O presente trabalho consistiu em investigar os fenômenos da materialidade pelo vértice poético da experiência humana em diálogo com o caso Piggle do pediatra e psicanalista Donald Winnicott a partir de um ponto de vista hermenêutico. Antes de realizarmos a investigação do caso a partir do vértice da materialidade, foram apresentados alguns aspectos de como a materialidade comparece como um elemento importante no cotidiano pessoal de Winnicott assim como também na clínica psicanalítica que Winnicott realizou. Em seguida, foi apresentado e discutido o vértice poético da experiência humana em diálogo com alguns psicanalistas, entre eles Winnicott, Milner e Safra e com alguns artistas, dos quais, William Blake, Adélia Prado e Manoel de Barros foram autores relevantes. Finalmente, foi realizada a investigação da materialidade como evento poético em cada uma das consultas do caso Piggle de Winnicott. Com este percurso realizado, chegamos a alguns pontos fundamentais: 1) a materialidade não é um conceito que pode ser abordado por abstrações, pois ela emerge como experiência poética no espaço do entre o homem e o mundo; 2) a disponibilidade poética do terapeuta é fundamental como condição para que seja possível acolher a materialidade do mundo como evento poético que eclode no cotidiano e no encontro clínico como experiência que revela a condição humana; 3) a compreensão dos fenômenos da materialidade é fundamental na clínica psicanalítica, em uma perspectiva ética, para que o clínico nesta abordagem possa ofertar um trabalho encarnado ao seu paciente e que seu oficio possa ser uma ação resistente e alerta ao esfacelamento da experiência humana no mundo / This paper aims to investigate the phenomena of the materiality by the poetical view of human experience in dialog with case Piggle by the pediatric and psychoanalyst Donald Winnicott through a point of view of the hermeneutics. Before investigating the case through the question of the materiality, we introduced some aspects of how this theme appears in Winnicotts personal way of life and also in the contributions he did in his theories. After that, we discussed and presented the poetical interpretation of the human experience in dialog with relevant authors, some of who were the psychoanalysts Winnicott, Milner and Safra and also with some artists as William Blake, Adélia Prado and Manoel de Barros. Finally, we investigated the materiality as poetical event in all the consultations of the case Piggle by Winnicott. After all, we reached some key points: 1) the materiality is not a concept which could be studied through abstractions, because it emerges as a poetical experience in the space between the human being and the world. 2) the therapists poetical openness is a fundamental condition in order to welcome the materiality of the world as a poetical event which appears in daily life and in the clinical situation as an experience which reveals the human condition; 3) the understanding of these phenomena is crucial to psychoanalytical situation, in an ethical perspective offering to the therapist in his/her work a possibility of working with body presence and an action of resistance to the vanishing experience of the human being in the world

A recorrência, no cinema experimental contemporâneo, de obras que enfatizam a instabilidade material da película - tal como Decasia, de Bill Morrison e Materia Obscura, de Jürgen Reble e Thomas Köner - vem sendo apontada por alguns autores como um retorno às questões da materialidade cinematográfica (outrora empregada pelo Cinema Estrutural) na era da passagem do analógico ao digital. Tal ênfase material se dá, em obras como essas, através do emprego de imagens degradadas, por vezes permeado de um caráter nostálgico e mórbido, que põe em cena a perda do corpo orgânico da película a partir de sua obsolescência. Ao se voltarem ao corpo analógico na era digital, essas obras tensionam, assim, imaginários associados a ambas tecnologias, criando cruzamentos que ultrapassam a mera associação do digital com o imaterial e com a película enquanto fixadora do real, numa \"alquimia de mídias\" como caracteriza Giuliana Bruno (2014). Cruzando noções de \"velho\" e \"novo\", num engajamento direto com o aparato e suporte das imagens, aproximamos essas obras das discussões de arqueologia das mídias em Thomas Elsaesser (2016) e Jussi Parikka (2015), bem como avaliamos seus procedimentos estéticos e investimento sensorial nas imagens, a partir de suas afinidades com a questão do informe nas artes e na visualidade háptica, como propõe Laura