Cette thèse trace et interroge le passage qui s'est opéré au cours des quarante dernières années dans la dramaturgie québécoise, soit le passage d'une écriture de l'identitaire à celle de l'individu. La lecture privilégiée sera de l'ordre de la sociocritique du texte dramatique et elle permettra d'identifier les stratégies discursives et poétiques autoréflexives d'une pratique théâtrale qui puise ses tropes aux littératures de l'intime. Ainsi, les pièces à caractère biographiques et les relectures historiques sont étudiées au même titre que celles qui se revendiquent de l'autobiographie, de l'autofiction et de l'autoreprésentation. Ces dernières caractérisent la production théâtrale québécoise récente. Après avoir été résolument politique et axée sur la langue, la dramaturgie québécoise, longtemps considérée écriture-miroir d'un peuple dont la nation est en perpétuel devenir, aujourd'hui s'intéresse d'abord à elle-même, à sa littérarisation, voire à ses praticiens préoccupés par la place qu'ils occupent dans un milieu plus exiguë, plus marginalisé dans l'ensemble de la société québécoise. Le devenir sociétal a-t-il été substitué par la préoccupation du devenir individuel, non pas comme exemplum, mais comme manifestation d'un sentiment d'unicité? La thèse examine l'émergence d'une dramaturgie tributaire des pratiques autographiques de ses praticiens. Le discours théâtral est à nouveau en accord avec le discours social, sauf que cette fois, le reflet que renvoie le miroir est celui d'une société d'individus préoccupés par leur propre devenir.

Le présent mémoire de thèse a pour objet l'analyse d'une parenté formelle et symbolique susceptible de constituer en genre les œuvres cinématographiques particulières que nous nommons "films d'ascension". Cette volonté de mettre en évidence une structure narrative proche nous a amené à interroger la notion de genre cinématographique, ses caractéristiques, sa pertinence, ses limites. Les situations d'hybridation avec des genres tels que le mélodrame, le film policier, le film d'espionnage, par exemple, sont également évoquées. La singularité du "film d'ascension" nous a invité à examiner les contextes socio-historiques qui favorisèrent sa naissance et sa pérennisation malgré la disparition de son avatar historique qu'est le Bergfilm. D'autre part, la fonction sociale du film d'ascension a nécessité que nous nous penchions sur sa dimension symbolique et sur les ressorts mythiques qui le sous-tendent ainsi que sur son éventuelle adéquation avec les valeurs de représentation de l'imaginaire social des époques qu'il a traversées. Sont enfin abordées les questions que soulèvent le devenir, dans le contexte de l'appréhension nouvelle de la nature et des espaces naturels, d'un genre étroitement lié à la perception de la haute montagne.

Jean Epstein place l'inversion temporelle au cœur de la révolution cinématographique. Le cinéma est la seule expérience qui nous donne non seulement le temps mais aussi l'inversion temporelle comme une perception. Il s'agit de reprendre et de continuer la pensée de Epstein par une redéfinition du temps propre au cinéma à partir de la notion d'inversion temporelle conçue de la façon la plus transversale : de l'inversion pelliculaire à la rétrotemporalité narrative, au temps de la pensée. On convoque la relecture de grands textes classiques, l'analyse de films et de vidéos expérimentales, la musique, des exemples littéraires.Les points d'ancrage théoriques sont le mythe rétrotemporel du Politique de Platon, la conception du temps irréversible de Vladimir Jankélévitch, les écrits théorico-poétiques de Jean-Louis Schefer, la notion d'Aiôn chez Gilles Deleuze, la psychanalyse issue de Jacques Lacan.On aborde d'abord le cinéma comme un contre-temps inséparable de renversements philosophiques, esthétiques, moraux, politiques. En partant de Platon, on explore ensuite les différentes formes de retours dans le passé, de la rétrotemporalité narrative aux voyages dans le temps. Puis on approche les images sans causes, avec les aberrations burlesques ou oniriques, l'unité des temps contraires, l'inversion temporelle qui se spatialise. Enfin, l'inversion temporelle du cinéma non seulement nous montre que penser c'est régresser dans le temps, mais concerne le dur mystère d'une pensée à rebours. La réversibilité de l'acte intellectuel est le seuil ultime où apparaissent les idées, sans envers et sans endroit.

