Cette thèse de doctorat vise, à partir de l'exemple que constitue le traitement du mythe d'Œdipe par les trois dramaturges que sont Eschyle, Sophocle et Euripide, à comprendre comment les tragiques grecs, qui traitaient toujours des mêmes histoires, et suscitaient pourtant l'intérêt du public, ont su renouveler la création théâtrale, en parvenant à ne pas faire les mêmes pièces à partir des mêmes légendes. Certes, la matière mythique n'était pas figée en soi ; toutefois, comme la tragédie était un genre très codifié dans sa structure et relativement limité en termes d’effets visuels, c'est surtout sur le texte même que l'auteur pouvait intervenir, au prix d'un travail toujours renouvelé sur sa langue.C'est donc au texte même des tragédies que cette étude s'attache, texte qui est abordé selon une triple perspective, à la fois herméneutique, philologique et comparatiste, ce qui permet de comprendre non seulement les enjeux profonds de chacun d'eux, mais aussi les variations sur le mythe et les effets ainsi créés. Le corpus, restreint mais raisonnable (Les Sept contre Thèbes d'Eschyle, l'Œdipe Roi, l'Antigone et l'Œdipe à Colone de Sophocle, et les Phéniciennes d'Euripide), est analysé avec rigueur et aussi peu d'a priori que possible. Cette étude permet de mieux comprendre le fonctionnement de la tragédie, ainsi que la façon dont une poétique se renouvelait sans cesse et évoluait de la sorte, en explorant les possibilités que lui offrait sa langue et en travaillant sur les représentations et les contenus traditionnels dont le poète tragique héritait. Ce projet vise ainsi à mieux saisir les ressorts de la création poétique dans un contexte culturel qui permet d’appréhender au mieux les limites entre lesquelles elle est mise en œuvre ; il permettra également d'approfondir la compréhension d'une culture qui prenait plaisir à aller voir des pièces dont elle connaissait déjà la fin. / The aim of this PhD thesis, based on Aeschylus’, Sophocles’ and Euripides’ treatments of the Oedipus myth, is to understand how Greek tragic playwrights – who aroused the public interest while always dealing with the same stories – managed to reinvent theatre and write new plays out of the same myths. Admittedly, mythical material was not fixed, yet, tragedy was a genre which structure was highly codified, and quite limited in terms of visual effects. Thus, it was mainly within the text itself that authors could intervene by way of an ever-repeated work on their own language. Therefore, it is the texts of tragedies themselves which are the subject of this study, and which will be explored from three different perspectives; hermeneutic, philological and comparative. This not only allows for an understanding of the deeper issues each text tackles, but also of the variations on the myth and the effects they create. The corpus (Aeschylus' Seven against Thebes, Sophocles' Antigone, Œdipus Rex, Œdipus at Colonus, Euripides' Phoenician Women) – limited yet reasonable – will be analysed rigorously and with as little a priori as possible. What is proposed in this study is a better understanding of how the mechanics of tragedy worked, as well as of how part of a poetics could evolve through perpetual renewal, as tragic poets explored the possibilities of their language, worked on representations and traditional materials they had inherited. The aim of this study is to better grasp the means of poetic creation in a given cultural context so as to gain the best possible understanding of the limits within which it took place. It also allows for a deepened understanding of a culture in which people still enjoyed plays while already knowing how they would end.

