Nous constatons que le genre policier a été une riche source d’inspiration pour des écrivains souvent associés au roman postmoderne. Pour la plupart, les études sur ces réécritures du genre se concentrent sur des auteurs non britanniques, notamment Alain Robbe-Grillet, Paul Auster, Umberto Eco, Jorge Luis Borges et Vladimir Nabokov.Cette étude propose d’analyser des romans et une série britanniques,ainsi qu’un film anglo-américain, réécrivent le whodunit à travers l’intertextualité, la parodie et l’autoréflexivité. Dans ces œuvres métafictionnelles, qui sont toutes apparues depuis le début des années 1980, nous nous demandons si les attentes du roman policier ont complètement basculé ou si elles demeurent, au service d’un autre but.Au lieu de subvertir les conventions du genre classique, nous nous demandons au contraire si les œuvres du corpus les déploient afin de mener une autre enquête : une enquête sur l’histoire et l’identité britannique ? Alors que les œuvres reflètent la crise de confiance envers la représentation de l’histoire qui marque la période dite « postmoderne », reste-il l’espoir de résoudre rationnellement les mystères et les souffrances du passé ? Par conséquent, ces œuvres reflètent-elles une rupture du genre policier ou plutôt la continuité ? / The detective story has been a rich source of inspiration for writers associated with postmodern fiction. For the most part, critical studies of these attempts to rewrite the genre have focused on non-British authors, including Alain Robbe-Grillet, Paul Auster, Umberto Eco, Jorge Luis Borges and Vladimir Nabokov. This study proposes to analyze British novels, a film and a television series which, similarly, rewrite the whodunit through intertextuality, parody and the self-reflexiveness.In these metafictional works, which have all appeared since the beginning of the 1980s, we ask if the expectations invoked by the detective story are completely frustrated or rather if they are employed in the service of another goal. Rather than subvert the conventions of the genre, we ask instead if the works in the corpus deploy them in order to conduct an investigation of another sort: an investigation into British history and identity. While the works reflect in part the crisis of confidence in historical representation that characterizes the postmodern period, we ask whether they display any faith in our ability to rationally unravel the mysteries and the sufferings of the past. In answering these questions we will decide if these works reflect a total break from the detective genre or, in fact, continuity with it.

L'auteur est dans une position paradoxale à l'époque contemporaine : il a perdu son autorité prestigieuse, contestée par la critique littéraire, tandis qu'il occupe toujours une fonction de premier plan dans la diffusion des oeuvres. Je me propose dans ce travail d'accompagner les réflexions contemporaines qui s'efforcent de considérer sous un angle nouveau et critique la figure auctoriale en explorant un phénomène littéraire contemporain remarquable : la transformation de l'auteur en personnage de fiction. Ces apparitions d'un auteur fictionnel sont à la fois très fréquentes et très diverses. Mon corpus d'étude traverse les sous-genres narratifs que présentent les littératures européennes et américaines, tels l'autofiction, le roman biographique, la fiction d'auteur, la « biofiction », le roman de l'écrivain ou encore le roman de la biographie, pour citer des catégories génériques élaborées par la critique littéraire, mais également l'hétéronymie (invention mystifiante d'un auteur fictionnel). Or ces sous-genres sont généralement dissociés et analysés indépendamment dans les recherches actuelles alors que leur confrontation met en évidence au contraire les enjeux d'un procédé d'autoreprésentation auctoriale de grande ampleur. Mon projet de recherche se fonde en effet sur l'hypothèse que les écrivains contemporains négocient dans la fiction une nouvelle forme d'existence de l'auteur afin de mieux observer et de mettre à l'épreuve cette notion labile qui doit pourtant les définir. Se forme dans le récit une image complexe de l'auteur fictionnel, qui s'affiche en se dérobant et se dévoile en se masquant, à même de nous éclairer en retour sur la réalité de l'auteur.

