Anna Karénine raconte l'histoire de deux destinées opposées, mais intrinsèquement liées par une question centrale : comment donner un sens à l'existence humaine? Obsession vitale de Tolstoï, ce problème traverse et unit l'oeuvre, ouvrant sur une vaste réflexion philosophique. Nous avons choisi deux thèmes majeurs pour la développer. Le premier axe se concentre sur la conscience tragique de la mort, le deuxième explore l'impact du lieu sur l'identité des personnages en opposant la ville et la campagne. Au fur et à mesure du roman, la recherche existentielle des personnages s'amplifie à tel point que la frontière entre fiction et réalité s'amenuise. C'est finalement la quête de Tolstoï lui-même qui est en jeu dans Anna Karénine, transformant l'ouvrage en un témoignage de sa pensée.

Alors que les XIe et XIIe siècles voient l’essor de la littérature vernaculaire, le domaine historique doit attendre le XIIIe siècle avant l’apparition de la première histoire universelle rédigée complètement en langue d’oïl, l’Histoire ancienne jusqu’à César. D’abord inspirée du genre en latin, et traduite de cette langue, l’histoire universelle en français, dans les derniers siècles du Moyen Âge, se dissocie, discrètement, de son modèle afin de devenir un genre autonome, donnant naissance à des œuvres originales. Grâce aux récits sur Énée contenus dans des histoires universelles du XIIIe au XVe siècle, il est possible d’observer les différentes manifestations de ce phénomène d’autonomisation du savoir en français. L’utilisation de sources françaises par les récits plus tardifs au lieu de l’Énéide utilisée par les premières histoires universelles vernaculaires, vient confirmer l’autorité concrète qu’acquièrent les auteurs de textes historiques médiévaux. Les récits concernant Énée étant inédits, l’objectif premier de ce mémoire est de donner à lire ces textes. Une première partie présente donc des transcriptions interprétatives des textes de sept histoires universelles utilisées pour cette étude, à savoir l’Histoire ancienne jusqu’à César, la Chronique dite de Baudouin d’Avesnes, le Manuel d’histoire de Philippe de Valois, le Myreur des histors de Jean d’Outremeuse, la Fleur des hystoires de Jean Mansel, le Miroir du Monde et la Bouquechardière de Jean de Courcy. La deuxième partie se concentre sur le genre de l’histoire universelle et se consacre plus précisément à l’évolution des récits sur Énée, leurs sources, leurs constantes, leurs différences, qui permettent d’observer la constitution d’un savoir historique autonome en français. Une attention particulière est enfin accordée à l’évolution du personnage d’Énée dans ce corpus, puisque le fils d’Anchise est le motif où on peut observer le résultat de l’évolution d’une histoire en français acquérant son indépendance face aux sources premières latines. / While the eleventh and twelfth centuries saw the rise of vernacular literature, the historical domain had to wait until the thirteenth century before the first universal history was written completely in the language of oïl, the Histoire ancienne jusqu’à César. Originally inspired by the same genre in Latin, and translated from this language, medieval universal history in French, in the last centuries of the Middle Ages, discreetly dissociates itself from its model in order to become an autonomous genre, leading to original works. Thanks to the stories about Aeneas contained in universal histories from the 13th to the 15th century, it is possible to observe the different manifestations of this phenomenon of autonomous knowledge in French. The use of French sources by later stories at the expense of the Aeneid used by the first vernacular universal histories confirms the concrete authority acquired by authors of medieval historical texts. As the stories about Aeneas are unpublished, the primary purpose of this thesis is to give readings to these texts. The first part presents interpretative transcriptions of the texts of the seven universal histories used for this study, namely, the Histoire ancienne jusqu’à César, the Chronique dite de Baudouin d’Avesnes, the Manuel d’histoire de Philippe de Valois, the Myreur des histors of Jean d'Outremeuse, Jean Mansel's Fleur des hystoires, the Miroir du Monde and the Bouquechardière of Jean de Courcy. The second part concentrates on the genre of universal history and more precisely on the evolution of the narratives about Aeneas, their sources, their constants, their differences, which make it possible to observe the constitution of a knowledge autonomous history in French. Particular attention is finally paid to the evolution of the character of Aeneas in this corpus, since the son of Anchises is the place where one can observe the result of the evolution of a history in French acquiring its independence from sources first Latin.

