Ce mémoire porte sur l’instrumentalisation politique de la figure du compositeur Giacomo Puccini (1858-1924) et de ses œuvres, plus spécifiquement Turandot (1926), pendant la période fasciste en Italie (1922-1945). Il traite de la dichotomie entre tradition et modernité présente dans la propagande culturelle fasciste, notamment dans la réappropriation du mythe de Puccini à la suite de son décès en 1924, puis de façon exacerbée dans l’utilisation politique de Turandot, plus particulièrement au moment de la création de l’opéra en 1926. Cette recherche repose sur l’étude de la presse italienne et des revues culturelles de l’époque afin d’analyser la manipulation du discours entourant la figure de Puccini. L’exploitation de son statut de compositeur national, le développement de son image d’homme du peuple et l’exaltation de son génie musical, vu à la fois comme universel et italien, ont permis aux représentants du régime d’héroïser Puccini selon les divers idéaux fascistes. Ultimement, ce mémoire vise à montrer comment Puccini a fait l’objet d’une récupération idéologique afin de favoriser un consensus populaire et une consolidation identitaire permettant la légitimation du pouvoir mussolinien. Ce cas de figure exemplifie les effets de la rhétorique et des mécanismes culturels d’une hégémonie totalitaire dans la vie musicale d’une nation. / This thesis explores the political appropriation of composer Giacomo Puccini (1858-1924) and his operas during the fascist period in Italy (1922-1945). It highlights the dichotomy created by the regime’s insistence on both tradition and modernity in its cultural propaganda, as mirrored in the reinterpretation of the myth surrounding Puccini after his death in 1924—particularly in the political use of Turandot after the opera’s 1926 premiere. Based on a detailed study of the Italian press of the time and of cultural magazines controlled by the regime, this research analyzes the manipulation of the discourse surrounding Puccini’s image in fascist Italy. Party members exploited Puccini’s myth by insisting on his status as a national Italian composer, his image as a man of the people, and his musical genius, considered as both universal and quintessentially Italian. Through this rhetoric, Puccini became a standard-bearer of fascist ideology, praised both as a composer of the great Italian opera tradition and as a highly modern creator. Ultimately, the aim of this thesis is to understand how Puccini was subjected to an ideological appropriation that legitimized fascist authority by fostering social consensus and establishing a strong Italian collective identity. Puccini’s case exemplifies the effects of a totalitarian regime’s rhetoric and cultural mechanisms on the musical life of a nation.

Cette thèse porte sur les codes sémantiques chez Ounsi el-Hajj et Georges Jurdaq en comparant leurs écrits entre le journalisme et la littérature. La thèse traite le rôle de la presse dans la propagation du symbole et du symbolisme dans le mouvement de la littérature. Ounsi el-Hajj et Georges Jurdaq se sont servi et ont profité de la presse pour pouvoir investir les symboles dans leurs essais. Ces symboles deviennent des moyens pour exprimer des intentions de traiter l’histoire, la religion, le mythe et le patrimoine. La thèse aborde les symboles et leurs significations chez les deux écrivains-journalistes ; le symbolisme ne se limite plus à la poésie uniquement en raison de l'ambiguïté qu’il entretient mais il la dépasse pour atteindre la littérature et en particulier la littérature de l’essai. / This thesis deals with the semantic codes used by Ounsi el-Hajj and Georges Jurdaq and it compares their writings between journalism and literature. The thesis deals with the influence of the press in the propagation of symbolism in the movement of literature. Ounsi el-Hajj and Goerges Jurdaq took advantage of the press to be able to invest symbols in their essays. These symbols become means of expressing intentions to deal with history, religion, myth and heritage. The thesis deals with the symbols and their meanings used by the two writers-journalists; symbolism is no longer restricted to poetry solely because of the ambiguity it maintains but it goes beyond it to reach literature and especially the literature of the essay.