Le traitement actuel de la violence exprime nos inquiétudes et nos préoccupations devant un monde rendu de plus en plus incertain. Cette violence nous convie à de nouveaux paradigmes, imaginaires, signes et représentations. Conséquemment, l'inflation des images de la violence entretient le désordre et le chaos de notre monde moderne, en plus d'en faire la propagande sous la forme d'un spectacle convenable et standardisé. À partir du roman Shame de Salman Rushdie, il sera montré que les images de la violence proposées par cet écrivain font émerger une violence fondatrice, un objet de pensée riche en interprétations, contrairement à une violence spectaculaire dénuée d'ambiguïtés et de nuances. À ce propos, les positions de plusieurs penseurs sur la question de la violence, du rapport à l'image et à la fiction seront abordées afin de mieux comprendre le rôle de la figuration de la violence dans l'œuvre romanesque de cet écrivain. L'étude du processus de figuration servira à dégager un réseau de figures construites autour de la violence et caractérisées par le dualisme et l'altérité. À partir du personnage principal de Shame, une idiote qui incarne et transcende le sentiment de honte, il s'agira d'examiner la relation subversive qu'entretiennent figure et affect. Dans ce cas-ci, la figure de l'idiot qui est à la fois une puissance d'affect et de concept, nous autorise à penser l'origine de la violence, mais permet aussi de poser un regard neuf sur le monde. Ce mémoire dépeint la manière singulière dont le récit décante le processus de figuration, c'est-à-dire en mettant une distance avec ses propres figures consentant ainsi à la prise de recul nécessaire d'une posture critique. Une critique de la violence deviendra donc le moteur d'une écriture peuplée de ruptures, de répétitions et d'exacerbations visant à détourner la violence contemporaine en l'attaquant avec ses propres armes. La figuration de la violence autorise la représentation de l'irreprésentable et l'aveu de l'inavouable et est en ce sens perçue comme une stratégie de subversion narrative et textuelle qui détruit les formes sclérosées de la littérature et vient modifier l'acte de lecture. Cette violence qui s'immisce dans l'imaginaire de Rushdie, en plus d'exposer les complexités de l'identité et notre rapport avec l'Autre, se mêle aux procédés littéraires des romans postmodernes afin de les transformer et les enrichir. Ce mémoire propose enfin une étude des particularités de la métafiction, de l'imaginaire contemporain, ainsi que de la satire, tactique de subversion par excellence. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Violence, figuration, imaginaire, subversion, dualisme, identité, métafiction, postmodernité, Salman Rushdie, Shame.

Ce texte accompagne la création Fūkei [paysages], poésie sonore et scénographique adaptant le style littéraire du romancier japonais Haruki Murakami. La recherche porte un regard sur les structures narratives employées par l'auteur dans ses romans et s'intéresse à leur fonction dans le discours de l'œuvre et sa réception. À cet effet, une méthodologie est élaborée en deux phases. Premièrement, les structures narratives sont extraites par l'analyse de textes choisis de l'auteur. Deuxièmement, ces structures sont redéployées au sein du processus compositionnel de l'œuvre. Ce procédé d'adaptation comporte donc la particularité de transposer des structures et procédés littéraires dans une autre forme d'expression artistique. Par ailleurs, il se distingue par l'adaptation du style d'une œuvre littéraire plutôt que d'en adapter le texte. Fūkei [paysages] allie ces différents éléments dans une œuvre multidisciplinaire théâtrale, sans acteurs. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : art, adaptation, allégorie, nouveau réalisme, réalisme magique, métafiction, fragment, collage, esthétique, poétique, poïétique, son, sonore, scène, théâtre.

