Le personnage principal féminin actif du film d'horreur voit le jour dans les années 1970. Sa naissance a eu un impact important sur le genre : elle est à l'origine de l'émergence de nouveaux sous genres(le slasher, le woman's horror film, le film d'horreur/mélodrame familial et l'action/horror auquel la série Alien donne naissance dans les années 2000). Ces sous-genres se distinguent par leur structure narrative, leur mode de production et le public auquel ils s'adressent. Chacun d'entre eux accorde du reste son rôle principal à un modèle différent de personnage féminin. Le traitement réservé par ces sous-genres à la question de la relation de leurs protagonistes féminines à la société, à leur corps et à leur sexualité évolue entre 1970 et 2007. Alors que dans les années 1970, la majorité des personnages féminins héroïques du genre étaient des femmes indépendantes, entre 1980 et 1995, elles sont remplacées par des mères sacrificielles, tandis qu'entre 1996 et 2007, les femmes indépendantes refont surface et se mettent à partager le devant de la scène avec des mères-célibataires. La mutation monstrueuse ou héroïque de ces personnages dépend aussi de leur relation à leur corps : celles qui ne parviennent pas à contrôler la "nature transformable" de leur biologie féminine (celles qui tombent enceintes ou qui ont leurs règles) deviennent des monstres, alors que celles qui sont disposées à contenir leur corps, ses mutations et leurs désirs sexuels parviennent à survivre. Notre analyse chronologique de ces sous-genres montre que l'évolution de leur discours sur leurs personnages féminins est due à l'impact que les différents courants féministes qui ont traversé l'histoire des États-Unis et le(s) backlash(s) contre le féminisme ont eu sur le genre de l'horreur. / The birth of the active female main character of the horror film in the 1970s has a significant impact on the genre of horror : this phenomenon prompted the emergence of new sub-genres (the slasher, the woman's horror film, the horror film/family melodrama and the action/horror to whom the Alien series gives birth in the 2000s). These sub-genres differ in their narrative structure, their production mode and the type of audience they address. Each of them grants the leading role to a different type of female character. From 1970 till 2007, the relationship of the female protagonists of horror film to the society in which they live, their body and their sexuality evolves. While in the 1970s, most of the heroic women of the genre are independent women, between 1980 and 1995, they become sacrificial mothers, and from 1996 to 2007, the independent women resurface again but are often single mothers. The ability of these female characters to become heroes or monsters is also affected by their relationship to their body : those who cannot control the "changeable nature" of their biology (i.e. those who become pregnant or have their period) turn into monsters, while those who can contain their bodies and sexual desires survive. The chronological analysis of these sub-genres shows that their discourse on their female main protagonists and the way it evolves are influenced by the different feminist currents that come to birth in the United States from 1970 till 2007 and by the backlash(es) against them.

L’objet de la présente étude est le personnage principal dans l’oeuvre Le Fantôme de l’Opéra de Gaston Leroux. Le but de cette analyse littéraire est de mettre en évidence l'ambiguïté et la complexité psychologique et morale de ce personnage.L’analyse est basée sur les théories de Vincent Jouve à propos de la perception du personnage romanesque. Le résultat de l'analyse montre que l'ambiguïté du personnage principal peut être déduite de ce que Jouve appelle le « système de la sympathie » constitué de trois codes : le code narratif, le code affectif et le code culturel. / The object of this study is the main character in the novel Le Fantôme de l’Opéra by Gaston Leroux. The purpose of this literature analysis is to highlight the ambiguity and complexity surrounding this character based on a psychological and moral point of view.The analysis is based on the theories of Vincent Jouve about the perception of a fictional character. The result of the analysis shows that the ambiguity of the main character can be deduced from what Jouve calls the "system of sympathy" consisting of three codes : the narrative code, the affective code and the cultural code.