Ce travail vise à penser les événements couleurs, activés par la projection, comme effets chromatiques, en considérant que ceux-ci peuvent engendrer des perceptions temporelles de durée et d'instant. Il s'agit de penser la couleur en tant que cinéma, son interférence sur la relation avec le temps à l'intérieur et à l'extérieur des plans, ainsi que sa relation avec le spectateur comme part constituante de l'oeuvre. Celui-ci est livré à une expérience de l'ordre de la sensation esthétique. L'objectif principal de ce travail est d'élargir le sens attribué à l'élément couleur au cinéma et de mettre en exergue le rapport entre les manifestations chromatiques et la perception du temps. À partir de ces points, il est également possible de reconsidérer certaines problématiques existant entre la couleur, l'espace et le temps, inspirées par l'évidence de la continuité-discontinuité qui, en tout cas au cinéma, n'est pas nécessairement un dilemme. Ainsi, il s'agit alors de faire coexister dans une approche phénoménologique certaines conceptions de Bergson et de Bachelard concernant la perception du temps. Dans cette démarche, nous ne procéderons pas en isolant les éléments des théories, mais plutôt en les analysant dans une cohabitation transdisciplinaire avec les autres dispositifs cinématographiques. Cette étude permet non seulement de tisser une compréhension sur l'action de l'effet couleur dans le cinéma et dans l'Art contemporain, mais rend possible également d'élargir la compréhension autour de ce sujet et d'approfondir les modalités de la jonction du visuel et du sensationnel dans les chambres de projections.

La thèse, fondée sur l’étude systématique des sources de première main, porte sur le personnel ecclésiastique et sur la vie musicale. Un fait propre à la Sainte-Chapelle est ainsi mis en avant : l’interdépendance du statut ecclésiastique et de la place de musicien. La vie musicale à la Sainte-Chapelle de Paris aux XVIe et XVIIe siècles n’a pas été réévaluée après Michel Brenet (1910). L’exploitation des sources, le développement des études liturgiques et les avancées de la recherche musicologique permettent de renouveler la connaissance de cette église et de sa musique. En fondant la chapelle du Palais, Louis IX établit le personnel ecclésiastique de la Sainte-Chapelle. Alors que la monarchie et la cour délaissent cette église au profit de la chapelle royale, François Ier établit une corrélation entre le personnel musical et l’ensemble des ecclésiastiques. Cette interdépendance, maintenue par le Chapitre, aboutit sous Louis XIVà une assemblée majoritairement constituée de musiciens / The musical life of the Sainte Chapelle in Paris during the 16th and 17th centuries has not been reassessed since the work of Michel Brenet (1910). The exploitation of sources, development of liturgical studies and advances in musicological research allow for a renewal of our understanding of this church and its music. By founding the Palace chapel, Louis IX established the clergy of the Sainte Chapelle. While monarchy and court abandon this church for the chapel royal, Francis I establishes a correlation between the musical and ecclesiastical staff of the Sainte Chapelle. This interdependence, maintained by the Chapter, results under Louis XIV in an assembly constituted of a majority of musicians. This thesis, based on the systematic study of primary sources, focuses on the clergy and musical activity. A particularity of the Sainte Chapelle is thus revealed: the interdependence of ecclesiastical status and appointment as a musician

Cette thèse analyse la division moderne des domaines des sciences de la musique et la hiérarchisation des répertoires musicaux qui lui est corrélative. La recherche s’appuie sur une enquête socio-historique menée à partir du cas français et sur plusieurs sources courant du début du XVIIème au milieu du XXème siècle. Elle mobilise des ressources manuscrites et imprimées (documents administratifs, archives savantes et muséales, actes de congrès et autres imprimés issus des Expositions universelles, archives du secteur de l’édition, pièces documentant la collecte et la conservation d’instruments de musique, de chansons et d’enregistrements sonores) qui sont traitées à l’aide de plusieurs méthodes (analyse lexicale, sociologie des textes, bases de données, ethnographie historique). L’enquête met en lumière une configuration de patrimonialisation de la musique pilotée par l’État-nation français, qui participe d’un processus de longue durée de différenciation du social par la musique. Des opérations de collecte et de conservation des objets de musique sont impulsées par le Second Empire et confortées par la Troisième République. Elles concourent à assigner certains répertoires, portés par des populations vivantes, à une anhistoricité – un en-deçà de l’histoire. Ce partage est analysé comme un système de domination symbolique institué par plusieurs administrations (Instruction publique, Commerce et Industrie, Beaux-Arts, Colonies), produit et reproduit par différent·e·s agent·e·s mandaté·e·s par l’État (Professeur·e·s, académicien·ne·s, conservateurs et conservatrices, dirigeant·e·s territoriaux). / In this dissertation, I analyse how, in the modern period, the different scientific domains dealing with music were divided, and how, at the same time, musical repertories were organised into a hierarchy. This research, focused on the French case, is based on a socio-historical enquiry and on several sources dating from the beginning of the seventeenth to the mid-twentieth century. Those sources are both manuscript and printed, and range from administrative documents, scientific and museum archives, conference proceedings and other printed sources related to the Universal Exhibitions, to archives from the publishing sector and other pieces related to the collection and curating of musical instruments, songs and audio recordings. The following methods were mobilised : lexical analysis, textual sociology, databases and historical ethnography. The enquiry emphasizes a configuration of the process of making music a part of national heritage by the French State, which is also a long-term process of social differentiation through the music. Collecting and curating operations of musical objects were initiated by the Second Empire and consolidated by the Third Republic. These operations have contributed to make certain repertories anhistorical, kept in a zone below history. This separation is analysed as a symbolic domination system, which was enacted by several administrations (Public Instruction, Trading and Industry, Fine Arts, Colonies), produced and reproduced by different agents commissioned by the State (teachers and professors, academicians, curators, territorial leaders).

