[ES] La composición musical asistida por ordenador es un área de conocimiento que tiene sus orígenes en la segunda mitad del siglo pasado. Durante sus más de sesenta años de existencia han aparecido numerosas propuestas para abordar el problema de la creatividad artificial aplicada al ámbito de la variación musical, la emulación de estilos, la escritura automatizada de contrapunto o la composición estocástica, entre muchos otros. En la presente memoria propondremos un nuevo método para la generación computacional de variaciones y transiciones a partir de material musical proporcionado por el compositor, ya sea de carácter melódico, rítmico, armónico o tímbrico. La originalidad de nuestro método radica en la construcción de nuevos algoritmos basados en las técnicas de agrupamiento difuso, capaces incorporar el orden de los elementos de los conjuntos de datos durante el proceso de partición. Para implementar computacionalmente estas técnicas hemos diseñado el software Mercury mediante el que realizaremos distintos experimentos cuyos resultados, en forma de transiciones musicales, ilustrarán la utilidad de nuestra propuesta. Completaremos la presente investigación con la composición de la obra Transiciones difusas, para cuarteto de cuerdas, adjunta como apéndice. La metodología propuesta implica formular una nueva medida de la disimilitud musical, aplicable de forma general a la comparación de dos secuencias numéricas cualesquiera, con las que se pueda representar cualquier tupla de atributos musicales. Es posible, por tanto, aplicar esta disimilitud sobre ámbitos más teóricos como los sistemas de afinación. Finalmente propondremos diversos métodos para estimar la compatibilidad entre un conjunto de notas y un sistema de afinación generando, en última instancia, transiciones entre diferentes sistemas. / [CA] La composició musical assistida per ordinador és una àrea de coneixement que té els seus orígens a meitat del segle passat. Durant els seus més de seixanta anys d'existència han aparegut nombroses propostes per a abordar el problema de la creativitat artificial aplicada a l'àmbit de la generació de variacions, emulació d'estils, escriptura automatitzada de contrapunt i composició de música estocàstica, entre molts altres. En aquesta memòria proposarem un nou mètode per a crear variacions i transicions entre material musical preexistent, ja siga de caràcter melòdic, rítmic, harmònic o tímbric. L'originalitat del nostre mètode radica en la construcció d'algoritmes basats en la tècnica de fuzzy clustering, capaços de realitzar agrupaments en què es té en compte l'ordre dels elements dels conjunts de dades. Per a implementar aquestes tècniques, hem dissenyat el programari Mercury mitjançant el qual es realitzaran experiments amb transicions entre melodies, ritmes i seqüències harmòniques que il·lustraran la utilitat de la nostra proposta, i que culminaran amb la composició de l'obra Transicions difuses, adjunta com a apèndix. La metodologia proposada no només té conseqüències pràctiques, sinó que implica formular una nova mesura de la dissimilitud musical, aplicable de forma general a la comparació de qualsevol parell de seqüències numèriques, que puguen representar melodies, ritmes, harmonies o timbres. Un cop establert com valorar la dissimilitud, aquesta també pot aplicar-se a àmbits molt més teòrics, com són els sistemes d'afinació. Proposarem diversos mètodes per a estimar la compatibilitat entre un conjunt de notes i un sistema d'afinació i generar, en última instància, transicions entre dos sistemes d'afinació. Aquesta tasca pot facilitar la interpretació d'obres en un sistema d'afinació diferent d'aquell per al qual van ser concebudes, sempre que s'exigisca que el nivell de compatibilitat entre els dos sistemes siga acceptable. / [EN] Computer-assisted composition is an area of knowledge that has its origins in the middle of the last century. During its more than sixty years of existence, numerous proposals have appeared to address the problem of artificial creativity applied to the field of generation of variations, emulation of styles, automated counterpoint writing, stochastic music composition, among many others. In this report we will propose a new method to create variations and transitions between pre-existing musical material, be it melodic, rhythmic, harmonic or timbre-related. The originality of our method lies in the construction of algorithms based on the technique of fuzzy clustering, capable of performing groupings in which the order of the elements of the data sets is taken into account. To implement these techniques, we designed the software Mercury through which experiments will be performed with transitions between melodies, rhythms and harmonic sequences that will illustrate the usefulness of our proposal, and that will culminate with the composition of the work Fuzzy Transitions, attached as an appendix. The proposed methodology not only has practical consequences, but also implies formulating a new measure of musical dissimilarity, applicable in a general way to the comparison of any pair of numerical sequences, which may represent melodies, rhythms, harmonies or timbres. Once established how to assess the dissimilarity, this can also be applied to much more theoretical areas, such as tuning systems. We will propose various methods to estimate the compatibility between a set of notes and an tuning system and, in the last instance, generate transitions between two tuning systems. This work can facilitate the interpretation of works in a tuning system different from that for which they were conceived, whenever it is required that the level of compatibility between both systems is acceptable. / Martínez Rodríguez, BS. (2019). El fuzzy clustering y la similitud musical: aplicación a la composición asistida por ordenador [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/134056