This thesis proposes a multimodal systemic functional model for adaptation. Its aim is to provide the analyst with wider insight into the process(es) of adaptation but also with a complex yet manageable apparatus which enables comparison and articulation of these comparisons over and above intersemiotic boundaries. The model has been applied to the case example of Bram Stoker's novel Dracula and seven different film adaptations. / Doctorat en Langues et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Né en 1630, sous la plume du moine espagnol Tirso de Molina, le personnage de Don Juan n’a cessé d’inspirer les auteurs, au point de devenir un véritable mythe littéraire. On ne saurait, désormais, l’évoquer sans mentionner quelques œuvres majeures, telles que le Dom Juan de Molière ou le Don Giovanni de Mozart. S’il est difficile de trouver, au 20ème siècle, des réécritures du scénario mythique susceptibles de rivaliser avec ces illustres noms, il est indéniable que ce dernier demeure productif. La France offre, à elle seule, des preuves de cette vitalité. En effet, l’histoire de Don Juan continue à inspirer les auteurs. Elle semble même avoir conquis de nouveaux genres littéraires : longtemps cantonné au théâtre, c’est, pourtant, dans le genre romanesque que le héros mythique trouve actuellement ses traitements les plus originaux.Mais ces réécritures littéraires sont enrichies, au 20ème siècle, par deux apports fondamentaux. La critique, tout d’abord, qui multiplie les angles d’approche sur le mythe et entretient, à son tour, un dialogue fertile avec les œuvres de fiction. Cette dimension réflexive renouvelle considérablement le regard porté sur la fable donjuanesque. Le cinéma, ensuite, qui, en s’emparant du mythe, en propose de nouvelles lectures. Cependant, cette productivité ne doit pas occulter un constat : pour s’adapter à notre époque, le canevas mythique a souffert de nombreuses modifications. Ces dernières sont-elles la preuve de la plasticité du mythe et la garantie de sa survie ou, au contraire, des étapes pouvant aboutir à sa déconstruction ? Il importera de se demander, en définitive, si Don Juan ne risque pas d’être victime de la fascination qu’il inspire. / Born in 1630 from the Spanish monk Tirso de Molina’s quill, the character of Don Juan has never stopped inspiring writers to the point of becoming a true literary myth. Nowadays, one could not evoke it without mentioning a few masterpieces such as Dom Juan by Molière or the opera Don Giovanni by Mozart. Even if it is hard to find in the 20th century, rewritings of the mythical scenario that can vie with these illustrious names, it is however undeniable that it remains very productive. France itself gives numerous proves to this vitality. Indeed, the story of Don Juan keeps on inspiring authors. It even seems to conquer new literary genres: confined for a long time to theatre only, it is however in the domain of fiction that the mythical hero experiences nowadays his most original uses.But these literary rewritings are completed and enriched in the 20th century by two essential contributions. Firstly reviews have multiplied the different views on the myth and have maintained fertile conversations with fictional works. The birth in the literary world of this reflexive dimension considerably transforms the vision shared on this Don Juan fable. Secondly, the cinema embraces the myth and offers new reading propositions. However this productivity should not overshadow this fact: the myth has been adapted to our times. It has undergone many transformations. Are they the proof of the myth’s plasticity and the warrant of its survival or, on the contrary, are they steps that might lead to its destruction? At the end of the day, will Don Juan risk to be the victim of the fascination it inspires?

Robert Macaire apparaît en 1823 dans le mélodrame L’Auberge des Adrets sur la scène du Théâtre de l’Ambigu-Comique. Cette pièce marque l’histoire du mélodrame grâce à l’interprétation qu’en fait Frédérick Lemaître. Il crée un costume extravagant et improvise sur scène, transformant alors ce personnage secondaire en héros. Notre thèse met en lumière les modifications apportées dans l’oeuvre initiale grâce au jeu du comédien et recontextualise l’histoire des premières représentations. Le personnage apparaît de nouveau en 1834 dans Robert Macaire. Il devient un témoin emblématique des travers de la société de l’époque et héraut des contestations sociales et politiques de la monarchie de Juillet. Le succès est tel que le personnage réapparaît dans de nombreuses suites et avatars, donnant naissance au « macairisme ». Il s’attire ainsi les foudres de la censure. Au-delà du théâtre, il se transpose dans les caricatures et la littérature, devenant une figure archétypale et mythique. Il reste néanmoins fortement attaché à Frédérick Lemaître avec lequel il constitue un couple symbiotique justifiant l’analyse de l’impact du comédien dans la transfiguration du personnage de théâtre en un type social médiatisé. À travers cette étude, nous analysons le succès de Robert Macaire et les différentes utilisations du personnage et de ses implications politiques afin de comprendre comment et pourquoi ce personnage théâtral est devenu type social. Aborder la question de Robert Macaire à travers le couple qu’il forme avec Frédérick Lemaître permet d’interroger les véritables enjeux de l’esthétique macairienne dans l’affirmation du théâtre populaire. / Robert Macaire appears in 1823 in L’Auberge des Adrets melodrama on the stage of the L’Ambigu-Comique Theater. This