La crise environnementale a bouleversé la vie de l’homme et toutes ses activités. L’écologie a essayé de trouver des solutions aux problèmes qui nous assaillent, mais elle reste toujours dans le même logos qui nous a mis dans ces difficultés. La théologie, quant-à elle, s’est intéressée depuis peu de temps à cette question. Elle a répondu aux reproches qui lui ont été adressés avec une théologie renouvelée de la création. Notre auteur, Raimon Panikkar, propose de compléter cette approche avec une nouvelle théologie trinitaire. C’est ce qu’il a appelé l’« intuition cosmothéandrique » qui établit une relation étroite et constitutive entre Dieu, l’homme et le cosmos. Cette intuition implique de prêter une attention particulière à la sagesse. Il s’avère donc urgent que l’écologie chemine de pair avec l’écosophie. Dans ce but, il conviendrait que l’homme cultive les vertus qui lui permettront de retrouver son lien avec les autres dimensions de la réalité. Cette nouvelle approche a deux corollaires fondamentaux : une éthique et une théologie politique écosophiques, que nous nous proposons de développer pour prolonger la pensée de Panikkar. / The environmental crisis has disrupted the lives and activities of man. The ecological movement has proposed solutions to the problems we face, but it always uses the same Logos that got us into these difficulties. Theology, however has focused on this question only recently. It answered to criticisms with a renewed theology of creation. Our author of interest, Raimon Panikkar, proposes to complement this approach with a new Trinitarian theology. What he called the “cosmotheandric intuition” establishes a constitutive close relationship between God, man and the cosmos. This intuition means paying special attention to wisdom. It is therefore urgent that ecology walks hand in hand with ecosophy. To this end, mankind ought to cultivates the virtues that will allow it to reconnect with the others dimensions of reality. This new approach has two fondamental corollaries : an ecosophical ethics and a ecosophical political theology, that we intend to develop in order to prolong on Panikkar’s thought.

Ce mémoire porte sur la récupération politique de la figure et des œuvres du compositeur Giuseppe Verdi (1813-1901) pendant la période fasciste en Italie (1922-1943), et plus précisément à l’occasion des manifestations relatives aux célébrations du quarantième anniversaire de sa mort en 1941, alors que l’Italie est en guerre contre la France et l’Angleterre. Le premier chapitre explore le développement du mythe de Verdi, et montre comment le compositeur est graduellement transformé en héros national pour devenir une icône de l’art lyrique italien, s’inscrivant dans un effort de glorification du passé pour la promotion d’un esprit nationaliste italien pour, ultimement, attester de la suprématie du pouvoir fasciste. Le deuxième chapitre propose une étude de l’organisation des festivités de 1941; il se penche aussi bien sur les événements musicaux que sur les discours et les publications, pour ensuite présenter une analyse plus approfondie des célébrations organisées à Parme. Il y est question de la riche réception des manifestations, qui assurent l’entretien et la fortification du mythe verdien. Le troisième chapitre analyse les éléments discursifs entourant les festivités, afin de démontrer que l’encensement de la figure de Verdi suit diverses lignes de force qui convergent vers la représentation fasciste de la civilisation italienne. Par l’exploitation des sujets nationalistes véhiculés dans ses opéras, la restitution de son image révolutionnaire et patriotique et l’exaltation de son génie, présenté comme étant à la fois italien et universel, les adhérents du régime ont entretenu et développé le mythe Verdi selon le canon de l’idéologie fasciste. Le but ultime de ce mémoire est de montrer comment, pendant la période fasciste et plus particulièrement au cours des célébrations de 1941, Verdi a fait l’objet d’une récupération idéologique visant à appuyer la légitimité du pouvoir en place pour créer une hégémonie favorable au climat de consensus nécessaire au régime en temps de guerre. / This thesis focuses on the political recovery of the figure and works of the composer Giuseppe Verdi (1813-1901) during the fascist period in Italy (1922-1943), and more specifically in 1941 during the celebrations commemorating the fortieth anniversary of his death, a moment in time which coincided with Italy’s war against France and England. The first chapter explores the development of Verdi’s myth and sheds light on how the composer was gradually transformed into a national hero to become an icon of Italian opera. This was part of a wider effort to glorify the past in order to promote an Italian nationalist spirit, and ultimately, attest to the supremacy of the fascist power. The second chapter studies the organization of the festivities of 1941; it examines musical events as well as speeches and publications, and presents a more in-depth analysis of the celebrations organized in Parma. It deals with the rich reception of the manifestations, which assure the maintenance and the fortification of the Verdian myth. The third chapter analyzes the discursive elements surrounding the festivities, in order to demonstrate that the exalting of Verdi’s figure follows various lines of force that converge towards the fascist representation of the Italian civilization. By exploiting nationalist subjects conveyed in his operas, restoring his revolutionary and patriotic image and exalting his genius, presented as being both Italian and universal, the adherents of the regime maintained and nurtured a Verdian myth according to the fascist’s cannon. The ultimate goal of this thesis is to show how, during the fascist period and more specifically during the celebrations of 1941, Verdi was subjected to an ideological appropriation that aimed, on the one hand, at given the legitimacy to the fascism authority and on the other, establish a climate of social consensus essential to the exercise of power during wartime.

