Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2018-08-09T12:34:10Z No. of bitstreams: 1 Caio M. G. de Carvalho.pdf: 8716173 bytes, checksum: a37768758afe3bd0af36512c2257add3 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-09T12:34:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Caio M. G. de Carvalho.pdf: 8716173 bytes, checksum: a37768758afe3bd0af36512c2257add3 (MD5) Previous issue date: 2018-06-28 / Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq / Based on the filmography of the director Stanley Kubrick (short-films excluded), the present work focuses on exposing and analyzing a framework of intertextual relations (our empiric object) which are established movie-by-movie, from the point where it is allowed to suppose a metaphoric code through Kubrick’s filmography. It was aimed to demonstrate how this intertextual network reveals an ‘own’ Kubrickian code (defined as idiolet in his filmography), by gathering the filmmaker’s thirteen full-length movies (our study corpus) and correlating them to several metaphorical amalgams with the <<death>> sememe. It is defined as ‘intertext’ the different matching relations of content between equal (as in film-to-film) or different (as in a film to a strictly verbal text) semiotic systems – which permitted us to consider this concept as a synonym of ‘intersemiotics’, which its base of functioning lies in the umbertian definition of ‘sign-function’ (our number 1 epistemological object). At the end of the display of this intertextual network (or intersemiotics), it has been pursued a critical interpretation in relation to what this idiolet can tell us about Stanley Kubrick’s cinema. Therefore, it is proposed – under the optics of metaphor (our number 2 epistemological object) and the intertext it establishes in the filmmaker’s work – different forms to address the North-American director’s filmography. The theoretic-methodological basis is guided by Umberto Eco’s semiotics – a theorist who has always shown commitment to study mechanisms which impose, allow (and that also limit, one could say) the different levels of reading offered through the result of any aesthetical use of language, such as film or literature. This work is also based on informed readings about cinema, and of course, Stanley Kubrick’s cinema as well / Voltada à filmografia do diretor Stanley Kubrick (excetuando seus curtas-metragens), esta pesquisa busca expor e analisar um quadro de relações intertextuais (nosso objeto empírico) que nela se estabelecem, de filme a filme, a partir do qual se permite supor um código metafórico ao longo do conjunto da obra deste diretor. Procura-se demonstrar como esta rede intertextual revela um código ‘próprio’ kubrickiano (definido como um idioleto na filmografia) a unir os treze longas-metragens do cineasta (nosso corpus de estudo) em torno de vários amálgamas metafóricos com o semema <<morte>>. Define-se como ‘intertexto’ as diferentes relações de correspondência de conteúdo entre sistemas semióticos iguais (como de filme a filme) ou diferentes (como de filme a um texto estritamente verbal) – o que nos permite tratar este conceito como sinônimo de ‘intersemiótica’, cuja base de funcionamento repousa na definição umbertiana de ‘função sígnica’ (nosso objeto epistemológico nº 1). Busca-se, ao final da exposição desta rede intertextual (ou intersemiótica), uma interpretação crítica a respeito do que este idioleto pode nos dizer sobre o cinema de Stanley Kubrick. Dessa forma, propõe-se – sob a ótica da metáfora (nosso objeto epistemológico nº 2) e do intertexto que ela funda na obra do cineasta – outras maneiras de abordar a filmografia deste diretor norte-americano. A fundamentação teórico-metodológica pauta-se na semiótica de Umberto Eco – teórico que sempre se mostrou empenhado em estudar os mecanismos que impõem, que permitem (e que também, diga-se não de passagem, represam) os diferentes níveis de leitura oferecidos pelo resultado de qualquer uso estético da linguagem, como o uso fílmico ou literário. Pautamo-nos, também, em abalizadas leituras sobre cinema e, claro, sobre o cinema de Stanley Kubrick

Dans ce mémoire, nous proposons de discuter le rapport entre le cinéma et l'histoire. Plus précisément, nous tenterons de tisser des liens entre deux films historiques peu orthodoxes, soit Barry Lyndon de Stanley Kubrick et L'Anglaise et le duc de Éric Rohmer et l'écriture de l'histoire. En fait, c'est la représentation historique dans ces films situés au XVIIIe siècle qui servira de point de départ à la recherche. De plus, nous allons aussi traiter de la connaissance du langage cinématographique comme prérequis à toute tentative de compréhension de la représentation de l'histoire au cinéma. Notre travail va se diviser en trois chapitres agrémentés d'un prologue et d'un épilogue. Le prologue servira de mise en place des sources, soit les films comme tels. Nous allons les décrire et surtout décrire la réception de ces films à leur sortie en salles. Le premier chapitre traitera spécifiquement de l'écriture de l'histoire et du travail de l'historien. Lors du second chapitre, nous allons faire entrer les deux cinéastes étudiés et tenter de démontrer comment, le temps de ces films, ils ont pu traiter de l'histoire au cinéma d'une manière