U. Marks (2002). Assim, esta pesquisa abordará a passagem, por esses trabalhos, da materialidade da película à materialidade do digital, a partir da análise de obras-chave do cinema experimental contemporâneo, de forma a destacar os fenômenos sensíveis de \"tensão superficial\" evocados nas texturas ruidosas dessas obras, que, em suas existências híbridas e fragmentadas, surgem como ruínas, entre obsolescência e renovação. Buscamos, enfim, atribuir à passagem do cinema analógico para o digital esse lugar paradoxal da ruína que, em sua complexa materialidade, oscila entre o material e o imaterial - e que, tal como dessas imagens em dissolução, instiga considerações acerca de um reconhecimento da efemeridade do mundo (e cultura), seja em modo melancólico ou afirmativo (como observaremos em Buci-Glucksmann), permitindo observar as mudanças tecnológicas do cinema sob um eixo de transmutações e passagens. / The recurrence, in contemporary experimental cinema, of works that emphasize the material instability of film - such as Decasia, by Bill Morrison, and Materia Obscura by Jürgen Reble and Thomas Köner - has been pointed by certain authors as a return to issues regarding the materiality of cinema (once a resource of Structural Film) in an era of passages between analog and digital media. Such material emphasis occurs, in these works, through the use of degraded images, often marked by a morbid and nostalgic character, that sets in scene the loss of the organic body of analog film in its obsolescence. By turning to this analog body in the digital age, these works put into friction the imaginary associated with each set of technologies, establishing intersections that go beyond the mere association of digital with the imaterial and film as \"fixer of the real\", in a form of \"media alchemy\", as put forth by Giuliana Bruno (2014). Crossing over notions of \"old\" and \"new\", in direct engagement with the apparatuses and the physical substrata of images, we relate these works through discussions of media archeology of Thomas Elsaesser (2016) and Jussi Parikka (2015) and approach their aesthetic processes and sensorial engagement through their affinities with the question of the formless and of haptic visuality in art, as discussed by Laura U. Marks (2002). This research, then, observes the passage from the materiality of film to the materiality of digital, through the analysis of key works in recent experimental cinema, highlighting the sensible phenomena of \"surface tension\" evoked in the noisy textures of these works, which, in their hybrid and fragmented existences, emerge as ruins between obsolescence and renovation. We search, finally, to attribute to this passing of film to digital media this paradoxical space of the ruin, which, in its complex materiality, oscillates between the material and the virtual - such as these images in dissolution, it instigates reflections on the ephemerality of the world (and our culture), be it in a melancholic or affirmative mode (as we learn from Buci-Glucksmann), allowing for a particular way of observing the technological change in cinema, in this axis of transmutation and transit.

A recorrência, no cinema experimental contemporâneo, de obras que enfatizam a instabilidade material da película - tal como Decasia, de Bill Morrison e Materia Obscura, de Jürgen Reble e Thomas Köner - vem sendo apontada por alguns autores como um retorno às questões da materialidade cinematográfica (outrora empregada pelo Cinema Estrutural) na era da passagem do analógico ao digital. Tal ênfase material se dá, em obras como essas, através do emprego de imagens degradadas, por vezes permeado de um caráter nostálgico e mórbido, que põe em cena a perda do corpo orgânico da película a partir de sua obsolescência. Ao se voltarem ao corpo analógico na era digital, essas obras tensionam, assim, imaginários associados a ambas tecnologias, criando cruzamentos que ultrapassam a mera associação do digital com o imaterial e com a película enquanto fixadora do real, numa \"alquimia de mídias\" como caracteriza Giuliana Bruno (2014). Cruzando noções de \"velho\" e \"novo\", num engajamento direto com o aparato e suporte das imagens, aproximamos essas obras das discussões de arqueologia das mídias em Thomas Elsaesser (2016) e Jussi Parikka (2015), bem como avaliamos seus procedimentos estéticos e investimento sensorial nas imagens, a partir de suas afinidades com a questão do informe nas artes e na visualidade háptica, como propõe Laura U. Marks (2002). Assim, esta pesquisa abordará a passagem, por