Dans cette thèse, je tente de comprendre l’intrigue politique qui lie musique et politique au prisme des musiques du monde. Il s’agit de comprendre ce que les acteurs font au nom de ces musiques et de quelles manières cet engagement questionne les idées que nous nous faisons de l’usage et des effets de la musique dans nos sociétés. La démonstration parcours quatre cas. Je commence par analyser les Etats Généraux des Musiques du Monde organisés en 2009 à Sciences Po et les échanges qui s’y déroulent. J’y analyse les disputes et controverses en regard des régimes de justification et des références historiques utilisées par les intervenants. Je tente de comprendre ce que font réellement les acteurs dans la situation produite par les Etats Généraux et quelle compétence ces arènes de dispute fabriquent. J’interroge l’évolution de la politique culturelle au prisme de la notion de disponibilité culturelle. De là, je rapproche la focale de mon observation vers l’un des acteurs, le festival africolor et un dispositif, celui de l’accompagnement artistique et professionnel de l’artiste Jean-Didier Hoareau. A travers ces deux chapitres, j’expose en vis-à-vis les intrigues festivalières et politiques et les compétences et savoir-faire qui caractérisent chacune des parties, des accompagnés comme des accompagnants, des programmateurs comme des artistes, des militants comme du public. Je reviens pour la première fois de manière réflexive sur la place que j’ai occupé pour cet accompagnement et la manière dont j’ai construit peu à peu ma réflexion dans le cadre de cette thèse. Pour le dernier cas, je m’attache à prendre en filature la fabrication de « Mulhouse Capitale du Monde », enquête, dispositif, événement, à travers plusieurs arènes d’interprétation : les débats d’un comité, la réception d’une enquête, les interviews de musiciens, l’organisation de concerts. Je problématise cette « filature » au sein d’un corpus de recherches autour de l’idée d’un lien entre gouvernance, mise en valeur d’un territoire et musique. J’essaie de saisir la fabrique d’un art de s’en mêler. / In this thesis, I attempt to understand the political intrigue linking music and politics within the prism of World Music. I aim to unveil what stakeholders do in the name of this music and in what ways their commitment calls into question our conceptions about how music is used and how it affects our society.I examine four cases, beginning with an analysis of the Forum for World Music (Etats Généraux) held in 2009 at Sciences-Po and the discussions that took place there. I examine the conflicts and controversies linked to the regimes of justification and the historical references used by the speakers. I attempt to comprehend what those taking part in the Forum were really doing in this context and what authority these arenas of conflict produced. I question the evolution of cultural policy through the prism of the concept of cultural availability.I go on to focus on one of the stakeholders, the Africolor festival and the artistic and professional support of the artist Jean-Didier Hoareau. In these two chapters, I unveil face to face the festival and political intrigues ; the specific expertise and savoir-faire of the accompanied and those accompanying them, of the programmers and the artists, of the activists and the audience. For the first time, I reflect on my role and the way in which I have formulated my reflection little by little for this thesis.Finally, I follow the creation of the “Mulhouse Capitale du Monde” event – investigation, organization, event, in various contexts: a committee’s debates, the receiving of an investigation, interviews with the musicians, the organization of the concerts. I call into question this “shadowing” with a body of research into the concept of a link between governing, the development of a territory and music. I attempt to grasp how one creates an art of interfering.

La musique et la danse constituent le noyau de la vie rituelle d’une confrérie au statut particulier, par rapport aux autres confréries du soufisme marocain, il s’agit des adeptes gnawa. Présenter comme les descendants d’anciens esclaves, les gnawa réconcilient dans leurs rituels des éléments mythiques qui les situent dans un entre-deux entre le licite et l’illicite, l’ici et l’ailleurs. Loin de s’achever dans des dichotomies de principes, leurs pratiques sont de fait plurielles et suggèrent un espace ou la logique communautaire est mise au service de la représentation de soi. Les transformations accélérées et les changements d’échelles qui affectent les mondes contemporains réorientent les modes d’existence des acteurs à travers des pratiques complexes et délibérées de performance, de représentation et d’action. Les éléments culturels gnawa sont mis en scène sous de nouveaux labels et poursuivent de nouveaux enjeux ou la référence culturelle masque le déni d’égalité entre les individus. Longtemps marginalisés, les gnawa sont aujourd’hui célébrés dans des espaces transnationaux qui poussent l’observateur à s’interroger sur les rapports entre sens social et liberté individuelle dans le monde contemporain. / Music and dance constitute the heart of ritual life provide the center of ritual life for a friary with particular status regard to the other friaries of Moroccan Sufism, the gnawa practitioners. Exploring their connexion to slavery the gnawa performed in the ritual cultural elements that place them in a space between the legal and illegal, the here and elsewhere. However those dichotomy are flawed, their practices are various and suggest a space where the community manage a representation of themselves. The changes of scale that affect the contemporary world renew the ways of existence of social actors. This position put the terms of reconstruction and management of gnawa identity in the perspective of ‘simultaneity time’, where culture is caught in an accelerated movement of time and space. Their practice is hardly of only local interest, circulating on the global market, rebuilt by different actors, this gnawa circulation bring to the light the understanding of tradition, patrimony, identity and otherness.

