Ce travail propose de replacer l’œuvre dramatique de Shakespeare au sein des débats suscités par les jeux dans la première modernité anglaise. Soucieux de catégoriser l’ensemble des pratiques ludiques – alors désignées par les termes interchangeables « sport », « game », et « play » – selon des critères éthiques et religieux, de nombreux moralistes, que nous qualifions de « ludophobes », fustigent les passe-temps « malhonnêtes » au premier rang desquels figurent le théâtre commercial et les jeux de hasard. Face à ces attaques, on voit se dessiner dans l’œuvre de Shakespeare une défense des jeux et d’un homo ludens plus humaniste, affirmant un franc instinct de jouer qui n’est pas pour autant idéalisé. Si ce positionnement est parfois explicite, à travers la satire de personnages ludophobes comme Malvolio dans Twelfth Night par exemple, il se dévoile le plus souvent de biais, à travers une poétique des jeux qui parcourt l’ensemble de ses pièces. Car les références aux jeux et les métaphores ludiques sont nombreuses chez Shakespeare. Elles s’inscrivent dans une esthétique baroque qui s’accompagne aussi d’une vision sceptique et machiavélienne du monde politique dans les pièces historiques. Ce scepticisme laisse toutefois place à une vision pragmatique plus optimiste lorsque le dramaturge met en scène le triomphe de joueurs audacieux qui savent ruser avec les règles et parviennent à dominer, voire à abolir le hasard. À la lumière de ces métaphores émerge alors une conception des jeux qui repose en très large partie sur l’idée de maîtrise que Shakespeare place au cœur d’un art dramatique qui valorise le rapport ludique au théâtre et l’art de l’acteur. / This research places Shakespeare’s plays within the wider historical context of the debates on sports and games of early modern England. Moralists of the time sought to categorise all ludic practices – indifferently referred to as “sport”, “game”, or “play” – along ethical and religious lines and denounced those that were thought to be “dishonest sports”. Chief amongst their concerns were the dangers represented by commercial theatres and games of chance. In light of these attacks, Shakespeare’s plays offer a defence of games and a humanist version of a homo ludens who is a cheerful player, although he is not idealized. Although this defence is at times explicit – as is the case with the satirical portrayal of the game-hating Malvolio in Twelfth Night – more often than not it is suggested through a poetics of games that pervades the plays. For references to and metaphors of games are recurrent in Shakespeare plays. They serve a baroque aesthetic which goes hand in hand with a sceptical and Machiavellian vision of politics in the histories. However, Shakespeare also offers elsewhere a much more optimistic and pragmatic world view when he stages the triumph of audacious players who know how to play with the rules and seem to conquer, or even abolish, chance itself. The ludic metaphors finally help us define Shakespeare’s own conception of games, one which relies on the idea of mastery; but it is also this idea of mastery that lies at the core of his own dramatic art, which celebrates a ludic relation to theatre and glorifies the art of acting.