Cette thèse étudie le chant "khap" de l’ethnie des Tai Dam du Laos à partir de la notion de modèle musical. Abordé au travers du concept de la pertinence, son principal objectif est la mise en lumière des compétences liées au chant, c’est-à-dire des connaissances abstraites nécessaires à l’interprétation et la catégorisation du chant. Fil rouge de ce travail, c’est au départ de la notion de modèle que sont construits les différents chapitres. Partant d’une considération d’ordre musical, sont mis au jour les mécanismes de transmission du chant, les rapports entre tons parlés et chantés, ainsi que les différents mécanismes de catégorisation musicale et identitaire. La thèse montre l’imbrication de chacun de ces aspects et la pertinence de la mobilisation de plusieurs disciplines dans la réalisation de cette recherche :musicologie, anthropologie et linguistique. C’est dans une perspective intégrant les points de vue étiques et émiques et par le développement d’une méthodologie adaptée aux particularités du sujet que sont discutés les différents axes de la recherche. / This research studies the singing named "khap" of Tai Dam ethnic group in Laos, through the notion of musical model. Its main objective, approached with the concept of relevance, is to highlight the competences linked to the singing, that is to say the abstract knowledge needed for the interpretation and the categorisation of "khap Tai Dam". The principle of musical model is the common theme of this research, and is the starting point of every chapter. Starting from musical considerations, this PhD highlights the mechanisms of musical transmission, the relationships between spoken and musical tones, as well as the different mechanisms of musical categorisation and identity categorisation. This work shows the interweaving of every of those aspects and the relevance of using different disciplines: musicology, anthropology and linguistic. The different lines of this work are approached with a perspective mobilizing etic and emic perspectives, and follow a methodology adapted to the specificities of the topic. / Doctorat en Sciences politiques et sociales / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Espido Freire nous plonge dans un univers littéraire catalyseur du mal considéré comme une substance universelle possédant sa propre entité, construit à travers l'altérité et la violence symbolique qui peut conduire à la rébellion des personnages féminins –les éternels protagonistes de son œuvre–, participant eux aussi au mal, parfois au-delà du symbolique. Mais le mal est un concept profondément vaste et polysémique chez un sujet marquée par l'angoisse, la “maladie mortelle” kierkegaardienne. La violence peut être l'une de ses conséquences immédiates. Pourtant, souvent nous considérons aussi bien le mal que la violence d'après leur apparence externe et d'après l'altérité. Le mal c’est les autres, la violence est ostensible. Par contre, l'œuvre d'Espido Freire renvoie au mal caché chez tous et toutes, où habite une violence subtile exercée fréquemment à travers des voix symboliques, invisibles pour les personnages, notamment les féminins.La violence (symbolique ou non) chez Espido Freire se construit à travers la suggestion du mal et l'universelle “intention” (Gesinnung) kantienne du sujet angoissé de faire le mal. Il faut donc déployer les concepts de mal, d'angoisse, de mort –liée au principe de contingence angoissante– et de violence par rapport au réseau complexe des personnages féminins –oppresseurs et opprimés– qui font partie de l'œuvre d'Espido Freire, notamment dans les sept romans que nous analysons ainsi que dans ses contes. Au-delà du profond débat philosophique autour de cette éternelle (non) substance représentée par le mal, nous avons recours à des outils psychiatriques, psychanalytiques, sociologiques, narratologiques et picturaux permettant d'élucider le phénomène de la projection du mal et de la violence ainsi que la musique, qui participe au dialogue