Depuis les années 1970 - décennie du Moi pour certains - le solo est un phénomène en pleine expansion. La volonté de s'exprimer en son nom propre, la tentation de dévoiler une partie de soi - disséminée dans quelques personnages -, celle, plus vertigineuse encore, de s'exposer aux spectateurs, de les convier à un quasi tête à tête, imprègnent cette forme théâtrale peut-être plus que toute autre. L'artiste est à la fois au centre de la représentation, mais il en est aussi le centre. Tout prête à penser que le solo cristallise certaines dérives de la modernité - tels le narcissisme, l'égocentrisme, l'exhibition du moi ou encore l'individualisme -, dérives qui, d'après Christopher Lasch, caractérisent l'époque contemporaine. Le solo n'est-il que le fruit de cette « culture du narcissisme » dont parle Lasch? Ne peut-on pas y lire, derrière le reflet négatif qu'a priori il renvoie, un rapport singulier du sujet au monde? Ne traduit-il pas une certaine manière de construire son identité? C'est autour de ces questions que cette recherche s'articule. Elle vise à interroger la construction de l'identité dans le solo à une époque et dans une culture particulières, une culture qui se partage entre dérives narcissiques et « idéal d'authenticité », cette dernière notion étant celle avancée par Charles Taylor pour contrer la vision uniformément pessimiste de Lasch. Nous avons souhaité étudier deux démarches diamétralement opposées - en termes d'esthétique - afin de mettre à l'épreuve nos hypothèses. À partir de trois spectacles solos de Robert Lepage (Les aiguilles et l'opium, La face cachée de la lune et Le projet Andersen) et de trois autres de Pol Pelletier (Joie, Océan et Nicole, c'est moi), nous avons tenté de montrer comment les spectacles étudiés mettent enjeu, par le biais des personnages, de la structure de la fiction et des figures identitaires qui se profilent derrière l'artiste, certains malaises de cette modernité décriée par Lasch et Taylor, tout en mettant en place néanmoins deux modèles identitaires au cœur desquels siège la figure de l'Autre. L'esthétique kaléidoscopique de Lepage s'oppose, bien sûr, à l'esthétique quasi monolithique de Pelletier. Multiplicité et transformation chez l'un, quête d'unité et cheminement intérieur chez l'autre. Le premier privilégie l'extériorité et l'objectivation tandis que la seconde nous entraîne sur les chemins, plus intimes, de l'intériorité et de la subjectivation. Au terme du parcours, c'est peut-être un autre visage du monde d'aujourd'hui qui se dessine. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Spectacle solo, Identité, Altérité, Narcissisme, Authenticité, Robert Lepage, Pol Pelletier.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cette thèse de maîtrise propose une définition et une analyse de ce que nous nommons le « monologue transgressif » contemporain, appellation qui recouvre cette tendance dans certains recueils de monologues québécois (et certains franco-canadiens) à aller au-delà des normes sociales et morales, à traverser allègrement la frontière de l’acceptable, à enfreindre les règles de la bienséance et à employer des tabous et autres interdits. Nous faisons l’analyse des pièces Rouge Gueule, Logique du pire et Ainsi parlait… d’Étienne Lepage ainsi que de la pièce J’accuse d’Annick Lefebvre. Nous utilisons ensuite les procédés d’écriture que nous avons repérés dans ces oeuvres afin de créer notre projet de création intitulé Culture de l’explosion. Pour ce faire, nous empruntons à différents outils théoriques et ouvrages d’auteurs de divers horizons en fonction des besoins de l’analyse. Ainsi, dans le premier chapitre de la thèse, nous définissons la notion de monologue (Corvin, Pierron, Ryngaert…), de confession (Heulot-Petit…), de destinataire (Heulot-Petit. …) et de transgression (Foucault, Lehmann, Roques…). Puis, lors du second chapitre de la thèse, nous étudions les « objets » et les « modalités » de la transgression dans notre corpus en abordant des thématiques tels que les interdits du discours (Consant, Legaré, Bougaïeff…), la violence (Constant, Saint-Martin, Papalexiou…), le renversement des stéréotypes identitaires (Wittig, L. Hamilton, K. Trolier, Delgado, Stefancic…) et le refus de la fiction par la transgression formelle (Aird, Roy…). Une fois posée quelques-uns des « objets » et des « modalités » de la transgression des textes à l’étude, notre réflexion se termine lors du troisième chapitre par la démonstration du changement de contexte socio-historique qui influencent les interdits. Nous tentons de déterminer ce qui influence les interdits de nos jours, puis de nommer certains de ces interdits actuels afin d’en faire des objets de notre projet d’écriture. Nous utilisons, entre autres, à cet effet deux événements qui nous semblent dévoiler certaines transgressions récentes et nous analysons ce changement de normes dans notre corpus.