La critique récente sur Aphra Behn (1640-1689) a montré d’une part que ses courts romans entretiennent des liens privilégiés avec le champ de la philosophie naturelle montante et d’autre part, que le monstrueux ou l’exotique sont des motifs privilégiés de ses œuvres. Ce travail vise à mettre en lien ces deux différentes approches, en établissant la centralité de la notion de curiosité dans la fiction d’Aphra Behn. La curiosité est une notion ambivalente au XVIIe siècle qui, bien qu’elle continue à porter des connotations négatives d’origine chrétienne et médiévale, s’est vue revalorisée par la philosophie naturelle. A la même époque, la notion de curiosité suscite également un regain d’intérêt de la part des théoriciens du roman ; Behn se positionne dans le débat esthétique et épistémologique de son temps en revendiquant une mimesis originale du vrai absolu, qui refuse d’intéresser son lecteur par une curiosité pour les choses familières, et choisit de représenter l’extra-ordinaire. Behn tente de discriminer entre une « bonne » et une « mauvaise » curiosité, pour se poser en curieuse et en collectionneuse avisée, mais continue d’entretenir des liens avec une culture plus populaire de la curiosité, celle des spectacles de foires. Le « cabinet de curiosité littéraire » que construit Aphra Behn privilégie des figures de monstres atypiques, qui permettent d’inventer une forme romanesque curieuse et transgressive. / Recent research on Aphra Behn has shown the link between the scientific prose of the period and Behn’s narrative fiction, while other scholars have underscored the importance of bodily and moral deformity in her works. Drawing on these apparently heterogeneous studies, this project aims at providing a global aesthetic framework for Behn’s fiction. The epistemological context of the late seventeenth century offers a stimulating insight in Behn’s fiction, especially through the notion of “curiosity”. This notion is at the centre of both the scientific and literary concerns of the period; the growing interest in natural philosophy progressively rehabilitates curiosity – which had been an object of scorn in the Augustinian tradition – first by valuing curiosity as the ideal attitude of the “scientist”, and by having curiosities as its major object of study – the rare, new, and unusual objects of the Wunderkammern replacing the “universal” objects of study of the Medieval and Renaissance science. At exactly the same time, in the literary field, the notion of curiosity undergoes a redefinition, in a somewhat similar fashion to that which occurs in the scientific field, shifting from the “generalities” of idealized romance to a new conception of curiosity in the emerging genre of the novel. Behn advocates for a radical mimesis of truth and extraordinary curiosities. At the time when Aphra Behn writes her fictional texts, curiosity is therefore a polysemic notion, whose unity can nonetheless be found in a set of specificities: curiosity is concerned, both in science and in literature, with the emotions/reactions of the “curious” scientist or reader; it is what leads us to experiment, and it comes from a desire for knowledge. But curiosity is also a transgressive desire: the distinction between two types of curiosity, a “good” and a “bad” curiosity, is central in Behn’s discourse. The parallel between Behn’s fascination with curiosities and the scientific episteme of her time is obvious in the numerous descriptions of exotica in Oroonoko, as the narrator explicitly compares the objects she shows to those which form part of the Royal Society repository, but the rest of Behn’s fiction is also concerned with this preoccupation with curiosity: in several of her other works, moral irregularities are conjoined with ‘natural’/physical irregularities which belong to the realm of curiosities. The various transgressions depicted in Behn’s fiction can therefore be seen as “curiosities”; Behn’s work can be read as a sort of Wunderkammern, as she herself seems to suggest when she wishes her novels were “esteem’d as Medals in the Cabinets of Men of Wit” – novelists collect and experiment on human nature just as natural philosophers do with nature (and art) in the cabinets of curiosities. But in her fiction Behn actually goes beyond the conventional notion of the cabinet of curiosities, by insisting on moral and physical monstrosity. In underlining the importance of the realm of curiosity in Behn’s fiction, this study aims at showing the specificity of her aesthetics and the originality of her conception of the novel; as she states in the preface to Oroonoko, writers, like painters, are supposed to “erase” defects: by deliberately choosing not to idealize nature, men, or society, and by choosing to systematically depict deformity and exceptions instead (rather than exemplary individuals), Aphra Behn invents her own conception of the novel, a sensationalist aesthetic of the “strange and novel”.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

