Notre recherche se situe sur la base d’une approche interdisciplinaire venant à la fois de l’art vivant du théâtre – avec la notion de théâtralité – et de la phénoménologie du corps selon Maurice Merleau-Ponty, laquelle nous permet d’accomplir une lecture phénoménologique de la théâtralité du geste présente dans le récit johannique pour penser une théologie poétique du geste. Nous reconnaissons une autorité première au récit johannique pour y discerner l’apparition d’un logos de la relation entre le Père, le Fils et l’Esprit Saint en lien avec les disciples. L’horizon de notre recherche relève d’une poétique du geste. Nous cherchons à resituer la poétique dans son sens premier de l’acte de faire (poiein) qui désigne une opération expressive du corps en train de s’accomplir. Cette lecture de la poétique en tant qu’acte en train de se faire, nous permet de reconnaître un logos sous-jacent au geste qui se montre et se fait connaître en son état naissant. Une telle poétique concerne la théâtralité du corps. En effet, nous ne nous limitons pas à explorer le phénomène de la théâtralité corporelle sous-jacent au récit johannique (l’analyse de la théâtralité), mais nous cherchons à reconnaître une pensée poétique du corps qui se montre in statu nascendi à travers la théâtralité johannique. / Our study utilizes an interdisciplinary approach emerging from both the living art of theater - with its implicit notion of theatricality - and Maurice Merleau-Ponty’s phenomenology of the body. This double approach allows for a phenomenological reading of the theatrical gesture found throughout the Johannine narrative. We can then proceed from there in our foundation of a poetical theology of the gesture. We begin by recognizing the Johannine narrative’s primary authority: there we discern the emergence of the logos of the relationship between the Father, the Son and the Holy Spirit in connection with the disciples. This particular discernment takes place against the broader horizon of a poetics of the gesture. We then resituate the ‘poetic’ in its etymological sense as ‘the act of doing or making (poiein)’. This originating context highlights the ‘poetical’ as an expressive action of the body that is in process toward completion. This reading of the poetic as an action in the process of making [or doing] then allows us to recognize a logos underlying the bodily gesture that reveals itself and makes itself known in its nascent state. Such a poetics concerns the very theatricality of the body itself. Indeed, we do not limit ourselves to exploring the phenomenon of bodily theatricality underlying the Johannine narrative (i.e., an analysis of theatricality). Rather, we seek to uncover a poetical thought of the body manifesting itself in its nascent state – in statu nascendi – by means of Johannine theatricality.

L’étude du thème de la nourriture conduit à analyser trois fonctions de l’alimentation dans l’œuvre de Cohen. La première, indissociable du cadre de la diégèse, concerne le cérémonial inhérent à la mise en scène des repas. Selon qu’ils se déroulent dans le milieu occidental ou au sein du groupe des Valeureux, ces moments de consommation débouchent rapidement sur une caractérisation des personnages et sur une mise à jour des liens socio-culturels qui les unissent ou les séparent. Partager un déjeuner ne constitue donc pas un simple geste de convivialité. C’est une action qui peut tendre vers la spiritualité d’une communion ou consacrer la rupture irrémédiable avec autrui. Mais c’est lorsque l’on quitte la table pour s’intéresser aux faits alimentaires ponctuels, multiples dans l’œuvre, que la nourriture de Cohen devient riche de significations. Constituant un réseau de signes symboliques qui affleurent dans les textes, l’alimentation correspond à une nouvelle forme de langage qui exprime les obsessions les plus intimes. Mère, religion, amour, réflexion sur le temps et sur l’absurdité de la vie, tous les domaines s’évaluent à l’aune de la nourriture : celle du passé et des souvenirs — tour à tour regrettée ou indésirable — celle du présent qui oscille entre le plaisir de l’instant et une lassitude existentielle, celle d’un futur incertain, qui ne garantit qu’une promesse de désillusions. De cet univers aux sombres perspectives émerge pourtant une figure de « vainqueur éternel », celle de Mangeclous. Le personnage burlesque est, en effet, celui qui a le dernier mot. Capable de sublimer l’art de la cuisine, il élabore une poétique aux accents parodiques qui se joue de la farce de l’existence. C’est en passant par la création de cet ogre mythique que l’auteur confère au champ alimentaire son unique et véritable richesse. / Focusing on the theme of food in Albert Cohen’s works allows us to identify three basic functions for food. The first function, which cannot be dissociated from the diegesis, has to do with the ceremony inherent in the staging of meals. Whether they take place in a Western setting or within the group of the Valeureux, these episodes of consumption often lead to a characterization of the protagonists and a presentation of the sociocultural links that both unite and separate them. Sharing a meal is much more than just enjoying a moment of conviviality. It can as easily result in a spiritual communion as in an irreversible break with someone else. Yet, food takes on a deeper meaning when studied in its multiple punctual manifestations rather than within the context of meals. Coalescing into a network of symbolic signs, food offers a new form of language through which the most intimate obsessions can be expressed.Motherhood, religion, love, time or the absurdity of life are so many themes that can be analyzed through the motif of food – be it the food of the past (either desired or scorned), the food of the present, which both provides a brief moment of pleasure and occasions an existential ennui, or the food of an uncertain future, mostly synonymous with a feeling of disillusionment. Out of this universe of somber prospects,however, emerges the figure of Mangeclous, the “eternal victor.” Indeed the last word belongs to this burlesque character. In his ability to transcend the art of cooking, Mangeclous conjures up a poetics with parodic overtones that mocks the masquerade of existence. It is only in creating this mythical ogre that Cohen manages to imbue the motif of food with its true richness.