esses trabalhos, da materialidade da película à materialidade do digital, a partir da análise de obras-chave do cinema experimental contemporâneo, de forma a destacar os fenômenos sensíveis de \"tensão superficial\" evocados nas texturas ruidosas dessas obras, que, em suas existências híbridas e fragmentadas, surgem como ruínas, entre obsolescência e renovação. Buscamos, enfim, atribuir à passagem do cinema analógico para o digital esse lugar paradoxal da ruína que, em sua complexa materialidade, oscila entre o material e o imaterial - e que, tal como dessas imagens em dissolução, instiga considerações acerca de um reconhecimento da efemeridade do mundo (e cultura), seja em modo melancólico ou afirmativo (como observaremos em Buci-Glucksmann), permitindo observar as mudanças tecnológicas do cinema sob um eixo de transmutações e passagens. / The recurrence, in contemporary experimental cinema, of works that emphasize the material instability of film - such as Decasia, by Bill Morrison, and Materia Obscura by Jürgen Reble and Thomas Köner - has been pointed by certain authors as a return to issues regarding the materiality of cinema (once a resource of Structural Film) in an era of passages between analog and digital media. Such material emphasis occurs, in these works, through the use of degraded images, often marked by a morbid and nostalgic character, that sets in scene the loss of the organic body of analog film in its obsolescence. By turning to this analog body in the digital age, these works put into friction the imaginary associated with each set of technologies, establishing intersections that go beyond the mere association of digital with the imaterial and film as \"fixer of the real\", in a form of \"media alchemy\", as put forth by Giuliana Bruno (2014). Crossing over notions of \"old\" and \"new\", in direct engagement with the apparatuses and the physical substrata of images, we relate these works through discussions of media archeology of Thomas Elsaesser (2016) and Jussi Parikka (2015) and approach their aesthetic processes and sensorial engagement through their affinities with the question of the formless and of haptic visuality in art, as discussed by Laura U. Marks (2002). This research, then, observes the passage from the materiality of film to the materiality of digital, through the analysis of key works in recent experimental cinema, highlighting the sensible phenomena of \"surface tension\" evoked in the noisy textures of these works, which, in their hybrid and fragmented existences, emerge as ruins between obsolescence and renovation. We search, finally, to attribute to this passing of film to digital media this paradoxical space of the ruin, which, in its complex materiality, oscillates between the material and the virtual - such as these images in dissolution, it instigates reflections on the ephemerality of the world (and our culture), be it in a melancholic or affirmative mode (as we learn from Buci-Glucksmann), allowing for a particular way of observing the technological change in cinema, in this axis of transmutation and transit.

Submitted by JOSIANE SANTOS DE OLIVEIRA (josianeso) on 2017-05-31T16:53:06Z No. of bitstreams: 1 Danielle Euzébio Heinen_.pdf: 10633526 bytes, checksum: 59d651fbcb77a46b62d1ab90e89d9dfd (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-31T16:53:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Danielle Euzébio Heinen_.pdf: 10633526 bytes, checksum: 59d651fbcb77a46b62d1ab90e89d9dfd (MD5) Previous issue date: 2016-10-20 / Nenhuma / A arquitetura é uma arte, para ser utilizada por pessoas, e consiste em deslumbrar, transmitir sensações e recordações. Vai muito além do aspecto de funcionalidade e não se resume em construção de paredes. No entanto, a tecnologia está continuamente evoluindo, acarretando transformações e exigências na vida profissional, e um dos requisitos da contratação de um arquiteto é a execução e finalização do trabalho, o mais rápido possível. Deste modo, esta aceleração vem se refletindo na qualidade do projeto de arquitetura, a isto se soma a ansiedade do cliente para receber o projeto arquitetônico. O objetivo geral desta pesquisa é a percepção, a partir do ponto de vista dos três pilares da arquitetura: técnica, materialidade e fenomenologia, e sua aplicação no projeto, desenvolvido por Álvaro Siza, na Fundação Iberê Camargo. Os objetivos específicos buscam: verificar as relações entre a técnica, a materialidade e a fenomenologia no Museu Iberê Camargo em Porto Alegre, como caso exemplar; evidenciar a importância do