Ce mémoire étudie les épitomés de la figure doppelganger en trois romans britanniques gothiques du XIXe siècle: Frankenstein de Mary Shelley, Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde de Robert Louis Stevenson et Dracula de Bram Stoker. En utilisation avec les sources secondaires dont The Origin of Species et The Descent of Man de Charles Darwin, et The Uncanny de Sigmund Freud, je soutiens que le doppelganger symbolise les conventions sociales et les angoisses des hommes britanniques dans les années 1800. Grâce à un examen des représentations physiques et métaphoriques de la dualité et de la figure doppelganger dans la littérature primaire, je démontre que la duplicité était courante au XIXe siècle à Londres. En conclusion, les doppelgangers sont des manifestations physiques gothiques de terreur qui influencent les luttes avec bien séance, des répressions des désirs et des craintes de l'atavisme, de la descente et de l'inconnu dans le XIXe siècle. / This thesis investigates the representations of the doppelganger figure in three nineteenth-century British Gothic novels: Mary Shelley’s Frankenstein, Robert Louis Stevenson’s Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde, and Bram Stoker’s Dracula. Using Charles Darwin’s The Origin of Species and The Descent of Man, and Sigmund Freud’s The Uncanny, I argue that the doppelganger symbolizes social conventions and anxieties of British men in the 1800s. By examining the physical and metaphorical representations of duality and the doppelganger figure in literature, I demonstrate that duplicity was commonplace in nineteenth-century London. I conclude that the doppelgangers are physical Gothic manifestations of terror that epitomize nineteenth-century struggles with propriety, repression of desires, and fears of atavism, descent, and the unknown.

Robert Lepage’s play The Dragons’ Trilogy stretches across space and time, travelling through three generations and three major Canadian cities, each section named for a dragon in the Chinese game Mahjong. The Blue Dragon continues the story of Pierre Lamontagne twenty years later, and in doing so, rounds out and completes the cycle of the three Dragons of The Dragons’ Trilogy. This thesis studies the evolution of Lepage’s treatment of the Other and the Self in The Dragons’ Trilogy and The Blue Dragon. Grouping these two plays together should be a foregone conclusion, because of the titles of each section and the character of Pierre Lamontagne, who appears in both plays, but it has in fact been discussed very little. This thesis thus examines the transformation of characters such as Pierre, who, from one play to the other, and through language and space, find the Other in the Self. To address this issue, the second chapter explores the question of plurilingualism, in order to show how the plurality of languages in the plays and among the characters promotes the ideal of communication and communion with the Other. In the third chapter, the thesis examines the theatrical space of the two plays; from the closed-off city of Québec during the 1930s in The Green Dragon to Pierre Lamontagne’s intimate and modern loft in The Blue Dragon, the imagined worlds perfectly mirror the interior journeys of the characters. Finally, the last chapter, which studies the characters, focuses on the question of stereotypes, the quests for identity, and the role artistic creation plays within these quests. Ultimately, this thesis demonstrates that in The Dragons’ Trilogy and The Blue Dragon, although Otherness may at first appear to be the opposite of Self, it is in fact found within identity. / Thesis (Master, French) -- Queen's University, 2012-12-20 17:04:10.317

Un scénario naît dans l’esprit d’un être, inspiré par un événement, une personne, une histoire lue ou racontée. Liv repose sur la vie du personnage principal, Livia, une force de la nature au parcours houleux. Ce texte théorique qui accompagne le scénario « character-based » (basé sur un personnage) intitulé Liv consiste en une réflexion sur notre parcours de scénariste. Ayant déjà considéré les multiples angles qui ont contribué à notre texte et au développement de l’histoire, tant au point de vue historique qu’artistique, nous nous pencherons également sur les complications inhérentes à la création d’une chronique intimiste d’un personnage marginal forgé par un riche entourage multiculturel, par divers segments de la société montréalaise d’avant et d’après-guerre et tout ce que cela implique, en nous basant sur des livres d’histoires de la ville, des œuvres cinématographiques de l’époque, et sur les témoignages de gens qui ont soit connu l’héroïne ou tout simplement des Montréalais qui lui sont contemporains. / A screenplay arises in the mind of a being inspired by an event, a person, a story read or told. Liv is based on the life of the main character, Livia, a force of nature who struggled through a difficult journey. This theoretical text that accompanies the "character-based" screenplay (based on a character) entitled Liv is an account of our journey. Having already considered the many angles that have contributed to our text and the development of the story, both historically and artistically, we will also address the complications inherent to the creation of an intimate chronicle based on a marginal character forged by a rich multicultural environment through various segments of Montreal society before and after the war and all that it implies, inspired by the history of the city, cinematographic works of the time, and the testimonies of people who have either known the heroin or simply Montrealers who are her contemporaries.