Alice au pays des merveilles et Nietzsche n'ont en commun ni la dentelle ni la chanson. Quelque chose de beaucoup plus fort les unit toutefois; nous le découvrirons peut-être ce jour où voleront les cochons. Ou à la fin de cette pièce, selon le bon vouloir des principaux-ales intéressé-e-s. Pendant ce temps, du fin fond de leur enclos, ils et elles n'en peuvent plus d'attendre. Leur salut ? L'heure du glas ? Leur heure de gloire ? Grands incapables, pugilistes décadents qui se tuent à ne pas se tuer, se déchaînent dans le verbiage, s'érigeant malgré eux contre toute forme de verve. Combattre cet Autre qui s'immisce insidieusement en soi et qui conduit à la perte du moi. C'est dans une folle lucidité que les égos se dérangent sans échanger, s'attaquent sans s'atteindre, hurlent sans être entendus, dans l'espoir, peut-être, de se réveiller in the land of Nod. Comme l’indique le titre, Chroniques de maux (de l’extrême ordinaire) met en scène une suite de chroniques dans lesquelles les principaux-ales intéressé-e-s témoignent de leur mal-être, et ce, à travers l’exploration de lieux communs. La dramaturgie tente, entre autres, de mettre en place une poésie de l’invective et de l’humour; une esthétique du trash-talking et de la logorrhée. Une importance particulière est accordée au rythme et au langage. L’atmosphère alterne résolument lourdeur et ludisme. La pièce Rouge Gueule, d'Étienne Lepage, présente une mécanique visant manifestement à « attaquer » l'Autre, qu’il s’agisse d’un personnage ou du lecteur-spectateur. Les attaques se perpètrent d'une part par un humour cru, influencé par la culture populaire, le trivial; un humour qui fonctionne de manière plutôt classique en convoquant des procédés aisément repérables et sans cesse réutilisés par l'auteur. D’autre part, la mécanique de « combat » se manifeste par l'invective, ainsi que par une violence caractérisée, du début à la fin, par un manque dans la motivation des actions. Ainsi, l’étude Attaques à vide. Bousculer la situation théâtrale au confluent de l’humour et la violence s’intéresse à Rouge Gueule, aux relations qu'entretiennent l’humour et l'univers brutal de la pièce, dans la perspective où l’humour est inextricablement lié à la violence. Une attention particulière est portée sur le personnage type de Lepage de même que sur l’esthétique de « l'arsenal » trash. Cette dernière est analysée afin de mieux circonscrire les attaques : sont-elles des moyens, et le cas échéant, pour parvenir à quelle fin puisque la fable, et donc la « quête », dans le théâtre contemporain est souvent remise en question. Cette étude verra comment les attaques « à vide », sont, chez Lepage, la force motrice de ce que Hans-Thies Lehmann nomme la « situation théâtrale ». / Alice in wonderland and Nietzsche have in common neither the lace nor the song. However, something much stronger unites them; we shall discover it maybe this day when pigs will fly, or at the end of this play, according to the goodwill of the characters within. Meanwhile, by the very depths of their enclosure, they can’t wait anymore. For what ? Their salute ? The hour of the knell? Their hour of glory? Tremendous incapables, decadent pugilists who kill themselves trying not to kill themselves, who burst out in verbosity, setting themselves up in spite of themselves against eloquence. Fighting this Other who interferes insidiously in itself and who drives to the loss of the me. It is in a crazy lucidity that egos disturb each other without exchanging, attack without reaching, roar without being heard, in the hope, maybe, of waking up in the land of Nod. As indicated in the title, Chroniques de maux (de l’extrême ordinaire) stages a series of chronicles among which the characters are testifying their ill-being. The language and the situation of utterance