C’est à l’écart de tous et de tout que s’est toujours tenu Marcel Moreau, écrivain aux chairs habitées d’un corps verbal. Son œuvre en témoigne par sa monstrueuse densité: plus d’une soixantaine de livres en cinquante années. L’objet de cette thèse sera de définir sa poétique du corps tout en prenant en compte ses refus du classifiable et la mise en place d’une mythologie intime le dépassant. Engageant directement le lecteur, son écriture l’insère dans une relation tragique au dehors et au-dedans de lui-même, rendu à un réel libéré de toute passivité. Une approche biographique s’impose donc en ce qu’elle implique étymologiquement le vivant dans l’écriture. Aussi, si son utilisation de la langue française s’ancre profondément dans son organisme, elle forme une voix de l’Étrangeté disloquant toute idée de frontière – littéraire, géographique, générique, ou physique. Le langage devient réappropriation du pulsionnel, réhabilitation de ce qui est perçu comme irrationnel. Rendre leur force aux mots invite à inverser les perspectives et à réaliser que c’est la perception de l’étrange, le concevoir autre, qui ouvre à ce que l’on est, à la complexité panique du monde. Les instincts éclairés, c’est-à-dire acceptés en tant qu’origine des tremblements de la chair et de la pensée, relèvent plus d’une cruelle lucidité face aux chaos de la nature et de soi, que d’un simple amas incontrôlable et mauvais. Lorsque la parole renoue avec sa violence, qui est puissance fondatrice, elle nous renvoie aux structures mythiques engendrant nos littératures, mais aussi à la place de l’écrivain, de la parole poétique faisant lien et liane avec nos représentations du vivant au sein de la communauté. / Marcel Moreau has always stood aside from the dominant thought of his age. He is incarnated and possessed by words, what he calls his “verbal body”. His work indeed shows a monstrous density: more than sixty books in fifty years. This thesis will attempt to define the poetics of the body while taking into consideration the building up of an intimate mythology that goes beyond himself, and beyond his rejection of any label. His writing directly engages the reader and integrates him in a tragic relation with his inner and outer self, sending him back into a reanimated passivity reality. A biographical approach is necessary because the Living is etymologically implied in the act of Writing. Thus, if the way he uses French is deeply embedded in his own organism, it creates a “voice of Strangeness” that dislocates the mere idea of frontiers – in literature, geography, genres, or even biology. Impulses finally express themselves through this poetical language, along with what is considered irrational. Words are living things whose strength can utterly change our cognitive structures. In Marcel Moreau’s mind, one is able to open up to what he is and to the panicked complexity of the world surrounding him thanks to his perception of strangeness and otherness. The writer aims at enlightening his instincts, as they are the origin of trembling flesh and trembling thought, even though they carry a charge of cruel lucidity within them. When speech bonds with its original violence, it brings us back to the mythical structures that created our literatures, but also to the condition of the writer and to the poetical language that binds our community together with its multiplicities.

Cette thèse de doctorat étudie l’image de Venise dans les œuvres d’écrivains vénitiens ou liés à Venise entre 1866 et la Première Guerre mondiale, époque où Venise occupait une place fondamentale dans la littérature mondiale, notamment à travers la littérature de voyage. À partir du constat de la méconnaissance dont pâtissent à l’inverse les auteurs vénitiens de l’époque, on analyse la représentation de Venise chez Camillo Boito (1836-1914), Enrico Castelnuovo (1839-1915), Giacinto Gallina (1852-1897) et Gerolamo Rovetta (1851-1910). Ces auteurs permettent d’engager une réflexion sur la littérature mineure. La première partie livre les jalons nécessaires pour cerner l’objet d’étude. Après avoir traité la question de l’existence d’un mythe littéraire de Venise au XIXe siècle, elle montre la marginalité du point de vue italien sur Venise dans les études consacrées aux représentations littéraires de la ville et dresse un tableau détaillé de sa situation économique et politique. La seconde partie est consacrée à l’analyse du corpus. Quatre chapitres présentent les lignes de force de la représentation que chacun des auteurs fait de Venise en mettant en évidence leur traitement des topoï littéraires vénitiens de l’époque. La troisième partie dresse certaines conclusions : Boito, Castelnuovo, Rovetta et Gallina mettent le mythe littéraire de Venise à distance, en même temps qu’ils illustrent les mutations qui affectent la société vénitienne de leur temps. Elle avance enfin l’hypothèse que leur vision de Venise, qui n’est pas fondée sur la singularité de la ville, permet d’appréhender une forme de modernité vénitienne, rarement mise en avant jusque-là. / This doctoral thesis provides an analysis of the image of Venice in the works of four writers, either born in Venice or strongly attached to the city, between 1866 and World War One, a time when Venice featured prominently in European literature. After having analysed the limited fame of Venetian writers in a literary context focusing on masterpieces which were mainly the results of their writers’ travels to Venice, this works analyses the Venetian works of Camillo Boito (1836-1914), Enrico Castelnuovo (1839-1915), Giacinto Gallina (1852-1897) and Gerolamo Rovetta (1851-1910) and focuses on the question of minor literature. The first part provides a series of benchmarks. It studies the possibility of a Venetian literary myth and details the economic and political history of Venice at the time. It also focuses on the challenges of minor literature when related to cultural history. The four chapters of the second part analyse the four writers’ works, emphasizing the way they deal with the Venetian stereotypes of the time. The third part draws some conclusions: Boito, Castelnuovo, Rovetta and Gallina distance themselves from the Venetian literary myth and their works show the deep changes that affected the Venetian society at the time. It offers the hypothesis that their works may have remained unknown because they didn’t dwell on the Venetian singularity. At the same time, they enable their readers to discover a modern Venice, an aspect rarely taken into consideration in the studies dedicated to Nineteenth Century literary Venice.