L’objectif de ce travail était d’examiner la spécificité fonctionnelle du traitement et des représentations des hauteurs musicales. À cette fin, ce traitement a été comparé à celui des phonèmes de la parole, d’une part, et aux associations spatiales évoquées par des séquences ordonnées, d’autre part. Nos quatre études avaient pour point commun d’adapter à un nouvel objet de recherche des méthodes bien établies en psychologie cognitive. Ainsi, nous avons exploité la tâche de classification accélérée (Etude 1) de Garner (1974), l’analyse des conjonctions illusoires en mémoire (Etude 2), l’additivité de la composante mismatch negativity (MMN) des potentiels évoqués (Etude 3) et l’observation d’associations spatiales de codes de réponse (Etude 4). Les trois premières études, menées chez des participants non-musiciens, portaient sur la spécificité de traitement des hauteurs par rapport à celui des phonèmes au sein de stimuli chantés. Les deux premières études ont mis en évidence un effet surprenant de la nature des phonèmes sur leurs interactions avec le traitement des mélodies : les voyelles apparaissaient plus intégrées à la mélodie que les consonnes. Ceci était vrai à la fois lors du traitement en temps réel de non-mots chantés (Etude 1) et au niveau des traces en mémoire de ces mêmes non-mots (Etude 2, utilisant une tâche de reconnaissance à choix forcé permettant la mise en évidence de conjonctions illusoires). Cette dissociation entre voyelles et consonnes quant à leur intégration avec les traitements mélodiques ne semblait pas causée par des caractéristiques acoustico-phonétiques telles que la sonorité. Les résultats de la troisième étude indiquaient que les MMNs en réponse à des déviations de hauteur et de voyelle n’étaient pas additives et que leur distribution topographique ne différait pas selon le type de déviation. Ceci suggère que, même au niveau pré-attentionnel, le traitement des voyelles n’est pas indépendant de celui des hauteurs. Dans la quatrième étude, nous avons comparé le traitement des hauteurs musicales à un autre domaine : la cognition spatiale. Nous avons ainsi montré que les non-musiciens comme les musiciens associent les notes graves à la partie inférieure et les notes aiguës à la partie supérieure de l’espace. Les deux groupes liaient aussi les notes graves au côté gauche et les notes aiguës au côté droit, mais ce lien n’était automatique que chez les musiciens. Enfin, des stimuli musicaux plus complexes (intervalles mélodiques) n’évoquaient ces associations spatiales que chez les musiciens et ce, uniquement sur le plan horizontal. Ces recherches contribuent de plusieurs manières à la compréhension de la cognition musicale. Premièrement, nous avons montré que les consonnes et les voyelles diffèrent dans leurs interactions avec la musique, une idée à mettre en perspective avec les rôles différents de ces phonèmes dans l’évolution du langage. Ensuite, les travaux sur les représentations spatiales des hauteurs musicales ouvrent la voie à un courant de recherche qui aidera à dévoiler les liens potentiels entre habiletés musicales et spatiales. / The purpose of this work was to examine the functional specificity of musical pitch processing and representation. To this aim, we compared musical pitch processing to (1) the phonological processing of speech and (2) the spatial associations evoked by ordered sequences. The four studies described here all use classical methods of cognitive psychology, which have been adapted to our research question. We have employed Garner’s (1974) speeded classification task (Study 1), the analysis of illusory conjunctions in memory (Study 2), the additivity of the mismatch negativity (MMN) component of event-related potentials (Study 3), as well as the observation of spatial associations of response codes (Study 4). The three first studies examined, in non-musician participants, the specificity of pitch processing compared to phoneme processing in songs. Studies 1 and 2 revealed a surprising effect of phoneme category on their interactions with melodic processing: vowels were more integrated with melody than were consonants. This was true for both on-line processing of sung nonwords (Study 1) and for the memory traces of these nonwords (Study 2, using a forced-choice recognition task allowing the occurrence of illusory conjunctions). The difference between vowels and consonants was not due to acoustic-phonetic properties such as phoneme sonority. The results of the third study showed that the MMN in response to pitch and to vowel deviations was not additive and that its brain topography did not differ as a function of the kind of deviation. This suggests that vowel processing