of this play without acts, falls within resolutely "poetic-trash" esthetics, and the atmosphere aims to alternate heaviness with playfulness. Rouge Gueule, by Étienne Lepage, presents a structure aiming obviously at "attacking" the Other, whether it is about a character or about a reader-spectator. Attacks commited on the one hand by raw humor, influenced by the popular culture, the trivial; a humor which works in a rather classic way by using processes easily identifiable and ceaselessly reused by the author. On the other hand, the structural design of "fight" shows itself by the invective, as well as by the violence characterized, from the beginning to the end, by a lack in the motivation of the actions. So, this study, Attaques à vide. Bousculer la situation théâtrale au confluent de l’humour et la violence, looks into Rouge Gueule, by being interested in the relations that maintain the humor and the brutal universe of the play, in the perspective where the humor is inextricably connected to the violence. A particular attention is dedicated to the typical character of Lepage as well as the esthetics of the trash "arsenal". The latter is analyzed to better circumscribe the attacks: are they the means, and, if so, to what end considering that the fable, and thus the "quest", in contemporary theater is often questioned. This study will see how, in Lepage’s play, the "vacant" attacks are the driving strength of what Hans-Thies Lehmann appoints the "theatrical situation".

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In this research I have explored the performance making process of world renowned director Robert Lepage. This exploration informed my own process, creating an original performance called GAIJIN, where my roles included producer / director / designer and co-writer. The practice-led research strategy employed in this research has allowed me to navigate the sometimes slippery slope of connecting various performance discourses with the pragmatics of the performance making process. The reason for this research is my strong interest in the director’s role and my affinity with the practice of Robert Lepage. My observation of the performance making process of Robert Lepage prompted the creation of a conceptual framework informed by Hans-Thies Lehmann’s work Postdramatic Theatre. These theoretical concerns were then further investigated in the creation of my own show. This research process has uncovered a performance making process that foregrounds the working principles of simultaneity and synaesthesia, which together offer a changed conception of the performance text in live performance. Simultaneity is a space of chaotic interaction where many resources are used to build a perpetually evolving performance text. Synaesthesia is the type of navigation required – an engagement consisting of interrelated sense-impressions that uniquely connect the performance makers with the abundance of content and stimulus; they search for poetic connections and harmonious movement between the resources. This engagement relies on intuitive playmaking where the artists must exhibit restraint and reserve to privilege the interaction of resources and observe the emerging performance. This process has the potential to create a performance that is built by referential layers of theatrical signifiers and impressions. This research offers an insight into the practices of Robert Lepage as well as a lens through which to view other unique devising processes. It also offers a performance making language that is worthy of consideration by all performance makers, from directors to performers. The significance of this process is its inherent qualities of innovation produced by all manner of art forms and resources interacting in a unique performance making space.