semblable à celle des historiens de l'écrit. Le troisième chapitre discutera du langage cinématographique (mis en parallèle avec le linguistic turn dont nous parlerons au premier chapitre) et de son importance pour saisir la représentation historique des films. Ce chapitre se placera aussi du côté de la réception du spectateur. Enfin, l'épilogue proposera une analyse métahistorique du film historique en général et des deux films étudiés en particulier. En débutant ce mémoire, nous poserons deux hypothèses. La première visera à démontrer si et comment les deux cinéastes en cause (Stanley Kubrick et Éric Rohmer) peuvent être considérés, à la lumière de leur utilisation des sources, comme des historiens dans leur travail cinématographique. La seconde hypothèse visera à montrer si et comment la connaissance préalable du langage cinématographique est une condition sine qua non de la compréhension de la représentation historique dans le cas de ces deux films en particulier. À la suite de cette recherche, nous pouvons dire que ces deux cinéastes ont proposé une approche certes différente mais tout à fait valide de la représentation historique par leur utilisation des sources qui privilégie un retour au passé sans médiation vers notre époque contemporaine. Les films présentent et « représentent » le passé comme si le cinéma avait existé au XVIIIe siècle. De plus, la maîtrise du langage cinématographique de ces réalisateurs fait que la connaissance de ce langage est nécessaire au spectateur qui veut comprendre leur représentation du passé. Contrairement aux films qui ont utilisé l'aide d'historiens, ces films présentent l'histoire sans recours à la « démonstration » historique mais présentent l'histoire de manière brute, à l'aide des sources et des « ressources » cinématographiques. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Dix-huitième siècle, Cinéma historique, Rohmer, Kubrick, Tournant linguistique.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maira Cinthya Nascimento Ezequiel.pdf: 683377 bytes, checksum: f0d27e8c791fe6f4cea2b427509e9bf5 (MD5) Previous issue date: 2007-03-02 / This investigation searches for the effects of meaning resultants from the use of plasticity as a method for creating the visuality in the movie Barry Lyndon, by Stanley Kubrick (1975), and, at the same time, the intersemioticity that emerges from the blending of the aesthetic languages of cinema, painting and literature here involved. Concerning the methodology, it is based on a group of aesthetic and semiotic theories which include, especially, the model for analysis of meaning in visual arts proposed by Erwin Panofsky, the bonds between cinema and painting noted by Jacques Aumont, the concept of effect of realism such as formulated by Roland Barthes and of intersemiotic translation introduced by Roman Jakobson (and later redeveloped by Julio Plaza). The aim of this research is to follow the process of production of a realistic effect on the passages between one language and another. The hipothesis risen is that the strong sense of verosimilitude that results from the final product borrows its mode of installation from some of the eighteenth century realistic French painting. The choice of the movie is due to its stated visual exuberance as a result of a sophisticated dialogue established between the careful light capture and the rigorous use of pictorial references in correspondence with the historical time of the action, precisely the works Constable, Courbet, Corot and the so-called Barbizon Painters. Finally, Por fim, it drafts na approach between Kubrick s work and the idea of Modernity as thought by Baudelaire / O trabalho investiga os efeitos de sentido decorrentes do uso da plasticidade como método de construção da visualidade no filme Barry Lyndon, de Stanley Kubrick (1975), e, em paralelo, a intersemioticidade resultante do entrecruzamento das linguagens do cinema, da pintura e da literatura aí em jogo. Metodologicamente, ampara-se num conjunto de teorias estéticas e semióticas que envolvem, principalmente, o modelo de análise do significado nas artes visuais proposto por Erwin Panofsky, as aproximações entre o cinema e a pintura feitas por Jacques Aumont, o conceito de efeito de real tal como formulado por Roland Barthes e o de tradução intersemiótica introduzido por Roman Jakobson (e depois retomado por Julio Plaza). O objetivo da pesquisa é acompanhar o processo de produção de um efeito de real nas passagens entre uma e outra linguagem. A hipótese é que o forte efeito de verossimilhança que resulta deste filme toma emprestado da pintura realista francesa do século XVIII seu modo de se instalar. A escolha do filme deve-se à constatação de sua exuberância visual como resultado de um sofisticado diálogo estabelecido entre a minuciosa captação da luz e o rigor na utilização de referenciais pictóricos encontrados na pintura correspondente ao tempo da ação, mais precisamente nas obras de Constable, Courbet, Corot e dos Pintores de Barbizon. Por fim, esboça-se uma aproximação entre o trabalho de Kubrick e o que Baudelaire chamou de Modernidade

This thesis focuses on practical application of intermedia perspective while comparing cinematographic work and literary work in the form of film screenplay.

