O processo de criação fundamenta esta pesquisa. A vivência entre a paisagem da Praia da Daniela em Florianópolis, Santa Catarina, e o ateliê com a gravura em metal, suas especificidades e possibilidades gráficas, levaram à elaboração deste livro de artista. O que procuro são aproximações entre o estuário vivo e em constante movimento transformador da paisagem da Praia da Daniela com o meu estuário fictício, que segue na busca de um contínuo formar, desafiando o metal, provocando reações e transformações que acontecem em sua materialidade. / This is a practice-based research in which the creative process is at it\'s core. The construction of this artist\'s book is a fruit of the lived experience between two places: the landscape at the Daniela Beach, in Florianopolis, Santa Catarina, Brazil, and the printmaking studio, considering the specificities and graphic possibilities of the Etching technique. What I seek is to interweave the living and transforming estuary in constant movement of the landscape at Daniela Beach, and my own fictitious estuary, which continuously seeks to give form, defying the nature of the metal, provoking reactions and transformations that happen in its materiality.

ORIBOMBO: Arte da Pós-Modernidade A presente dissertação de mestrado propõe-se a apresentar o Oribombo como arte da pós-modernidade, trazendo a questão do hibridismo do Oribombo, à situação da arte atual, onde se verificam hibridismos de toda natureza, incentivados pela total liberdade. O artista não se prende mais à ideologias e limitações que ditavam as concepções artísticas do passado, inclusive do passado recente. Liberdade é a palavra de ordem da pós-modernidade. Liberdade que se manifesta em todos os segmentos da sociedade. E na arte, uma consequência do livre fazer, é que os hibridismos são constantes, acontecendo de forma natural. As modalidades artísticas são exploradas simultaneamente, abrindo um leque de possibilidades durante o processo de criação. No caso do Oribombo, as modalidades artísticas que se mostraram plasticamente mais interessantes, foram a pintura, gravura, escultura e a colagem. Outra consequência da total liberdade adquirida pelos artistas da pós-modernidade, é que em certos momentos, indaga-se se tudo que é produzido com o título de arte é arte realmente. Essa discussão é muito ampla, mas a premissa de que arte é a produção de um artista, é a que mais ecoa, não somente no meio artístico, como também, entre pensadores e escritores, que direcionaram suas atenções ao desenrolar da história da arte. Os fazeres e conhecimentos artísticos são indispensáveis ao artista plástico visual, sendo assim, as modalidades artísticas que foram fundidas no processo de criação do Oribombo são seculares, mas, a liberdade com que foram tratadas é uma questão pós-moderna. / This dissertation proposes to introduce Oribombo as art of postmodernity, bringing the question of hybridity of Oribombo, the situation of contemporary art, where there are all kinds of hybridisms, encouraged by complete freedom. The artist is not attached to the ideologies and more limitations that dictate the artistic conceptions of the past, even the recent past. Freedom is the slogan of the postmodernity. Freedom that is manifested in all segments of society. And in art, one of the consequences of free artistic making is the hybridism, and it is a constant, happening naturally. The artistic modalities are explored simultaneously, opening up a range of possibilities during the creation process. In the case of Oribombo, the artistic modalities that were artistically more interesting, were the painting, the printmaking, the sculpture and the collage. Another consequence of complete freedom gained by artists of the postmodernity, is that at certain times, inquires if everything is produced with the title art is really art. This discussion is very ample, but the premise that art is the production of an artist, is the one that resonates, not only in the artistic world but also among thinkers and writers, that directed their attention to the course of art history. The doings and artistic knowledge are indispensable to the visual artist. The artistic modalities that were merged into the creation process Oribombo are secular, but the freedom with which they were treated is a postmodern matter.