is not independent from pitch processing, even at the pre-attentive level. In the fourth study, we compared pitch processing to another domain: spatial cognition. We showed that both musicians and non-musicians map pitch onto space, in that they associate low-pitched tones to the lower spatial field and high-pitched tones to the higher spatial field. Both groups of participants also associated low pitched-tones with the left and high-pitched tones with the right, but this association was automatic only in musicians. Finally, more complex musical stimuli such as melodic intervals evoked these spatial associations in the horizontal plane only in musicians. This work contributes to the understanding of music cognition in several ways. First, we have shown that consonants and vowels differ in their interactions with music, an idea related to the contrasting roles of these phonemes in language evolution. Second, the work on the spatial representation of pitch opens the path to research that will help uncover the potential links between musical and spatial abilities.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Notre travail de recherche a pour objectif d’éclairer le parcours logique dissimulé derrière les compositions pour le théâtre de Salvatore Sciarrino, afin de réduire la distance entre l’artiste e le destinataire de ses œuvres. Nous avons réfléchi dans un premier temps aux conditions culturelles qui ont joué un rôle important et décisif dans la création du compositeur pour ensuite nous pencher sur l’observation, l’analyse et la compréhension de son premier essai d’esthétique : Le figure della musica da Beethoven a oggi. L’analyse des formes musicales individuées et formalisées par Sciarrino s’est révélée conséquente pour :a. mettre en évidence la forma mentis du compositeur et les innombrables aspects de sa personnalité ;b. déceler l’ensemble de normes et de lois qui sont à la base de son langage organique.Sans nous engager dans le domaine sémantique de la musique, nous avons néanmoins réfléchi avec Sciarrino sur le langage musical et sur la question de sa communication. La recherche du compositeur se présente en fait comme un cas particulier de création d’un langage conçu pour le domaine artistique en général et non pas exclusivement pour le domaine musical.Afin de retracer les aspects les plus singuliers de son travail artistique, nous avons mis l’accent sur l’un des concepts fondamentaux de son enseignement : la musique découle entièrement de la réalité sonore qui nous entoure et qui en constitue l’essence. L’événement sonore, conçu en tant qu’organisme vivant, renvoie à l’idée de Sciarrino d’une écoute écologique, qui traduit la faculté de transformation des sons naturels dans le langage musical, à travers une écoute en perspective.Le découpage dramatique et dramaturgique mis en œuvre par le compositeur propose à l’auditeur et à l’interprète de sa musique un véritable travail de perception, à la fois du texte et de la musique, et les plonge dans un monde caractérisé par l’incertitude et l’imperceptibilité. D’où l’originalité de sa recherche musicale et de ses projets dramaturgiques, qui n’ont pas pour objectif de faire coïncider la réalité visuelle avec la réalité sonore, mais de l’évoquer à travers des sons imperceptibles, à la limite du silence. / The goal of this research is to shed light on the logical trail that is hidden behind Sciarrino’s compositions for theater; it will help us reduce the distance between the artist and the recipient of his works. At first, we will ponder the cultural circumstances, which played an important and decisive part in the composer’s artistic creations. Then, we will devote time to observe, analyze and understand his first writing on aesthetics : Les figure della musica da Beethoven a oggi.The analysis of the unique musical forms created by Sciarrino will prove useful as we :a. reveal the forma mentis of the composer and the innumerable aspects of his personality ;b. trace his organic language back to the system of norms and laws from which it originates.Without involving ourselves in the category of musical semantics, we will nonetheless consider musical language and its levels of communication. In fact, Sciarrino’s research appears as the special instance of a language that is being created for the artistic world in general and not exclusively for the musical world.In order to recount the most singular aspects of his artistic work, we will focus on one of the fundamental concepts of his teachings : that music derives entirely from the sonic reality, which surrounds us and which therefore constitutes its essence.The sonic event, conceived as a living organism, refers to the idea of ecological listening. It is the faculty of transforming natural sounds within a musical language, by listening in perspective.The dramatic and dramaturgic division put in place by Sciarrino offers the listener and the performer of his music a study on perception, of both text and music, and immerges them in a world characterized by uncertainty and imperceptibility. Hence the originality of his musical research and dramaturgic project, which goal is not to make the visual reality coincide with the sonic reality, but to evoke the former with imperceptible sounds, ones that border on silence.