Comment donner à voir l’irreprésentable, la contradiction et le paradoxe — et pourquoi le faire ? Pour Marguerite Duras, dont l’œuvre est porteuse d’apories, la réponse à cette interrogation fondamentale se trouve dans l’écriture littéraire. Dans ce mémoire, nous interrogerons la notion de souveraineté (Menke) du littéraire, qui permet de penser la mise en tension des discours non esthétiques (soit historiques, judiciaires, journalistiques, par exemple) dans l’œuvre de Duras, ainsi que l’engagement de l’auteure par son écriture, qui seule peut porter ses prises de positions contraires et violentes, mais aussi « le deuil noir de toute vie, le lieu commun de toute pensée ». Dans un premier temps, nous étudierons la singularité de l’engagement de Duras ; si l’engagement politique dans sa vie publique est marqué par de nombreux remous, nous pourrons observer, à partir de l’analyse du texte « Sublime, forcément sublime Christine V. » (1985), comment apparaît en contrepoint un engagement (Sartre, Barthes) par la littérature dans l’écriture de l’auteure. Cette écriture est également porteuse d’une certaine faculté oraculaire, instaurant la voyance est aux sources de la souveraineté de la littérature. Par l’étude du texte « La mort du jeune aviateur anglais » (1993), nous traiterons dans un deuxième temps de la particularité de la posture et de l’énonciation (Meizoz) de Duras, ainsi que de la possibilité de la confrontation de l’aporie que lui offre le discours littéraire. L’appropriation de la parole de l’autre et de la parole du mort se fait dans ce texte au profit du récit mythique, évacuant les dimensions historiques et documentaires du témoignage afin de tendre plutôt vers une parabole universalisante. Enfin, à travers une analyse de La douleur (1985) et de son paratexte, nous verrons comment la réécriture de ses textes avant leur publication permet d’y inscrire un engagement affirmé, correspondant davantage au projet d’engagement littéraire que Duras tisse dans les dix dernières années de sa carrière. L’écriture de Duras dans cette œuvre montre comment le discours littéraire peut représenter la faillite de la pensée et des autres discours. Cette mise en crise des discours et de la pensée, que l’on retrouve au sein des trois textes à l’étude, nous permettra de penser la souveraineté du littéraire dans l’écriture de Marguerite Duras. / How can one show the unspeakable, contradictions and paradoxes — and why would one attempt to do so ? For Marguerite Duras, whose work carries aporias, the answer to this fundamental question lies in literary writing. In this dissertation, we will question the notion of literary sovereignty (Menke), which allows us to think the crisis of non-aesthetic discourses (historical, judicial, journalistic, for example) in Duras' work, as well as the engagement of the author through her writing, which alone can bear her opposing and violent positions, but also "the black mourning of life, the commonplace of all thought". First, we will study the singularity of Duras' engagement ; if the political engagement in her public life is marked by many upheavals, we will be able to observe, from the analysis of the text "Sublime, forcément sublime Christine V." (1985), how an engagement (Sartre, Barthes) through literature appears in the author's writing. This writing also bears a certain oracular capacity, establishing clairvoyance as one of the sources of literary sovereignty. Through the study of "La mort du jeune aviateur anglais" (1993), we will then explore the particularity of the posture and enunciation (Meizoz) of Duras, as well as the possibility of the confrontation of aporia that literary discourse offers. The word of the other and the word of the dead is appropriated for the benefit of the mythical narrative, evacuating the historical and documentary dimensions of testimony in order to move towards a universalizing parable. Finally, through an analysis of La douleur (1985) and its paratext, we will see how the rewriting of texts before their publication inscribes them in an strong commitment, more akin to the project of literary engagement that Duras weaves in the last ten years of his career. Duras' writing in this work shows how literary discourse can represent the crisis of thought and of other discourses. This crisis of discourse and thought, which can be found in the three texts studied in this dissertation, will allow us to think about literary sovereignty in Marguerite Duras' writing.