Cette thèse a pour objectif d’étudier la présence, dans l’œuvre de Robbe-Grillet, de personnages stéréotypés récupérés de la paralittérature. Les stéréotypes dont il sera question dans ce travail sont : le solitaire romantique, l’errant citadin, le justicier criminel, le détective, le tueur, le trio des romans de la jalousie, la prostituée, le voyeur pervers, la stripteaseuse et le conteur. Au terme de cette "exploration", nous arriverons à la conclusion suivante : dans son ensemble, l’œuvre de Robbe-Grillet est ancrée dans la stéréotypie. Cependant, nous découvrirons qu’il ne s’agit pas là d’une apologie du stéréotype. Mais simplement d’une prise en compte de son action dans la culture contemporaine et du rôle de celle-ci dans l’élaboration du discours de l’œuvre. / This thesis aims at investigating the presence of stereotypical characters in the work of Robbe-Grillet retrieved from the paralitterature. Stereotypes that will be discussed in this work are: the romantic loner, wandering the city, the vigilante crime, the detective, the killer, the trio of novels of the jealousy, the prostitute, the perverse voyeur, the stripper, and the storyteller. After this “exploration”, we reach the flowing conclusion: as a whole, the work of Robbe-Grillet is rooted in the stereotype. However, we will discover that this is not an apology for stereotype. But simply taking into account its action in contemporary culture and the role of the latter in the elaboration discourse of the work.

Thèse réalisée en cotutelle avec l'Université de Provence au sein du département d’études cinématographiques, U.F.R. Lettres et Arts, L.E.S.A. École doctorale Lettres, Langues et Arts. Soutenue publiquement à l'Université de Provence le 16 juillet 2010. / Un film problématise en images et en sons ce dont il traite. Le type d’analyse faisant apparaître cette relation étroite entre les formes du contenu et les formes de l’expression est l’analyse figurative. En voici la méthode exposée par Nicole Brenez en 1998 dans De la figure en général et du corps en particulier. Tout d’abord, il doit être admis que le film prime sur son contexte. Ensuite, les composantes d’un film sont des éléments. Puis, ces éléments sont autant de questions. Enfin, le cinéma problématise ce dont il traite. Seulement, ces quatre présupposés ne vont pas de soi. Ils induisent un double mouvement : le film pose des exigences à l’analyse que seule l’analyse rend visibles. Ce double mouvement dépasse le film pour questionner le cinéma. Cette thèse a pour but de démontrer que, d’une part, l’analyse figurative trouve ses fondements dans l’histoire du cinéma et que, d’autre part, grâce à des analyses figuratives, nous pouvons mettre à jour des changements dans le fonctionnement des images, du montage, des personnages. La méthodologie de l’analyse filmique repose par conséquent sur une étude historico-esthétique des formes cinématographiques. Or, ces formes sont autant de façons de penser le cinéma et de penser au cinéma. C’est précisément la circulation entre les formes du contenu, les formes de l’expression et les formes de l’analyse qui rend visible ce champ sensible d’expérimentations qu’est le film – une pensée-cinéma. / What is a cinematographic thought? A film theorized with images and sounds what it is dealing with. The methodology of film analysis which reveals that close relationship between images, sounds and thought is figurative. It was exposed in Nicole Brenez De la figure en général et du corps en particulier in 1998. First, the analyst must consider that the film is more important than its context. Next, its components shall be understood as elements. Then, those elements are regarded as questions. Finally, the film has to be considered as an interrogation of its subject. However, those four steps aren’t necessarily clear. They lead to a double thought: the film forces the analysis to include elements that are only made visible with the analysis. This double thought goes beyond the film and questions cinema itself. This study’s aim is to prove that a figurative analysis finds its foundations within the history of cinema, and due to these analyses, the changes regarding the construction of the image, editing, and character can be revealed. This methodology lies on an historical and aesthetic study of the cinematographic forms. Those forms are the way cinema thinks. Emerging from this relationship of a form, its expression, and its analysis is a sensitive field of experimentations: a cinematographic thought.