À partir de l'exemple du phénomène des batucadas en France et en Europe, cette thèse propose d'explorer des processus d'appropriations culturelles de modèles musicaux brésiliens, en particuliers ceux du samba enredo carioca, du samba- reggae bahianais et du maracatu recifense. L'ethnographie, entreprise entre 2000 et 2010, se compose de nombreux récits de vie et entretiens semi-directifs réalisés auprès d'amateurs de percussions brésiliennes et de musiciens professionnels (français et brésiliens) ; d'observations de pratiques musicales en Europe et au Brésil ; de participations de l'ethnographe à des projets artistiques dans le sud de la France. À rebours d'une approche historique de l'objet diffusé, ce travail propose de restituer des parcours d'appropriations en partant de l'émergence et du déploiement de la batucada en France. Sont abordés plusieurs champs de l'appropriation musicale : la forme instrumentale de la batucada, les modèles brésiliens, et les postures artistiques vis-à-vis de ces modèles qui révèlent une recherche commune d'une pratique culturelle « populaire », vivante et festive. Des représentations idéalisées du Brésil, de ses musiques et de ses carnavals semblent répondre à cette quête. Les voyages vers les sources musicales au Brésil tendent à devenir une étape importante de l'appropriation musicale européenne et leur observation permet de mettre en exergue les enjeux sociaux et culturels entre Brésiliens et étrangers autour des transmissions musicales (...) Enfin, l'appropriation de la batucada permet d'ouvrir un débat général sur l'appropriation culturelle dans le contexte de la mondialisation. / Using the example of the batucada phenomenon in France and Europe, this thesis explores the processes of cultural appropriation of Brazilian musical models, in particular those of Rio's samba enredo, Bahia's samba-reggae and Recife's maracatu. The ethnographic fieldwork, conducted during the first decade of 2000, is composed of: numerous life stories and semi-structured interviews with French and Brazilian amateur percussionists and professional musicians, observations of musical practices in Europe and Brazil, and participating observations in the framework of artistic projects in the South of France. Rather than taking a historical approach of the diffusion of objects, this work analyzes the trajectories of the appropriations of batucada in France, from its emergence to its spread. Several fields of musical appropriation are broached: the instrumental form of the batucada, the Brazilian musical models, and the artistic positions taken regarding these models which reveal a common quest for a “popular”, lively and festive cultural practice. Idealized representations of Brazil, its music and its carnivals seem to respond to this quest. Travels to the musical sources in Brazil appear as an important step in the Europeans’ musical appropriation. Observation of these travels allows underscoring the social and cultural stakes of musical transmissions between Brazilians and foreigners. Lastly, the appropriation of batucada enables enlarging a general debate on cultural appropriation in a context of globalization.