Ce mémoire explore la construction d’un discours mythologique à travers les films de superhéros, dont la production a explosé après les évènements du 11 septembre 2001. La perspective généalogique proposée retrace la figure du superhéros dans les comics des années 1900 pour en suivre l’évolution jusqu’à aujourd’hui dans le cinéma hollywoodien. On montrera comment les évènements du 11 septembre 2001 ont été déterminants dans la production de ce type de films, dont on dégagera les principales caractéristiques : un contenu fortement mythologique, prenant appui sur le mal absolu, et une fonction idéologique, axée principalement sur celle de cohésion sociale. Une étude de cas à partir de Batman relèvera la teneur mythologique et les idéologies présentes dans quatre films, réalisés entre 1943 et 2012. Les écrits de Gérard Bouchard sur le mythe social, ainsi que les thèses de Robert Jewett et John Shelton Lawrence sur le monomythe américain, serviront d’appuis théoriques et critiques à la démonstration de la prégnance de ce type de film dans l’imaginaire cinématographique étatsunien depuis 2001. / This essay examines the construction of a mythological discourse by analyzing superhero movies, a genre whose popularity exploded after the terrorist attacks of September 11, 2001. This essay traces back the origins of the superhero figure through the history of the comic book medium in the 20th century all the way to contemporary Hollywood cinema. We will demonstrate how the terrorist attacks have been central to the production of this type of movie, of which we will examine the most important characteristics: a strongly mythological content, supported by a representation of absolute evil, and an ideological function, mainly based on the principle of social cohesion. A case study on the character of Batman will be able to show the mythological content and the ideologies present in four movies, produced between 1943 and 2012. The writings of Gérard Bouchard on the social myth as well as the theories of Robert Jewett and John Shelton Lawrence on the American monomyth will be used to demonstrate the importance of this type of movie in the American culture since 2001.

Cette thèse en création littéraire est centrée sur le mot « bohème » et sur l’imaginaire que ce terme conjure. Le premier volet de la thèse, soit son aspect théorique, trace l’évolution de l’imaginaire qui auréole le mot « boesme » depuis ses origines gitanes jusqu’à son éclosion en symbole de l’écrivain. Malgré les déclarations répétées que « la bohème ne veut plus rien dire du tout », l’argument fondamental de cette thèse est que la « bohème » constitue une configuration mythique, à tendance initiatique, qui demeure pertinente aujourd’hui. Le deuxième volet, soit l’apport créatif de cette thèse, consiste en un court roman épisodique intitulé Chimères. Cette création actualise le mythe de la bohème en l'illustrant au sein d’histoires propres à notre époque, tout en calquant sa structure sur celle des Scènes de la vie de bohème d’Henry Murger (1851), roman central au mythe de la bohème littéraire. Le troisième et dernier volet constitue une réflexion sur l’évolution de cette thèse, sur le rôle caché des mythes dans nos vies ainsi que sur la transformation qu’ils opèrent sur nous. Combinant recherche universitaire et créativité subjective, cette thèse illustre et incarne un processus d’initiation. Passer d’une naïveté chimérique à une sagesse plus réaliste, céder le personnage au profit de la personne, c’est à la fois le processus et la fin de la bohème, soit l’atteinte de la transformation qu’elle recèle. Néanmoins, il résulte de ce travail la conclusion que, telle la jeunesse même, la bohème sera toujours apte à être régénérée et toujours sera-t-elle condamnée à passer.