estudo detalhado da conexão entre os três pilares da arquitetura, como ferramenta para uma criação capacitada a provocar efeitos sobre os usuários; apresentar através de uma pesquisa, por amostragem, a percepção do usuário em relação à edificação do Museu Iberê Camargo em Porto Alegre. A metodologia escolhida foi o estudo de caso e, a partir dos dados coletados, por diferentes vias: pesquisa bibliográfica, questionários e observação in loco, são discutidos e analisados. O resultado é uma contemplação sensorial que reforça a tríade projetual da arquitetura: a técnica, a materialidade, e a fenomenologia; sem deixar de observar o quanto os efeitos da evolução tecnológica auxiliam no processo e desenvolvimento do projeto. / Architecture is an art, to be used by people, and entails provoking delight and transmitting sensations and remembrances. It extends far beyond the aspect of functionality and is not confined to the building of walls. However, technology is continuously evolving, bringing about changes and requirements in professional life, and one of the requirements of an architect is to execute and complete the job as quickly as possible. This acceleration is reflected in the quality of the architectural design, and added to this is the client's anxiousness to receive the architectural design. The overall objective of this research is perception, from the point of view of the three pillars of architecture: technique, materiality and phenomenology, and their application in the design, done by Álvaro Siza, and execution of the Iberê Camargo Foundation. The specific objectives seek to: determine the relationships between technique, materiality and phenomenology in the Iberê Camargo Museum in Porto Alegre, as an exemplary case; demonstrate the importance of a detailed study of the connection between the three pillars of architecture, as a tool for a creation that is able to cause impacts on users; present through a survey, via sampling, the perception of users in relation to the Iberê Camargo Museum building in Porto Alegre. The methodology chosen was the case study and through the data collected by different means – literature review, questionnaires and on-site observation –the impacts are discussed and analyzed. The result is a sensorial contemplation that strengthens the projectual triad of architecture: technique, materiality, and phenomenology; while also observing how the effects of technological progress aid in the design development process.

Submitted by JOSIANE SANTOS DE OLIVEIRA (josianeso) on 2017-06-07T12:36:50Z No. of bitstreams: 1 Julio Cezar Colbeich dos Santos_.pdf: 7055445 bytes, checksum: abe194f0c071e8453f3a42a1abb37da2 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-07T12:36:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Julio Cezar Colbeich dos Santos_.pdf: 7055445 bytes, checksum: abe194f0c071e8453f3a42a1abb37da2 (MD5) Previous issue date: 2017-04-07 / Nenhuma / Esta pesquisa aborda o estudo de caso do Grupo Voz. Tem como objetivo compreender as transformações no processo da visibilidade midiática do Grupo Voz através de relações e interações entre sua religiosidade, consumo e materialidade no desenvolvimento de seus conteúdos musicais e comunicacionais e se utiliza da etnografia virtual, como inspiração metodológica. Os conteúdos comunicacionais e artísticos produzidos pela banda, estabelece um diálogo entre os usos que os integrantes fazem das tecnologias de comunicação digital e transformações ocorridas neste processo. Considera o pensamento religioso do Voz e seu entrelaçamento com a estética, o pop e o mercado gospel, perpassados por questões que abordam a visibilidade do grupo. Em um segundo momento, pensa a trajetória e a Materialidade da Comunicação em virtude da emergência dos corpos em um fenômeno comunicacional que relaciona performances, estética, arte e transformações desenvolvidas na relação banda/mídia. Posteriormente, trata das questões de consumo que circundam o objeto empírico e tensões entre crenças e conflitos com o mercado fonográfico, táticas, estratégias e visibilidade. Culmina com a possibilidade de um sistema de visibilidade e seus desdobramentos onde há jogos de poder entre os atores sociais envolvidos e subjetividades que se tornam elementos importantes na compreensão da trajetória percorrida pelos músicos / This research handles the case study of Grupo Voz and Aims to understand the transformations in the process of media visibility of the Voz through the relations and interactions between their religiosity, consumption and materiality in the