Cette thèse porte sur la conception d’interfaces de papier interactif dédiées à la création musicale. Malgré l’apparition d’outils informatique permettant de créer de nouveaux sons ou d’opérer des transformations sur des représentations symboliques de la musique, les compositeurs utilisent toujours le papier pour composer. Le papier interactif rend théoriquement possible la création d’interfaces combinant l’expression sur le papier et la puissance de calcul de l’ordinateur. Cependant, la conception de telles interfaces reste un problème complexe car chaque compositeur développe son propre processus de création, impliquant de nouveaux concepts et de nouvelles représentations musicales. Cette thèse propose l’utilisation de structures personnelles et adaptables sur le papier pour permettre aux compositeurs d’exprimer et d’explorer leurs idées musicales. Trois études conduites avec des compositeurs à l’Ircam (Chapitre 3) s’intéressent aux rôles du papier et de l’ordinateur lors du processus de composition et les possibilités du papier interactif pour l’exploration des idées entre ces deux supports. Je décris des sessions de conception participative (Chapitre 4) qui examinent l’utilisation de représentations musicales formelles pour la création de nouvelles interfaces de papier couplées avec les logiciels de composition assistée par ordinateur. Je présente les Paper Substrates (Chapitre 5), des composants papier qui définissent des structures modulaires pour l’interaction avec des représentations personnelles de données musicales issues d’environnements informatique. Je décris une boîte à outil ainsi qu’une application graphique permettant de développer des interfaces utilisant les Paper Substrates. Des exemples illustrent la création de structures personnelles et de données musicales sur le papier qui peuvent être interprétées par les logiciels de composition assistée par ordinateur. Je présente une étude d’observation structurée conduite avec 12 compositeurs utilisant Polyphony pour composer une pièce électroacoustique (Chapitre 6). Polyphony est une interface qui intègre le papier interactif avec d’autres interfaces pour composer. L’étude a per- mis d’observer et de comparer les différents processus de composition des participants. Enfin, je détaille un projet de recherche et création mené avec le compositeur Philippe Leroux pour la création de sa pièce Quid sit musicus (Chapitre 7). Nous avons conçu de nouveaux systèmes interactifs pour la création de ressource compositionnelles, la synthèse sonore et le contrôle de la spatialisation à partir de tracés effectués sur une partition médiévale. / This thesis focuses on the design of interactive paper interfaces for supporting musical creation. Music composition has been deeply influenced by the computational power brought by computers but despite the use of software to create new sounds or work with symbolic notation, composers still use paper in their creative process. Interactive paper creates new opportunities for combining expression on paper and computation. However, designing for highly individual creative practitioners who use personal musical representations is challenging. In this thesis, I argue that composers need personal and adaptable structures on paper in which they can express and explore musical ideas. I first present three field studies (Chapter 3) with contemporary composers that examined the use of paper and the computer during the composition process and how linking the two media supports exploration of musical ideas. I then describe a participatory design study that investigates the use of formal musical representations (Chapter 4) for creating new paper interfaces that extend computer-aided composition tools. I introduce Paper Substrates (Chapter 5), interactive paper components that provide modular structures for interacting with personal representations of computer-based musical data. I detail tools that we created to develop paper applications with the Paper Substrates approach. Several examples illustrate the creation of personal structures and musical content that can still be interpreted by computer-aided composition software. I then describe a structured observation study with 12 composers who used Polyphony to compose a short electroacoustic piece (Chapter 6). Polyphony is a unified user interface that integrates interactive paper and electronic user interfaces for composing music. The study allowed us to systematically observe and compare their compositional processes. Finally, I report on a research and creation project with the composer Philippe Leroux during the composition of his piece Quid sit musicus (Chapter 7). Several work sessions with the composer and a musical assistant lead to the design of new paper- based interfaces for generating composition material, synthesizing sounds and controlling the spatialization from handwritten gestures from calligraphic gestures over an old manuscript.

