Cet essai tente de proposer un concept, la « cartographie poétique ». La « cartographie poétique » provient de la tentative valéryenne de dresser une carte de l’esprit, en prenant appui sur la géométrie analytique de Descartes. Pour des raisons que cette étude expose, Valéry se détachera de cette topographie analytique au profit d'une conception plus dialectique de l'espace, intégrant le rapport de l'esprit au corps et au monde (le Corps-Esprit-Monde). Le modèle de cette cartographie serait alors la danse, faisant la part belle à des sens comme l'ouïe et le toucher, s'affranchissant de la tutelle de l'intelligence d'obédience scopique. La démarche valéryenne est aussi mise en rapport avec d’autres poétiques qui lui sont contemporaines : celles d’Artaud, de Mallarmé, de Segalen, Michaux et Bataille, afin d’examiner leurs zones de confluence. / This essay tries to propose a concept, the « poetical mapping ». The “poetical mapping” comes from the attempt by Valéry to map the mind, using the analytical geometry from Descartes. For reasons this essay explains, Valéry will give up this analytical mapping in favour of more dialectical an approach to space, taking into account the connection of the mind to the body and to the world (what he calls the “Corps-Esprit-Monde”). The model of this mapping would thus be the dance, giving their entire place to senses such as hearing and touch, releasing itself from the dominion of sight. Valéry’s poetics is also compared with other contemporary poetics: Artaud’s, Mallarmé’s, Segalen’s, Michaux’s and Bataille’s, in order to examine their common points.

Le roman catholique tel que nous le connaissons est le fruit d’une illusion rétrospective. Nous avons voulu, dans cette thèse, montrer que l’on ne peut lire le roman du second XIXe siècle au prisme de sa popularité au XXe siècle. Le succès qu’il rencontre dans l’entre-deux-guerres est le fruit d’une évolution lente. Des auteurs comme Jules Barbey d’Aurevilly, Joris-Karl Huysmans ou Léon Bloy, n’ont été acceptés de leur temps ni par le monde laïque, ni par le monde catholique. Ils occupent une place inconfortable entre le « prophète romantique » et l’« intellectuel catholique ». Si le monde intellectuel chrétien du XXe siècle s’est servi de ces auteurs pour accréditer l’existence du genre, le roman catholique est loin, au XIXe siècle, de constituer une évidence. Nos recherches explorent en conséquence sa visibilité à cette époque. Basées sur un travail d’archives qui se fonde sur le dépouillement des journaux et bibliographies catholiques, elles ont permis de reconstituer les difficiles rapports du monde chrétien avec le roman. Cette approche archéologique contribue à restituer l’ampleur de la tentative de réforme par l’art qu’ont essayé de mener à bien Barbey d’Aurevilly, Huysmans et Bloy. Elle sert de fondement à un travail de poétique qui interroge, dans le cadre de l’évolution de l’écriture romanesque, le sens qu’il faut accorder à cette tentative de révolution esthétique. / This dissertation explores the constitution of the Catholic novel as a genre in the second half of the 19th century. It aims to show how Jules Barbey d’Aurevilly, Joris-Karl Huysmans and Léon Bloy were misread, partly because of the success of the genre during the 20th century. The popularity of the 20th-century Catholic novelists such as Claude Mauriac or Georges Bernanos has indeed swept away the difficulties encountered by Catholic writers over the course of this anti-clerical period. This work invetigates the reception of the Catholic novel at that time. It is based on historical researches, especially the study of Christian "bibliographies", Catholic press and edition. This provides a better understanding of Barbey d’Aurevilly, Huysmans and Bloy’s conception of Catholic novel as an original theory of art.