Submitted by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-04-12T18:02:43Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao_ EscritosGravuraBelem.pdf: 224156203 bytes, checksum: 8367361bc95a3f1de031eb75c15f0d76 (MD5) / Approved for entry into archive by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-04-12T18:07:59Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertacao_ EscritosGravuraBelem.pdf: 224156203 bytes, checksum: 8367361bc95a3f1de031eb75c15f0d76 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-12T18:07:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao_ EscritosGravuraBelem.pdf: 224156203 bytes, checksum: 8367361bc95a3f1de031eb75c15f0d76 (MD5) Previous issue date: 2017-08-22 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta pesquisa insere-se no campo da historiografia da arte. Analisa o movimento da gravura artística em Belém no período que compreende os primeiros projetos de difusão do ensino dessa modalidade de arte na região, nos anos 80, à retomada do movimento, a partir de 2001, com a implantação do núcleo de gravura da Fundação Curro Velho - iniciativa que trouxe à Belém um modelo de ensino pautado no trabalho colaborativo praticado nos coletivos de arte e ateliês públicos de gravura –, e a formação dos espaços autônomos, o Atelier do Porto e o Aparelho, instâncias sociais que, hoje, respondem pela produção e a inserção da gravura produzida em Belém no circuito de arte contemporâneo. O estudo averigua o papel dos espaços autônomos na conformação dos novos fluxos de produção da gravura na cidade e a efetividade da atuação dos coletivos como organizações sociais propositoras de novos campos de compartilhamento de experiências com a arte. Nesse percurso, uma nova geração de artistas com propostas identificadas com a gráfica apontam tendências que marcam o mapa da gravura produzida em Belém na atualidade. Diversos artistas são citados, porém cinco deles tiveram suas obras estudadas, são eles: Jocatos, Alexandre Sequeira, Elaine Arruda, Pablo Mufarrej e Ronaldo Moraes Rêgo. No último capítulo, encontram-se reunidos fotos e ensaios críticos sobre a gravura, escritos no período que compreende o seu restabelecimento em Belém, entre 2003 e 2016. / This research addresses the field of historiography of art. It analyses the artistic printmaking movement in Belém in the period between the 1980s, when the first projects aimed at promoting printmaking education in the region emerged, and 2001, when the resumption of the movement began. The milestones of this resumption were the implementation of the printmaking department at Fundação Curro Velho – an initiative that brought to Belém a teaching model inspired by art collectives and printmaking public studios, and the creation of autonomous spaces, such as the Atelier do Porto and the Aparelho, which are social entities that are currently responsible for producing and including Belém printmaking in the contemporary art scene. This study examines the roles played by autonomous spaces in the establishment of new printmaking production flows in the city as well as the effectiveness of actions conducted by collectives as social organizations proposing new fields in which art experiences are shared. In this journey, a new generation of artists emerged. Their proposals, which identify with graphics, indicate trends that mark the cartography of printmaking produced in Belém today. Various artists are mentioned; however, the works of five of them were actually analyzed: Jocatos, Alexandre Sequeira, Elaine Arruda, Pablo Mufarrej, and Ronaldo Moraes Rêgo. The last chapter includes photos and critical essays on printmaking written in the period corresponding to its resurgence in Belém, between 2003 and 2016.

Este trabalho é o resultado de uma pesquisa envolvendo estudos, reflexões e experimentações poéticas que buscam problematizar a percepção visual sobre a representação bidimensional e sobre a realidade cotidiana - o conjunto aqui apresentado reúne textos reflexivos, imagens produzidas (desenhos, pinturas e gravuras) e anotações sobre o processo. Num primeiro momento, ele centra na exploração das possibilidades em torno da construção de um efeito flutuante na visualidade imagética, tentando tensionar os modos de apreender a representação bidimensional. Num segundo momento, ele acrescenta a seu quadro de reflexões uma indagação sobre a experiência visual na realidade cotidiana, mais especificamente no deslocamento diário pela cidade de São Paulo, e tenta abordar a paisagem urbana pela perspectiva da representação flutuante. Como um meio de aprofundar certas questões que permeiam o processo poético, são apresentadas três reflexões independentes sobre temas distintos: 1. a espacialidade na tradição pictórica sino-japonesa do Suibokuga; 2. a relação entre cor e linguagem na pintura de Mark Rothko; e 3. possibilidades de se orientar visualmente pela cidade de São Paulo a partir da referência a algumas características básicas compreendidas nas construções espaciais da cultura japonesa. Esses textos tem como objetivo complementar as imagens produzidas, tentando mapear o conjunto de inquietações que impulsionaram o seu desenvolvimento. / The present work is the result of a process involving studies, reflections and poetic experiments which seek to approach the visual perception of the two-dimensional representation and the everyday reality - the contents presented here gather together reflexive texts, produced images (drawings, paintings and engravings) and notes on the process. At first, the process focused on the exploration of possibilities surrounding the construction of a floating effect on visual imagery, attempting to generate discomfort and doubts on the ways of visually apprehending the two-dimensional representation. Secondly, it adds to its set of reflections an inquiry about the visual experience in everyday reality, specially in the daily routine in the city of São Paulo, and attempts to approach the urban landscape from the perspective of the floating representation. As a mean to develop certain issues that permeate the poetic process, three independent reflexive texts about distinctive themes are here presented: 1. one about spatiality in Sino-Japanese pictorial tradition of Suibokuga; 2. one about the relationship between color and language in Mark Rothko\'s paintings; and 3. one about possibilities for one to visually guide himself through the city of São Paulo from the point of view of some basic features inherent to spatial constructions of Japanese culture. These texts have the objective to supplement the images produced along the poetic process, in an attempt of mapping the set of concerns which drove its development.

