Estudo da performance presencial no campo das artes visuais, a partir da análise e interpretação dos efeitos, práticos e teóricos, dos fenômenos estéticos informe e efêmero na produção de sentido e significado de algumas obras. Parte da apresentação, desenvolvimentos e implicações das ações poéticas Memória do Afeto (2000-2005) de Beth Moysés e Desenhando com Terços (2000-2003) de Márcia X, que atuam como fio condutor para as questões teóricas analisadas. Em seguida esclarece os conceitos instrumentais corpo, gênero, ritual e mestiçagem que servem como suportes para as manifestações do informe e do efêmero. Logo após fundamenta que o informe é um fenômeno estético chave na produção de sentido e significado das performances, por seu caráter de ruptura de limites da arte, da forma, das categorias e das convenções. Define o informe a partir das ideias de forma e de transgressão e sustenta que as ações poéticas selecionadas se distinguem como linguagem da diferença. Por fim fundamenta igualmente o efêmero como fenômeno estético essencial na produção de sentido e significado das obras, por seu caráter temporal e suas possibilidades plásticas. E identifica o tempo como elemento estético e como matéria prima das performances. São os cruzamentos teóricos e conceituais entre historiadores da arte, da religião e da cultura, filósofos, antropólogos e sociólogos, entre outros, as bases para dimensionar as performances investigadas. A pesquisa intersecciona diversos campos interdisciplinares que vão fornecer conceitos para pensar a prática artística à luz das abordagens iconológicas, semiológicas e estéticas. Conta com diversas fontes como uma ampla bibliografia interdisciplinar, reportagens de jornais, eventos, registro de artistas e entrevista. Conclui destacando como constatação significativa o fato de não existir diferença na forma de apresentação da performance no contexto das artes visuais, do teatro ou da dança, por sua característica de arte mestiça. E também o fato que, nas obras o foco está na preocupação com as relações humanas na arte, e onde as experiências individuais estão a serviço da construção de sentidos e significados coletivos. / A study of the presential performance in the visual arts field, from the analysis and interpretation of the practical and theoretical effects, of the inform and ephemeral aesthetic phenomenon producing sense and meaning to some works. It initiates with the presentation, developments and implications of the poetical actions Memória do Afeto (2000-2005) by Beth Moyses and Desenhando com Terços (2000-2003) by Marcia X, which act as triggers to the analyzed theories. Afterwards, it clarifies the body, gender, ritual and cross instrumental concepts, acting as supports to the manifestation of the inform and ephemeral. Subsequently it states that the inform is a key aesthetic phenomenon producing sense and meaning to the performances, due to its characteristic of breaking the limits of arts, form, categories and convention. It defines the inform from the ideas of form and transgression and states that the selected poetic actions are distinguished as language of difference. Finally, it also substantiate the ephemeral as aesthetic phenomenon essential to produce sense and meaning to the works, due to its time characteristics and its plastic possibilities. It identifies time as an aesthetic element as well as the performances' raw material. The theoretical and conceptual interlacement between art, religion and cultural historians, philosophers, anthropologists and sociologists, among others, are the bases to gauge the researched performances. The research intersects several interdisciplinary fields which will provide concepts to think the artistic practice according to the iconological, semiological and aesthetic approach. It counts with several sources with a wide interdisciplinary bibliography, news from newspapers, events, artists' records and interview. It ends highlighting as a meaningful finding the fact that there is no difference in the performance presentation in the visual arts, theatre or dancing context, due to its characteristic of cross art. It highlights also the fact that, in the works the focus is on the concerns with the human relations in art, and where the individual experiences are at service of building collective sense and meaning.