Orientador: Antonio Fernando da Conceição Passos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T01:13:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Barone_LucianaPaulaCastilho_D.pdf: 6268679 bytes, checksum: ab101a1fa5dc6f09ed55963f93a88aea (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Este trabalho desdobra-se sobre a obra do encenador canadense Robert Lepage, refletindo sobre o modo pelo qual ele traz à cena teatral ou cinematográfica determinados elementos, criando, através do jogo entre eles, uma poética singular e híbrida. Partindo do processo criativo da autora na encenação de Ofélia em Off e das memórias de sua experiência como espectadora da cena lepagiana, o trabalho apresenta, através das memórias de Robert Lepage, passagens de sua trajetória pessoal, relacionando suas possíveis repercussões sobre o processo de criação do encenador. Através de sete espetáculos criados e dirigidos por Robert Lepage (Vinci, Trilogia dos Dragões, Agulhas e Ópio, Os Sete Afluentes do Rio Ota, Elsinore, Geometria dos Milagres e A Face Oculta da Lua), é analisado o modo singular pelo qual o encenador faz uso de sete elementos recorrentes em sua arte: o idioma, os objetos, as imagens, o espaço, a palavra, a memória e o jogo. Apresentando a obra cinematográfica de Lepage, através da sinopse dos filmes Lê Polygraphe, Nô, Le Confessional e La Face Cachée de la Lune, relaciona sua criação teatral à cinematográfica, confluindo para a singularidade de sua poética multidisciplinar e híbrida. Nas conclusões, o trabalho apresenta as ressonâncias da pesquisa sobre a prática e o pensar artístico da autora, relacionando ainda a harmônica interdisciplinaridade da poética lepagiana e sua abertura à recepção criativa do público a uma visão contemporânea de mundo que parece apontar para a a integração dos opostos como elementos complementares, na dissolução de dualidades, correntemente tidas como irreconciliáveis . / Abstract: This dissertation discusses the work of the Canadian director Robert Lepage. It proposes to reflect on his method of bringing specific elements to theater or cinema, creating, through the dialectics between them, a singular and hybrid poetics. A director herself, the dissertation.s author uses as a foundation her own creative process (in the play Ofélia em Off) and her experience as a spectator of Lepage.s works. She then examines Lepage.s memoirs and parts of his personal trajectory, relating their possible repercussions on his work. Focusing on seven theatrical pieces created and directed by Robert Lepage (The Dragon.s Trilogy, Vinci, , Needles and Opium, The Seven Streams Of the River Ota, Elsinore, Geometry of Miracles and The Far side of the Moon), the author analyses Lepage.s unique methods in treating seven elements: language, objects, images, space, words, memory, and games. Examining Lepage.s cinematographic work, via his films Le Polygraphe, Nô, Le Confessional and The Far side of the Moon, the author relates Lepage.s theater to his cinema, bringing together the singularity of his multidisciplinary and hybrid poetics. In her conclusions, the author shows how researching Lepage.s work has resonated in her own artistic praxis and thought, relating Lepage.s harmonic, interdisciplinary poetics and his openness to the audience.s creative participation to a contemporary vision of the world, one that seems to point to the integration of opposites as complementary, dissolving dualities normally seen as irreconcilable. / Doutorado / Multimeios / Doutor em Multimeios

Ce mémoire de maîtrise aborde la notion de personnage dans trois œuvres du dramaturge québécois Étienne Lepage. Il vise dans un premier temps à cerner en quoi cette forme du personnage de théâtre se distingue des théories existantes sur le sujet, notamment celle de l’impersonnage de Jean-Pierre Sarrazac. Il s’agit de cerner les caractéristiques propres à ce personnage « en devenir », animé par le mouvement qui négocie sa construction dans un dialogue avec le récepteur. Cette étude centrée sur l’analyse du texte de théâtre puise ses fondements des observations des théoriciens de théâtre (Szondi, Lehmann, Abirached, Sarrazac) sur cette crise traversée par le personnage. La seconde partie s’attarde au rôle occupé par le récepteur au sein du texte dramatique. Les intégrations du récepteur lui confèrent un rôle actif, il se fait co-créateur. L’analyse du traitement que Lepage fait du temps immédiat et de l’espace décloisonné montre comment ces éléments contribuent à aménager cette place au récepteur. En dernier lieu, le monologue comme seul mode possible d’expression occupe une part significative dans cette réflexion sur le personnage de la dramaturgie d’Étienne Lepage. Au confluent des études sur le personnage, des théories de la réception et de la construction de l’identité, cette étude s’emploie à cerner le personnage « en devenir ». / This master’s thesis addresses the notion of character in three works by Quebec playwright Étienne Lepage. First, it aims to identify how this form of the theater character differs from the existing theories on the subject, in particular, Jean-Pierre Sarrazac’s "impersonnage" theory. The aim is to identify the characteristics specific to this "evolving" character, driven by the movement that negotiates its construction in a dialogue with the receiver. This study, which focuses on the analysis of the theater text, draws its foundations from the observations of the theater theorists (Szondi, Lehmann, Abirached, Sarrazac) on this crisis experienced by the character. The second part focuses on the role of the receiver in the dramatic text. The integrations of the receiver give him an active role; he becomes co-creator. The analysis of Lepage’s treatment of immediate time and open space shows how these elements contribute to the arrangement of this space for the receiver. Finally, the monologue as the only possible mode of expression occupies a significant part of this reflection on the character of Étienne Lepage’s dramaturgy. At the confluence of character studies, reception theories and identity construction, this study seeks to identify the character "in the making".