Lorsque les désastres et les catastrophes apparaissent comme des traits marquants de l’existence sociale et collective, notre vision/conception du monde, tant esthétique que cognitive, se voit interpellée, voire prise à défaut. Le monde contemporain est traversé par une crise de nos certitudes de maîtrise de la nature et de la société, crise paradoxale puisqu’elle s’enracine dans nos immenses pouvoirs de transformation, ceux-là mêmes qui entretenaient nos espoirs de progrès et dont les conséquences imprévues nourrissent aujourd’hui nos appréhensions et nos peurs collectives. A travers un regard sociologique, cette recherche interroge le poids des imaginaires sociaux sur la production de l’événement-catastrophe, et, en retour, l’influence de cette dernière sur les opinions, les attitudes et les comportements de prévention du danger et les représentations sociales de la sécurité. Construit sur un corpus d’une dizaine de catastrophe (de la tempête de décembre 1999 en Europe de l’Ouest à la catastrophe de Fukushima en 2011), et soutenu par un travail de terrain (presse, littérature, cinéma, jeux-vidéo mais aussi groupes de préparation aux désastres), ce travail fait apparaitre l’efficience de l’archétypologie durandienne et dévoile de la réactivation d’anciens mythes et l’apparition de nouveaux récits dans le complexe sociétal, introduisant alors une idée neuve en Occident : notre époque est fascinée par sa puissance mais aussi terrifiée par un avenir dans lequel elle ne sait plus lire que des promesses de déclin. / When disasters and catastrophes are prominent features of social and collective life, our aesthetic and cognitive vision or conception of the world is challenged or even overwhelmed. The contemporary world is experiencing a crisis that has shaken our certainties about nature and society’s control. This crisis is paradoxical, because it is rooted in our immense powers of transformation; the very same powers that sustain our hopes of progress. The unexpected consequences of these powers now feed our collective anxieties and fears. This research takes a sociological perspective to assess the influence of the social imaginary on the production of disaster events, and, in turn, the impact of the production of disaster events on the opinions, attitudes and risk-prevention behaviors and social representations of security. Based on a corpus of ten catastrophes (the December 1999 storm in Western Europe to the Fukushima disaster in 2011), and supported by field work (press, literature, cinema, video games and also disaster preparedness groups), this work reveals the effectiveness of the Durandian archetype and reveals reactivation of ancient myths and the emergence of new tales in the social complex, while introducing a new idea in the Occident: our age is fascinated by its power, but also terrified of a future in which it can see only promises of decline. / Quando os desastres e as catástrofes surgem como traços marcantes da existência social e coletiva, é a nossa visão/concepção do mundo, tanto estética como cognitiva, que é interrogada, e mesmo posta em xeque. O mundo contemporâneo é atravessado pela crise das nossas certezas de dominação da natureza e da sociedade, uma crise paradoxal, dado que se enraíza nos nossos imensos poderes de transformação. Esses poderes alimentavam as nossas esperanças de progresso. Mas as suas inesperadas consequências estimulam hoje as nossas angústias e os nossos medos coletivos. Através de um olhar sociológico, esta pesquisaquestiona a força dos imaginários sociais na produção do evento-catástrofe e, em sentido contrário, a influência que o evento-catástrofe tem nas opiniões, atitudes e comportamentos de prevenção do perigo e nas representações sociais da segurança. Construído sobre um corpus de uma dezena de catástrofes (da tempestade de Dezembro de 1999 na Europa Ocidental até à catástrofe de Fukushima, em 2011), e apoiado numa pesquisa de campo (imprensa, literatura, filmes, videojogos, como também grupos de preparação para os desastres), este trabalho torna manifesta a eficiência da arque-tipologia durandiana e revela a reativação de mitos antigos, assim como o surgimento de novas narrações no complexo societal. Uma nova ideia irrompe no Ocidente: a nossa época está fascinada pelo seu poder, mas também se encontra aterrorizada por um futuro em que apenas consegue ler promessas de declínio.