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, 2017. / Submitted by Raiane Silva (raianesilva@bce.unb.br) on 2017-07-20T17:08:53Z No. of bitstreams: 1 2017_BeatrizSchmidtCampos​.pdf: 1540238 bytes, checksum: 44f73517f92424e708e6de6097101c28 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2017-09-06T22:17:10Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_BeatrizSchmidtCampos​.pdf: 1540238 bytes, checksum: 44f73517f92424e708e6de6097101c28 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-06T22:17:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_BeatrizSchmidtCampos​.pdf: 1540238 bytes, checksum: 44f73517f92424e708e6de6097101c28 (MD5) Previous issue date: 2017-09-06 / A presente dissertação tem como corpus a “ópera negra” Missa dos Quilombos composta em 1981 por Milton Nascimento, Pedro Casaldáliga e Pedro Tierra. A obra interartística une música, poesia, texto, dança em uma temática que reúne religião Africana e Católica Romana, uma parte da História do Brasil que aborda a escravidão e um questionamento da política racial brasileira à época. Por meio de uma provocação de Dom Hélder Câmara, o bispo e o poeta produziram o texto e Nascimento, a música. A celebração resultou em uma fusão de Música Popular Brasileira, Música Religiosa, Ritmos e componentes culturais afros produzindo um texto que une a Religião Católica e algumas Africanas com o intuito de que a Igreja e a Sociedade dominante se redimissem de algum modo, perante a história de quatro séculos de escravidão em nosso País. Além disso, esta obra propõe um questionamento quanto ao racismo ainda existente. Racismo que provoca a exclusão, a violência, a opressão e a desigualdade social. A música e o texto são sincréticos e atuam como rememoração de um povo que sofreu um dos maiores holocaustos de nossa História. Ao final, conclui-se pela constatação de uma obra sensível e estética em sua poética lítero-musical que a Missa dos Quilombos pretende suscitar a redenção, a libertação, a reunião dos povos, das religiões e a esperança. / The present dissertation has as a corpus the “black opera” Missa dos Quilombos, composed in 1981 by Milton Nascimento, Pedro Casaldáliga and Pedro Tierra. The interartistic piece unites music, poetry, text and dance in a theme that gathers African religion and the Roman Catholic religion, a part of the History of Brazil that approaches the slavery and the questioning of the Brazilian racial politics at the time. By means of a provocation of Dom Hélder Câmara, the bishop, and the poet produced the text and Milton Nascimento produced the music. The celebration resulted in a fusion of Brazilian Popular Music, Religious Music, rhythms and African cultural components producing a text that united the Catholic religion and some of the African religions with the intention that the church and the dominant society could redeem themselves before the history of four centuries of slavery in our country. Besides, this piece proposes a questioning about the still existing racism. Racism that allows exclusion, violence, oppression and social inequality. The music and the text are syncretic and act as a recalling of a people that have suffered with one of the biggest holocausts in our History. At the end, it is concluded by the finding of a sensible and aesthetic piece in its lytero-musical-poetic, that Missa dos Quilombos intends to excite the redemption, the liberation, the reunion of the peoples, the religions, and the hope.

Tarefas: uma estratégia para criação de performances é uma pesquisa em poéticas visuais que teve origem no processo de criação de Figuras e Fantasmas e nos desdobramentos que as apresentações públicas desta performance produziram. A investigação teórica e prática desenvolvida para performance Figuras e Fantasmas conduziu este estudo à noção de tarefa, um processo de trabalho criado por Anna Halprin, no final dos anos 1950. Estudamos a tarefa em termos processuais e conceituais e, a partir desse referencial teórico, analisamos os meios pelos quais podemos empregar contemporaneamente um procedimento que espelha uma época na qual a simbiose entre arte e vida somada ao papel do artista estavam em questão. Nossa investigação propõe um recorte que elegeu a não-atuação, atuação, repetição e duração como elementos estruturais das tarefas. Constatamos que esses elementos dosados e articulados permitem que noção original de tarefa possa ser atualizada. / Tasks: an strategy to the creation of performances is a research in Visual Poetics that was originated with the process of creation of Figuras e Fantasmas and the results that unfolded from its public presentations. The theoretical and practical investigations developed for the performance Figuras e Fantasmas directed this study to the notion of task, that was a process of work created by Anna Halprin in the end of the 1950s. From these theoretical references, the task was studied in processual and conceptual terms and there was made an analysis of the means through which, contemporaneosly, we could use a procedure mirroring a period when the symbiosis between art and life in conjunction with the role of the artist were in question. In this investigation, the not-acting, acting, repetition and duration were chosen as structural elements of the tasks. It was verified that these elements - measured and articulated - allow the original notion of task to be updated.

