Louis XIV, Folly appears little by little at the Opera. Surrounded by Momus, Carnival, Bacchus, the god of love and the characters of the commedia dell'arte, Folly "brings back the soft Games", "banishes the cruel Reason" and continually invites to "taste the charms of life”. By accessing the Opera, this extravagant and playful figure indicates a change of tone that foreshadows the changing attitudes of the Regency. But beyond the hedonistic philosophy that she provides, what is the hidden meaning of Folly’s words? Should we see a calling into question of the established order, the social policy and the austerity marking the end of the reign? Does its use allow, under the cover of a “disease of the soul”, to criticize the policy and manners of Louis XIV? Who hides behind the subversive speech of Folly? What is the role of this figure in the aesthetic debates of the period? This research explores the role, as well as musical, dramatic and scenic treatments of such a figure through the study of works created at the Opera. We propose here a physical, moral and social portrait of Folly, in the light of multiple musical, textual and iconographic documents of the time, and present different character traits and several themes that are related to it in order to understand the reasons for its presence at this time

A quelle(s) logique(s) répondent les dispositifs de création réalisés par Antonin Artaud et David Nebreda ? Quel statut attribuer à leurs « œuvres », si tant est que l’on puisse accoler cette appellation à leurs travaux ? Pour répondre à ces questions, nous mènerons une réflexion d’ordre esthétique et nous nous interrogerons parallèlement sur la spécificité du processus de création dans la psychose. Nous étudierons les productions d’Artaud et de Nebreda sous l’angle de la mise en scène et de la performativité. Nous mettrons également en lumière l’abolition de la représentation, l’effondrement de la scène et les limites du jeu / je. Nous montrerons ainsi la prédominance des registres Réel et Imaginaire conçus par Jacques Lacan. Chez ces « artistes » transgressant les frontières des genres et de l’art, les manifestations incontrôlées du corps et les conflits intrapsychiques donnent lieu à des recréations simultanées du monde et du langage, qui, en même temps qu’elles s’apparentent au déroulement d’une cérémonie de mise à mort, tracent des signes inédits, forment d’étranges parcours et s’orientent vers l’horizon d’une nouvelle naissance. / Which logic is guiding the multimodal creations proposed by Antonin Artaud and David Nebreda ? What kind of status can be applied to their “(art)works” ? In order to answer these questions, we will lead an esthetical research and study concurrently the specificities of the creative process in psychosis. We will examine Artaud’s and Nebreda’s productions through the notions of setting and performativity. We will underline the abolition of representation and the crumbling of the stage as well as the limits of play / subjectivity. We will show the predominance of the Real and Imaginary registers as they have been conceived by JacquesLacan. By Artaud and Nebreda, the uncontrolled corporal manifestations and the intra-psychicconflicts generate simultaneous recreations of the body and language as, in the same time, they achieve a sort of sort killing ceremony, tracing unseen signs, outlining strange trails and pointing toward the horizon of a new birth.

Occlusion is a procedurally randomized interactive art experience which uses the motifs of repetition, isolation, incongruity and mutability to develop an experience of a Folie àDeux: a madness shared by two. It draws from traditional video game forms, development methods, and tools to situate itself in context with games as well as other forms of interactive digital media. In this way, Occlusion approaches the making of game-like media from the art criticism perspective of Materiality, and the written work accompanying the prototype discusses critical aesthetic concerns for Occlusion both as an art experience borrowing from games and as a text that can be academically understood in relation to other practices of media making. In addition to the produced software artifact and written analysis, this thesis includes primary research in the form of four interviews with artists, authors, game makers and game critics concerning Materiality and dissociative themes in game-like media. The written work first introduces Occlusion in context with other approaches to procedural remixing, Glitch Art, net.art, and analogue and digital collage and décollage, with special attention to recontextualization and apophenia. The experience, visual, and audio design approach of Occlusion is reviewed through a discussion of explicit design choices which define generative space. Development process, release process, post-release distribution, testing, and maintenance are reviewed, and the paper concludes with a description of future work and a post- mortem discussion. Included as appendices are a full specification document, script, and transcripts of all interviews.