development of their musical and communicational contents using the virtual ethnography as methodological inspiration. The communicational and artistic contents produced by the band put in place a dialog about the uses of digital communication technologies among the members and transformations occurred in this process. It considers the religious thinking of Voz and its entanglement with aesthetics, pop and the gospel market passed by issues that address the visibility of the group. In a second moment thinks about the trajectory and the Materiality of Communication by virtue of the emergence of bodies in a communication phenomenon that relates performances, aesthetics, art, and transformations developed in the band/media relation. Posteriorly it deals with the consumption issues that surround the empirical object and tensions between beliefs and conflicts with the phonographic market, tactics, strategies and visibility. It culminates with the possibility of a system of visibility and its unfoldings where there are power games between the involved social actors and subjectivities that become important elements in the understanding of the trajectory traversed by the musicians.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-01-12T17:49:48Z No. of bitstreams: 1 José Almir Valente Costa Filho.pdf: 10593880 bytes, checksum: b3528041080ffb70ad53adbd0b35b92e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-12T17:49:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 José Almir Valente Costa Filho.pdf: 10593880 bytes, checksum: b3528041080ffb70ad53adbd0b35b92e (MD5) Previous issue date: 2017-12-19 / This work investigates some contemporary artistic manifestations which bring in their aesthetic experiences objects made from items of everyday life that, through various operations, are transformed into contemporary visual poetics. It analyses aesthetic changes in the status of art which have occurred from modern and contemporary art with the emergence of Duchamp's ready-mades, going through Arman's assemblages, performances and happenings of Fluxus artists until the contemporary installations of El Anatsui. The strategies of the processes of production, assembly/exhibition and apprehension of those works are also brought into appreciation. As a corpus of analysis, three works were selected: Manto da apresentação (Mantle of Presentation) (1985) by Arthur Bispo do Rosário, Arqueologia poética (Poetic Archeology) (2011) by Luiz Antônio Rodrigues - Chiquitão and Marat (Sebastião) (2009) by Vik Muniz. Fundamentally, the choice of these works was based on their original aspect. Their singularity comes from the fact that those artists use materials and objects of daily use as one of the elements that constitute the materiality of the aesthetic arrangement of their works, in relation to other art materials. The theoretical and methodological basis of this work is found in the French semiotics of Algirdas Julien Greimas, with its developments in Plastic semiotics, in the researches of Jean-Marie Floch and Ana Claudia de Oliveira, as well as in the works of Eric Landowski about the “sense felt" in constituting acts produced from interaction regimes. Throughout the analysis of the corpus, it can be noticed how is produced the construction of meaning concerning these different discourses, as well as of the interactions coming from the relationship between enunciator and enunciatee. Thus, it is demonstrated, at this point, how matter and materials mean in the aesthetic discursive construction of the works and in the aesthesia condition of the production of the sense that gives meaning to it. The focus of the semiotic on the sensitive matter of art, makes it possible to establish a more in-depth study of the issues listed here. It can be better realized that the formants of matter have a special "force" - during the creation of high impact discourses towards the art spectators and, in their context, being able to engage them in the works that promote aesthesia and which materiality is the outlet that affects them. This sensitizes the artists to the new uses of matter and materials, re-signifying their use in everyday life, an achievement of the art produced in Brazil in dialogue with other international artistic trends / Investigação das manifestações artísticas na contemporaneidade, que trazem em suas experiências estéticas objetos construídos a partir de objetos da cotidianidade que, por operações várias, são transformados em poéticas visuais contemporâneas. Reflete-se sobre as mudanças estéticas no estatuto da