O resguardo indígena de San Lorenzo é um território de uns 11.618 habitantes localizado no noroeste de Caldas (Colômbia), pertencente a um subgrupo indígena da etnia Emberá Chamí. As práticas sonoro-musicais que desenvolvem cotidianamente estas pessoas indígenas são a temática central desta dissertação, desenvolvida a partir de uma etnografia norteada pela etnomusicologia. No entanto, o componente de direção e interpretação se vislumbra a partir da persistente luta política e territorial destes atores sociais onde as suas práticas sonoro-musicais evidenciam um devir sônico e corporal no território indígena. Neste sentido, o objetivo para com este universo de pesquisa é me-remitir numa etnografia das performances de dois grupos musicais do território indígena -DAMACIRI e JAURY-, mergulhando nos processos de (re)significação das suas práticas sonoro-musicais através de cada um dos espaços de mobilização tanto dentro como fora do território indígena. Estas significações sócio-musicais e sócio-políticas no caso de DAMACIRI se evidenciam mediante o estudo do músico-performático e textual a traves dos contextos dos cantos de música “parrandera” e os cantos rituais de cura –xamanicos- e no grupo JAURY mediante a apropriação para com as suas práticas sonoro-musicais das tendências mais populares da indústria da música popular contemporânea - como o rock–punk e a música andina. Em suma, aqui se evidenciam os conflitos, resistências e ou negociações nos processos na configuração indenitária e sócio-musical destes atores sociais, demostrando mediante estas práticas o modo de ser um indígena Emberá Chamí e o pensamento do que é ser um jovem músico indígena Emberá no século XXI. / The Indigenous Reservation of San Lorenzo is a territory composed by 11.618 inhabitants, located in the northwest of Caldas (Colombia). This territory belongs to a subgroup of the indigenous Emberá-Chamí ethnicity. The sound and musical practices that these indigenous population operate on a daily basis are the central theme of this dissertation, guided by an ethnomusicological ethnography. The steering and interpretation components are shaped by their persistent political and territorial struggle in which the Emberá-Chamí's sound-musical practices reflect a sonic and corporeal becoming. Due to these features, the objective of this research is to refer to an ethnography of the performances of two musical groups of this indigenous territory - JAURY and DAMACIRI- delving into the processes of (re)signification of their sound-musical practices through each of their spaces of mobilization, both within and outside their indigenous territory. These socio-musical and socio-political processes of signification, in the case of DAMACIRI, are going to be shown through the study of the musical-performative and textual components of "Parrandera" songs, and the ritual heding in the shamanic contexts. In the case of JAURY, the processes of signification will be analyzed by means of their appropriation, within their sound-musical practices, of the most popular trends in the industry of the contemporary popular music - as rock- punk and andean music. In sum, through this work we can analyze the conflicts as well as the processes of resistance and/or negotiations that constitute the identitarian and socio-musical configuration of these social actors. Moreover, this work will help us show, through these sound-musical practices, the way of being an Emberá Chamí and, more precisely, what it means to be a young and indigenous Emberá Chamí musician in the XXI century. / El resguardo indígena de San Lorenzo es un territorio de unos 11.618 habitantes localizado en el noroccidente de Caldas (Colombia) y perteneciente a un subgrupo indígena de la etnia Emberá Chamí. Las prácticas sonoro-musicales que desenvuelven cotidianamente estas personas indígenas son el tema central de esta disertación, asumida a partir de una etnografía norteada por la etnomusicología. Ahora bien, el componente de dirección e interpretación se enmarca a partir de la persistente lucha política y territorial de estos actores sociales donde sus prácticas sonoro-musicales reflejan y evidencian un devenir sónico y corporal en el territorio indígena. En este sentido, el objetivo para con este universo de investigación es remitirme a una etnografía de las performances de dos grupos musicales del territorio indígena -DAMACIRI y JAURY- ahondando en los procesos de (re)significación de sus prácticas sonoro-musicales a través de cada uno de los espacios de movilización tanto dentro como fuera del territorio indígena. Estas significaciones socio-musicales y socio-políticos en el caso de DAMACIRI se evidencian mediante el estudio de lo músico-performático y textual a través de los contextos de los cantos de música “parrandera” y los cantos rituales de curación –chamánicos- y en el grupo JAURY mediante la apropiación para con sus prácticas sonoro-musicales de las tendencias más populares de la industria de la música popular contemporánea -como el rock-punk y la música andina- En suma, aquí se evidencian los conflictos, resistencias y/o negociaciones en los procesos de configuración identitaria y socio-musical de estos actores sociales, demostrando mediante estas prácticas sonoro-musicales el modo de ser un indígena Emberá Chamí y el pensamiento de lo que es ser un joven músico indígena Emberá en el siglo XXI.