L'œuvre d’Amelia Rosselli entend se dessiner, au sein de la poésie lyrique italienne, comme expérience de subversion du processus de sublimation et de stylisation du corps féminin. A travers la traduction et l’analyse de poèmes choisis contenus dans les recueil Cantilena (1953), La Libellula (1958) et Variazioni belliche (1964), nous avons conduit une tentative d’exégèse critique des textes. L’analyse des poèmes se poursuit à travers une pratique dialogique avec le texte poétique, à partir d'un positionnement critique à l’intérieur du comparatisme féministe.En partant de l'idée pétrarquiste d'élimination et de suppression du corps des femmes nous avons démontré comment la tentative d’apaiser la portée potentiellement dangereuse de l’affection amoureuse a donné lieu au déni de la sensualité. Le langage de la douleur transfigurée se traduit dans une poétique du « dispositif sursensuel », un processus semblable à celui que Gilles Deleuze avait repéré dans la personnalité littéraire de Sacher-Masoch. Le processus de subversion qu’on vient d’évoquer est accompagné du bouleversement des rôles traditionnels au sein du canon poétique européen. Ces déconstructions conduiraient à un rejet du corps organique et au même temps à la révélation d’une subjectivité excentrique. La révision des modèles littéraires du canon passe également par le réécriture d'un ensemble de figures féminines du répertoire mythique et littéraire au sein de l’antiquité gréco-romaine, lesquelles, prélevées de l’imaginaire patriarcal, sont réinterprétées et à nouveau poétisées au sein d'un Sujet poétique qui cherche à faire parler la voix d’une poète femme. / Amelia Rosselli’s work took shape, within Italian lyric poetry, as an experience of subversion of the process of sublimation and of stylisation of the female body. Through the translation and the analysis of the content of poems chosen from the collections Cantilena (1953), La Libellula (1958) and Variazioni belliche (1964), I conducted a critical exegesis of the texts. I performed an analysis according to suggestions of a dialogical practice with the poetical text and with a female subjectivity often hidden, anchored to my critical investment inside feminist comparatism. From petrarchist idea of deletion and “suppression” of women’s body – deletion, of which Pasolini talked already in relation to the genesis of Italian poetry and its characterisation of the lyrical canon – I analysed how the attempt to ease the impact potentially dangerous of love affection has caused the denial of sensuality. The language of camouflaged sorrow is then established as a deliberated choice included in some poetics where it is not the statement that reveals, but the poetical word, which in its cryptic canonical measure, is able to make resonate beyond declarations. We can observe the deployment of a “sursensual device”, similar process to what Gilles Deleuze perceived in Sacher-Masoch's literary personality. The process of subversion does not seem a reconstitution of identity roles, but rather a deconstruction of the traditional model. The starting point for the analysis of those deconstructions is based on the hypothesis that the non-functionality of the desiring organisms (desiring subject and desired object) will lead to a reject of the organic and at the same time to a revelation of an eccentric subjectivity. The revision of the literary model of the canon lies in the hypothesis that a set of female figures of the mythical and literary repertoire in Greco-Roman antiquity are placed in the imaginary practice of Amelia Rosselli's poetical writing, with a view to incorporate the nature of the characters born and conceived inside and by the patriarchal imaginary and to form the body of a subject that aims at making them speak through the voice of a female poet.