À partir du récit autobiographique de Dave Eggers, A Heartbreaking Work of Staggering Genius, notre mémoire entend éclaircir les rapports entre métafiction, écritures de soi et traumatisme. Ce récit publié en 2000 raconte comment, à l'âge de vingt-et-un ans, l'auteur a perdu ses parents, décédés tous deux du cancer à quelques semaines d'intervalle à peine, et relate son expérience de gardien légal de son jeune frère de huit ans. Nous verrons, à l'aide des théories de Patricia Waugh et de Linda Hutcheon, qu'Eggers fait un usage paradoxal de l'autoréférentialité littéraire : si les interventions métafictionnelles au sein de la narration remettent en doute la teneur référentielle de son récit, celles-ci, étrangement, sont conçues de façon à en renforcer la crédibilité. Les écrits de soi entretiennent également certains paradoxes; l'autobiographie, selon Lejeune, ne se définit pas par un rapport de ressemblance à son objet. Au contraire, les inexactitudes du récit constituent la voix autobiographique, c'est-à-dire l'expression personnelle de la vérité subjective de l'auteur; cette voix, qu'investissent entre autres les autofictionnistes se situant dans la lignée de Serge Doubrovsky, est en définitive ce que l'autobiographie offre de plus précieux à la lecture. Le témoignage s'occupe également de la question de la transmission de la vérité. Le témoin, selon Jacques Derrida, se voit dans l'obligation de donner en lieu de son récit une explication de son incapacité à se dire. Mais la transmission n'est pas qu'une question métatextuelle; en effet, comme le souligne Nancy K. Miller, le décès parental implique des questions d'héritage familial. La problématique de la passation ou du rejet de cet héritage constitue généralement le propos du récit de l'orphelin; celui-ci devient un dialogue avec les parents continué par-delà la mort, une consignation à la mémoire de leur apport à sa personnalité en même temps qu'une affirmation de son autonomie. En définitive, si Eggers exploite systématiquement ces caractéristiques de la métafiction et des écritures de soi qui sont propices à nourrir des dynamiques paradoxales, cette obsession prend ultimement racine dans le traumatisme tel que le conçoit la théorie psychanalytique. Eggers écrit à partir d'un incident traumatique, un événement violent et inattendu auquel la conscience n'était pas préparée et qui, selon Freud, la pousse à mettre en œuvre une compulsion de répétition par laquelle la victime se replonge perpétuellement dans des réitérations de l'événement initial afin de comprendre ce qui en est demeuré incompris. Mais le traumatisme ne peut être reproduit que dans sa nature inattendue, qui le définit; la victime n'apprend donc autre chose que l'existence de cette incompréhension même. C'est cette dynamique circulaire propre à l'événement traumatique qui détermine, selon notre analyse, l'usage paradoxal que fait Eggers des procédés littéraires principaux de son récit. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Eggers Dave, A Heartbreaking Work of Staggering Genius, Littérature américaine, Métafiction, Postmodernisme, Autobiographie, Autofiction, Témoignage, Traumatisme, Deuil, Référentialité.