Cet essai fut écrit sur le mode de la promenade, d’une promenade accompagnée par les voix, des voix. Parmi elles, celle de Colette, de certains de ses personnages, celles contenues en moi. L’écriture a été libre, a tenté de l’être au moins, en se séparant de l’idée qu’un but précis, qu’une destination finale devait être atteinte. Il s’agissait de me laisser guider par l’errance des mots, par le rythme que prend la plume quand elle pense. De Colette, je ne dis rien, ou presque. Mon but étant de l’entendre, c’est en tant que lectrice que j’ai pris place dans cette réflexion, lectrice amoureuse, c’est-à-dire, guidée par l’En-Amour, conçu comme personnage conceptuel. C’est donc de ce point de vue que les textes ont été abordés, afin de laisser place à la vie, à la mouvance, à ce qui grouille dans l’œuvre colettienne. De cette manière, il me semblait possible d’entrer réellement en relation avec les personnages, mais aussi avec la représentation que je me faisais de l’auteure. Il me fallait garder la poésie de l’écriture de Colette, y entrelacer la mienne et tenter ainsi de donner des mots à une sorte de silencieuse oralité. Et le chemin s’est poursuivi, jusqu’à une vérité relative, vérité de l’En-Amour, donnée et mise en forme par les récits colettiens et leurs sous-entendus. De cette façon, je voyais la possibilité de redonner foi et valeur au(x) discours amoureux comme potentiel(s) de vérité. / This essay was written in the manner of a stroll, a stroll in the company of voices. Among them: Colette’s, certain of her characters’ and my very own inner voices. The writing process was a free-form one, tried to be so at least, separating itself from the idea of a precise goal or final destination to be reached. It was to be guided by the roaming of the words themselves instead, by the rhythm animating the pen when it is thinking. Of Colette, I say nothing, or barely. My objective being to hear her, it’s as a reader that I positioned myself thinking, as a loving reader guided by l’En-Amour, conceived as a conceptual character. The texts have thus been addressed from such a particular point of view, to let life, movement and all that sprouts in the colettian oeuvre its space to bloom. In such manner, it appeared possible to truly relate to both the characters and my own representation of the author. I had to keep alive the poetry of Colette’s writing, intertwining mine along with it, in an attempt to word a kind of unspoken oral form. And the path continued further along, up to a relative truth, the truth of l’En-Amour, given and shaped by the colettian narratives and their understated meanings. This way, I saw the possibility of valuing and renewing faith in a (the) discourse(s) of love as potential truth.

Le début du XIXe siècle est une période marquée par de nombreux bouleversements politiques, dont les rébellions des Patriotes et l'Acte d'Union qui s'ensuit, impliquant une forte présence de la censure dans la presse canadienne de l’époque. Afin de contourner ce couperet de la censure, plusieurs journaux politiques effectuent un glissement du factuel au fictionnel. L'exemple le plus remarquable de ce choix de la littérarité est le journal Le Fantasque, édité par Napoléon Aubin et publié de 1837 à 1845 dans la ville de Québec. L'actualité y est rapportée à travers le prisme de la fiction, qui se déploie principalement par le biais des personnages. Le flâneur fantasque constitue la figure centrale et créatrice du journal. Par le récit de ses promenades et rencontres et par l'insertion de lettres presque toujours fictives de protagonistes de l'actualité, le flâneur donne accès à une multitude de voix disparates qui se font les porte-paroles de l'actualité. Ce passage systématique par les personnages fait du journal une œuvre et de l'actualité un récit. Nous étudions le système de personnages qui anime Le Fantasque de 1837 à 1842 et l’effet de son utilisation sur le récit de l’actualité et la lecture. Notre analyse s'inscrit dans le champ prolifique des études sur la presse et s’appuie principalement sur l’analyse de textes. Elle vise à ajouter aux connaissances sur les débuts de la littérature canadienne, à montrer sa vitalité et son ouverture au monde. Nous désirons aussi apporter des outils pour l'analyse de la forme journalistique et la reconnaissance des qualités littéraires de plusieurs textes publiés dans Le Fantasque. / Many political upheavals occurred in the early nineteenth century, including the rebellions of the Patriots and the Act of Union that followed, involving a strong presence of censorship in the Canadian press of this time period. In order to avoid the censorship, several political journals shifted from the factual to the fictional. The most notable example of this choice of literariness is the newspaper Le Fantasque, edited by Napoleon Aubin and published from 1837 to 1845 in Quebec City. In this journal, the news is reported through different characters and stories. The flâneur is the central character of Le Fantasque. By the story of his walks and meetings and by inserting fictional letters, the flâneur provides access to a multitude of disparate voices, which are acting like spokespersons of the news. The use of characters makes the newspaper a literary text, and the news a story. In this thesis, we study the system of the characters which is developed in Le Fantasque from 1837 to 1842 and the effect of its use on the news and on the act of reading. Our analysis was primarily based on the analysis of texts. It aims to add to the understanding of the early Canadian literature, to show its vitality and openness to the world. We also want to provide tools for the analysis of journalistic form and recognition of literary qualities of several texts published in Le Fantasque.