Depuis quelques décennies, des pédagogues et des ethnomusicologues ont développé une approche en éducation musicale qui promeut l'ouverture culturelle et la justice sociale, en utilisant comme répertoire les musiques traditionnelles et les musiques du monde, qui font découvrir aux élèves des cultures variées, les aident à s'intégrer dans un nouveau milieu et à construire leur identité (Anderson et Campbell, 1996; Campbell et al., 1994; Campbell, 1996, 1998, 2018; Campbell et Wiggins, 2013; Schippers, 2010; Volk, 2004; Wade, 2013). Des outils pédagogiques ont été élaborés et mis à la disposition des enseignants, par exemple les ouvrages des World Music Pedagogy Series (Roberts et Beegle, 2018; Watts, 2018), Global Music Series (Campbell, 2004; Wade, 2013) ou de Jazzimuth des éditions Fuzeau (Saint-James, 2006; Saint-James et Chazelle, 2006). Au Québec, l'ouverture culturelle est préconisée dans le Programme de formation de l'école québécoise (PFÉQ) (Ministère de l'Éducation, 2006a) et la Politique d'intégration scolaire et d'éducation interculturelle (Québec, 1998), et les mouvements migratoires (Gouvernement du Québec, 2014) ont entraîné une diversification considérable de l'origine des élèves. L'éducation musicale interculturelle devrait donc faire partie de la formation initiale des enseignants. Cette thèse présente donc, d'une part, une analyse de contenu de 850 ressources pédagogiques (manuels, livres, partitions, enregistrements sur CD et vidéos, sites internet et autres ressources électroniques) destinées à enseigner la musique au primaire, accessibles au Québec. Cette analyse de contenu s'est appuyée sur les critères énoncés en éducation musicale interculturelle : présentation des musiques traditionnelles et de leur aire culturelle (Prine Pauls, 2009); respect des principes de justice sociale et réduction des clichés ethniques; présence d'éléments de mise en contexte (cartes géographiques, données sociohistoriques, objets typiques); authenticité des sources ou métissages assumés; apprentissages se rapprochant des modes de transmission traditionnels (par imitation, à l'oreille); instruments traditionnels pour l'appréciation et le plus proche possible des timbres pour l'interprétation; instructions pour guider l'enseignant. Les résultats montrent que les musiques d'ici sont sous-représentées parmi les ressources qui présentent des musiques traditionnelles et que seulement un dixième d'entre elles remplissent tous les critères précités. D'autre part, une enquête ethnographique a été menée auprès de dix spécialistes en musique qui enseignent, entre autres, les musiques traditionnelles dans des écoles primaires du Québec. Des entrevues et des observations en classe portant principalement sur leurs perceptions des musiques traditionnelles, leur formation dans le domaine, leurs motivations à les enseigner, leurs pratiques pédagogiques et les ressources qu'ils utilisent ont fourni la plus grande partie des données d'analyse. Une étude netnographique des fils de discussion publiés dans trois groupes Facebook d'enseignants de musique et ayant pour sujet les musiques traditionnelles est venue compléter cette enquête de terrain. Toutes ces données ont été croisées et analysées, ce qui a permis de tracer les grandes lignes de l'éducation musicale interculturelle et de l'enseignement des musiques traditionnelles dans les écoles primaires québécoises. Ces résultats ont aussi été comparés avec les écrits relevés préalablement dans la revue de littérature et la problématique, en ce qui concerne l'éducation musicale interculturelle ailleurs dans le monde. Les critères de rigueur scientifique applicables à la recherche qualitative ont été respectés du mieux possible, en dépit des limites imposées par les circonstances, notamment la Covid-19. Enfin, des recommandations ont été formulées dans le but de favoriser l'enseignement de ces musiques aux jeunes générations. / In recent decades, pedagogues and ethnomusicologists have developed an approach to music education that promotes cultural openness and social justice by using traditional and world musics as a repertoire that introduces students to a variety of cultures, helps them integrate into a new environment and contributes their identity formation (Anderson et Campbell, 1996; Campbell et al., 1994; Campbell, 1996, 1998, 2018; Campbell et Wiggins, 2013; Schippers, 2010; Volk, 2004; Wade, 2013). Pedagogical tools have been developed and made available to teachers, for example, the World Music Pedagogy Series (Roberts et Beegle, 2018; Watts, 2018), Global Music Series (Campbell, 2004; Wade, 2013) or Jazzimuth by Fuzeau (Saint-James, 2006; Saint-James et Chazelle, 2006). In Quebec, although cultural openness is advocated in the Quebec Education Program (QEP) (Ministère de l'Éducation, 2006b) and the Politique d'intégration scolaire et d'éducation interculturelle [School integration and intercultural education policy Québec] (1998), and although migratory movements (Gouvernement du Québec, 2014) have considerably diversified the origins of students, intercultural music education is not yet an integral part of