L’écrivain chinois Mo Yan a mis en scène dans son œuvre romanesque des avatars de l’auteur, identifiés à lui par le nom dans deux romans et par le rôle de créateur du récit dans plusieurs récits. Ces représentants ne sauraient être identifiés à l’auteur empirique, mais peuvent être interprétés à l’aune de ce que représente pour nous l’auteur, au sens large, ou dans une visée individuelle, lorsque nous analysons leur caractérisation en fonction d’autres textes, fictifs ou référentiels, construisant la figure biographique, théorique et fantasmatique de l’auteur. Outre qu’elle joue sur l’aporie de sa présence dans la fiction, cette représentation métafictionnelle a des fonctions diverses. Dans Le Pays de l’alcool, elle souligne l’allégorie tout en déjouant la censure ; dans La Dure Loi du karma, elle brosse un portrait comique du romancier, reflétant ses différents rôles pour le lecteur et la société. La suite de l’étude porte sur des narrateurs révélant un statut de créateur du récit, de sorte qu’ils provoquent une distanciation et un doute sur leur situation diégétique, en les associant à une tendance métafictionnelle présente dans l’œuvre de Mo Yan depuis son premier roman long, Le Clan du sorgho rouge, où elle est l’effet d’un narrateur omniscient et présent dans l’univers de la fiction. Ces figures d’autorité thématisent l’imagination à l’œuvre, tout en signalant l’altérité de la figure de l’auteur que le lecteur infère de ses indices supposés. Elles représentent l’auteur en une logique non référentielle, comme produit d’un ensemble mouvant d’hypothèses, issues d’une interprétation des récits comme éléments constitutifs de l’œuvre. / In his fictional works, Chinese novelist Mo Yan created avatars of the author, who are either identified by their name such as the characters Mo Yan in The Republic of Wine and in Life and Death Are Wearing Me Out or by a creative role they reveal, in other narratives. Both doubles, Mo Yan’s fictional homonyms, cannot be considered as the empirical author, and yet may be interpreted in the light of what the author means to us, whether in a broad or individual sense, when their characteristics are confronted with the biographical, theoretical and fantasmatic figure of Mo Yan which other texts create. Drawing attention to the aporetical presence of the author in a universe he created, metafictional author representations have various functions. In The Republic of Wine, it enlights the allegorical value of the novel and, to the real author, is a means to deter censorship. In Life and Death Are Wearing Me Out, Mo Yan is a parody of a novelist, where the role he plays for the reader and in society appear in a nutshell. Next, the sign of the author is to be extended to other narrators who reveal, more or less explicitly, that they create the narrative, thus inducing readers to suspend belief and reconsider their diegetic posture. Beginning with his first long novel Red Sorghum, metafiction has been an obsessive tendency in Mo Yan’s novels, making imagination a theme of the novel while suggesting the figure of the author a reader infers from the text is but a shifting body of hypotheses, which envision narratives a part of the whole works that make the author.

L'art millénaire du Théâtre d'Animation possède des spécificités propres dont la métafictionnalité est une composante pertinente. Cette réflection, examinant le concept de métalangage présent dans le travail de Roman Jakobson et son déplacement vers les phénomènes littéraires, découle des études introduites par Gérard Genette et Roland Barthes qui ont analysé profondément la transtextualité. Elle vise à réhabiliter l'art de l'animation, métafictionnel par excellence, dans le contexte des arts postmodernes. Nous présentons un premier chapitre qui met en lumière les conventions utilisées dans le Théâtre d'Animation en précisant leur définition, leurs propriétés intrinsèques et un peu de leur histoire. Nous avons essayé d’affirmer et d'étendre l'idée que le Théâtre d'Animation est métafictionnel par nature, et que, malgré cela, cette métafictionnalité en tant que présupposition esthétique a seulement commencé à être explorée au début de la postmodernité. Le second chapitre aborde la présence du métafictionnel dans le Théâtre d'Animation à partir de l'étude de quelques spectacles contemporains réalisés dans l’Etat du Rio Grande do Sul (Brésil). Nous y verrons les transformations enregistrées dans le Théâtre d'Animation à partir du début de la seconde moitié du XXe siècle, qui mettent en question, comme dans d’autres formes d’expression artistique, des thèmes comme la légitimation de la connaissance, l'originalité ou encore l'existence d'une vérité absolue. Pour cela, la postmodernité utilise les stratégies montrées par Linda Hutcheon, tel que l'exacerbation de l’autoréflexivité et la parodie. / A milenar arte do Teatro de Animação possui especificidades próprias à sua linguagem. Dentre essas especificidades, a metaficcionalidade é um relevante componente. Este trabalho, examinando o conceito de metalinguagem presente na obra de Roman Jakobson e seu deslocamento para fenômenos literários, derivado dos estudos introduzidos por Gérard Genette e Roland Barthes, os quais analisaram profundamente questões como a transtextualidade, aponta para o resgate da arte da animação no contexto das artes pós-modernas, por tratar-se de uma arte metaficcional por excelência. A estrutura do trabalho consta de uma primeira parte que esclarece sobre o funcionamento das convenções utilizadas no Teatro de Animação, sua definição, suas propriedades intrínsecas e um pouco de sua história, bem como procuramos estender e afirmar a idéia de que o Teatro de Animação é metaficcional por natureza, sendo que, apesar disso, a metaficcionalidade como pressuposto estético apenas começou a ser amplamente explorada a partir do início da pós-modernidade. A segunda parte aborda a presença dos metaficcionais no Teatro de Animação, analisados a partir do estudo de alguns espetáculos contemporâneos realizados no Rio Grande do Sul. Na análise desses espetáculos, discorreremos sobre as transformações que ocorreram no Teatro de Animação a partir da segunda metade do século XX, as quais colocaram em cheque, bem como as outras artes, questões como a legitimação do saber, a originalidade e a existência de uma verdade absoluta, utilizando, para isso, as estratégias apontadas por Linda Hutcheon, tais como a exacerbação da auto-reflexividade e a paródia.