Les jeunes, et en particulier ceux qui sont marginalisés, investissent un temps et une énergie considérable dans la construction de leur statut et de leur estime auprès de leurs pairs, ainsi que dans la société plus large. Cette thèse explore les pratiques sociales par lesquelles des jeunes Français noirs, d’origine africaine et antillaise, construisent leur identité ethnique, raciale et genrée, tout en gagnant et négociant leur pouvoir et leur prestige. Examinant la culture populaire noire dans des contextes publics, privés et « virtuels », cette thèse se concentre sur les sociabilités musicales de la scène afro, telles qu’elles émergent dans des boîtes de nuit, des maisons de jeunes, des centres commerciaux, des sites de réseaux sociaux, des maisons et des rues de la région parisienne. Les pratiques sociales et les formes d’interaction de ces jeunes attestent non seulement de leur adaptabilité et leur ingéniosité, mais de leur capacité à se voir du point de vue d’un autre. Cette compétence interpersonnelle sophistiquée est illustrée dans leur habilité à puiser dans, et à alterner entre, une multiplicité des ressources culturelles et de styles comportementaux. C’est au moyen de pratiques sociales telles que le bluff, la frime et le commérage que les jeunes Noirs, tentant de concilier leurs ambitions individuelles avec les contraintes d’une vie relationnelle particulièrement intense, acquièrent et négocient leur statut social. / This dissertation investigates the social practices whereby French young people of African and Caribbean background, both construct distinctive ethnic, racial and gendered identities, and acquire and negotiate power and prestige, in a context of unacknowledged structural racism. These young people often invest considerable time and energy in building status and esteem for themselves, among their peers and in society at large. Examining contemporary Black popular culture in public, private, and “virtual” settings, this dissertation focuses on the musical sociabilities of the afro scene, as they emerge in nightclubs, youth clubs, shopping malls, social media sites, homes and streets in the Paris region. The social practices and patterns of interaction of these young people attest not only to their versatility and ingenuity, but more importantly, to their ability to see themselves from another’s point of view. This refined interpersonal competence is made manifest through their capacity to draw from, and switch between, a multiplicity of cultural resources and behavioral styles. It is by means of social practices such as bluffing, flaunting or gossiping that young Black people, aiming to reconcile their individual ambitions with the constraints of a particularly intense relational life, acquire and negotiate personal standing.

A presente tese objetiva compreender as relações entre as redes musicais no espaço platino e suas repercussões culturais / identitárias e territoriais. Tal pesquisa foi desenvolvida entre 2009 e 2016, acompanhando músicos independentes da Argentina, Uruguai e Brasil, tais como Kevin Johansen, Pablo Grinjot, Vitor Ramil, Marcelo Delacroix, Richard Serraria, Daniel Drexler, Jorge Drexler, Dani López, Ana Prada, dentre outros. A partir de um desenho de pesquisa multi-localizado, buscou-se entender como se deu o processo de formação das redes musicais transfronteiriças entre os citados países, bem como se inventariou as representações do espaço através da música e as práticas musicais e políticas culturais que sustentam essas representações. A construção do argumento de tese se deu em quatro eixos. O primeiro é consagrado ao reconhecimento de uma Geografia da Música, presente e ativa no pensamento geográfico pelo menos desde a década de 1920. Realizou-se pesquisas sobre os fundamentos do interesse geográfico pela música, no Brasil e no mundo. O segundo dedicouse a construir a noção de espaço platino, a partir da consideração de distintas realidades geográficas sobrepostas, sejam elas de manifestação mais físico-natural (Bacia do Rio de Prata, Pampa) ou humana (Conesul, Mercosul). O terceiro se divide em duas partes: a primeira dedicada às representações geografizantes, analisou as representações do espaço platino, compreendendo-o como uma região-paisagem; a segunda dedicado às representações territorializante, focou na formação das redes, das práticas musicais e políticas culturais, desvendando, assim, o território. O quarto, por fim, advoga que as redes musicais em questão promovem uma [re]composição territorial da cultura no Prata, transculturando referenciais brasileiros e platinos, tradicionais e contemporâneos, misturando idiomas e gêneros musicais. Nesta [re]composição territorial, cidades como Porto Alegre, Pelotas, Buenos Aires, Montevidéu, e o litoral de Rocha, apresentam funções distintas e complementares, e apontam para uma rede de produção cultural densa, colada a um imaginário geográfico transfronteiriço. / This dissertation has the objective of advancing the understanding of the relations between music networks in the Platino space and their cultural, identitary, and territorial repercussions. Dissertation research was conducted between 2010 and 2016 following independent musicians from Argentina, Uruguay, and Brazil, such as Kevin Johansen, Pablo Grinjot, Vitor Ramil, Marcelo Delacroix, Richard Serraria, Daniel Drexler, Jorge Drexler, Dani López, Ana Prada, among