play celebrates the melodrama’s history, thanks to the interpretation created by Frédérick Lemaître. He creates an extravagant costume and improvises on stage, transforming this secondary character in heroe. Our thesis highlights changes in the initial work through the actor’s play and re-contextualizes the history of the firsts performances. The character appears again in 1834 in Robert Macaire. He became an emblematic witness of the society of that time and herald for the social and political challenges of the “monarchie de Juillet”. Due to the success, the character reappears in many suites and avatars giving birth to the “Macairisme”. He thus, attracted the wrath of censorship. Beyond the theatre, he transfers in cartoons and literature, thus becoming an archetypal and mythic figure. Nevertheless, he remains strongly attached to Frédérick Lemaître with whom he creates a symbiotic couple justifying the study of the impact of the comedian in the transfiguration of the theatre in a publicized social type character. Through this study, we do analyze the success of Robert Macaire and the different uses of the character and its political implications in order to understand how and why this theatrical character has become a social type. Addressing the issue of Robert Macaire through the couple formed with Frédérick Lemaître, allows querying the real issues of “the macairienne esthetic” in the claim of the popular theatr

La relation marque‐consommateur telle qu’identifiée et formalisée par Fournier (1988) apparaît comme une problématique centrale du management de la marque tant d’un point de vue académique que pour les entreprises. Si la littérature s’est intéressée au phénomène relationnel, à ses antécédents mais aussi à ses conséquences en termes de gestion de marque, le mécanisme dynamique de la relation reste absent des recherches et travaux. Ce mécanisme, avec en particulier la structure de la relation et le sens de la relation, constitue pourtant un élément essentiel à l’opérationnalisation de la relation. Notre recherche vise donc à comprendre la construction du processus relationnel entre une marque et un consommateur en s’appuyant sur la métaphore narrative de la marque, et plus spécifiquement sur le modèle dramatique. Sur le plan méthodologique, une démarche compréhensive reposant sur une approche exploratoire est retenue avec un travail empirique mené en trois volets : une série de dix entretiens en profondeur, quatre réunions de consommateurs, une analyse statistique explicative. Il apparaît ainsi, (A) que la relation marque‐consommateur tient d’un dispositif scénique, d’un jeu, où la marque est le personnage et le consommateur, le spectateur (B) que la mise en relation peut se concevoir selon le modèle de la double énonciation dramatique impliquant un double statut de la marque (objet du spectacle, sujet du message) et un double statut du consommateur (consommateur‐ acheteur‐ consommateur‐ individu) (C) que la marque peut s’apparenter à un personnage (et non une personne) de théâtre qui doit articuler son être et son faire pour assurer sa légitimité et sa puissance identificatoire et que la relation peut s’établir selon une typologie en quatre figures relationnelles fondamentales (le maître, le mentor, l’alter‐ego, l’acolyte). Ainsi, notre recherche permet d’ouvrir la réflexion, en dehors de la métaphore anthropomorphique, et de proposer une structure narrative spécifique au développement de la marque relationnelle. / The brand‐consumer relations as identified and formalized by Fournier (1988) appear a central brand management problematic, from an academic point of view as much as for companies. The literature has mostly devoted attention at the phenomenon, its antecedents and consequences in terms of brand management implications. However the mechanics of the relation itself remains unexplored. This mechanics, and especially the structure of the relation and the meaning of the relation, constitutes a major issue in operationalizing the relation. This particularly research aims at exploring the dynamic mechanism at stake, using the brand as a narrative metaphor and more specifically the theatre narrative model. In methodological terms, a comprehensive and exploratory approach is used, with a three‐phase empirical work conducted: a 10 long interviews initial study, a second part consisting in three 3‐hour focus groups of 8 to 9 respondents and a final descriptive and explanatory statistical analysis. The results of the research help us to understand the relation and its execution. (A) The brand‐consumer relation belongs to a shared set‐piece, a play, where the brand is the character and the consumer the spectator (B) To create a relation, the brand must convey a twofold message at the same time (object of the performance and subject of the message) recognizing the double status of the consumer (a buyer, an individual). This refers back to the process of drama‐writing designated by the linguistic term “double enunciation” (C) The brand can be considered as a theatrical character (not a person) that has to express its doing as well as its being in order to support its legitimacy and ensure its projective and identifying power. Based on this character metaphor, four prototypical figures (the master, the mentor, the alter‐ego the acolyte) can be considered within a relational context. Thus, our research sheds new light on the brand‐consumer relation, steering clear of temptations too anthropomorphic, and allows us to consider a specific narrative structure to implement relational brands.