Mestrado (dissertação)—Universidade de Brasília, Departamento de música, Programa de Pós-Graduação em Música, 2016. / Submitted by Camila Duarte (camiladias@bce.unb.br) on 2017-01-30T16:21:34Z No. of bitstreams: 1 2016_DiogoSouzaVilasMonzo.pdf: 8135581 bytes, checksum: 41197e7a41d155841baf795fdcb4478a (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2017-02-13T21:45:28Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_DiogoSouzaVilasMonzo.pdf: 8135581 bytes, checksum: 41197e7a41d155841baf795fdcb4478a (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-13T21:45:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_DiogoSouzaVilasMonzo.pdf: 8135581 bytes, checksum: 41197e7a41d155841baf795fdcb4478a (MD5) / Esta pesquisa aborda a improvisação musical por meio dos solos improvisados do músico, arranjador e pianista “Luiz Eça.” Como esse processo é construído por Luiz Eça? Com foco na performance musical do pianista, a pesquisa buscou compreender a improvisação musical como criação em tempo real na sua relação com a performance musical. Foram selecionadas quatro performances musicais de Luiz Eça, sendo duas da música The Dolphin e duas da música Samba de Uma Nota Só. As performances selecionadas são as mesmas músicas, porém duas gravadas em estúdio e as outras duas gravadas ao vivo. O material selecionado estava registrado por meio do áudio e vídeo. Propõs-se transcrever os áudios para partitura e, em seguida, descrever os solos improvisados de Luiz Eça com o intuito de identificar o material musical usado para proceder com a análise musical. Para análise musical, criou-se um protocolo de análise que serviu como aporte teórico. Após as análises descritivas dos solos improvisados, foram cruzados os dados obtidos e discutiu-se a partir de três aspectos: Como era a improvisação de Luiz Eça? Que recursos utiliza na construção de melodias? Que semelhanças existem nas improvisações de épocas diferentes? / This paperwork approaches musical improvisation through the musician, arranger and pianist LuizEça’s improvised solos. How is this process built by LuizEça? Focusing on the pianist’s musical performance, the research sought to understand musical improvisation as creation in real time in its relation to musical performance. Four of LuizEça’s musical performances were selected, two of them being the song The Dolphin and the other two the song Samba de Uma Nota Só. The selected performances are the same songs, although two of them have been recorded in a studio and the other ones have been recorded live. The selected material has been registered in audio and video. It was proposed transcribing the audio to scores and, next, describing LuizEça’s improvised solos in order to identify the musical material being used to proceed with the musical analysis. For the musical analysis, it was created an analysis protocol, which has served as theoretical input After the descriptive analysis of the improvised solos, the data obtained were crossed and discussed from three aspects: (1) How was LuizEça’s improvisation? (2) What resources did he use when building melodies? (3) What similarities are there in improvisations of different periods?