Axios é a seqüência de xilogravuras produzidas em suporte de mdf com uma única goiva em V que pretende ampliar a reflexão a respeito do corpo humano como temática expressiva, incluindo imagens gravadas e a reflexão teórica a respeito desse processo e a criação do sentido, reconstruindo parte daquilo que o artista precisa dizer a si mesmo para iniciar a aventura de manifestações poéticas por intermédio do diálogo entre a gravura e o observante. / Axios is a sequence of xylographs produced on mdf support with only one V-form gouge; through which we mean to expand the reflection about the human body as an expressive theme, and which includes engraved images and theoretical reflection concerning this process as well as the creation of meaning process; reconstructing, through the dialogue between the engraving and the observer, part of that which the artist needs to say to himself to begin the adventure of poetic manifestation.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:15:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese Edna Goya - PUC- 2006.pdf: 9673552 bytes, checksum: 79d5aa622336b9b04f057e5e023be097 (MD5) Previous issue date: 2006-05-29 / The thesis develops a study about the creation process of DJ Oliveira (Dirso José de Oliveira, from Bragança Paulista, SP, 1932-2005), in an approach of the Genetic Critic of Semiotic base. Painter, muralist and engraver, he had his artistic formation in the Santa Helena Group, São Paulo. He moved to Goiânia in 1959, and became one of the modernist movement and engraving founders. In theory, we try to comprehend how and in which way the artist s gesture drawing configures in work, how it moves, it materializes, it inserts in other movements that involve creation and how it intertwines in doing according to the techniques and materials he uses. For the debate about the cultural matters, a dialogue about the complexity thoughts developed by Edgar Morin is established, mediated in the semiotics by Vincent Colapietro, discussing in Pierce the relationship between the subject and the semiotics and the implications in not considering the subjectivity, in this process, once the semiotics reveals subjects not only as users of symbols, but also as processes and products of semiotics, because, according to this thought, the subject can be a result as well as a transformer and symbol experience agent. In the analyses, the communication process is emphasized, which development, in arte, occurs in two moments: during the process of making and when the work is completed. In the first moment, the process of making occurs in an intrapersonal way, according to the dynamic of symbols, during the creation, and in several ways, guiding himself through the drawing and following his footsteps, as well as the exchanges the artist makes in his historical, technical, artistic, material and cultural contexts to make the work. In the second moment, the process of making occurs in an interpersonal way, by means of the contact of the work with the public. In DJ Oliveira s work, the communication becomes amplified due to factors such as the option for the engraving (which in its multiplicity makes possible the access to a range of people), the production of frescos (which, exhibited in public squares and public places of the city makes easy the access to the work) and the strength of the expressiveness as a way of the spectators involvement. For that, DJ Oliveira s relationships with the spaces of creation are discussed as well the city and his ateliers / Desenvolve-se, nesta tese, um estudo sobre o processo de criação da gravura de DJ Oliveira (Dirso José de Oliveira, natural de Bragança Paulista, SP, 1932-2005), em uma abordagem da Crítica Genética de base Semiótica. Pintor, muralista e gravador teve a sua formação artística com o Grupo Santa Helena, de São Paulo. Muda-se para Goiânia-GO, em 1959, e se torna um dos fundadores do movimento modernista e da gravura. A partir da abordagem, busca-se compreender como e de que forma o gesto de desenhar do artista se configura em obra, como se move, materializa-se, insere-se em outros movimentos que envolvem a criação e como se entrecruza no fazer, segundo as técnicas e materiais que usa. Para o debate sobre as questões culturais, estabelece-se um diálogo com o pensamento da complexidade, desenvolvido por Edgar Morin, mediado na semiótica por Vincent Colapietro, ao discutir em Peirce as relações entre sujeito e semiótica e as implicações de não se considerar a subjetividade, nesse processo, uma vez que a semiótica revela sujeitos não apenas como usuários de signos, mas também como processos e produtos de semiose, porque, segundo esse pensamento, o sujeito tanto pode ser resultado como transformador