Cette thèse vise à analyser les rapports entre l’écrit et l’oral dans les deux premiers albums et recueils de Loco Locass. Il s’agira d’abord d’étudier, sur le plan sémantique, les relations établies entre les textes écrits et leurs homologues oraux afin de voir comment le passage d’un médium à l’autre engendre la polysémie qui à son tour soude les deux versions. L’interdépendance sémantique des textes oraux et écrits nous mènera ensuite à considérer la production de Loco Locass à l’aune de procédés textuels relevant soit de l’écrit soit de l’oral. Enfin, l’étude des caractéristiques génériques propres au rap d’une part et à la poésie d’autre part nous permettra de constater l’hybridité de notre corpus, qui remet en cause certains fondements théoriques tels que la binarité, trop souvent hermétique, entre l’oralité et l’écriture.

A partir d’un corpus exemplaire, ce travail vise à saisir l’élément poétique fondamental du roman français des années Trente, défini comme le genre dominant de l’époque : la volonté de « révolution spirituelle », fondée sur une poétique de la catastrophe. Une telle poétique doit être conçue comme la traduction littéraire d’un mouvement intellectuel général visant à dépasser le discrédit jeté contre la démocratie libérale, système organisationnel hérité des Lumières. A la suite des jeunes intellectuels non-conformistes, les auteurs étudiés attaquent l’Intelligence Bourgeoise – système dominant de normes et valeurs hyper-rationalistes – qui isole, divise et mutile les individus, à force d’abstraction stérile. Pervertie par les élites, l’Intelligence devient une force de dissociation menaçant la cohésion sociale. En réaction à l’excès de rationalisme délétère, un mouvement anti-intellectualiste se développe dont l’enjeu est la définition d’une nouvelle architecture conceptuelle – Intelligence Simple – capable de régénérer l’individu et de restaurer le lien social. Ce projet de nature éthique s’impose comme la norme littéraire dominante et commande le retour à l’engagement des écrivains. Que les romanciers marqués à gauche ou à droite envisagent la crise de l’Intelligence française comme une faillite de la démocratie libérale ou comme une décadence de la nation, au-delà des sensibilités idéologiques et politiques respectives, la poétique de la catastrophe réunit sur son programme l’ensemble des romanciers de la période / Based on an exemplary selection of works, this study’s goal is to capture the fundamental poetic element in the 1930s French novel, defined as the dominant genre of the time : the desire for a “spiritual revolution”, based on the poetic dimension of disaster. This poetic dimension should be considered the literary translation of a general intellectual movement, aimed at overcoming the discredit cast upon liberal democracy, an organizational system inherited from Enlightenment. In the wake of young non-conformist intellectuals, the authors studied attack Rational Intelligence – a dominant system of ultranationalist norms and values – which isolates, divides, and disfigures individuals through sterile abstraction. Perverted by the elites, Intelligence becomes a divisive force threatening social coherence. As a reaction to this excess of harmful rationalism, an anti-intellectual movement developed, devoted to defining a new conceptual architecture – Intuitive Intelligence – capable of reviving the individual and restoring social bonds. This ethical project stands out as the dominant literary norm, compelling writers to once more become involved. The novelists, whether leaning to the right or the left, may consider the French Intelligence crisis to be a failure of liberal democracy or as the result of national decadence, but above and beyond those respective ideological and political sensibilities, the poetics of disaster encompass all novelists of the time