Esta dissertação discute os protagonistas do romance Laranja Mecânica, de Anthony Burgess, e dos filmes Laranja Mecânica e Vinyl, de Stanley Kubrick e Andy Warhol, respectivamente, comparando como tais personagens representam o indivíduo em sociedade. Para tanto, se apóia nas teorias de Joseph Campbell, Antonio Candido e Paulo Emílio Sales Gomes, sobre as personagens, e de Ítalo Calvino sobre a Leveza. São analisadas as três obras, para o entendimento das peculiaridades presentes em cada uma das narrativas, bem como a trajetória do protagonista nas três narrativas, até que estas atinjam o desfecho. Os conceitos de bem e de mal, mantidos sob concepções estabelecidas na nossa sociedade, são ameaçados quando o protagonista é submetido à Técnica Ludovico, tratamento que tem o objetivo de diminuir a quantidade de presos nas prisões e que, para isso, retira o poder de escolha do indivíduo, que passa a ser capaz de praticar somente atos de bondade, já que toda a exposição ao mal o leva à dor e ao incômodo insuportável. / This M.A. thesis discusses the protagonists in Burgess’ A Clockwork Orange and the films A Clockwork Orange and Vinyl, directed by Stanley Kubrick and Andy Warhol, respectively, comparing how such characters represent the individual in society. The thesis draws on the theories by Joseph Campbell, Antonio Candido, and Paulo Emílio Sales Gomes, concerning the characters, and by Italo Calvino, concerning Lightness. The three works are analyzed aiming at the understanding of the peculiarities present in each one of the narratives, as well as the trajectory of the protagonist in the three narratives, until they reach the end. The concepts of good and evil, maintained under conceptions established in our society, are threatened when the protagonist is subjected to the Ludovico Technique, treatment that has the objective of reducing the quantity of prisoners in jails. For that, it eliminates the power of choice of the individual, who happens to be able to practice acts of kindness only, since all exposure to evil brings him to pain and to unbearable discomfort.

Esta dissertação discute os protagonistas do romance Laranja Mecânica, de Anthony Burgess, e dos filmes Laranja Mecânica e Vinyl, de Stanley Kubrick e Andy Warhol, respectivamente, comparando como tais personagens representam o indivíduo em sociedade. Para tanto, se apóia nas teorias de Joseph Campbell, Antonio Candido e Paulo Emílio Sales Gomes, sobre as personagens, e de Ítalo Calvino sobre a Leveza. São analisadas as três obras, para o entendimento das peculiaridades presentes em cada uma das narrativas, bem como a trajetória do protagonista nas três narrativas, até que estas atinjam o desfecho. Os conceitos de bem e de mal, mantidos sob concepções estabelecidas na nossa sociedade, são ameaçados quando o protagonista é submetido à Técnica Ludovico, tratamento que tem o objetivo de diminuir a quantidade de presos nas prisões e que, para isso, retira o poder de escolha do indivíduo, que passa a ser capaz de praticar somente atos de bondade, já que toda a exposição ao mal o leva à dor e ao incômodo insuportável. / This M.A. thesis discusses the protagonists in Burgess’ A Clockwork Orange and the films A Clockwork Orange and Vinyl, directed by Stanley Kubrick and Andy Warhol, respectively, comparing how such characters represent the individual in society. The thesis draws on the theories by Joseph Campbell, Antonio Candido, and Paulo Emílio Sales Gomes, concerning the characters, and by Italo Calvino, concerning Lightness. The three works are analyzed aiming at the understanding of the peculiarities present in each one of the narratives, as well as the trajectory of the protagonist in the three narratives, until they reach the end. The concepts of good and evil, maintained under conceptions established in our society, are threatened when the protagonist is subjected to the Ludovico Technique, treatment that has the objective of reducing the quantity of prisoners in jails. For that, it eliminates the power of choice of the individual, who happens to be able to practice acts of kindness only, since all exposure to evil brings him to pain and to unbearable discomfort.