e agente da experiência sígnica. Na análise, enfatiza-se o processo de comunicação, cujo desenvolvimento, na arte, ocorre em dois momentos: durante o fazer e quando a obra está concluída. No primeiro momento, o fazer dá-se de modo intrapessoal, segundo a dinâmica dos signos, durante a criação, e de várias maneiras, ao orientar-se pelos desenhos, ao seguir seus passos, bem como pelas trocas que o artista realiza em seu contexto histórico, técnico, artístico, material e na cultura para fazer a obra. No segundo momento, dá-se ainda de modo interpessoal, mediante o contato da obra com o público. Em DJ Oliveira, a comunicação torna-se ampliada, graças a fatores tais como a opção pela gravura (que, na sua multiplicidade, possibilita o acesso a um público amplo), a produção de murais (que, expostos nas praças e espaços públicos das cidades, facilita o acesso à obra) e a força da expressividade como meio de envolvimento dos espectadores. Para isso, trata-se também das relações de D J Oliveira com seus espaços da criação a cidade e seus ateliês

Made available in DSpace on 2016-04-28T14:16:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zinia Maria Cavalheiro de Carvalho.pdf: 8741930 bytes, checksum: 5a4508a568c224ca99029f95987a36dd (MD5) Previous issue date: 2015-03-06 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This thesis studies the restoration and preservation of Works of Art, with focus on the volume 112 from the Bibliotheca do Povo e das Escolas collection, entitled Restauração de Quadros e Gravuras, which was written by Manuel de Macedo and published in 1885. The collection aimed to compile curiosities and interests in studies, raising the interest in Reading. The volumes were written in ways that nonintelectuals could make use of its content. The volume selected for analysis shines a light on the value and preservation of monuments and precious artefacts found in the ancient art , as the author states in the Preface. This manual raises questions like Originality, forgery, conservation and restoration procedures, used materials, techniques of paintings and prints, that up to today are still subject of discussion, without cleared and difined standards. The research arises in the history of Science interface and technical studies on conservation and restoration in the eighteenth and nineteenth centuries, which marked the beginning of the practical and theoretical discussions on the preservation of historical heritage / O estudo realizado nesta dissertação a respeito da restauração e da conservação foca o volume 112 da coleção Bibliotheca do Povo e das Escolas, intitulado Restauração de Quadros e Gravuras, o qual foi escrito por Manuel de Macedo e publicado em 1885. Essa coleção tinha como propósito suprir curiosidades e interesses em estudos e incentivar a leitura, sendo preparada de modo que o leigo pudesse usufruir do conteúdo. O volume selecionado para análise é destinado a tratar do valor e da conservação dos monumentos e artefatos preciosos da arte antiga , como diz o autor no prefácio. Esse manual traz questões como originalidade, falsificação, os procedimentos de conservação e restauração, tipos de materiais utilizados, técnicas de pintura e gravura, que ainda hoje são aspectos em discussão, os quais não possuem parâmetros totalmente definidos. Nossa pesquisa se coloca na interface da história da ciência e da técnica com estudos sobre conservação e restauro nos séculos XVIII e XIX, marcados pelo início das discussões práticas e teóricas sobre a preservação do patrimônio histórico

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacaosergiopenna.pdf: 6488148 bytes, checksum: bfd29b858bed8b31335611a27f8dca95 (MD5) Previous issue date: 2007-04-17 / This Dissertation is a reflection upon a personal artistic creation in graving with computer graphics aid. Phenomenology is taken as the intellectual support on reading the knowledge resulting from this research. In Phenomenology, subject and object are interrelated in the sense of exploring potentialities that do come up as the result of the experience lived in ease but committed attitude regarding the research object. On reflecting on the artistic creation process, the idea is to contribute to the understanding of the process of visual art creation. An additional purpose is to inspire artists and art teachers to produce art and think on their own creative processes as well. Giving thought to art practice is also a methodological process in education and this can result in improving self-knowledge, classroom teaching methodology and artistic skills. The method used for this research includes a field diary called atelier diary. There is an overlapping and crossing between poetics and education in this