arte que ocorreram a partir da arte moderna e contemporânea, com o surgimento dos ready-mades de Duchamp, passando pelas assemblages de Arman, performances e happenings do Grupo Fluxus, até as instalações contemporâneas de El Anatsui, apreciando as estratégias dos processos de produção, montagem/exposição e apreensão das obras analisadas. Como corpus de análise, selecionamos Manto da apresentação (1985) de Arthur Bispo do Rosário, Arqueologia poética (2011) de Luiz Antônio Rodrigues – Chiquitão e Marat (Sebastião) (2009) de Vik Muniz. As obras escolhidas se justificam, a princípio, por se destacarem pelo aspecto da originalidade. Essa singularidade advém do fato de os artistas utilizarem materiais e objetos do uso cotidiano como um dos elementos que formam a materialidade do arranjo plástico das obras, em relação com outros materiais artísticos. A base teórica e metodológica utilizada encontra-se na semiótica francesa de Algirdas Julien Greimas, com os seus desdobramentos na semiótica plástica, nas pesquisas de Jean-Marie Floch e Ana Claudia de Oliveira, e no trabalho sobre o “sentido sentido” em ato constituído a partir dos regimes de interação teorizados por Eric Landowski. Na análise do corpus, percebe-se como se dá a construção de sentido desses diferentes discursos, assim como das interações provenientes das relações entre enunciador e enunciatário. Assim, chega-se a: como as matérias e os materiais significam na construção discursiva estética das obras e na condição estésica da produção do sentido que a significa. Com essa visada semiótica sobre a matéria sensível da arte, consigamos constituir um estudo mais aprofundado sobre as questões aqui elencadas, percebendo que os formantes matéricos têm uma “força” especial – na criação de discursos impactantes no destinatário e em seu contexto, engajando-os nas obras que promovem estesias nas quais a materialidade é o desembocador que afeta, sensibilizando o artista para os novos usos dos materiais e matérias, e ressignificando seu uso na cotidianidade, um feito da arte produzida no Brasil em diálogo com outras tendências da arte internacional

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:14:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gustavo Augusto Tavares Cavalheiro.pdf: 5865246 bytes, checksum: 8963e8920fd647e520ff365080c2fbdf (MD5) Previous issue date: 2014-12-16 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research focus on the consequences of the introjection of digital technologies into everyday life, in order to try and break visuality of an ultratangible state of tactility as a way of understanding the world according to the perceptual capital. The central problem of this thesis is to think of how digital technologies can alter the perception of reality. The hypotheses suggest: (1) a new proposal of conceptualization to the form and matter of the encoded image as a non-thing e-materialized; (2) images can only be broken by the way they seem and appear in the interaction with users of technological devices, and (3) time is reframed as it ceases to be operated chronologically and shall be operated under the date of an event mediated by and through a device. The thesis leads to a revision of the concepts of matter, form and code; virtual, real and actual; the reality as truth. It is worked with indeterminacy as another dimension of reality, in which some fundamental concepts serve as a reference: the simulacral hyperreality (Baudrillard); Formalism and Non-Things (Flusser); Paraconsistent Logic (Newton da Costa); the question regarding the current in relation to the image shown (and vice versa); the question of what it shows and what appears, according phenomenology and Dasein (Heidegger); the Différance (Derrida) and the myth of the cave (Plato). The methodology is limited to observation and analysis of new ways of being, having, relating with, by and among places, things and other imaginary or imagetized midiatically in time not chronological. The corpus is concentrated in the images produced by the entertainment industry, such as cinema, games, fully written holograms and the images on the screens of the devices, which are translated into light beams (front and back), making it possible the materialization e-material of non-things into phenomena that show the virtualization of the actual and the updating of the virtual in experiences of virtual reality (VR), augmented Reality (AR), decreased reality (DR) and mixed reality (MR) / Esta pesquisa trabalha a partir das consequências da introjeção das tecnologias digitais na