Submitted by Marlene Aparecida de Souza Cardozo (mcardozo@pucsp.br) on 2016-12-19T15:01:20Z No. of bitstreams: 1 Valdir de Volpato Fornel Junior.pdf: 1540016 bytes, checksum: 62e8a0b033d021090848b92953110606 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-12-19T15:01:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Valdir de Volpato Fornel Junior.pdf: 1540016 bytes, checksum: 62e8a0b033d021090848b92953110606 (MD5) Previous issue date: 2016-03-28 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / Notre recherche de master cible la circonscription de la « Métaphore de la Navigation » dans trois moments distincts du parcours philosophique de M. Foucault (1926-1984). Sans le prétentions de raconter une histoire de la métaphore de la navigation, notre étude balise les usages et les non-usages, les ressemblances et les différences, les personnages et les paysages utilisés par l’auteur à la mesure qu’il se sert de la métaphore. Nous remarquons trois occurences, passages, perspectives, dans lesquelles le penseur fait référence au thème nautique, des situations repérées dans de différentes décennies de sa production philosophique. Le premier passage du thème se trouve dans le premier chapitre, « Sultifera navis », de l’Histoire de la Folie (1961) ; la deuxième apparition se trouve dans les classes du 1er et 8 février 1978, l’année où il donne le cours intitulé Securité, Territoire, Population ; enfin, la troisième apparition que nous mettons en relief est dans l’ensemble des classes du 17 et du 24 février et du 10 mars 1982, du cours L’Hermeneutique du Sujet. Cependant que dans quelques autres moments Foucault s’utilise de la métaphore navale, le choix des textes mentionnés est justifié comme outils de recherche, tout d’abord par l’immensité de possibilités que les écrits de l’auteur nous dévoilent ; deuxièmement, nous remarquons le choix comme une représentation de ses respectives décennies de production ; dernièrement, cela nous indique un chemin qui démarre avec le premier grand livre de l’auteur jusqu’à ses derniers cours au Collège de France. Notre travail est divisé en deux parties : dans la première, nous présentons quelques fragments du parcours philosophique de Foucault, tandis que dans la deuxième partie nous abordons le vaisseau et la folie ; le vaisseau et le pouvoir ; le vaisseau et l’éthique / A nossa pesquisa de mestrado tem como objetivo circunscrever a “Metáfora da Navegação” em três momentos distintos da trajetória filosófica de Michel Foucault (1926-1984). Sem pretensões de contar uma história da metáfora da navegação, o nosso estudo baliza os usos e desusos, as semelhanças e dessemelhanças, os personagens e paisagens que utiliza o autor à medida que se serve da metáfora. Destacamos três ocorrências, passagens, perspectivas, nas quais o pensador refere-se ao tema náutico, situações que localizamos em diferentes décadas de sua produção filosófica. A primeira passagem do tema encontra-se no primeiro capítulo, “Stultifera navis”, de História da Loucura (1961); a segunda aparição localiza-se nas aulas de 1º e 8 de fevereiro de 1978, ano em que ministra o curso intitulado Segurança, Território, População ; por fim, a terceira aparição que realçamos está no conjunto das aulas de 17 e 24 de fevereiro e 10 de março de 1982, do curso A Hermenêutica do Sujeito. Embora em alguns outros momentos Foucault também faça uso da metáfora naval, justifica-se a escolha dos textos mencionados como ferramenta de pesquisa, primeiro pela imensidão de possibilidades que os escritos do autor nos revelam; segundo, destacamos a escolha como representação de suas respectivas décadas de produção; por último, indicam-nos um caminho que se inicia com o primeiro grande livro do autor até o s seus últimos cursos no Collège de France. Nosso trabalho está divido em duas partes: na primeira apresentamos alguns fragmentos da trajetória filosófica de Foucault, já na segunda parte abordamos o navio e a loucura; o navio e o poder; o navio e a ética