Jean Cousin a suscité différentes formes de réception, révélatrices des enjeux discursifs des historiographes. De même, l’analyse critique des textes qui ont été produits sur l’Eva prima Pandora a fait émerger plusieurs problématiques inhérentes au processus de l’interprétation des œuvres d’art, au discours produit sur la peinture. À partir d’un contexte documentaire lacunaire, qui concerne autant le peintre que son tableau, les auteurs ont crée des fictions révélatrices de leur orientation méthodologique et des attentes de leur époque d’expression.Nous porterons donc un regard critique sur la construction mythique de l’image de l’artiste qui s’est opérée dans les différents textes consacrés à la vie et à l’œuvre de Jean Cousin. De même, à travers les propositions sémantiques qui ont été faites de la peinture, nous mettrons en évidence les présupposés théoriques et méthodologiques du discours produit par les interprètes, afin de montrer les limites de leur démarche. Partant de ce constat, prenant en compte les différentes pistes de réflexion récemment ouvertes par l’histoire de l’art, nous étudierons l’Eva prima Pandora, en portant notre attention sur le VOIR, sur le processus de création picturale, sur la nature des intentions de Jean Cousin alors qu’il peignait l’Eva prima Pandora. / Jean Cousin has generated various forms of reception, reveling the discursive stakes in the historiographers. Also, the critical analysis of the texts which were produced on the Eva prima Pandora brings to the foreground several problematics inherent to the process of the interpretation of works of art, to the discourse produced on painting. From an incomplete documentary context, which concerns as much the painter as his painting, the authors created revealing fictions of their methodological orientation and of the expectation of their period of expression. We will thus wear a critical look at the mythical construction of the image of the artist that took place in the differents texts devoted to the life and the works of Jean Cousin. In the same way, through the semantic propositions that have been made on the painting, we will highlight the theoretical and the methodological presuppositions of the discurse produced by the interpreters, in order to show the limits of their approach.Leaving of this report, taking into account the differents tracks of reflexion recently opened by the history of art, we will study the Eva prima Pandora by paying our attention to de SEE, to the process of picturial creation, to the nature of intentions of Jean Cousin while painting the Eva prima Pandora.

En quoi l'expérience des images permet-elle une certaine autonomisation de soi ? Vaste question d'où gît derrière le désir ambitieux de démontrer à l'heure de la diffusion pléthorique des informations visuelles les voies édificatrices d'un spectateur à la rencontre d'images. Nous supposons que les agencements fictionnels capables d'entrouvrir la voie d'une reconnaissance du monde dans une complexité omise dans nos habitudes inconscientes et dans les manifestations quotidiennes de la pensée reposent sur le caractère indéterminé des images de cinéma. Notre étude se découpe en deux mouvements, à savoir l’immersion fictionnelle – l’accès – et la réorganisation des perceptions de représentation en promesse du savoir – le destin du voir. Après avoir exploré, au moyen d’une posture cavelienne, en quoi le cinéma est-il un procédé moderne qui ouvre des espaces perceptifs qui relayent le regard ordinaire de l’Homme à une appréhension cinématographique du réel, nous proposons d’étudier comment les ressorts expressifs confondants des images du cinéaste Andrei Zviaguintsev produisent-elles un jeu des images qui inquiètent le voir empêchant le témoin à s’adonner à une perception littérale de la réalité. Dans un second temps, par souci d’approfondir les analyses soumises précédemment, nous avançons l’idée que les écueils disposés à toute perception littérale d’une simple illustration de la réalité ambiante, sont le produit d’un regard défiant le nôtre dans un face-à-face où la façade des choses se dévoilent dans un voile obscur qui déshabillent les objets