En prenant appui sur une enquête que nous avons menée entre 2006 et 2013 auprès de groupes d’acteurs ayant participé à une formation professionnelle intitulée « Autonomie de l’Acteur » et conduite par le centre Ayn Seyir, nous avons tâché de décrire la discipline théâtrale européenne contemporaine dans sa complexité, à travers un filtre analytique métadisciplinaire. Par le regard de ces artistes déplacés entre France et Turquie, nous voyons se dessiner l’esprit d’une culture des acteurs professionnels de théâtre, à deux niveaux : interne et externe. L’on remarque ainsi, au niveau interne, une faille entre pensée et pratique, qui semblerait vouée, d’une certaine manière, à sa propre insolvabilité. Lorsqu’on envisage la discipline en ses aspects externes, l’on note que celle-ci semble prise dans un vertige entre phénomènes de singularisation et de globalisation. Et si tout cela n’était que la marque d’un fait culturel en train de se réinventer par ses hiatus, pour ne (re)devenir que la paraphrase de ce qu’il était déjà ? Le théâtre ne semblerait plus être alors pour ces acteurs qu’un art au fonctionnement aporétique, conduisant à l’anomie. Mais ce métier ainsi éprouvé, s’oppose à la somme des idéaux que ces artistes évoquent et qui semblerait faire sens vers un désir de réalisation quasi-anagogique : une voie poétique. Entrer dans cette voie supposerait, en premier lieu, un abandon des illusions présidant à leur approche factuelle de la discipline : la démarche raisonnée d’un tamisage, pour peut-être tenter de résoudre certains des aspects du défi posé par la complexité du théâtre en tant que fait culturel en permanente mutation. / By leading a field investigation between 2006 and 2013 with groups of actors who participated to an unique professional training called « Autonomy of the Actor » with Ayn Seyir Center, we tried to describe the theatrical fact in its complexity, as these actors are practicing and perceiving it, through the analytical filter of metadisciplinarity. By the look of these artists moved from their cultural area, between France and Turkey, we see a theater culture taking shape at two levels for these actors: internal and external. Thus, we notice at an internal level, a flaw between thought and practics, which seems to be consigned, in a certain way, to insolvency. And when we considerate the discipline in its external aspects, we notice that it is taken in a vertigo between super-individualization and globalization phenomenons. What if all of this was the mark of a cultural fact being reinvented by its hiatus, to only become again the paraphrase of what it was before? Then, theater would seem only be for these actors the illusion of an illusion : an art with an aporetic functionning, leading to lawlessness. But this art in this perception, is opposed to the sum of consensual ideals endlessly evoqued by these artists, who are all heading for a quasi-anagogic realization: a poetics path. To enter in this path presupposes at first abandoning their factual approach of theatre: a reasoned approach of a sifting, which may allow us to resolve certain aspects of the challenge of theatre’s complexity, considered as a cultural fact in crisis.

Comment la notion de phénomènes de stéréotypie ainsi que les phénomènes de stéréotypie eux-mêmes peuvent-ils devenir des outils pour l’enseignement et l’apprentissage de l’écriture en fin d’école primaire ? Tel est le questionnement général à partir duquel s’élabore cette thèse. Le plan adopté pour répondre à cette problématique se décline en trois parties, chacune composée de deux ou trois chapitres. La première partie est consacrée à la présentation et à la mise en discussion de travaux existants à propos des phénomènes de stéréotypie (chapitre 1) et à propos de l’écriture (chapitre 2) envisagée en tant que pratiques sociales, en tant qu’objet et objectif scolaires puis en tant qu’objet de recherche. Dans ces deux chapitres, intitulés de façon très générale Phénomènes de stéréotypie et Écriture, nous nous attachons à problématiser et à définir les entrées et les notions clés de notre recherche : qu’entendre par phénomènes de stéréotypie et pourquoi cette notion plutôt que celle de stéréotype ? À quoi réfère la notion de pratiques scripturales ? Comment perçoit-on aujourd’hui l’activité scripturale ? Sur quelle conception de la langue et du texte prend-on appui pour penser l’écriture dans sa composante stéréotypique ? Qu’entendons-nous par outil et à quelle conception du sujet, de l’enseignement et de l’apprentissage ce terme réfère-t-il ? Les quelques perspectives étudiées, loin de vouloir rendre compte de l’ensemble des travaux existants, ont le plus souvent été retenues pour l’éclairage qu’elles étaient susceptibles de porter sur notre problématique. On peut donc considérer que cette partie constitue le sous-bassement théorique de notre étude, un sous-bassement qui n’a pas été arrêté avant l’expérimentation mais a été en partie orienté par les questions que celle-ci a suscitées. La deuxième partie de cette thèse a une double fonction : elle vise à présenter et à analyser notre dispositif méthodologique d’opérationnalisation. Ce faisant, elle complète la « cartographie » de nos référents épistémologiques, par une réflexion sur le concept de transposition didactique et sur la notion de recherche-action, tous deux discutés pour éclairer notre perspective. Le dialogue que nous menons ainsi avec d’autres recherches illustre une démarche que nous avons régulièrement adoptée dans cette thèse. Enfin, notre troisième et dernière partie est consacrée à l’analyse didactique des données recueillies auprès des enseignants et des élèves. Dans cette partie, nous visons avant tout à décrire le processus d’outillage observé, à le questionner et à l’interpréter, en nous situant au plus près des données. À partir de cette analyse, nous chercherons à mettre en évidence quelques conditions d’utilisation scolaire de la notion de stéréotype, opérationnalisée par les enseignants, pour l’enseignement et l’apprentissage de l’écriture poétique. Ce faisant, nous visons à conférer à la notion de phénomènes de stéréotypie ainsi qu’au stéréotype une valeur d’outil didactique.