L’étude des romans attribués à Robert de Boron s’inscrit dans le sillage des travaux sur l’autoréflexivité romanesque et auctoriale, ainsi que sur le développement et la diffusion du mythe du Saint-Graal. Robert de Boron apparaît comme le fondateur d’une importante tradition graalienne, explicitement associée à la figure du Christ et promise à un avenir littéraire considérable. Nous croyons que l’approche mythopoétique, qui permet à la littérature de créer des mythes, s’accorde avec les enjeux socio-historiques des laïcs, ce qui explique pourquoi le projet de Robert s’est étendu jusqu’au cycle du Lancelot -Graal où il a servi de fondation à la chevalerie célestiele. Dans la première partie de ce travail, nous examinons le Saint-Graal et la tradition incarnée par Robert (occurrences, scènes, senefiance et Hauts Livres). Dans la deuxième partie, nous étudions la figure de Robert (éléments de biographie, figure auctoriale, autorité). La dernière partie nous donne l’occasion de remettre les mythes littéraires dans leur contexte afin de montrer qu’ils sont transformés en mythes socio-historiques grâce au savant mélange du discours laïque et du discours clérical. / The study of the French romances attributed to Robert de Boron lies within the recent works on self reflexivity in medieval literature and on the rise and spreading of the Holy Grail myth. Robert de Boron has become known as the founder of a new Grail tradition, explicitly related to Jesus Christ and destined to a great popularity. We think that mythopoétique approach, which allows literature to create myths, is consistent with the socio-historical issues of the laity, which is why Robert’s undertaking has spread to the Lancelot-Grail cycle where it served as the foundation of celestial chivalry. This dissertation consists of three main parts. In the first one, we examine the occurrences of the « Holy Grail » expression in the selected books. Furthermore, we go deeper in our analysis of the Grail tradition embodied by Robert de Boron. In the second part of the thesis, we focus of the figure of Robert, by studying some biographical information, his status as a writer and the nature of medieval authority and authorship. The last section of our work gives us the opportunity to set the literary myths in context to show that they are transformed into socio-historical myths through both secular and clerical discourses in the Arthurian romances.

Coubertin avait souhaité organiser les premiers Jeux de l’ère moderne à Paris en 1900 dans le cadre de l’Exposition universelle ou en relation avec elle. Mais dès janvier 1894, le Commissaire général de cette Exposition universelle, Alfred Picard, a rejeté sa proposition, préférant organiser des concours d’exercices physiques et de sport sous le contrôle du comité d’organisation de l’Exposition, privant ainsi Coubertin des soutiens qui lui auraient permis d'organiser les Jeux olympiques. Il ne restait alors plus au président du CIO qu’à sauver les apparences, afin d’assurer la survie du mouvement olympique naissant. Il y a si bien réussi que le mythe des Jeux olympiques de 1900 perdure jusqu’à nos jours, entretenu, il est vrai, par le CIO lui-même. Cette thèse se propose de démêler le vrai du faux à propos des « Jeux olympiques » de 1900 qui, de fait, n’ont pas eu lieu. / Coubertin wished to organize the first games of the modern era in Paris in 1900, within the framework of, or in connection with, the World Fair. But from January 1894, Alfred Picard, the World Fair General Commissioner, rejected his proposal, rather choosing to organize physical exercises and sport competitions, thus depriving Coubertin of the supports who would have allowed him to organize Olympic Games. Therefore the only solution left for the IOC President was to keep up appearances, in order to ensure the survival of the rising Olympic movement. He made it so well that the myth of the 1900 Olympic Games still goes on, a myth preserved by the IOC itself. The purpose of this thesis is to separate fact from fiction about the so-called 1900 “Olympic Games” which n fact never occurred.