de toutes significations socialement appliquées pour mieux stimuler l’activité mitotique des images rappelant le témoin à reconstituer de ses propres sens une seule image du monde. / In what way does the experience of the images allow a certain autonomization of on e self ? Vast question from where lies behind the am b itious desire to demonstrate at the time of the plethoric diffusion of the visual information the edifying ways of a spect ator to the meeting of images. We suppose that the fictional arrangements able to open the way of recognition of the world in a complexity omitted in our unconscious habits and in the daily manifestations of the thought rest on the indeterminate character i stic of the cinema images ; Our study is divided into two movements, namely the fictional immersion the access and the reorganization of the perceptions of representation in promise of knowledge the destiny of seeing. After having explored, by means of a Cavellian posture, in what the cinema is a modern process which opens perceptive spaces which relay the ordinary eye of the individual to a cinematographic apprehension of the real, we propose to study how the confoundi ng expressive motives of the images of the director Andrei Zviaguintsev produce a play of the images which worries the “seeing” preventing the witness from indulging in a literal perception of reality. In a second phase, by concern to deepen the analyses submitted previously, and this, always with reference to Zviaguintsev’s images, we put forward the idea that the pitfalls disposed to any literal perception of a simple illustration of the surrounding re ality, are the product of a gaze that questions ours in a face to face encounter where the façade of the projected things reveals itself in an obscure veil that strips the objects of all socially applied meanings in order to better stimulate the mitotic ac tivity of the images that call for the sensitive reconstitution of a unique image of the world.

Cette thèse est composée de trois parties de tailles inégales. Au centre, une pièce de théâtre intitulée Néron. Cette pièce décrit l’histoire d’une révolte ratée. Néron, nouvellement empereur, peine à concilier ses aspirations artistiques aux impératifs du pouvoir. Des sénateurs conspirent à le remplacer. Chaque personnage ambitionne de mener la prochaine révolution qui portera Rome vers une nouvelle gloire. Aucun d’entre eux ne réussira. Les augures promettaient un âge d’or ; Néron, conseillé par un mauvais génie, précipitera la chute de l’empire. Ce projet de création est suivi de quelques commentaires dans lesquels je dévoile mes sources d’inspiration et je précise certaines idées du texte. Néron est-elle une pièce romantique ? Quelle différence entre Néron et le Caligula d’Albert Camus, le Britannicus de Racine et le Lazarus Laughed de Eugene O’Neill ? Comment adapter l’intrigue à la langue québécoise ? La majorité de la thèse est constituée par la longue étude théorique qui précède la pièce. Cette étude porte sur la révolte politique. Sont examinées les raisons qui contribuent à invalider ses prétentions, quitte à expliquer pourquoi il arrive que cette révolte débouche sur une impasse et qu’elle se termine par un échec. Une révolte prétend changer une situation. Est-elle la seule à militer au nom des principes qu’elle a élus ? Au fil du temps, ces principes se répètent-ils ? Risque-t-elle d’imiter ce qu’elle se jurait de changer ? Comment négocie-t-elle la part inhérente d’aventurisme de son projet ? Comment justifie-t-on la violence révolutionnaire ? Les artistes et les intellectuels ont-ils un rôle fondamental ou subalterne à jouer dans cette révolte ? Les images et les symboles auxquels elle a recours ont-ils un contenu idéologique qui leur est propre ou les détourne-t-elle à des fins polémiques ? Peut-on mener une révolte politique en dehors du champ politique ? S’appuyant, notamment, sur les écrits de Max Weber, Hannah Arendt, Raymond Aron, Michel Foucault, Marcel Gauchet et Marc Angenot, cette étude reconstruit les phraséologies politiques de la révolte pour mieux mettre en valeur certains des défis structurants auxquels elle doit faire face.