teacher education. This thesis presents a content analysis of 850 teaching resources (textbooks, books, scores, CD and video recordings, websites and other electronic resources) accessible in Quebec and designed to teach music at the elementary level. This content analysis was based on the criteria set out in intercultural music education: presentation of traditional musics and their culture area (Prine Pauls, 2009); respect for the principles of social justice and reduction of ethnic clichés; presence of contextualizing elements (geographical maps, socio-historical data, typical objects); authenticity of the sources or hybridization assumed; learning that seeks to replicate traditional modes of transmission (by imitation, by ear); traditional instruments for music listening and timbres that closely resemble traditional instruments for performing; instructions to guide the teacher. The results show that local music is under-represented among the resources that present traditional musics and that only one tenth of the resources meet all the above criteria. In addition, an ethnographic field study was conducted with ten music specialists who teach, among other things, traditional musics in Quebec elementary schools. Interviews and classroom observations focusing on their perceptions of traditional musics, their educational preparation in the field, their motivations for teaching these musics, their teaching practices and the resources they use provided the majority of the data for analysis. A netnographic analysis of the discussion threads published in three Facebook groups of music teachers on the topic of traditional musics complemented this field study. All of these data were cross-referenced and analyzed, making it possible to present an initial portrait of intercultural music education and traditional music teaching in Quebec elementary schools. These results were also compared with the literature previously identified regarding intercultural musical education around the world. The criteria of scientific rigor applicable to qualitative research were respected whenever possible, despite the limitations imposed by extenuating circumstances, particularly Covid-19. Finally, recommenddations were formulated with the aim of encouraging the teaching of these musics to the younger generations.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la bibliothèque de musique de l'Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / L’œuvre musicale de Pierre Boulez est l’une des œuvres majeures de la seconde moitié du vingtième siècle. Celle-ci a évolué entre 1945 et 2008 conjointement avec les écrits de Boulez, dans lesquels sa réflexion traite, successivement, les différents aspects de son langage : la théorie entre 1948 et 1963, puis l’esthétique entre 1963 et 1995. Cette évolution, les enjeux et les contours de l’œuvre musicale de Boulez ne pouvaient être envisagés par la seule étude des œuvres officiellement acceptées. Il était nécessaire d’étudier l’ensemble des compositions secondaires, achevées ou non, reconnues ou non, de même que l’ensemble des versions successives pour chaque œuvre ; cette démarche a donc nécessité la collecte et l’analyse de l’ensemble de ces sources. Depuis 1986, les archives de Boulez sont contractuellement destinées à la Fondation Paul Sacher de Bâle, cependant de nombreuses sources, esquisses, manuscrits et correspondances restent dispersés, voire perdus. C’est le cas notamment des œuvres de jeunesse, ainsi que des œuvres récentes dont les fonds n’ont pas encore été déposés à la Fondation. Cette thèse est avant toute chose une thèse d’analyse. Au regard des travaux déjà existants, nous avons choisi de restreindre notre corpus d’œuvres aux compositions des deux périodes 1945-1949, puis 1965-2008, à la fois extrêmes et représentatives de l’évolution esthétique et scripturaires de Boulez. En fonction de la disponibilité des sources, nous avons privilégié une approche poïétique inductive, pour reprendre l’idée de la tripartition, dans le cadre de la sémiologie musicale telle qu’élaborée par Jean Molino et Jean-Jacques Nattiez au milieu des années 1970, c’est-à-dire avec pour seul support la ou les partitions disponibles (Répons, Initiale, Incises et sur Incises), ou une approche poïétique externe, c'est-à-dire de reconstitution, à l’aide des esquisses, des processus compositionnels (œuvres de jeunesse, Dérive 2, Domaines, Dialogue de l’ombre double, Anthèmes, Anthèmes 2). Le premier livre de cette thèse traite des évolutions esthétiques de Boulez. Les deux analyses proposées dans le second livre, consacrées aux deux groupes d’œuvres Domaines/Dialogue de l’ombre double et Anthèmes/Anthèmes 2, ont pour objectif de démontrer la complexité toujours présente ainsi que la rigueur de la démarche compositionnelle de Boulez à la lumière des esquisses, nonobstant une simplicité apparente des éléments constitutifs. Nous espérons que notre travail contribuera à clarifier la construction progressive du langage de Boulez, ainsi que la perception de ses œuvres. / Pierre Boulez’s musical compositions are one of the most important compositions in