study, which integrates the artist, the researcher and the teacher. It is felt from this experience that when one creates artistically, the process must come from within, so it is free. The artist should be open to the flow. It is important to access one s memories, feelings and other psychological phenomena. After an artistic work is done, then one goes back and gives it deep thinking. That s one when realizes what concepts are implied. The purpose of any artist should be to be true to himself or to herself. That is, to encounter oneself. Besides, the artist communicates with his or her audience through both conscious and unconscious layers of communication. Blending together creation and reflection, practice and theory can fuel in transformations that stir the full development of one s potentialities / A presente dissertação propõe uma reflexão sobre um processo pessoal de criação em gravura com uso de computação gráfica. O conhecimento gerado por esta pesquisa foi construído com base na epistemologia fenomenológica em que sujeito e objeto estão relacionados. Estão relacionados no sentido de explorar as potencialidades criativas oriundas da experiência vivida no contato despojado e compromissado com o objeto da pesquisa. Esse conhecimento contribui para a compreensão do processo criativo em artes visuais na atualidade, com base na reflexão sobre um processo pessoal de criação. Além disso, este estudo pode estimular artistas e professores de arte a vivenciarem e a refletirem sobre seus processos de criação. A reflexão sobre a prática é um instrumento metodológico do processo educacional que pode levar ao autoconhecimento, ao aperfeiçoamento da didática em sala de aula e ao amadurecimento artístico. A metodologia utilizada para a coleta de dados foi o diário de campo, neste estudo denominado diário de ateliê. Nesta investigação realizou-se um cruzamento entre as áreas da poética e da educação, que possibilita a integração do artista, do pesquisador e do professor. A reflexão sobre o processo de criação mostra que é preciso produzir livremente a obra, deixá-la nascer. É importante entrar em contato com seus conteúdos internos, memórias afetivas, sentimentos. Após a produção, então, pode-se refletir e compreender os conceitos que estão no trabalho. O objetivo do artista é ser verdadeiro, é encontrar-se. Pelas suas obras, o artista comunica-se com o espectador em níveis de comunhão inconsciente e consciente. O combustível das transformações que impulsionam o pleno desenvolvimento de potencialidades pode ser a capacidade de articular criação e reflexão, prática e teoria

O processo de criação fundamenta esta pesquisa. A vivência entre a paisagem da Praia da Daniela em Florianópolis, Santa Catarina, e o ateliê com a gravura em metal, suas especificidades e possibilidades gráficas, levaram à elaboração deste livro de artista. O que procuro são aproximações entre o estuário vivo e em constante movimento transformador da paisagem da Praia da Daniela com o meu estuário fictício, que segue na busca de um contínuo formar, desafiando o metal, provocando reações e transformações que acontecem em sua materialidade. / This is a practice-based research in which the creative process is at it\'s core. The construction of this artist\'s book is a fruit of the lived experience between two places: the landscape at the Daniela Beach, in Florianopolis, Santa Catarina, Brazil, and the printmaking studio, considering the specificities and graphic possibilities of the Etching technique. What I seek is to interweave the living and transforming estuary in constant movement of the landscape at Daniela Beach, and my own fictitious estuary, which continuously seeks to give form, defying the nature of the metal, provoking reactions and transformations that happen in its materiality.

Axios é a seqüência de xilogravuras produzidas em suporte de mdf com uma única goiva em V que pretende ampliar a reflexão a respeito do corpo humano como temática expressiva, incluindo imagens gravadas e a reflexão teórica a respeito desse processo e a criação do sentido, reconstruindo parte daquilo que o artista precisa dizer a si mesmo para iniciar a aventura de manifestações poéticas por intermédio do diálogo entre a gravura e o observante. / Axios is a sequence of xylographs produced on mdf support with only one V-form gouge; through which we mean to expand the reflection about the human body as an expressive theme, and which includes engraved images and theoretical reflection concerning this process as well as the creation of meaning process; reconstructing, through the dialogue between the engraving and the observer, part of that which the artist needs to say to himself to begin the adventure of poetic manifestation.