"Mes transes à trente ans (Escapade ruandaise)" de l'écrivain rwandais Saverio Nayigiziki, est une œuvre exceptionnelle, qui occupe une place majeure dans le corpus littéraire du Rwanda. Notre étude de l'espace romanesque montre comment l'élément spatial est essentiel dans la construction narrative du roman. En nous situant dans le cadre de la narratologie, nous analysons les pratiques romanesques qui organisent l'espace représenté à partir des codes du réalisme. Ce travail est organisé en trois parties : la première est une étude analytique de l'organisation textuelle qui manifeste la spatialité selon les modes d'écriture de la description réaliste, d'une part, et en fonction de la langue, d'autre part. La seconde étudie la narrativisation de l'espace et les procédures narratives de sa mise en texte. Enfin, la dernière partie analyse la fonctionnalité diégétique de l'espace, dans ses rapports avec la structure romanesque. Toutes ces approches montrent comment l'espace du roman ne se présente pas comme un simple décor devant lequel se déroule une action mais plutôt comme un constituant narratif en lien étroit avec les personnages, avec leur évolution au fil du récit et avec le sens incertain de leurs pérégrinations à travers le Rwanda et les pays voisins / "Mes transes à trente ans (Escapade ruandaise)", Saverio Nayigiziki's great work, is an exceptional novel, of major importance in Rwanda's literature, but in African literary history too. This study of the novel shows how essential is the spatial dimension in the narrative and in the fiction as well. Using a narratological approach, it analyses the novelistic practices which organize spatial representations within the realistic literary tradition. Our dissertation has three parts. The first one analyses textual organisation which represents space according to realistic patterns, as they are known in french literature of the 19th century, and according to the language constraints. The second part is devoted to the links between space and the narrative systems. Finally, the third part is a study of the diegetic impact of spaces representations, and of the way the novel is structured with spatial informations. All those approaches show how space is not only, or not at all un stage setting for the story, but much more an essential part of textuality, which is nearly related to characters, events, and to the global meaning of this travel story through Rwanda and other lands of Africa's heart

L’objet de cette thèse est de montrer comment, en prenant invariablement appui sur la médiation des choses, Willa Cather confère à ses représentations d’espaces, à ses portraits de personnages et à la substance de son discours une densité et un relief qui rapprochent son écriture de l’art de la sculpture. Explorant pleinement le lien entre fictum et fingere, et forgeant des affinités nouvelles entre les mots et les choses, Cather inaugure une poétique des « trois dimensions ». Au sein de ses premiers romans et de ses nouvelles, Cather envisage les choses naturellement présentes au monde et celles que créent les personnages comme des intermédiaires concrets, permettant d’articuler un contact fructueux, mais respectueux, entre les êtres et l’espace et entre le discours et le monde sensible. Des vestiges Anasazi aux objets confectionnés par les pionniers et les artistes catheriens, dans l’Amérique du tournant du siècle, les choses constituent la base mais aussi l’horizon d’une approche véritablement poétique du concret. Au contact des outils et sous l’influence des mots, les terres de la Frontière, les paysages rocheux du sud-ouest et les grandes villes d’Amérique acquièrent une précision et une épaisseur sculpturales. En retour, les choses tangibles ou éthérées, ponctuant la trame du visible, influencent considérablement la forme et la teneur de la prose catherienne. Ecrivant en sculpteur, en orfèvre et en alchimiste, Cather élabore de surprenantes compositions langagières, qui non seulement renouvellent « les séductions qui nous viennent des choses » (Bachelard), mais qui confèrent aussi aux mots la densité et l’éclat de choses finement sculptées. / The aim of the thesis is to show how Cather constantly resorts to the mediating power of things in order to endow the representations of space, the portraits of her characters and the substance of her discourse with a sculptural density and relief. Exploring the link between fictum and fingere and inventing new forms of kinship between words and things, Cather creates an essential homology between her writing and the art of sculpture. According to her own words: “When a writer has a strong or revelatory experience”, he “gets a depth of picture and writes, as it were, in three dimensions instead of two”. Indeed, in Cather’s early novels and short-stories, natural and artificial things act as concrete intermediaries which pave the way for a fruitful yet respectful contact between her characters and space and between her discourse and the tangible world. From the Cliff-Dwellers’ relics to the artefacts crafted by the pioneers and artists in turn-of-the-century America, material things give rise to a genuinely poetic encounter with the real. Men’s tools and Cather’s words join to bring sculptural precision and depth to the Frontier territories, the canyons and mesas, as well as the outlines of cityscapes. At the same time, the tangible or ethereal things delineating the contours of the concrete world also shape Cather’s writing. Genuinely inspired by the sculptor’s, the goldsmith’s and the alchemist’s skills, Cather’s crafted prose not only renews “the seductive power of things” (Bachelard) or “the capacity for wonder” (Tanner), but also turns words into finely sculpted things.