L’œuvre romanesque d’Amin Maalouf propose un traitement particulier du personnage qui dépasse le cadre habituel de son analyse. Objet de toutes les attentions mais aussi de tous les débordements, le personnage reflète l’ensemble des problématiques qui opèrent à l’intérieur de la fiction. On trouve ainsi dans les romans d’Amin Maalouf une contamination, voire même une dissémination, du personnage vers d’autres instances. Ces instances le prolongent en peuplant, à leur tour, le roman et en se proposant d’y laisser une empreinte poétique.Les métamorphoses et les mutations successives, dont le roman fait l’objet, viennent relayer sa présence, lui octroyant une dimension nouvelle. En multipliant ses appartenances et ses origines, la fiction propose un voyage à travers les multiples facettes du personnage qui lui permettent de renouer avec sa nature originelle. Tourné vers le mouvement, aspirant à se redéfinir au travers des autres instances textuelles, le personnage s’impose comme un véritable agent romanesque. La thèse propose ainsi de révéler précisément les tenants de ces métamorphoses et de ces mutations romanesques, afin de mettre en lumière les infinis prolongements qui concourent à l’élaboration d’une poétique singulière. / Amin Maalouf’s novels offer a special treatment of the character beyond the usual scope of its analysis. The object of all attention and excesses, the character reflects all issues operating within the fiction. Thus we find in Amin Maalouf’s fiction a sort of contamination, even a release of the character to other authorities. Throughout the novel these authorities extend adopt traits of the main character as personifications. They extend its presence their presence, occupy the fiction in their turn and try to leave a poetic mark.Metamorphoses and successive mutations, of which the novel is the subject, just relay its presence, giving it a new dimension. Increasing its appurtenances and its origins, fiction offers a journey through the many facets of character that allow it to return to its original nature. Facing movement, aspiring to redefine itself through other textual authorities, the character stands out as a true romantic agent.The thesis proposes to reveal precisely the proponents of these metamorphosis and mutations of fictions to highlight the infinite extensions that contribute to the development of a singular poetic.

Cette thèse porte sur les caractéristiques du théâtre du monde telles qu’elles se manifestent dans différentes œuvres dramatiques contemporaines francophones. Il s’agit d’envisager sept pièces de ce répertoire comme autant d’images du monde, dans la mesure où elles convoquent les emblèmes de la vie terrestre : humaine, animale, végétale, et problématisent leurs interactions dans un espace-temps universel. Dans une partie introductive, on rassemble et commente les principales contributions universitaires à la réflexion sur la notion historique de théâtre du monde. Dans la partie principale, on observe les prolongements contemporains de la métaphore à travers l’étude des pièces du corpus. Une présentation générale des moteurs et motifs d’écriture des dramaturges introduit chaque analyse de texte, basée sur une grille de lecture calquée sur les catégories constitutives du drame : personnages, espace et temps, actions, didascalies. Le corps de la thèse est ainsi conçu comme l’exploration de sept déclinaisons du théâtre du monde, partant de la représentation la plus abstraite pour aboutir à la plus organique. Une synthèse boucle ce parcours en soulignant que les pièces dépendent de trois modèles de composition, déterminant autant de combinaisons des catégories dramatiques. Cette classification dévoile enfin l’ambition qui génère chaque projet d’écriture. En conclusion, il apparaît que le théâtre du monde dont on s’accorde généralement à penser qu’il est un topos daté évoquant la théâtralité de la vie humaine, est un cadre générique assez fort pour résister à la poétique du drame contemporain, assez vaste pour accueillir les inventions dramaturgiques les plus singulières. / This thesis deals with the characteristics of the theatre of the world metaphor, as they appear in several contemporary french-speaking plays. Seven plays have been selected as images of the world, since they summon various emblematic elements of life on earth: humans, animals and flora, and emphasize their interaction in a universal surroundings. Firstly, the principal academic contributions concerning the historical notion of theatre of the world are gathered and commented. The main part of the research consists of the demonstration of the metaphor's contemporary extensions, through the study of the corpus. The analysis of each play is preceded by a presentation of its author's writing motivations and motives. Then, the play itself is examined carefully with the help of a reading grid which focuses successively on the dramatic categories : characters, space and time, actions, stage directions. Thus, the thesis's body is built as an exploration of seven variations of the theatre of the world, beginning with the most abstract one and leading to the most organic one. A synthesis ends this journey, pointing out that the plays match three composition patterns, which induces many combinations of the dramatic categories. This classification unveils the ambition at the origin of each writing project. In conclusion, it appears that the theatre of the world, generally considered as an old topos which refers to the theatrality of human life, is a framework strong enough to stand up to the poetics of comtemporary drama, and vast enough to house the most singular dramaturgic inventions.