Le présent mémoire a pour but de contextualiser et d’analyser Visions du Canada, une série de douze paysages représentant chaque province et territoire du pays. Commandés par la Société canadienne des postes en 1982 au peintre québécois Jean Paul Lemieux, ils sont émis en 1984 dans le cadre de Jour du Canada, une série annuelle visant à souligner la fierté et l’appartenance nationale lors de la fête du Canada. Les paysages variés et colorés d’apparence sereine, réalisés dans un style semi-classique, exhibent l’image d’un Canada uni, égalitaire et diversifié. Le contexte historique et politique dans lequel ils sont produits lève toutefois le voile sur une réalité plus complexe, puisque l’échec du référendum sur la souveraineté en 1980 et le mécontentement des Québécois face aux conditions du rapatriement de la Constitution en 1982 accentuent les clivages culturels entre le Québec et le reste du Canada. La nature présentée dans Visions du Canada est alors envisagée par le gouvernement fédéral comme la source de l’unité nationale. En commandant au peintre québécois des œuvres conçues pour être diffusées à l’échelle nationale, le gouvernement, par l’entremise de la Société canadienne des postes, brouille en fait les dichotomies entre l’identité québécoise et canadienne. Les fonctions intrinsèques du timbre permettent par la suite de rendre ce message accessible à tous les Canadiens. Ainsi, l’analyse des œuvres de Visions du Canada révèle une perception plus nuancée et plus complexe du paysage canadien. Les interrogations qui ponctuent la carrière de Lemieux, comme la relation entre l’Humain et l’univers et l’angoisse face à la modernisation, viennent également remettre en question les mythes de la coexistence avec la nature et de la nordicité qui affirment l’unité du pays. / The purpose of this thesis is to contextualize and analyse Visions du Canada, a series of twelve landscapes representing the country’s provinces and territories. Commissioned to Quebec painter Jean Paul Lemieux by the Canada Post Corporation in 1982, they are issued in 1984 as part of Canada Day, an annual series designed to highlight national pride and belonging on Canada Day. Created in a semi classic style, these varied, colourful, and serene-like landscapes display a united, equal and diverse image of Canada. However, the historical and political context in which they are produced reveals a more complex reality. Indeed, the failure of the 1980 referendum on sovereignty and the Quebecers’ dissatisfaction with the terms of the Constitution’s patriation in 1982 fuel the cultural divide between Quebec and the rest of Canada. In Visions du Canada nature creates the basis for national unity as envisioned by the federal government. By commissioning works designed for national dissemination to the Quebec painter, the government, through the Canada Post Corporation, thus blurs the dichotomy between Quebecer and Canadian identity. The stamp’s intrinsic functions then render this message accessible to all Canadians. Therefore, an analysis of Visions du Canada reveals a more nuanced and complex perception of the Canadian landscape. The questions that punctuate Lemieux’s career, such as the relationship between the human being and the universe and the anguish in front of modernization, also challenge the myths of coexistence with nature and northerness that sustain the country’s claim to unity.

Dans notre société où la mort est taboue, où le deuil doit être vécu en cachette et le sujet évité dans les sphères publiques, deux sphères ont cependant le loisir de l’aborder de manière attendue : la religion et l’art. L’art qui a retenu mon attention est le jeu vidéo pour sa capacité à mettre le joueur au contrôle de sa mort. Chaque œuvre vidéoludique présente un univers différent et chacune traitera différemment le joueur lorsqu’il échoue à une tâche. En m’intéressant à ces punitions et aux morts numériques qui en découlent, je traite de l’imaginaire mythique auquel est confronté le joueur en jouant à des jeux vidéo. Ce mémoire se découpe en quatre chapitres. Le premier chapitre pose les thématiques et les concepts opératoires de la recherche. Une première section porte sur le jeu, puis plus spécifiquement sur le jeu vidéo. Une fois les définitions posées, je me suis intéressé à la possibilité du jeu à influencer le joueur. Dans une deuxième section, j’aborde la mort ainsi que les discours sur celle-ci (eschatologiques) et je commence à l’associer avec le jeu vidéo. Dans le deuxième chapitre, j’aborde la problématique, à savoir que si la plupart des arts présentent une mort définitive, le joueur ne peut mourir dans le jeu vidéo. Cette problématique s’articule autour de la notion de l’évolution et de l’atteinte de l’immortalité. Le troisième chapitre présente mon cadre théorique et ma méthodologie. J’explique la formation de mon corpus de jeux vidéo et j’explique comment il a été analysé. Le jeu vidéo est appréhendé comme un récit mythique capable de nous informer sur les mystères de la mort. Dans ce contexte, j’utilise la mythanalyse développée par Gilbert Durand pour déterminer dans chacun des jeux le rapport entre le joueur et la mort. Le dernier chapitre présente mes résultats en regroupant les jeux par types. Je présente le rapport entre le joueur et la mort dans chacun des types ainsi que dans les jeux présentant un rapport unique à la mort. / In our society where death is a taboo, where mourning must be lived in secret and the topic avoided in public spheres, two spheres have the leisure to approach it without difficulty: religion and art. The art that caught my attention is the video game for its ability to put the player in control of his death. Each video game presents a different universe, and each will treat the player differently when he fails a task. By taking an interest in these punishments and the digital deaths that ensue, I examine the mythical imaginary that the gamer faces while playing video games. This thesis is divided into four chapters. The first chapter sets out the themes and concepts of my research. The first section deals with games, then more specifically with video games. I then address the ways by which the game can influence the player. In a second section, I discuss death and the discourses on it (eschatological) and I begin to associate it with video games. In the second chapter, I develop my problematic, namely that if most of the arts present a final death, the player cannot truly die in video games. This issue is woven around the notion of evolution and the attainment of immortality. The third chapter presents my theoretical framework and my methodology. I explain the formation of my video game corpus and explain how it was analyzed. The video game is understood as a mythical story capable of informing us about the mysteries of death. In this context, I use the mythanalysis developed by Gilbert Durand to determine in each game the relationship between the player and death. The last chapter presents my results by grouping the games by type. I present the relationship between player and death in each of the types, as well as in the games with a unique relationship to death.