Submitted by Izabel Franco (izabel-franco@ufscar.br) on 2016-09-13T12:46:30Z No. of bitstreams: 1 DissMJVF.pdf: 3346925 bytes, checksum: 55ddf1d9a6a421610a78a428b3dcb62d (MD5) / Approved for entry into archive by Marina Freitas (marinapf@ufscar.br) on 2016-09-13T20:26:47Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DissMJVF.pdf: 3346925 bytes, checksum: 55ddf1d9a6a421610a78a428b3dcb62d (MD5) / Approved for entry into archive by Marina Freitas (marinapf@ufscar.br) on 2016-09-13T20:26:56Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DissMJVF.pdf: 3346925 bytes, checksum: 55ddf1d9a6a421610a78a428b3dcb62d (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-13T20:27:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DissMJVF.pdf: 3346925 bytes, checksum: 55ddf1d9a6a421610a78a428b3dcb62d (MD5) Previous issue date: 2015-02-24 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / The present work undertakes the film analysis of the feature film 2001: A Space Odissey (1968) of Stanley Kubrick, in wich the origin of the tool is associated with the origin and transformation of man throughout history. The Discovery and use of the tool provided a new knowledge and, along with it, a number of effects permeated by Power relations –analyzed based on diverse authors point of view, between them Michel Foucault. The literary-cinematographic genre to wich 2001: A Space Odissey belongs to, is science fiction, wich is the natural medium to social, political, economic and even religious criticism. Kubrick with this film within the sixties context, opens a new era in major productions of the genre, wich had been relied on a few technological and economic resources, and also for its high aesthetic quality both at photographic level and special effects. The narrative style is no less innovative because in a genre where everything was explained in detail, Kubrick shows a visual story, to be told through different musics and images, and not just relied on dialogs and callouts. This paper also notes the relationship between humans and their Technologies represented in the film, from the issue of the otherness as conceived by Bakhtin. / No presente trabalho, empreende-se a análise fílmica de 2001: uma odisseia no espaço,( 2001: a space oddissey, 1968) de Stanley Kubrick, na qual se representa a origem do homem associada à descoberta da tecnologia e à transformação de ambos ao longo da história. A descoberta e uso da técnica relacionam-se com um novo conhecimento (um saber) e, junto com ele, uma série de efeitos permeados por relações de poder, observadas com base no olhar de teóricos de diversas áreas, dentre eles Michel Foucault. O gênero literário-cinematográfico a que pertence 2001: Uma Odisseia no Espaço é o da ficção científica, campo das críticas sociais, políticas, econômicas e até religiosas. Kubrick, com este filme, no contexto dos anos sessenta, abre um novo tempo nas grandes produções do gênero pela sua alta qualidade estética. O estilo narrativo não é menos inovador, já que em um gênero onde tudo era explicado em detalhe, Kubrick apresenta uma história visual, a ser dita através de diversas músicas e imagens, e não somente por meio de diálogos. Este trabalho também observa a relação entre o homem e suas tecnologias representada no longa-metragem a partir da questão da alteridade tal como pensada por Bakhtin.