Je suis une voiture est un recueil de nouvelles qui s’articulent depuis différents lieux du Québec. Le rapport qu’entretient la narratrice —la même pour chaque texte— avec ces différents espaces est réfléchi depuis un point d’ancrage montréalais. L’objectif des textes est moins de décrire les lieux que de les faire ressentir et d’en restituer l’ambiance. Parce qu’ils sont issus du monde sensible, les lieux permettent d’ancrer les textes dans le réel. Le travail de réalisme passe aussi par le personnage de la narratrice qui permet de présenter plusieurs motifs récurrents de la vie humaine : l’amour surtout, l’amitié, mais aussi la perte, la colère, la tristesse... Je suis une voiture se présente comme une collection de souvenirs qui se croisent et se mêlent. L’ordre des textes n’est pas chronologique, mais propose un itinéraire où chaque escale est une fenêtre sur une époque de la même vie. L’essai « L’écriture du fleuve dans la poésie de Mahigan Lepage et de Pierre Nepveu » interroge trois recueils de poésie pour répondre à la question : comment écrire le fleuve? De Lepage a été retenu le fleuve colère et de Nepveu La dureté des matières et de l’eau ainsi que Romans-fleuves. Ces textes ont l’avantage d’offrir trois formes poétiques différentes : la fable, les vers et la prose. Dès lors, chacun des poèmes devient une réponse possible à la question. Cet essai s’applique à montrer que, pour écrire le fleuve, il faut reconstituer dans le poème les caractéristiques principales de ce corps hydrographique pour les transposer dans le texte. L’essai en retient principalement deux : l’eau et le mouvement et l’analyse adopte un double point de vue thématique et formel. / Je suis une voiture is a collection of short stories that take place in different places of Québec. The relation between the narrator —she is the same in every text— and these places is thought with Montreal as a starting point. The objective of the short stories is not so much to describe the places as it is to give a measure of their ambiance. Because they exist in the sensitive world, to mention them anchors the texts in reality. The work of realism also transpires in the character of the narrator, who allows the representation of different motifs of human life: mostly love, but also friendship, loss, anger, sadness... Je suis une voiture is also a collection of memories that intersect and sometimes connect. As it is not chronological, the order of the texts presents itself as an itinerary where each stop is an episode of the same life. The essay, « L’écriture du fleuve dans la poésie de Mahigan Lepage et de Pierre Nepveu » examines three collections of poems to answer the question: “how to write a river?” From Lepage was chosen le fleuve colère and from Nepveu La dureté des matières et de l’eau and Romans-fleuves. The texts have the advantage of being written in three different genres: the fable, verses, and prose. Each poem can then become a possible answer to the question. The essay tends to present that to write a river, one must reform its main characteristics and transpose them in the text. Two of them are the main focus of this essay: water and motion and the analysis takes a dual thematic and formal point of view.