the second half of the twentieth century. They moved a lot between 1945 and 2008 together with his written works, in which his thought deals successively with the different aspects of his language : the theory between 1948 and 1963, then the esthetics between 1963 and 1995. Studying only the officially accepted works is not sufficient to understand this evolution, the issues and the outlines of Boulez’s music. It was necessary to study all the compositions of secondary importance - even if they were not finished or recognized - and all the successive versions of each work ; that’s why all these sources had to be collected and analyzed. It has been contractually intended since 1986 that the Paul Sacher Foundation in Basel should have Boulez’s archives, however many sources, sketches, manuscripts and mails are still scattered or lost. That is what happened to some early works and some recent works that have not been registered in the Foundation yet. This doctoral dissertation is above all a work of analysis. From the viewpoint of the works that have already been done, I chose to restrict my study to the compositions of two periods – 1945-1949 and then 1965-2008 – which are extreme and representative of the evolution of Boulez’s esthetic and composition. According to the sources’ availability, I favored an approach called “poïétique inductive” – to take up again the idea of “tripartition” – within the context of music semiology as it was elaborated by Jean Molino1 and Jean-Jacques Nattiez2 in the middle of the seventies, that is to say by studying only the available scores – Répons, Initiale, Incises and sur Incises- or an approach called “poïetique externe”, that is to say by reconstituting with sketches processes of composition (early works, Dérives 2, Domaines, Dialogue de l’ombre double, Anthèmes, Anthèmes 2). The first part of this doctoral dissertation deals with Boulez’s esthetic evolutions. The two analyses in the second part – devoted to Domaines/Dialogue de l’ombre double and Anthèmes/Anthèmes 2 – aim at demonstrating in the light of the sketches the complexity and the rigour of Boulez’s reasoning when he composes, although the constituents seem apparently simple. I hope that this work will contribute to making clearer the gradual construction of Boulez’s language and the perception of his works.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire porte sur l’improvisation libre, pratique musicale apparue au cours de la seconde moitié du vingtième siècle en musique savante occidentale et en parallèle avec le courant du free jazz. Évoquée fréquemment par l’emploi du terme de « musiques improvisées », dans un premier temps, nous abordons le rapport entre cette appellation et la musique qui s’y rattache à travers son emploi chez certains auteurs en musicologie dans l’optique d’en montrer les différentes acceptions. Dans un second temps, nous réfléchissons sur la dualité des origines de la pratique d’improvisation libre afin d’expliquer en quoi celle-ci peut causer une certaine confusion lorsqu’elle est abordée en musicologie. Cette étude se concentre ensuite sur les aspects de pluralisme esthétique et de multiculturalisme qu’on peut rencontrer en improvisation libre. Nous explorons plusieurs explications quant aux fondements de la pratique musicale à partir d’une analyse de ses origines culturelles et historiques. Suite à cela est abordée la question de transculturation, un concept qui a été évoqué à plusieurs reprises ces quinze dernières années concernant les musiques improvisées, sans jamais avoir été appliqué de façon très spécifique à ces dernières. Le mémoire est complété par une analyse de l’improvisation The Usual Turmoil (1997) du tromboniste George E. Lewis et de la kotoïste Myia Masaoka, qui a pour objectif de mettre en application certains éléments de la réflexion théorique précédemment élaborée et de trouver les prémisses d’une méthode propre à l’analyse de l’improvisation libre. / This memoire treat about a specific musical practice which is free improvisation, and which appeared during the second half of the twentieth century in western art music and with the free jazz wave/trend. Frequently referred by the term « improvised music », we will first go through some definitions from authors in musicology to show the different underlying problematic of the term. We will return to the duality of the origins of free improvisation practice in order to explain why such duality caused confusion in musicology studies. We will then look at some specific aspects concerning multicultural and esthetic pluralism in free improvisation. We will try to bring forth some explanations from our analysis of the cultural roots of free improvisation. Furthermore, we will address the question of transculturation, a recent concept frequently used during the last fifteen years in improvised music studies and which had never been deeply studied. Finally, with the analysis of The Usual turmoil, a duet improvisation by the trombonist George E. Lewis and koto player Miya Masaoka, we will be able to consider free improvisation from an analytic point of view.