others. Based on a multi-sited research design, I studied the processes of network formation across national borders and how representations of space, and cultural practices sustaining those representations, are described through popular songs. My central thesis is sustained by three axes. The first is dedicated to the discussion of the contribution of geography of music, which has been actively present in the geographical thought since the 1920's. For this purpose, I describe the interest of geographers in the question of music in Brazil and other parts of the world. For the second axis, I construct the notion of Platino space based on the description of distinctive but superimposed geographic realities, either physiconatural (such as Rio de la Plata basin, the Pampa) or sociocultural and economic (such as the Conesur or the Mercosur). This elaboration is advanced through the analysis of representations of the Platino space understood as landscape-region, and of terrorializing representations forming networks of musical and other cultural practices to constitute a territory. As a third axis and concluding argument, I argue for the importance of music networks for the territorial recomposition of the Platino Space, trans-culturing Brazilian and Platino as well as traditional and contemporary references, mixing idioms and music genres. In this process of territorial recomposition, I demonstrate how cities such as Porto Alegre, Pelotas, Buenos Aires, Montevideo, and the coast of Rocha have distinctive but complementary functions, describing a network for intense cultural production which is constitutive of a contemporary, transboundary geographic imaginary. / Esta tesis busca comprehender las relaciones entre las redes musicales del espacio platense y sus repercusiones culturales / identitarias y territoriales. Dicha investigación ha sido desarollada entre 2010 y 2016, acompañando los músicos independientes de Argentina, Brasil y Uruguay, tales como Kevin Johansen, Pablo Grinjot, Richard Serraria, Marcelo Delacroix, Daniel y Jorge Drexler, Dany López, Ana Prada – entre otros. Se ha partido de un diseño de investigación multi-localizado, buscando entender como se dio el proceso de formación de las redes musicales transfronteirizas entre dichos países, así como se hizo un inventario de las representaciones del espacio a través de la música y de las prácticas musicales y políticas culturais que las sostienen. La construcción del argumento de tesis se dio en cuatro ejes. El primero reconoce la Geografia de la Música, presente y activa en el pensamiento geográfico despúes de la década de 1920. Se realizó investigaciones sobre los fundamentos del interés geográfico por la música, en el Brasil y en el mundo. Segundo, se dedicó a la construcción de la idea de espacio platense, partiéndose de la consideración de distintas realidades geográficas superpuestas, sea de manifestación físico-natural (Cuenca del Río de la Plata, Pampa) o humana (Conosur, Mercosur). Tercero se presenta un gran capítulo partido en dos partes: el primero, dedicado al estudio de las representaciones geografizantes, analisó las representaciones del espacio platense, comprehendido como una región-paisaje. El segundo, dedicado à las representaciones territorializantes, plantea la formación de las redes, de las prácticas musicales y las políticas culturales, revelando así el territorio. Cuarto, cómo argumentos conclusivos, propone que las redes musicales estudidadas promueven una [re]composición territorial de la cultural en el Plata, mezclando referenciales culturales brasileños y rioplatenses, tradicionales y contemporáneos y lenguajes. En este [re]composición territorial, ciudades como Porto Alegre, Pelotas, Buenos Aires, Montevideo y el litoral de Rocha, presentan funciones distintas y complementares, y apuntan para una densa red de producción cultural, pegada a un imaginario geográfico transfronterizo.

Le travail présente dans ce mémoire décrit le développement et l'utilisation de réseaux de neurones artificiels pour la resolution d'un probleme de reconnaissance de formes particulières, les partitions musicales. Le premier chapitre est consacre a une étude bibliographique des méthodes connexionnistes employées en reconnaissance de formes. Nous tentons de présenter les principaux modèles de réseaux de neurones de manière homogène et de justifier le choix du modèle auquel nous nous sommes particulièrement intéresses: celui des réseaux multi-couches. Nous consacrons le deuxième chapitre a l'étude de ces derniers. Après une synthèse des différentes connaissances utiles au choix de l'architecture d'un réseau multi-couche et a la mise en œuvre de l'algorithme d'apprentissage par rétro-propagation du gradient, nous nous intéressons aux réseaux d'automates a seuil. Les propriétés de ces réseaux et leurs liens avec les méthodes usuelles de classification sont mis en évidence. Ceci nous amène a proposer un nouvel algorithme d'apprentissage hiérarchique. Dans le dernier chapitre, nous décrivons un système de reconnaissance bas-niveau d'images de partitions musicales imprimées. Différentes solutions pour le pré-traitement, la segmentation et la classification sont proposées. Ces solutions font appel tant a l'analyse d'image conventionnelle qu'aux réseaux de neurones décrits dans les chapitres précédents; elles sont illustrées par des résultats expérimentaux