vida cotidiana, em busca da superação da visualidade frente a um estado ultratangível da tatilidade como maneira de compreender o mundo de acordo com o capital perceptivo. O problema central da Tese consiste em pensar de que maneira as tecnologias digitais podem alterar a percepção de realidade. As hipóteses trabalhadas sugerem: (1) uma nova proposta de conceitualização para a forma e a matéria da imagem codificada, como sendo uma não-coisa e-materializada; (2) as imagens só podem ser discriminadas pelo modo que parecem e aparecem na interação com os usuários de dispositivos tecnológicos e (3) o tempo é ressignificado, pois deixa de ser operado cronologicamente e passa a ser operado no âmbito do encontro de um acontecimento mediado no e pelo dispositivo. O percurso da Tese leva a uma revisão dos conceitos de matéria, forma e código; virtual, atual e real; a realidade enquanto verdade. Trabalha-se com a indeterminação como outra dimensão da realidade, em que alguns conceitos fundamentais servem de referência como: a hiper-realidade simulacral (Baudrillard); o formalismo e as Não-Coisas (Flusser); a Lógica Paraconsistente (Newton da Costa); a questão do atual em relação à imagem apresentada (e vice-versa); a questão do que se mostra e do que aparece, tendo em vista a fenomenologia e o Dasein (Heidegger); a Différance (Derrida) e o mito da caverna (Platão). A metodologia está circunscrita à observação e análise de novas maneiras de ser, ter, estar, relacionar-se com, por e em meio a lugares, coisas e outros seres imaginários ou mediaticamente imagetizados no tempo não cronológico do acontecimento. O corpus está concentrado nas imagens produzidas pela indústria do entretenimento, como o cinema, games, a escrita total dos hologramas e as imagens nas telas dos aparatos, que são traduzidas em feixes de luz (de frente e de fundo), tornando cada vez mais possível a materialização e-material das não-coisas em fenômenos que apresentam a virtualização do atual e a atualização do virtual, em experiências de realidade virtual (RV), realidade aumentada (RA), realidade diminuída (RD) e realidade misturada (RM)

Comment certaines pratiques illégales peuvent-elles se pérenniser ? La littérature en comportement du consommateur s’est jusqu’ici principalement intéressée aux processus d’intégration des pratiques de consommation marginales, illégitimes ou illicites. La question de la pérennisation de ces pratiques, de leur maintien dans le temps voir de leur permanence reste en revanche peu étudiée. Ce travail de recherche mobilise une approche néo-institutionnelle en vue de comprendre comment une pratique illégale de consommation peut se pérenniser via un travail institutionnel mené par des consommateurs ordinaires; il vise, de façon plus spécifique, à comprendre le rôle que tient la matérialité dans ce travail de maintien d’une pratique. Au terme d’une analyse compréhensive de la pratique du téléchargement illégal en France de 2008 à 2013 mobilisant des entretiens semi-directifs et des données secondaires, nous montrons comment des artefacts habilitants modèlent la pratique de téléchargement illégal et façonnent la consommation de contenus piratés. Plus précisément, nos résultats montrent que les artefacts technologiques permettent de déconnecter sanction et pratique illégale, rendant par là possible l’institutionnalisation de la pratique. Cette recherche permet, par effet miroir, de comprendre le rôle de la matérialité dans la déstabilisation d’un ordre institutionnel existant et identifie un certain nombre de pistes d’évolution quant à la construction de l’offre légale de contenus culturels dématérialisés. / How are some illegal practices sustained? Prior studies have depicted how marginal, illegitimate or illicit practices could be integrated to the market. However, their sustainability is understudied in consumer research.Drawing on Neo Institutional Theory, our main purpose in this research is to understand how ordinary consumers and materiality through institutional work sustain an illegal practice. By examining the case of illegal downloading in France from 2008 to 2013, and a qualitative method, based on interviews and secondary data, we show how artefacts are enabling the illegal practice and shape the consumption of pirated content.Results expose how an illegal practice is institutionalized through materiality. Our main contribution is to bring an understanding on how materiality may destabilize an institutional order. We offer also some managerial implications regarding the legal offer of digitalized contents.