Le présent mémoire met en lumière le caractère poétique de la chanson folklorique québécoise de langue française. Le point d'amorce de ce travail provient de l'appréciation des lettrés québécois qui, au XIXe siècle, recueillirent ces chansons notamment pour leurs qualités poétiques. La critique littéraire a toutefois rapidement délaissé cet objet d'étude, l'abandonnant à l'ethnologie et à l'histoire, négligeant ainsi d'investiguer ce qui constitue son présumé caractère poétique. Ce mémoire comble donc en partie cette lacune en abordant les différents aspects textuels, musicaux et performatifs qui sont à l'origine de la poéticité de certaines de ces chansons. Plus spécifiquement, nous interrogeons en premier lieu le caractère narratif de la chanson folklorique afin de voir si celui-ci ne fait pas obstacle à l'apparition du poétique, pour ensuite examiner d'un point de vue rhétorique la constitution de l'effet poétique par le truchement des figures et de leur organisation en réseaux sémantiques. En second lieu, nous faisons apparaître l'importance de certains éléments de thèmes de la chanson folklorique qui sont à l'origine de médiations à caractère poétique. Finalement, nous mettons en lumière les correspondances structurelles entre musique, performance et poésie et relevons ainsi l'incidence majeure que ces deux premiers éléments exercent sur la poéticité de la chanson folklorique. ______________________________________________________________________________

L'homme qui racontait des histoires est une expérience littéraire sur le phénomène de la voix et sur l'impact de la matérialité du texte sur celle-ci. Trois voix différentes racontent des épisodes d'une même histoire. Pourtant, les trois voix proviennent de la même plume. C'est en jouant sur la relation entre les voix narratives et le langage qu'elles utilisent comme rapport au monde que se construit le roman. Chacune de ces voix porte en son sein une vision du langage qui l'anime, et cette vision langagière est intrinsèquement liée à une façon de voir le monde. Trois voix, trois postures langagières, trois perceptions du monde. Le bâton brisé témoigne de prises de position sur deux enjeux de l'écriture romanesque. Le premier : la fiction comme moteur de l'esprit du roman, ainsi que l'appelle Kundera, qui invoque l'ambiguïté et le questionnement comme raisons d'être principales de l'écriture romanesque. Le second enjeu : un engagement pour une stylistique personnelle par opposition à l'académisme, le style journaleux, comme l'appelle Céline, celui des prosateurs imperméables à l'émotivité du langage, dont les mots étouffent toute possibilité de ressentir; un engagement, donc, pour une langue vivante, libérée de ses mécanismes lourds, une langue qui se joue d'elle-même, qui s'amuse avec ses propres règles, une langue travaillée avec minutie afin qu'elle puisse résonner dans la tête du lecteur grâce à sa prosodie, à son rythme, à son écart par rapport à la langue normative, celle de tous les jours, celle qui ne saurait animer un roman, sauf à être sublimée par le style. ______________________________________________________________________________

Si le sublime occupe une place privilégiée au sein de la réflexion philosophique, esthétique et littéraire, rares sont les travaux qui y sont consacrés pour les œuvres de la deuxième moitié du XIXe siècle. C’est pour tenter de pallier ce manque que cette thèse analyse le sublime dans les contes et nouvelles de Mérimée, Barbey d’Aurevilly et Villiers de l’Isle-Adam. En nous appuyant sur la réflexion du sublime amorcée par Longin et prolongée notamment par Burke, Kant, Schiller ou encore Hugo, il s’agit de définir son évolution et surtout sa spécificité en cette période de crise profonde, où le sublime apparaît comme une réponse à la conquête d’autonomie de la Littérature par rapport à la science et à la question de sa finalité. Dans un premier temps, la thèse aborde la question du sublime d’un point de vue rhétorique. Nous examinons ainsi la capacité du langage à exprimer et à représenter le sublime en oscillant entre une rhétorique de l’effet, fondée sur l’expressivité du langage dans la mise en scène des conteurs et l’organisation rhétorique de la narration, un questionnement sur le tragique et enfin une rhétorique de l’ineffable, puisque le sublime ressort à bien des égards d’un imprésentable. Dans un deuxième temps, le sublime est analysé en tant que poétique fondée sur un dispositif paroxystique et oxymorique. Enfin il est envisagé en tant que véritable acte esthétique où il tend à rejoindre le concept de sublimation et à se faire, notamment par une expérience du mal, le lieu non seulement d’une connaissance, d’une croyance, mais surtout d’une métamorphose profonde aussi bien de l’homme que de la littérature elle-même, qui y trouve un moyen de lutter contre les valeurs de la modernité tout en fondant une écriture résolument moderne.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Si le sublime occupe une place privilégiée au sein de la réflexion philosophique, esthétique et littéraire, rares sont les travaux qui y sont consacrés pour les œuvres de la deuxième moitié du XIXe siècle. C’est pour tenter de pallier ce manque que cette thèse analyse le sublime dans les contes et nouvelles de Mérimée, Barbey d’Aurevilly et Villiers de l’Isle-Adam. En nous appuyant sur la réflexion du sublime amorcée par Longin et prolongée notamment par Burke, Kant, Schiller ou encore Hugo, il s’agit de définir son évolution et surtout sa spécificité en cette période de crise profonde, où le sublime apparaît comme une réponse à la conquête d’autonomie de la Littérature par rapport à la science et à la question de sa finalité. Dans un premier temps, la thèse aborde la question du sublime d’un point de vue rhétorique. Nous examinons ainsi la capacité du langage à exprimer et à représenter le sublime en oscillant entre une rhétorique de l’effet, fondée sur l’expressivité du langage dans la mise en scène des conteurs et l’organisation rhétorique de la narration, un questionnement sur le tragique et enfin une rhétorique de l’ineffable, puisque le sublime ressort à bien des égards d’un imprésentable. Dans un deuxième temps, le sublime est analysé en tant que poétique fondée sur un dispositif paroxystique et oxymorique. Enfin il est envisagé en tant que véritable acte esthétique où il tend à rejoindre le concept de sublimation et à se faire, notamment par une expérience du mal, le lieu non seulement d’une connaissance, d’une croyance, mais surtout d’une métamorphose profonde aussi bien de l’homme que de la littérature elle-même, qui y trouve un moyen de lutter contre les valeurs de la modernité tout en fondant une écriture résolument moderne.