interdiscursif avec le texte littéraire à l'aide des formes, des leitmotive et des textures qui offrent un dialogisme bakhtinien de “polyphonie textuelle”. / Espido Freire offers us a literary universe which is a catalyst of the evil understood as a universal substance with proper entity, and which is built through alterity and symbolic violence what can lead to the rebellion of the female characters who are also part of evil – on occasions more than symbolically. However, the evil is a deeply wide and polysemous concept in a subject marked by anguish, the Kierkegaardian “sickness unto death”. Violence can be one of its immediate consequences. However, we often consider evil as much as the violence from their external appearance and from the alterity. The evil are the others, the violence is ostensible. On the other hand, the work of Espido Freire refers to the hidden evil in everyone where a subtle violence lies often exercised through oppressive, symbolic ways which are invisible even for the own –especially feminine– characters.The (symbolic or not symbolic) violence by Espido Freire is established through the suggestion of evil and the Kantian universal “intention” (Gesinnung) of the subject distressed because of doing wrong. It is thus necessary to develop the concepts of evil, anguish, death –linked to the principle of anguishing contingency– and violence in the complex network of –oppressive and oppressed– female characters that the narrative of Espido Freire consists of, especially in the seven novels analyzed by us, as well her tales. In addition to the extensive debate in philosophy about this eternal (no) substance that represents evil, we use psychiatric, psychoanalytic, sociological, narratological and pictorial tools that illuminate the phenomenon of projecting evil and violence as well as music that participates in the interdiscursive dialogue with the literary text through the forms, leitmotivs and textures that offer a Bakhtinian dialogism of “textual polyphony”. / Espido Freire (Bilbao, 1974) nos sumerge en un universo literario catalizador del mal entendido como una substancia universal con entidad propia, construido a través de la alteridad y la violencia simbólica que puede conducir a la rebelión de los personajes femeninos –eternos protagonistas de su obra–, participando también ellos del mal, en ocasiones más allá de lo simbólico. Pero el mal es un concepto profundamente amplio y polisémico dentro de un sujeto marcado por la angustia, la “enfermedad mortal” kierkegaardiana. La violencia puede ser una de sus consecuencias inmediatas. Sin embargo, solemos valorar a menudo tanto el mal como la violencia desde su apariencia externa y desde la alteridad. El mal son los otros, la violencia es ostensible. Por el contrario, la obra de Espido Freire remite al mal oculto en todos y todas, donde subyace sutilmente una violencia ejercida a menudo mediante vías opresivas simbólicas, invisibles incluso para los propios personajes, especialmente los femeninos.La violencia (simbólica o no) en Espido Freire se establece a través de la sugerencia del mal y la universal “intención” (Gesinnung) kantiana del sujeto angustiado de obrar mal. Es necesario desarrollar por tanto los conceptos de mal, angustia, muerte –vinculada al principio de contingencia angustiosa– y violencia en la compleja red de personajes femeninos –opresores y oprimidos– que componen la obra de Espido Freire, especialmente en las siete novelas que analizamos así como en sus cuentos. Además del profundo debate filosófico en torno a esta eterna (no) substancia que representa el mal, hacemos uso de herramientas psiquiátricas, psicoanalíticas, sociológicas, narratológicas, pictóricas y estudios de género que arrojen luz sobre el fenómeno de la proyección del mal y la violencia así como la música, que participa en el diálogo interdiscursivo con el texto literario a través de formas, leitmotive y texturas que ofrecen un dialogismo bakhtiano de “polifonía textual”.