Ce mémoire traite des Comedias bárbaras (« Águila de blasón », « Romance de lobos » et « Cara de plata », 1907-1908-1922) de Ramón María del Valle-Inclán (Espagne, 1866-1936), et en fait une interprétation novatrice, différente de la réception dominante. Inspiré par les études sur le genre, ce travail revisite la trilogie en mettant l’emphase sur la perspective des personnages féminins qui contraste avec la figure prépondérante du mythe de Lilith (ou l’idée de la responsabilité légendaire du péché qui repose sur la femme, démoniaque). L’analyse des relations de genre présentes dans l’œuvre apparaît primordiale étant donné que le personnage de Don Juan Manuel Montenegro est aussi une version de la légende de don Juan. De plus, en recensant les différents discours sur celui-ci ainsi que les éléments grotesques des récits, on perçoit dans le traitement du personnage principal une critique qui va au-delà de la société de l’époque, et qui révèle une critique universelle des logiques mêmes qui régissent le système patriarcal, en passant par une réflexion sur la légitimité du pouvoir. Toutes ces considérations permettent d’apprécier l’ensemble de la trilogie dans les aspects qui la rapproche de l’esthétique postérieure de l’esperpento. Cette interprétation contemporaine entre en dialogue avec les aspects centraux des différents débats qu’auront suscités ces œuvres depuis leur parution (représentabilité, genre littéraire, unité ou non de la trilogie, classification) et revitalise sa réception dans le XXIe siècle, révélant la fascinante actualité du théâtre de l’auteur. / This study presents an innovative interpretation of the Comedias bárbaras (« Águila de blasón », « Romance de lobos » and « Cara de plata », 1907-1908-1922) by Ramón María del Valle-Inclán (Spain, 1866-1936) that differs from the dominant reception. Inspired by gender studies, this work revisits the trilogy by focussing on the feminine characters’ perspectives in contrast to the omnipresence of the myth of Lilith (or the legendary idea of sin being originated by a demon woman). Analyzing gender relations in the plot appears essential since the character of Don Juan Manuel Montenegro is also a version of the legendary Don Juan. Moreover, by giving a special attention to the distinct discourses about him and the grotesque elements, we perceive in the character’s treatment a criticism that goes beyond the historical context, revealing a much more universal dimension that points out the very logics of the patriarchal system and the legitimacy of power. All of these considerations allow us to better appreciate those aspects of the trilogy that brings it closer to the further aesthetic of the esperpento. This contemporary interpretation establishes a dialogue with some of the central debates around the work since its first publication (representability, literary genre, unity of the trilogy, classification) and revitalizes its reception in the XXI century, showing the fascinating contemporary relevance of the autor’s theater. / Este trabajo de memoria se presenta como una interpretación novedosa de las Comedias bárbaras de Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936), trilogía compuesta por Águila de Blasón (1907), Romance de Lobos (1908), y Cara de Plata (1922), que difiere de la recepción dominante. Inspirado por los estudios de género, revisita la trilogía poniendo énfasis en las perspectivas de los personajes femeninos que contrastan con la figura preponderante de Lilith (o la idea de la legendaria responsabilidad del pecado asociado a la mujer demoniaca). El análisis de las relaciones de género presentes en la obra aparece fundamental siendo el personaje de Don Juan Manuel Montenegro también una versión de la leyenda de Don Juan. Además, sopesando los diferentes discursos acerca de él y la suma de elementos grotescos, percibimos un tratamiento del personaje principal que sugiere una crítica que va más allá de la sociedad de la época y revela una crítica más universal de las lógicas propias del patriarcado, pasando también por una reflexión sobre la legitimidad del poder. Todas estas consideraciones permiten apreciar el conjunto de la trilogía en aquellos aspectos que la acercan a la estética del esperpento. Esta interpretación contemporánea entra también en diálogo con los aspectos centrales de los diferentes debates que hubo en torno a la obra desde su primera publicación (representabilidad, género literario, unidad o no de la obra, clasificación) y revitaliza su recepción en el siglo XXI, revelando la fascinante actualidad del teatro del autor.