Le sanctuaire de Delphes a connu pendant toute la période une vie musicale effervescente, notamment par la tenue périodique des prestigieux concours pythiques Cependant, on ne s’était jamais demandé pourquoi la musique y a connu une telle faveur. Il faut remarquer que bien des aspects des musiques données à Delphes sont communs à d’autres sanctuaires : l’Apollon citharède honoré à Delphes est panhellénique et les offrandes qui lui sont consacrées, instruments comme compositions, se trouvent sur d’autres sites. Mais Delphes a ses spécificités : l’interaction d’un environnement sonore adéquat, de la pratique oraculaire et de la volonté amphictyonique de distinguer les concours de pythiques, dans la mesure de leur liberté, en font un cas unique. C’est ainsi que l’on peut parler de « centre musical », au sens où Delphes est une étape obligée des parcours géographiques et sociaux des musiciens et un terrain d’échanges privilégié tant dans la pratique que la théorie musicales. Au terme de cette étude, il paraît clair que Delphes a occupé une place originale dans l’histoire de la musique antique, éminemment paradoxale : c’est un site incontournable pour les musiciens, alors même qu’il n’y eut jamais d’école de musique locale forte à Delphes. C’est là que se trouve sans doute la réponse à notre question : la prospérité musicale de Delphes peut venir de ce que le sanctuaire est un terrain qui était perçu comme neutre par tous les musiciens du monde grec, où ils se retrouvaient égaux par les règles spécifiques en usage à Delphes et qui n’avantageaient aucun musicien originaire des lieux. / The musical life was particularly brilliant in the sanctuary of Delphi, especially during the prestigious Pythian contests. Indeed, no scholar has ever wondered why music was so pregnant in Delphi. Many aspects of the musical life in Delphi are common in comparison to other Greek sanctuaries: Apollo Kitharoidos is a panhellenic god and votive offerings for him (instruments and scores) can be found elsewhere. However, there are some specific features: due to the interaction between an impressive soundscape, the oracular cult and the decision of the Amphictiony to make a distinction between Pythian contests and other ones, Delphi is unique. That is why Delphi can be considered as a “musical centre”: all Greek musicians travel to Delphi, so as to increase their social status; furthermore, there were lots of musical transferts between musicians; so that they may change their own way of playing or understang music. At the end of our study, it is obvious that Delphi has got a specific place in the history of ancient music, but it is quite paradoxical: it is necessary for musicians to come to Delphi, although there is no local music school at all in Delphi. It could be the answer to our preliminary question: Delphi may have been seen by all of the Greek musicians as a neutral site, where no advantage was given to anybody else. In fact, all musicians were equally treated because of the specific rules used in Delphi.