La présente thèse vise à expliquer l’action et les prises de position de Vincent d’Indy par l’analyse de ses idées esthétiques telles qu’elles s’expriment dans ses écrits tant privés (journal intime, correspondance) que publics. Parmi ceux-ci, sans négliger le Cours de composition musicale et ses autres livres (César Franck, Beethoven…), elle privilégie les nombreux textes signés par le compositeur au cours de sa longue carrière : articles, conférences, lettres ouvertes, préfaces… La première partie présente la carrière de d’Indy conférencier et écrivain, sa formation intellectuelle ainsi que les principaux procédés rhétoriques et argumentatifs qu’il met en œuvre. La seconde partie tente dans un premier temps une synthèse de sa pensée sur l’art, la création et l’interprétation musicales, ce qui conduit, dans un second temps, à l’analyse de ses prises de position dans certains des grands débats de son époque (pédagogie et critique musicale, musicologie, musiques d’église et religieuse). La troisième et dernière partie étudie la position de d’Indy vis-à-vis de quatre compositeurs sur lesquels il s’est exprimé et dont il a été l’interprète (Claudio Monteverdi, Joseph Haydn, Felix Mendelssohn, Maurice Ravel) ; elle s’interroge aussi sur l’influence que ces musiciens ont pu avoir sur sa propre création. Le volume d’annexes comprend une chronologie de la vie de d’Indy, les listes chronologique et par genres de ses écrits publics, ainsi qu’une sélection des textes les plus importants. / The present thesis seeks to explain Vincent d’Indy’s activities and opinions by the analysis of his esthetical ideas, as they appear in his private writings (diary, correspondence) as well as the public ones. Amongst the latter, including in particular the Cours de composition musicale and his other books (César Franck, Beethoven…), this analysis singles out the many texts written by the composer during his long career: articles, lectures, open letters, prefaces… The first part presents d’Indy’s career as a speaker and a writer, his intellectual background, his figures of speech and reasoning. The second part tries in first place to synthesize his thoughts on art and musical creation and interpretation, and then moves on to the analysis of his opinions about some of the great debates of his time (pedagogy of music, music critic, musicology, church music and sacred music). The third and last part considers d’Indy’s views on four composers he studied and of which he has interpreted the works (Claudio Monteverdi, Joseph Haydn, Felix Mendelssohn, Maurice Ravel); it also tries to find out the extent of the influence/impact these musicians could have had on his own musical creation. The annexes contain a chronology of d’Indy’s life, the lists of his writings, chronological and by types, and a selection of his most important texts.

Plus connu comme ethnologue que comme musicologue, André Schaeffner (1895-1980) a adopté, dans ses travaux sur la musique savante, une position contraire à un type de critique prétendument « objective », qui se voudrait neutre face à l’œuvre d’art. Il y revendique le droit à une « critique d’admiration », ne cachant pas ses préférences personnelles. La démarche de Schaeffner se caractérise par l’absence d’une « vision téléologique de l’histoire de la musique » ou de tout esprit de système, et par l’importance accordée à la mise en perspective historique et esthétique, à la contextualisation de l’œuvre du compositeur. Cette vision de la critique a été fréquemment dénoncée comme péchant par l’absence de tout jugement. En reconstruisant l’ensemble des circonstances qui entourent les événements auxquels il s’intéresse, en collectant et en soumettant à un examen attentif les documents qui y ont trait, Schaeffner remet en question des idées reçues, des clichés autour desquels flotte une trompeuse aura de légitimité. Cette thèse montre, en s’appuyant sur de nombreux documents – textes publiés ou restés inédits, notes de travail, riche correspondance –, comment Schaeffner a mené ce type d’étude critique à propos de l’œuvre de deux musiciens auxquels il a voué un intérêt passionné, l’un disparu : Claude Debussy, l’autre vivant et qu’il a pu côtoyer : Igor Stravinsky, ainsi que la manière dont on a accueilli ses travaux de son vivant, et leur validité aujourd’hui. / André Schaeffner (1895-1980), better known as ethnologist than for his musicological activity, in his works concerning classical music embraces a position against the kind of critique that claims to be “objective” or neutral towards the artwork. He makes a plea for a “critique of admiration” that takes sides and displays one’s preferences. His writings pay no heed to a teleological or systematic approach of the history of music. Instead, he puts the composer’s work in perspective, reconstructing its historical and aesthetic background. Many condemned this kind of approach as lacking any judgement criterion. Nevertheless, thanks to his study of the circumstances in which a composer’s works were created, Schaeffner was able to call into question common and supposedly true preconceptions and stereotypes. Based on a study of several documents – both published and unpublished texts, drafts, rich correspondence – this thesis shows how Schaeffner carried out this kind of critique, especially in his writings concerning two composers that he fervently admired: the deceased Claude Debussy and Igor Stravinsky, still alive at that time and with whom Schaeffner was acquainted; as well as how Schaeffner’s theories were received upon publication and what their validity is nowadays.