Cette thèse porte sur l’écriture de Scholastique Mukasonga et Atiq Rahimi. Elle interroge principalement leurs écritures respectives à travers Notre-Dame du Nil, Inyenzi ou les cafards et Syngué sabour. Pierre de patience. Bien qu’amas de mots, ces trois œuvres participent d’une écriture du silence du point de vue esthétique et historique. Elle veut démontrer que face à l’horreur et au trauma, l’écriture du silence devient à la fois nécessaire et inévitable car le langage peine désormais à traduire la douleur d’un passé qui ne passe pas. Compte tenu de la difficulté du langage à traduire la souffrance et le trauma de la victime, le silence intervient comme une stratégie langagière qui permet de dépasser le dicible. Aussi, face à Adorno qui estimait que toute poésie après Auschwitz est barbare, la présente analyse démontre que l’écriture subsiste à l’horreur dans la mesure où elle tend, elle-même, vers l’absence et le silence comme le déclarait Blanchot. Pour cela, elle recourt à une esthétique qui allie silence et parole dans une expression qui permet d’atteindre l’indicible. / This thesis deals with the writing of Scholastique Mukasonga and Atiq Rahimi. She mainly questions their respective writings through Our Lady of the Nile, Inyenzi or Cockroaches and Syngué Sabour. Stone of patience. Although full of words, these three worksare part of a writing of silence from an aesthetic and historical point of view. She wants to demonstrate that in the face of horror and trauma, the writing of silence becomes both necessary and inevitable because language is now struggling to translate the pain of a past that does not pass. Given the difficulty of language in translating the suffering and trauma of the victim, silence intervenes as a language strategy that makes it possible to go beyond the sentence. Also,in the face of Adorno, who felt that all poetry after Auschwitz is barbaric, the present analysis demonstrates that writing remains horrifying to the extent that it tends, itself, to absence and silence as declared by Blanchot. . For this, she uses an aesthetic that combines silence and speech in an expression that achieves the unspeakable.

L’étude ethnocritique des « Misérables » propose une relecture de l’œuvre de Victor Hugo en articulant une poétique des textes littéraires et une anthropologie du symbolique. Elle envisage le roman à travers le prisme d’un embrayeur culturel séminal : l’insulte proférée par une dignoise qui traite Jean Valjean de « tso-maraude ! ». Cette expression - « chat de maraude » selon le narrateur – appartient au patois des Hautes-Alpes françaises et possède en effet une sémantique complexe : un tso-maraude c’est une sorte de croquemitaine, un marieur, un armièr (un messager des âmes) et un berger. Homme pluriel, Jean Valjean semble déployer toutes les facettes de ces différentes figures ; il apparaît ainsi comme un véritable passeur qui médiatise les relations entre les adultes et enfants, hommes et femmes, vivants et morts, entre le sauvage et le domestique. Le rapprochement du héros des « Misérables » et du tso-maraude permet de lire le destin de Jean Valjean comme une tentative originale d’appropriation de certaines formes de culture populaire. Mais l’étude du système des personnages (Fantine, Cosette, Marius, Gillenormand…) met surtout en évidence la polyphonie culturelle de l’œuvre (le verbe hugolien synthétise et syncrétise à sa façon les tensions et interactions entre culture populaire rurale et culture bourgeoise urbaine, entre culture universelle et mythique, culture locale et historique, etc.). Jean Valjean, en mariant les destins et les cultures, propose une solution originale au problème central des « Misérables » : décrire et raconter l’avènement du peuple / An ethnocritical study of “Les Misérables” offers a re-reading of Hugo’s work that articulates the poetics of a literary text with the anthropology of its symbolism.It views the novel through the prism of a seminal cultural shifter, the insult uttered by a female inhabitant of Digne who calls Jean Valjean a tso-maraude. That phrase –chat de maraude according to the narrator – is actually an expression from a French Hautes-Alpes patois that is endowed with complex semantic ramifications : it refers to a sort of matchmaking bogeyman, combined with an amièr – i.e. a messenger of souls – and a shepherd. Jean Valjean, as a multi-faceted man, seems to encapsulate all those different figures ; he thus appears as a mediator between adults and children, men and women, living and dead people, as well as between civilized und uncivilized worlds. Bringing together the hero of “Les Misérables” and the figure of the tso-maraude is an invitation to read the fate of jean Valjean as an original attempt to appropriate certain forms of popular culture. However, the study of the whole network of characters (Fantine, Cosette, Marius, Gillenormand…) is also a way of highlighting the cultural polyphony of the work : in its own way, Hugo’s language combines and synthesizes tensions and interactions between rural popular and urban middle-class cultures, universal and mythical cultures, local and historical cultures, etc.). In mixing together cultures and personal destinies, Jean Valjean offers an original solution to the central issue of “Les Misérables” : describing and telling the breakthrough of ordinary people

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Québec Université Laval, Bibliothèque 2020