Alors qu’il est interrogé sur la nature fragmentaire de l’écriture se faisant jour dans ses dernières œuvres, Luigi Nono affirme : « la logique du discours est pour moi quelque chose de terrifiant. » En signifiant ainsi son opposition au discours musical, le compositeur italien ne revendique pas seulement le refus du principe de déduction et l’univocité du développement : c’est le fondement même de l’expression musicale occidentale qu’il considère comme caduc. Car la musique écrite appartient aux disciplines du logos, domaine de la pensée et de sa loi d’intelligibilité auquel elle a longtemps été inféodée, même lorsque ses théoriciens ont revendiqué son autonomie. Aussi, la notion de discours musical se rapporte à un modèle de raisonnement hérité de la pensée syllogistique issue de la rhétorique aristotélicienne. Décliné au cours de son Histoire sous les méthodes du contrepoint, du développement ou encore de la variation, le principe d’engendrement causal de la forme révèle néanmoins son aporie à partir de la première moitié du XXe siècle. La génération de compositeurs se retrouvant à Darmstadt au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale se confronte alors à une double difficulté. D’une part, le renouvellement des structures logiques de la musique apparaît comme une véritable urgence afin de libérer l’écriture musicale de la rigidité des systèmes qui l’ont dirigée depuis la fin de la Renaissance. D’autre part, l’avènement des nouvelles technologies dévoile la richesse du phénomène sonore et intime à repenser l’expression musicale au contact de ce matériau inédit qui ne peut se réduire aux procédés compositionnels instrumentaux. Dès lors, l’acte d’écriture s’enrichit d’une responsabilité critique, en ce qu’il doit se satisfaire à l’exigence d’une articulation logique tout en rompant avec la rigidité d’un discours univoque imposé à l’écoute. C’est dans ce contexte que Pierre Boulez et Luigi Nono propose une esthétique musicale mixte fondée sur la virtualité, l’espace et la résonance au cours des années 1980, instaurant un régime discursif unifiant l’hétérogène sans le contraindre ni l’abolir. / When he is questioned about the fragmentary nature of the writing appearing in his last works, Luigi Nono asserts: “the logic of the discourse is something terrifying for me.” By standing against the musical discourse, the Italian composer does not just claim his refusal of the principle of deduction and the univocity of the development: he also considers the foundation of the western musical expression as obsolete. Indeed, written music belongs to the disciplines of the logos, the domain of the thought and its law of comprehensibility in which it was enfeoffed for centuries, even when the theorists claimed its autonomy. So, the notion of musical discourse relates to a model of reasoning inherited from the syllogistic thought of the Aristotelian rhetoric. Declined during its History under the methods of the counterpoint, the development or the variation, the principle of causal establishment of the form reveals its aporia since the first half of the 20th century.Then, the composers who went to Darmstadt after the World War II confront themselves with a double difficulty. On one hand, the renewal of the logical structures of the music appears as an urgency to release the musical writing of the rigidity of the systems which managed it since the end of the Renaissance. On the other hand, the advent of the new technologies reveals the richness of the sound phenomenon and suggest to reconsider the musical expression in order to integrate this material, which cannot be reduced to the writing processes of instrumental music. Therefore, the act of composing is enhanced by a critical responsibility because the composer has to fulfill the requirement of a logical articulation while he abolished the rigidity of an unambiguous discourse imposed on the listening. It is in this context that Pierre Boulez and Luigi Nono propose an electroacoustic aesthetics based on virtuality, space and resonance during the 1980s, establishing a discursive regime which unifies the heterogeneous without forcing it nor abolishing it.

" Musiques traditionnelles", " musiques du monde" ou " musiques tradiporaines " d'aujourd'hui, " musiques folkloriques " d'hier, " musiques de nos racines ", toutes les époques ont été saisies par un intérêt de sauvegarde des musiques populaires, les inscrivant de manière différenciée dans le contexte social. Cette recherche interroge, à partir d'un regard sociologique, l'ordinaire et l'extra-ordinaire des musiciens amateurs, par le prisme leur pratique musicale en tant que moyen de construire une réalité sociale. C'est donc l'articulation de cette pratique avec un ensemble de valeurs et de symboles qui sous-tendra l'ensemble de ce questionnement. A partir de la pratique musicale amateur, il s'agit de comprendre les enjeux sociaux d'un courant musical en pleine expansion. Notre interrogation centrale consiste à savoir si la musique participe à la structuration du monde social, avec ses conventions, son mode de fonctionnement, ses symboles et ses référents. Comment le goût pour un répertoire musical,générateur de symboles et des valeurs va-t-il trouver écho dans des pratiques ordinaires, participant à un processus de bricolage (De Certeau 1990) du quotidien ? En analysant les pratiques musicales en amateur, nous cherchons à décrire les affinités électives (Weber, 1989) existantes entre un courant musical et la construction d'un ordinaire.