L'art millénaire du Théâtre d'Animation possède des spécificités propres dont la métafictionnalité est une composante pertinente. Cette réflection, examinant le concept de métalangage présent dans le travail de Roman Jakobson et son déplacement vers les phénomènes littéraires, découle des études introduites par Gérard Genette et Roland Barthes qui ont analysé profondément la transtextualité. Elle vise à réhabiliter l'art de l'animation, métafictionnel par excellence, dans le contexte des arts postmodernes. Nous présentons un premier chapitre qui met en lumière les conventions utilisées dans le Théâtre d'Animation en précisant leur définition, leurs propriétés intrinsèques et un peu de leur histoire. Nous avons essayé d’affirmer et d'étendre l'idée que le Théâtre d'Animation est métafictionnel par nature, et que, malgré cela, cette métafictionnalité en tant que présupposition esthétique a seulement commencé à être explorée au début de la postmodernité. Le second chapitre aborde la présence du métafictionnel dans le Théâtre d'Animation à partir de l'étude de quelques spectacles contemporains réalisés dans l’Etat du Rio Grande do Sul (Brésil). Nous y verrons les transformations enregistrées dans le Théâtre d'Animation à partir du début de la seconde moitié du XXe siècle, qui mettent en question, comme dans d’autres formes d’expression artistique, des thèmes comme la légitimation de la connaissance, l'originalité ou encore l'existence d'une vérité absolue. Pour cela, la postmodernité utilise les stratégies montrées par Linda Hutcheon, tel que l'exacerbation de l’autoréflexivité et la parodie. / A milenar arte do Teatro de Animação possui especificidades próprias à sua linguagem. Dentre essas especificidades, a metaficcionalidade é um relevante componente. Este trabalho, examinando o conceito de metalinguagem presente na obra de Roman Jakobson e seu deslocamento para fenômenos literários, derivado dos estudos introduzidos por Gérard Genette e Roland Barthes, os quais analisaram profundamente questões como a transtextualidade, aponta para o resgate da arte da animação no contexto das artes pós-modernas, por tratar-se de uma arte metaficcional por excelência. A estrutura do trabalho consta de uma primeira parte que esclarece sobre o funcionamento das convenções utilizadas no Teatro de Animação, sua definição, suas propriedades intrínsecas e um pouco de sua história, bem como procuramos estender e afirmar a idéia de que o Teatro de Animação é metaficcional por natureza, sendo que, apesar disso, a metaficcionalidade como pressuposto estético apenas começou a ser amplamente explorada a partir do início da pós-modernidade. A segunda parte aborda a presença dos metaficcionais no Teatro de Animação, analisados a partir do estudo de alguns espetáculos contemporâneos realizados no Rio Grande do Sul. Na análise desses espetáculos, discorreremos sobre as transformações que ocorreram no Teatro de Animação a partir da segunda metade do século XX, as quais colocaram em cheque, bem como as outras artes, questões como a legitimação do saber, a originalidade e a existência de uma verdade absoluta, utilizando, para isso, as estratégias apontadas por Linda Hutcheon, tais como a exacerbação da auto-reflexividade e a paródia.