Pour le sculpteur le rôle du dessin consiste, souvent, en l’élaboration d’esquisses qui préfigurent le travail tridimensionnel ultérieur. Mais le dessin ne se limite pas uniquement à cette fonction préparatoire au processus de création en sculpture. Quelle est alors l’incidence du dessin dans le travail d’un sculpteur ? C’est par une analyse de leurs modes opératoires que nous étudierons l’œuvre de différents sculpteurs-dessinateurs ainsi que d’autres artistes qui pratiquent le dessin dans une œuvre tridimensionnelle. Au risque de sembler intemporelle, cette approche «poïétique» tentera d’identifier différents usages du dessin dans les démarches de sculpteurs, qu’il s’agisse d’exploration, de documentation ou de préfiguration, mais aussi du dessin dans l’espace ou comme voie parallèle au travail de sculpture. Le dessin ne serait-il pas finalement l’essence même du travail de sculpteur, comme une pratique dématérialisée de la sculpture ? Cette recherche s’appuie aussi sur l’explicitation de mon travail personnel de sculpteur et elle nourrit une réflexion sur l’accompagnement d’étudiants, sur l’usage qu’ils peuvent avoir du dessin dans leur processus d’apprentissage. / For any sculptor, drawing often consists in making some preparatory sketches that prefigure the later three-dimensional work. However, drawing is not limited only to this preparatory function of the process of creation when sculpting. What is then the incidence of drawing on the work of the sculptor? We will study the work of different sculptors-draftsmen through the analysis of their operational modes, together with the work of other artists who practice drawing while doing the three-dimensional work. Even if it may seem timeless, this “poietic” approach will try to identify different uses of drawing in the sculptor’s methods, either exploration, documentation, prefiguration, drawing in space or as a parallel path to the sculptural work. Isn’t it drawing the very essence of the sculptor’s work, as a dematerialized practice of sculpting? This research is also based on the explicitation of my work as a sculptor and nourishes some reflection on the accompaniment to students and the application of the drawing stage in their learning processes. / Para el escultor el dibujo consiste a menudo en la elaboración de bocetos preparatorios que prefiguran el trabajo tridimensional posterior. Pero, el dibujo no se limita únicamente a esta función preparatoria del proceso de creación en escultura. ¿Cuál es entonces la incidencia del dibujo en el trabajo del escultor? Estudiaremos la obra de diferentes escultores dibujantes por medio de análisis de sus modos operacionales. También la obra de otros artistas que practican el dibujo en una obra tridimensional. Aún si puede parecer intemporal, este enfoque “poiético” intentará identificar diferentes usos del dibujo en los métodos de escultores, ya sea de exploración, de documentación o de prefiguración, como de dibujo en el espacio o como vía paralela al trabajo de escultura. ¿No será el dibujo finalmente la esencia misma del trabajo de escultor, como una práctica desmaterializada de la escultura? Esta investigación se apoya además en la explicitación de mi trabajo como escultor y nutre una reflexión sobre el acompañamiento de estudiantes y la aplicación del dibujo en sus procesos de aprendizaje.

This thesis responds to a lack of information regarding reading practice in literature in early Middle English. Here, reading is often used as a metaphorical or symbolic act - representing piety, devotional practice, or intellectualism - but how reading took place, how users engaged with books, is rarely figured. Other seams of evidence are therefore needed to access the reading process. The corpus of manuscripts on which I focus consists of thirty-three multilingual books containing English, Latin, and French produced in England between 1066 and c. 1300. Using this corpus, and inspired by the work of Leah Price, Juliet Fleming, Kathryn Rudy, and others, I seek to test the boundaries of what has previously been considered permissible evidence for reading, thereby adjusting and expanding current conceptions of the range of activities and practices high medieval book use entailed. The thesis begins with a case study of some important readers: scribes. In chapter one, using the seven surviving copies of Poema Morale as a corpus I read against current critical considerations of variance in manuscript transmission as a sign of 'scribal authorship' in order to establish practices of scribal reading. Chapters two and three go on to demonstrate how these 'scribal readers' prefigured a work's use as they copied, particularly when they chose to introduce or exclude textual apparatus in the form of titles, capitals, or paraph marks. The final part of the thesis examines the retrospective evidence of use left by readers who marked and altered their books to determine the extent to which readers conformed to the practices imagined by manuscript producers. As a whole, then, the thesis showcases the variegated nature of reading practice - from critical analysis to nugatory scanning - and the alternative uses for books in English in this period. It shows that vernacular reading was a work of 'embodied intellectual labour' that benefitted from the material form of the book, and that engagement and manipulation of this form was not just tolerated, but expected, and perhaps actively encouraged.