Depuis le début de la crise des réfugiés en Europe en 2014, nous observons une montée du nationalisme au sein de l’Union européenne. L’apparition de groupes nationalistes et anti-migrants nous montre cette tendance, puisque même en Allemagne, l’Alternativ für Deutschland, un parti d’extrême droite s’est implanté dans l’espace politique. L’Union européenne fait présentement face à une crise d’identité, selon Thierry Chopin de la fondation Robert Schuman et Gérard Bouchard, de l’institut Jacques-Delors. Selon eux, l’Union devrait puiser dans les différents mythes nationaux ayant déjà une forte résonnance au sein des différents pays-membres plutôt que d’en inventer de nouveaux. Le mythe d’Andreas Hofer est un bon exemple de ce phénomène. Le héros de la rébellion de 1809 contre l’occupation bavaroise au Tyrol jouit d’une forte popularité au Tyrol et au Tyrol du Sud, en Italie. Son nom se retrouve sur des enseignes d’auberge, sur des panneaux de rue, et de multiples statues peuplent le paysage tyrolien. Depuis 1984, le mythe de ce héros est entré dans une phase de changement : il est désormais possible de remettre en question la trame du mythe et des événements y étant liés, bref, de douter. À l’aide d’articles de journaux concernant le mythe et ses diverses manifestations (événements culturels, expositions dans divers musées, célébrations, débats politiques, etc.), nous tracerons l’évolution du mythe d’Andreas Hofer depuis l’entrée de l’Autriche au sein de l’Union européenne. Nous observons l’évolution du mythe en trois phases : celle de la modernisation, de la consolidation lors des célébrations du 200ième anniversaire de la rébellion de 1809, et, finalement, celle de l’européanisation. Nous démontrerons ainsi que, contrairement à ce que pensaient plusieurs chercheurs sur le sujet, le mythe est encore très présent aujourd’hui. / Since the European refugee and migrant crisis began in January 2015, nationalism has grown in popularity again across Europe. The number of nationalist parties and anti- migrant movements have increased to a point where there is once again a far-right movement, the Alternativ für Deutschland, in Germany; something thought impossible until recently. The EU itself is facing an identity crisis, as identified by Thierry Chopin of the Robert-Schuman Foundation and Gérard Bouchard of the Jacques-Delors Institute. Both scholars have argued that, instead of creating new national myths to bolster its political support, the EU should exploit existing ones, and indicated that they might already be doing so. Still, the extant literature does not explain how this mythological reframing influences local, mediated discourses and policies. Therefore, the Euroregion of Tyrol- South-Tyrol-Trentino’s Andreas Hofer mythology and its impacts are still strong candidates for study. Indeed, Hofer, who was called the “rebel of the Alps” during the Napoleonic wars, has always enjoyed high popularity in both Tyrol and South-Tyrol in Italy, where his name is on street signs, hotels, and the many statues dedicated to him. Since 1984, Hofer mythology shifted in ways that challenged its traditional narratives. This shift was accomplished, in part, by newspaper articles covering the myth and its various manifestations (e.g., museums, cultural events, and other celebrations). Therefore, the current study traces the myth’s evolution back to Austria’s entry into the EU in 1995 to demonstrate that this folk-hero mythology underwent three stages of development: 1) Modernization, where the myth took on new forms to fit its current local contexts; 2) consolidation, where this new Hofer-imagery coalesced during the rebellion’s 200th-year celebrations in 2009, and, finally; 3) Europeanization. We conclude that, in this final stage, contrary to popular scholarly belief, Hofer and his mythology are still very salient topics and political tools in, not only the Euroregion, but now, also across the whole of Europe.