L’affabulation homodiégétique et la métafiction étant souvent utilisées, quand il s’agit de migrants narrateurs, cette recherche porte sur l’étude de la figure du migrant narrateur dans les romans italiens publiés entre 2001 et 2014 et adopte une approche comparative par rapport aux techniques, symboles et connexions historiques liés à l’utilisation de la métafiction. En comparant la multitude de techniques narratives qu’entraîne la métafiction ainsi que les thématiques véhiculées par ces techniques, il s’agira d’établir les points communs dans la façon dont ces romans utilisent les outils stylistiques et exploitent les thèmes liés à la métafiction afin de déterminer, le cas échéant, la cohérence de l’utilisation de la métafiction dans ces romans. / Since homodiegetic narration and metafiction are often used when there are migrant narrators in Italian contemporary novels, my PhD project focuses on migrant narrators characters in the Italian novels published between 2001 and 2014 and proposes a comparative study of technics, symboles and historical connections connected to metafiction. The aim is to compare the various narrative metafictional technics and their themes in order to find common ways in which these novels use stylistic elements and develop themes connected to metafiction to confirm a coherent use of metafiction in these novels.

La fiction de Steven Millhauser est caractérisée par le mouvement perpétuel : un mouvement générique du réalisme au fantastique, avec des intrigues qui résistent aux dénouements et des personnages, des lieux et des objets en transformation constante. Son œuvre nous présente exploration de la métamorphose littéraire, qui se manifeste à la fois comme style d'écriture et comme motif. Enracinée dans une conception typiquement américaine de la métamorphose, née de la philosophie Ralph Waldo Emerson, la métamorphose millhauserienne attire l'attention du lecteur sur le pouvoir transformateur de l'art et plus spécifiquement de la littérature. Utilisant la relation entre l'art et l'identité culturelle comme point de départ, notre thèse montre que la fiction de Millhauser développe la nature métamorphique de l'expérience esthétique. Au cœur de la dynamique de la métamorphose littéraire se trouve la relation entre lecteur, texte et auteur, relation transformatrice que Millhauser met en scène à plusieurs reprises, afin d'explorer les possibilités et les limites du language. Si sa fiction illustre le potentiel destructeur de la métamorphose linguistique, et manifeste aussi une certaine angoisse concernant les limites du langage, son œuvre est néanmoins dominée par un sentiment d'émerveillement et d'espoir dans la valeur régénératrice de la fiction, et son pouvoir de faire resurgir la beauté d'un monde devenu ordinaire. / Steven Millhauser's fiction is characterized by perpetual movement: a transition from realism to the fantastic, with plots which resist denouement and characters, places and objects in constant transformation. Millhauser's work offers the reader a literary metamorphosis which is both stylistic and thematic. The millhauserien metamorphosis is typically American, the offspring of Emersonian philosophy, and it highlights the transformative power of art and, specifically, of literature. Using the mutually transformative relationship between art and cultural identity as a starting point, this thesis demonstrates the ways in which Millhauser's fiction develops the metamorphic nature of the esthetic experience. The relationship between the reader, the text and the author is at the heart of literary metamorphosis, and this transformative relationship, which often appears in Millhauser's work, sets the stage for an exploration of the possibilities and limits of language. If Millhauser's fiction illustrates the destructive potential of linguistic metamorphosis, and articulates a certain anxiety concerning the limits of language, his work is nonetheless dominated by the sentiment of wonder and hope in the regenerative value of fiction and its power to reveal the unusual beauty of a world which has become ordinary.