L’influence littéraire exercée par l'Espagne du Siècle d’or sur la France du premier XVIIe siècle est liée à un ample mouvement éditorial. Cette thèse, qui associe histoire du livre et histoire littéraire, étudie les traductions françaises de textes espagnols qui ont circulé en France entre 1600 et 1660 – traductions qui concernent des textes de toute nature (religieux, littéraires, scientifiques, techniques...). Pour évaluer l’ampleur de ce mouvement éditorial, une enquête bibliométrique est d’abord réalisée. Elle permet de reconstituer l’histoire de cette diffusion par l’imprimé. On identifie les principaux foyers de production et on examine la production des officines de librairie engagées dans ce marché. L’analyse se porte ensuite sur l’activité de traduction elle-même, dans la diversité de ses pratiques. Les profils des principaux traducteurs d’espagnol en français sont distingués : le traducteur professionnel, l’amateur éclairé, l’imprimeur, le religieux, le médecin etc. Une attention particulière est accordée aux hommes de lettres qui tentent de concilier un travail de plume mal considéré avec leurs ambitions littéraires. Les pratiques des traducteurs sont enfin cernées par l’analyse des textes et de leur « mise en livre », en comparant différentes traductions (concurrentes ou successives) d’un même texte. Les motivations diverses de ces versions et la spécificité de chaque projet d’écriture et de publication sont ainsi cernées. Portant sur un large pan de la production écrite en français souvent délaissé par l'histoire littéraire, ce travail sur la pénétration de la culture espagnole en France et sur le monde des traducteurs interroge aussi la relation entre écriture et publication, et sur le rôle de « l’éditorial » dans la construction de l’autorité littéraire. / The literary influence exercised by Golden Age Spain on France in the first half of the 17th century is related to a very considerable mass of editorial activity. This thesis, which combines the history of the book and literary history, studies French translations of Spanish texts which circulated in France between 1600 and 1660 - translations concerning texts of all kinds (religious, literary, scientific, technical, etc.).In order to evaluate this editorial activity, a bibliometric enquiry must first be carried out. This enquiry allows us to reconstitute the history of of the circulation of this material in print. The principal centres of production are identified and the production of the workshops of the booksellers’ operating in this market are examined. The analysis then shifts to the activity of translation itself, in all its diversity. The profiles of the different principal translators from Spanish to French are laid out: the professional translator, the enlightened amateur, the printer, the cleric, the physician, etc. Particular attention is paid to men of letters who attempt to conciliate what is perceived as lowly hackwork with their literary ambitions. Finally, the translators’ practices themselves are the object of study, through comparison, using textual analysis as well as examining questions of format and layout, of different (concurrent or successive) translations of the same text. Account is thus made of the diverse motivations of these versions and the specificity of each writing project and publication. Taking as its base a large swathe of writing produced in French often neglected by literary history, this study of the penetration of Spanish culture in France and of the world of translators looks anew at the relation between writing and publication, as well as at the editorial role in the construction of literary legitimacy.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Le XVIIe siècle français connaît un engouement pour la mystique, qui se pense alors comme une « Science des Saints » et développe ses pratiques, ses discours et son propre champ disciplinaire. Cette science mystique prône une approche anti-intellectuelle de la connaissance, une abnégation de la pensée et une indéfinition du savoir, dont le sens, difficilement accessible, doit demeurer caché. Les mystiques, et particulièrement les femmes, présentent ainsi un rapport paradoxal à la connaissance. Parce qu’elles sont reconnues pour entretenir un lien direct avec Dieu et pour leur cheminement religieux marqué par l’extraordinaire, les femmes de ce courant spirituel apparaissent favorisées. Leur ignorance, caractère déjà rattaché à la spiritualité mystique, mais plus accentué chez elles en raison de la nature de leur sexe, les élève au rang de sujet spirituel privilégié. François de Sales a notamment pensé ce renversement de valeurs, en insistant sur la « savante ignorance » de ces saintes. À partir de ce paradoxe, ce mémoire s’attache à dégager une figure de la savante ignorante dans deux autobiographies spirituelles du XVIIe siècle, la Relation de 1654 de Marie Guyart, dite de l’Incarnation et la Vie par elle-même de Jeanne-Marie Bouvier de La Motte, dite Madame Guyon. Il propose d’étudier la façon dont ces deux autrices font leur et transforment, chacune à sa façon, cette figure. Bien plus qu’une simple désignation, le double caractère « savant » et « ignorant » de la femme mystique pose une tension entre des manières d’être, des approches du monde, des attitudes et des compétences opposées. Le paradoxe établi par François de Sales mérite en ce sens d’être déplié