« Musiques traditionnelles», « musiques du monde» ou « musiques tradiporaines » d'aujourd'hui, « musiques folkloriques » d'hier, « musiques de nos racines », toutes les époques ont été saisies par un intérêt de sauvegarde des musiques populaires, les inscrivant de manière différenciée dans le contexte social. Cette recherche interroge, à partir d'un regard sociologique, l'ordinaire et l'extra-ordinaire des musiciens amateurs, par le prisme leur pratique musicale en tant que moyen de construire une réalité sociale. C'est donc l'articulation de cette pratique avec un ensemble de valeurs et de symboles qui sous-tendra l'ensemble de ce questionnement. A partir de la pratique musicale amateur, il s'agit de comprendre les enjeux sociaux d'un courant musical en pleine expansion. Notre interrogation centrale consiste à savoir si la musique participe à la structuration du monde social, avec ses conventions, son mode de fonctionnement, ses symboles et ses référents. Comment le goût pour un répertoire musical,générateur de symboles et des valeurs va-t-il trouver écho dans des pratiques ordinaires, participant à un processus de bricolage (De Certeau 1990) du quotidien ? En analysant les pratiques musicales en amateur, nous cherchons à décrire les affinités électives (Weber, 1989) existantes entre un courant musical et la construction d'un ordinaire. / Every age has sought to preserve popular forms of music, by integrating them in differentiated ways into the social context; this applies equally to the ‘folk music' or ‘ancestral music' of the past or to contemporary ‘traditional music', ‘world music' or ‘fusion hybrids of contemporary and traditional music (tradiporaine music).' Adopting a sociological approach, this study explores how amateur traditional musicians construct a particular social reality through their musical practices, by researching the everyday life of amateur musicians, as well as their exceptional musical experiences. The central aim of this research is to interrogate the relationship between their musical practices and the framework of values and symbolic meanings in which these practices are embedded. An examination of amateur traditional musical practices provides us with insights into the complex process by which these musical forms are socially constructed – musical forms that are currently growing in popularity. The central question which this study will explore is whether music contributes to structuring social parameters through its conventions, its way of functioning, its symbols and its references. How does an interest in a particular musical repertoire, which embodies a series of values and symbolic meanings, relate to everyday practices, which in turn contribute to a process of bricolage of the quotidian experience? (De Certeau 1990) By analysing amateur traditional musical practices this study will seek to describe the formation of selective affinities (Weber, 1989) between a particular type of music and the construction of a sense of everyday social reality.

En raison du peu d’écrits sur la musique destinée aux marionnettes du symbolisme à la naissance de la musique concrète, l’objet de notre thèse porte sur une mise en perspective de la musique de sept compositeurs écrite pour marionnettes et jouée à Paris entre le symbolisme et la naissance officielle de la musique concrète. Longtemps considérée comme un divertissement, la marionnette acquiert à l’aube du XXe siècle une image d’égérie des avant-gardes et devient le foyer d’expérimentations. Face à l’émergence d’écritures originales sur les plans théâtral ou plastique, nous étudierons à quels moyens expressifs la musique écrite pour marionnettes a recours, dans un langage renouvelé ou non, et comment elle peut ainsi nous éclairer sur la dimension et la nature de son rôle. Notre étude, située à la croisée de plusieurs langages, s’appuie sur l’analyse de signes communs et distinctifs dans une volonté tout d’abord de restitution diachronique à l’aide de supports d’époque, puis d’analyse synchronique à travers des recréations contemporaines. / There being few texts on music composed for puppet-shows between the time of the symbolists and the beginnings of music concrete, our thesis aims to put into perspective the music of seven composers, written for puppets and performed in Paris between 1886 and 1948. Having been regarded for a long time as mere entertainment puppet-shows are seen at the dawning of the 20th century as the driving force of the avant-garde, and the locus of experimentation. In the face of the emergence of original writing in the fields of theatre and the plastic arts, we shall study the means of expression to which music written for puppet-shows turns, either or not this is in a renewed language, and thus how it might enlighten us on the breadth and nature of its role. Our study, set where several languages meet, is based on the analysis of signs both common and distinctive with the desire first of all to create a diachronic reconstruction with the help of documents of the area, and then a synchronic analysis based on modern recreations.