Esta dissertação discute os protagonistas do romance Laranja Mecânica, de Anthony Burgess, e dos filmes Laranja Mecânica e Vinyl, de Stanley Kubrick e Andy Warhol, respectivamente, comparando como tais personagens representam o indivíduo em sociedade. Para tanto, se apóia nas teorias de Joseph Campbell, Antonio Candido e Paulo Emílio Sales Gomes, sobre as personagens, e de Ítalo Calvino sobre a Leveza. São analisadas as três obras, para o entendimento das peculiaridades presentes em cada uma das narrativas, bem como a trajetória do protagonista nas três narrativas, até que estas atinjam o desfecho. Os conceitos de bem e de mal, mantidos sob concepções estabelecidas na nossa sociedade, são ameaçados quando o protagonista é submetido à Técnica Ludovico, tratamento que tem o objetivo de diminuir a quantidade de presos nas prisões e que, para isso, retira o poder de escolha do indivíduo, que passa a ser capaz de praticar somente atos de bondade, já que toda a exposição ao mal o leva à dor e ao incômodo insuportável. / This M.A. thesis discusses the protagonists in Burgess’ A Clockwork Orange and the films A Clockwork Orange and Vinyl, directed by Stanley Kubrick and Andy Warhol, respectively, comparing how such characters represent the individual in society. The thesis draws on the theories by Joseph Campbell, Antonio Candido, and Paulo Emílio Sales Gomes, concerning the characters, and by Italo Calvino, concerning Lightness. The three works are analyzed aiming at the understanding of the peculiarities present in each one of the narratives, as well as the trajectory of the protagonist in the three narratives, until they reach the end. The concepts of good and evil, maintained under conceptions established in our society, are threatened when the protagonist is subjected to the Ludovico Technique, treatment that has the objective of reducing the quantity of prisoners in jails. For that, it eliminates the power of choice of the individual, who happens to be able to practice acts of kindness only, since all exposure to evil brings him to pain and to unbearable discomfort.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:29:50Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-06-24Bitstream added on 2014-06-13T21:00:17Z : No. of bitstreams: 1 paula_rm_me_sjrp.pdf: 2561833 bytes, checksum: 5e51329f8a6e197890cb17efd957b900 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Este projeto examina as maneiras pelas quais a obra The Short-Timers (1979), de Gustav Hasford, e o filme Full Metal Jacket (1987), de Stanley Kubrick, revisitam a Guerra do Vietnã, dessacralizando a História oficial. Em seu romance The Short Timers (1979), o veterano Gustav Hasford narra a trajetória de um soldado e de seus companheiros durante o treinamento militar e o posterior combate no Vietnã. Tomando a perspectiva desse soldado, o narrador focaliza esse episódio da história dos Estados Unidos de forma diversa da tradicional; isto é, denunciando as angústias e dores vividas pelas tropas no treinamento básico e na batalha. Stanley Kubrick dirigiu a adaptação dessa narrativa para o cinema que recebeu o título de Full Metal Jacket (1987). Nela podemos notar como a guerra é revisitada de modo crítico. O cineasta apresenta as narrativas pessoais da personagem principal. Para analisar as obras literária e cinematográfica, serão utilizados textos teóricos acerca da relação entre Literatura e História (Hutcheon, 1989, 1993; White, 1985; Benjamin, 1985) e sobre Pós-Modernismo (Jameson, 1997; Hutcheon, 1989). Com base nestas teorias, propomos verificar como a Literatura e o Cinema representam a Guerra do Vietnã na contemporaneidade, mostrando diferentes pontos de vista sobre o conflito / This project investigates the ways in which Gustav Hasford’s The Short-Timers (1979) and Stanley Kubrick’s Full Metal Jacket (1987) revisit the Vietnam War rethinking official History. In his novel, The Short-Timers, the Vietnam veteran Gustav Hasford narrates the path of a soldier and his mates during military training and later combat in Vietnam. Taking this soldier’s perspective, the narrator focuses on this episode in American history differently than usual; that is, calling attention to the anguish and pains that the troops go through on training and in battle. Stanley Kubrick directed the adaptation of this work into the film Full Metal Jacket, in which can be noticed how war can be critically reevaluated. The filmmaker presents personal accounts by the main character. For the analyses, theories about the relationship between Literature and History (Hutcheon, 1989, 1993; White, 1985; Benjamin, 1985) and Post-Modernism (Jameson, 1997; Hutcheon, 1989) will be used. Based on those theories, we propose to investigate how Literature and Cinema represent the Vietnam War showing other points of view about this conflict