et approfondi. Nous nous y appliquerons, en suggérant qu’il traverse tout le sujet, influençant sa construction et sa représentation et qu’il implique l’ensemble de l’œuvre : la figure de la savante ignorante se trouve à même les formes de discours, les procédés d’énonciation et les tours stylistiques, elle s’incarne dans la narration et la structure du récit et appelle à différentes stratégies de légitimation. / The French 17th century nourishes a keen interest for mysticism, conceived as a “Science of the Saints”, with its own disciplinary field, practices and discourses. This mystic science advocates an anti-intellectual approach to knowledge, a denial of thought as theory and differentiation, a process difficult to fathom and better kept hidden. The mystics, and women in particular, have a paradoxical relation to knowledge. Believed to have a direct connection do God and a religious path marked by the extraordinary, the women of this spiritual movement appear privileged. Their ignorance, a trait already attached to the mystic way, but more accentuated in their case due to the nature of their gender, raises them to the rank of a privileged subject. François de Sales reflected this value reversal by insisting on the “savante ignorance” when speaking of these holy women. On the basis of this paradox, this thesis seeks to present the figure of a “savante ignorante” in two spiritual autobiographies of the 17th century: the Relation of 1654 by Marie Guyart, also known as Marie de l’Incarnation, and Life by herself by Jeanne-Marie Bouvier de La Motte, also known as Madame Guyon. It proposes to study the way these two authors address this figure and transform it in their own way. More than a simple designation, the double nature of the mystic woman as “savante” and “ignorante” creates a tension between opposite ways of being and of approaching the world, and within attitudes and skills. In this sense, the paradox established by François de Sales deserves to be developed and deepened. We will apply ourselves to do so by proposing that this paradox cuts through every aspects of the subject, influencing the construct and the representation of the self, and ultimately influencing the entire work of the author: the figure of the “savante ignorante” can be found throughout the forms of the discourse, the processes of enunciation and the stylistic choices; it is embedded in the narrative structure and calls for different strategies of legitimation.

Cette thèse examine le discours puritain ainsi que les différentes manifestations de la présence indienne et de la voix indienne (Indian agency) dans la littérature Puritaine des XVIIème et XVIIIème siècles en général et dans les récits de captivité indienne en particulier. Les récits de captivité manquent évidemment d’objectivité en ceci qu’ils présentent une version unique des faits (celle des auteurs puritains des récits). Le problème de la subjectivité se pose d’autant plus lorsque l’on examine les paroles censées avoir été prononcées par les Indiens (les paroles que leur attribuent leurs anciens captifs). Ce constat nous a amené à poser la question suivante : par-delà la définition du récit de captivité au sens concret du terme (otages puritains entre les mains des Indiens dans le contexte précis de l’Amérique du Nord coloniale), n’y aurait-il pas lieu de postuler l’existence, au sein de ces récits (« en filigrane ») d’autres formes, plus abstraites, de captivité, comme celle que constituerait l’« l’emprisonnement » de la « voix » indienne dans des récits écrits par des blancs ? Cette voix indienne, comment se manifeste-t-elle dans les récits du corpus? Quels discours les auteurs attribuent-ils à leurs anciens ravisseurs ? / This study is dedicated to the analysis of seventeenth-and early eighteenth-century Puritan discourse and the way in which the agency of Indian appears in writings penned by the Puritans, a prominent subsection of which falls under the genre known as Indian Captivity Narrative. My main intention was to go beyond the initial characterization of captivity narratives and claim that these texts are not only about the actual physical and moral experience of the white Christian captives among the Indians, but also deal with more abstract and less often addressed forms of captivity. One such (less immediately obvious) form of captivity is, metaphorically speaking, that of the Indian “voice” in white narratives. This study therefore addresses the following questions: How does the Indian voice come across in such prose? What kinds of discourse do Mary Rowlandson, Hannah Swarton, and other former captives attribute to their former abductors? How do these former captives render and reconstruct dialogues that purportedly occurred between them and their Indian captors? This presentation of the Indian voice is not only conditioned by the former captive’s attitude (i.e., by the author’s voice), but it is also altered by the specific bias of those in charge of controlling the contents of the narrative, i.e., the editors and the publishers, such as Cotton and Increase Mather, who were the most influential representatives of the political and religious establishment of the time.