Orientador: Agnus Valente / Banca: José Paiani Spaniol / Banca: Regina Melim Cunha / Resumo: Inscrita na linha de pesquisa "Processos e Procedimentos Artísticos" do PPG em Artes da Unesp, esta dissertação apresenta minha produção artística, realizada durante o mestrado - março de 2013 a maio de 2015. Os procedimentos utilizados nos trabalhos da minha produção estão às voltas de um certo raciocínio escultórico, que por sua vez, necessitam de outras linguagens (instalação, fotografia e vídeo) para se materializar. O vocabulário da arquitetura - e de outras áreas correlatas à construção civil - também influenciaram meu processo criativo de forma bastante decisiva, pois além de fazerem parte de um contexto de ação, também inseriram dados fundamentais para a reflexão dos trabalhos que serão discutidos aqui. Devido ao modo de construção desses trabalhos, a instabilidade - e sua consequente tensão (física e/ou psicológica) - se apresenta como característica central e resultante dessas atividades. Portanto, o fio condutor desta dissertação, parte da constatação dessa característica e seus desdobramentos nas diversas linguagens utilizadas, de forma dialética. A partir dessas questões, são feitas algumas aproximações entre os procedimentos utilizados por outros artistas que, de alguma forma, lidaram com problemas semelhantes, e que inseridas na discussão, podem ampliar as questões levantadas, bem como entendê-las melhor em seu contexto. Assim, discuto características muito presentes em minha poética, sem, no entanto, fechá-las em um discurso hermético/teórico. / Abstract: not available / Mestre

Orientador: Agnus Valente / Banca: Lúcio José de Sá Leitão Agra / Banca: José Paiani Spaniol / Resumo: Esta dissertação apresenta uma reflexão sobre a produção de Performance Art Contemporânea, pensada enquanto Linguagem que surge de um movimento de troca e mistura de informações, diferentes linguagens e sistemas imersos no cotidiano, constituindo uma ação híbrida. Mais objetivamente, trata do tema do Corpo tal como é abordado nessa linguagem, discutindo-o enquanto Corpo Artístico e Corpo Cotidiano, bem como sua potencialidade como Corpomídia, abordando questões conceituais iluminadas com uma leitura de performances de Joseph Beuys, Bruce Nauman, Yoko Ono, Rodrigo Braga, Tehching Hsieh e deste autor Pedro Canola. / Abstract: This text focuses on the production of Contemporary Performance Art, considered as a Language which arises from a movement of exchange and mixing of information, different languages and systems immersed in daily life, providing a hybrid action. More objectively, deals with the theme of the body as discussed in this language, while discussing the Artistic Body and Daily Body, as well as its potential as Corpomídia, addressing conceptual issues clarified by comments on Joseph Beuys, Bruce Nauman, Yoko Ono, Rodrigo Braga Tehching Hsieh and Pedro Canola performances. / Mestre

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-09-20Bitstream added on 2014-06-13T19:08:01Z : No. of bitstreams: 1 silveira_jcm_me_ia.pdf: 2032539 bytes, checksum: f497b6f727fb1650f5e55d100c60b059 (MD5) / O tema desta dissertação é a análise crítica da obra de dança Inspiração a Dois uma vez estruturada como linguagem híbrida, entre a dança e a performance, dialoga com a modernidade. Esta fase da história segundo Alain Touraine tem no sujeito o operador das mudanças onde a liberdade individual aciona as mudanças no meio social. A obra Inspiração a dois ao envolver na sua formalização diferentes meios de expressão com seus signos próprios: ora som, ora movimento, ora imagem, ora gestual, ora palavra constrói uma simbologia cênica onde os conteúdos são codificados nas linguagens da dança e da performance, a expressão do sujeito e a materialidade expressiva da obra conversam numa dialogia com a tradição sendo potencializadora da criação. A reflexão sobre pontos da poética do espetáculo que tem os temas: da identidade do intérprete, Neoconcretismo e Tropicália também se baseia nos textos convergentes dos seguintes autores: Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison e Lícia Maria Morais Sanchez que formam o corpo bibliográfico principal deste estudo / The theme of this dissertation is the critical analysis of the work of the dance called ‘Inspiração a Dois’ which is structured with an amalgam of hybrid languages, between dance and performance, dialogue with modernity. During this phase of the 20th century, Alain Touraine in his book Crítica da Modernidade tackled the subject matter that involves the process of changes where one`s own individual liberty gives rise to actions that change in a social environment. The work ‘Inspiração a Dois’ involves the familiarization of different forms of expression with your own senses, sometimes sound, sometimes movement, sometimes image, sometimes gesture and sometimes word building a scientific symbolism where everything is classified as the medium of dance and performance, an expression of the subject content and an expression of the material of the work expressed as dialogue with a tradition having the potential of creation. Themes which are highlighted in the show `s presentation include interpretation of identity, Neoconcretismo and Tropicália, the dissertation is based on the theories, ideas and texts of the following authors; Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison and Lícia Maria Morais Sanchez which form the body of the major bibliographic of this study