Dans la création contemporaine, les musiciens s'inspirent parfois de l’océan dans leur pratique de la composition. Cette thèse a pour but d'observer leur façon de faire à travers l’analyse d'oeuvres dont le titre ou le sujet évoquent l'environnement océanique. Elle part de l’hypothèse que la poétique, c’est-À-Dire l’inspiration à partir de la mer, sert la poïétique, donc sert les manières de faire la musique, de l'écrire, sans pour autant servir nécessairement le rendu esthésique. Dans le chapitre I, l’analyse est basée sur des oeuvres de Claude Debussy, André Boucourechliev, Kaija Saahario et Yoshihisa Taira. Le chapitre II consacre une importante partie de son développement à l’étude des oeuvres de Tristan Murail inspirées de l'océan. Enfin, dans le chapitre III, deux des propres compositions de l'auteur sont analysées. Finalement, cette thèse révèle l'existence de cycles partant de l'esthésique, c'est à dire le ressenti devant la mer vers la poétique puis la poïétique et enfin l'esthésique, c'est à dire le ressenti du rendu musical. Par ailleurs, le travail d'analyse réalisé au cours de cette thèse a permis de mettre en valeur l'importance de la notion d'objet, c'est à dire une pensée de la composition orientée par la manipulation de l'objet musical. L'approche de Debussy, telle qu'interprétée par Barraqué, ouvre le siècle. Le modèle de la mer au sens des objets sur le plan dynamique est très cohérent avec la notion d'objet musical. Nous ne pouvons que constater cette présence et c'est en cela que la conclusion de la thèse est un peu ouverte. C'est avec cela que nous allons composer nos futures pièces. La thèse nous a servi finalement aussi à formaliser notre musique. / In the genre of contemporary music, musicians sometimes take their inspiration from the ocean when addressing take their compositions. The goal of this thesis is to observe method of these composers by analyzing works which evoke the ocean's environment in their subject. This study claims that the poetic inspiration which is engendered by the ocean ends up by providing the poietics of the projects themselves, which is to say, ways of creating music, of writing it, without necessarily treating the aesthesic of the final product. In Chapter I the analysis is based on the works of Claude Debussy, André Boucourechliev, Kaija Saahario and Yoshihisa Taira. Chapter II consecrates a large part of its development to the study of works by Tristan Murail which are inspired by the ocean. Finally, in Chapter III, two of the compositions of the thesis' author are taken into analytical consideration. This thesis reveals the existence of cycles coming from the aesthesic, which then moves towards poietics and returns to aesthesic. It also needs to be taken into account that the analyses produced during the course of this study focus on the musical object itself. This is to say that the study is geared towards the manipulation of the musical object. Debussy's approach, as it is interpreted by Barraqué, serves as the overture of the century. The model of the sea as a dynamic objet coincides with the notion of the musical object. We can only propose this stated presence and this is why the conclusion of the thesis is somewhat open-Ended. Nonetheless, it is this point of departure which allows us to compose future works. It is thesis, in the end, that formalizes our music.