Cette thèse remet en question le soupçon pesant sur les catégories de « classique » et « classicisme ». Centrales dans les manuels, ces notions sont pourtant renvoyées par les spécialistes à de purs anachronismes, et jugées impertinentes pour caractériser le XVIIe siècle et sa littérature. Marqués par la rhétorique et la sociologie historique, les travaux actuels écartent l’opposition idéologique entre classicisme et modernité. Mais l’analyse de l’antagonisme chez Barthes, et l’étude des querelles impliquant les Classiques de 1898 à 1966, permettent de donner un contenu inattendu au classicisme, très éloigné de l’irénisme dont on l’a accusé.La notion, son antonyme et ses parasynonymes (antimodernisme et post-classicisme) circonscrivent d’abord, pour la littérature, différents « régimes d’historicité » dont débattent les polémistes. Le terme reste également associé à l’élaboration d’un « dispositif » utopique, où écrire, critiquer et enseigner iraient de pair : cette configuration, essentielle au XVIIe siècle, est sans cesse « remise sur le métier » dans les querelles postérieures entre Anciens et Modernes. De 1666 à 1694, semblent surgir en réalité la plupart des questions que les critiques continueront de poser à la littérature. C’est le cas, notamment, chez Barthes, Gide et Valéry, quand ils cherchent à en déterminer les fonctions et les prérogatives. Parce que le concept d’autonomie n’est pas pour eux détaché de toute exemplarité, il s’avère utile, bien qu’anachronique, pour lire les textes du XVIIe siècle. L’art de la « disponibilité », que Barthes reconnaissait chez Racine, serait alors l’autre nom de la littérarité, le nom d’une littérarité autre – non formaliste – que les Classiques auraient bel et bien inventée et qui autoriserait leur lecture « vivante, concernée ». / This dissertation interrogates the scepticism that falls on the categories of “classics” and “classicism”. Though they are considered key concepts in textbooks, these notions are viewed by many specialists as pure anachronisms, and declared irrelevant in defining the 17th century and its literature. Drawing influences from rhetoric and historical sociology, recent work dismisses the ideological divide between classicism and modernity, but an analysis of this opposition in Barthes’s corpus, supported by a study of the quarrels involving the Classics from 1898 to 1966, endows classicism with an unheralded substance, far from the irenicism for which it has been condemned. The notion of classicism, its antonym, and its parasynonyms (anti-modernism and post-classicism) first and foremost delineate, as far as literature is concerned, different regimes of historicity that are debated by the polemicists. The term ‘classicism’ is continuously associated with the establishment of a utopian apparatus within which writing, criticism and teaching go hand in hand. This blueprint was essential in the 17th century and is revisited again and again in the subsequent quarrels between Ancients and Moderns. In fact, most of the questions that critics continue to ask literature seem to arise between 1666 and 1694. Case in point, Barthes, Gide and Valéry all sought answers to these age-old questions in their attempts to determine both the functions and the prerogatives of literature. According to them, the concept of autonomy in literature cannot be separated from exemplarity. Thus, it proves useful, although anachronistic, in the reading of 17th-century texts. The art of “availability”, which Barthes recognized in the works of Racine, would then be the other name of literariness, a distinct – non formalist – literariness that the Classics have invented which allows their “vital, concerned” reading.