Resumo: A presente dissertação discute, sob o ponto de vista da performance musical, abordagens metodológicas e aplicações técnicas que contribuem, de maneira efetiva, para uma construção da performance durante o ensaio coral. Discorre sobre o processo interpretativo dentro da prática coral e a função de intérprete que regente e coralista exercem simultaneamente ao executar uma obra musical. Aborda aspectos que devem ser considerados para a escolha adequada do repertório do grupo. Também traz questionamentos sobre a função da técnica vocal durante o ensaio, assim como, a técnica vocal do próprio regente coral. A dissertação contorna o planejamento de ensaios, organização de conteúdos e aplicação de técnicas e estratégias que possam oferecer ao regente um melhor aproveitamento do tempo de ensaio com o intuito de melhorar a performance do coro.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113756.pdf: 38138045 bytes, checksum: d9aec6e3e795b4971f260ca0c70a1063 (MD5) Previous issue date: 2013-03-11 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This text seeks to create a procedural thinking unbound from systematic reflections commonly developed in the academy. To achieve this, I chose to study the artist Olivier De Sagazan, who was not very known until the beginning of this research in Brazil. I establish reflections on his works, with an approach focus on Transfiguração [Transfiguration] and the disentangled overflow of languages from his study, permeating aspects between performance, drawing, sculpture, theater and photography. The disfigurement is the central thread that provides dialogues between De Sagazan, Francis Bacon, Samuel Beckett and Antonin Artaud, as it is understood as a strategy of destabilization of the subject and his form, a characteristic that binds the interlocutors chosen in the discussion. The violent destabilization of the meaning, of language and form are problematized as violence necessary to the creation of art, as well as a source of political and religious discussion of current society, permeating anachronistically relationships with ancestry. / Este texto procura criar um pensamento processual desvinculado das reflexões sistemáticas comumente desenvolvidas na academia. Para isso, escolhi estudar o artista Olivier De Sagazan, pouco conhecido até o início dessa pesquisa no Brasil. Estabeleço reflexões sobre suas obras, tendo como foco de abordagem a Transfiguração e os transbordamentos de linguagens desenlaçados a partir do seu estudo, permeando aspectos entre a performance, o desenho, a escultura, o teatro e a fotografia. A desfiguração é o fio condutor que proporciona diálogos entre De Sagazan, Francis Bacon, Samuel Beckett e Antonin Artaud, uma vez que é entendida como estratégia de desestabilização do sujeito e sua figura, característica que une os interlocutores escolhidos na discussão. A desestabilização violenta do sentido, da língua e da forma são problematizadas como uma violência necessária à criação em arte, assim como fonte de discussão política e religiosa da sociedade atual, permeando anacronicamente relações com a ancestralidade.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 115830.pdf: 11021864 bytes, checksum: b133053aa2942583f69391172f5e7333 (MD5) Previous issue date: 2014-03-10 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A presente tese investiga os componentes das performances realizadas com a argila e com a cerâmica como parceiras de cena e suas possíveis teatralidades. Considera-se que o deslocamento da performatividade própria do fazer artístico com a argila e a cerâmica pode compor uma expressão cênica e visual, e emanar teatralidades diversas acionadas pela intencionalidade do artista em diálogo com a matéria eleita, formante e formadora no processo do fazer, possibilitando o surgimento nessa relação do outro ligado ao imaginário. O estudo é realizado a partir do desenvolvimento de experimentos performáticos próprios analisados reflexivamente e relacionados a outros trabalhos performáticos de artistas visuais como Ana Mendieta, Celeida Tostes, Miquel Barceló e Josef Nadj. A investigação tem a fenomenologia de Maurice Merleau-Ponty como diretriz metodológica, o que compreende viver a experiência, descrevê-la e refletir sobre seus resultados. Para compreensão da performance, de acordo com os estudos de Richard Schechner, parte-se do conceito de comportamento restaurado, que implica no entendimento de que, na arte, gestos e ações se repetem e ligam sentidos do presente aos do passado, e que esta relação com a terra e seus elementos transformados presta-se à reiterada revelação do ser humano.