Plusieurs études ont déjà relevé la place singulière qu’occupe le personnage dans la dramaturgie de Larry Tremblay. Les œuvres de cet auteur québécois regorgent effectivement d’individus tourmentés par l’environnement dans lequel ils évoluent. Durant les 20 dernières années, la thématique des médias a particulièrement été l’objet de l’attention de l’auteur. En créant des pièces ayant comme centre l’univers médiatique, Larry Tremblay entreprend de poser un regard critique sur cet aspect important touchant la société actuelle. Dans le cadre de ce mémoire, l’objectif est donc d’étudier plus spécifiquement les différents personnages du dramaturge lorsque ceux-ci sont placés dans des contextes où ils sont envahis par les médias. Il s’agira de montrer comment le dramaturge expose les effets néfastes du pouvoir des médias en abordant la question du regard, de la banalité, du vide, du narcissisme ainsi que de la désillusion marquant l’époque contemporaine. L’analyse des œuvres Ogre (1995), Téléroman (1997) et Grande écoute (2015) permettra de montrer que c’est par l’intermédiaire de personnages dont l’identité se morcelle et se transforme, que Larry Tremblay expose les conséquences les plus importantes qu’entraine la société médiatique sur l’individu. L’objet de ce mémoire est de saisir l’évolution de la pensée de l’auteur à l’égard des médias et de comprendre comment ses personnages ont évolué au fil du temps parallèlement au domaine médiatique. / Many studies have already examined the singular place occupied by the character in Larry Tremblay’s dramaturgy. This Quebec author’s works are filled with many individuals who are deeply affected by the environment they live in. For the past 20 years, the playwright’s particular interest in the theme of media has been observed. By creating plays in which the media are at the forefront, Larry Tremblay takes a critical look at an important aspect of current society. In the context of this thesis, the objective is therefore to study more specifically Tremblay’s characters who are in environments pervaded by the media. In order to show how the author exposes the negative impacts of the power of the media, we will address the question of the gaze, the banality, the void, the narcissism, as well as that of the disillusion that touches our time. The analysis of Ogre (1995), Téléroman (1997) and Grande écoute (2015) will demonstrate that it is through characters whose identity is crumbling and changing that Larry Tremblay denounces the most disastrous consequences stemming from the media for individuals. The purpose of this thesis is to grasp the evolution of the author’s thought regarding media and to understand how his characters have evolved over time alongside the media.

La partie « création » de ce mémoire intitulée Velours Façonné consiste en un recueil de sept contes, incluant un récit-cadre (La ronde des vieillards), racontés par des voix multiples appartenant aux membres d’une Résidence pour personnes âgées visitée par un conteur, Monsieur Doré. Ces contes ont pour thématique un rite de passage de la vie humaine tels que définis par l’ethnologue et folkloriste Arnold van Gennep dans Rites de passage paru en 1909 : l’épreuve de la peur chez l’enfant (Chapeau d’paille, Agathe), le rite initiatique pubertaire (Le Carnet), l’initiation par le voyage (En dormant comme un loir), l’entrée dans la vieillesse (Tarabiscotés) et le deuil (Les voix éclatées). Ces deux fils conducteurs – la figure traditionnelle du conteur et les rites initiatiques – organisent donc les différents types de contes de ce recueil en fonction de temporalités et de personnages diversifiés. Ces récits sont unis par un ton nostalgique et par le désir de donner une voix aux objets et à la nature, soit par un travail sur l’animisme et la miniaturisation. À la manière de George Sand, pour qui le merveilleux et la fiction remettent à l’endroit un monde chaotique et dont l’écriture déclenche « un rite de passage du monde urbain de 1848, déchiré par la violence politique, au monde des campagnes où règne la solidarité » (Lagrave, 2012 : 130), je veux faciliter l’entrée dans un monde imaginaire et penser mes contes comme des récits initiatiques et des rites pour le lecteur. C’est ainsi que j’explore le conte comme rite de passage en soi grâce au narrateur qui fera office, en quelque sorte, de la figure du conteur chez Sand, le Chanvreur. Bien que La Petite Fadette (1849) soit un roman, il est possible d’y retrouver, du point de vue formel et structurel, des emprunts au conte merveilleux. La fin heureuse, digne d’un conte classique, n’exclut qu’un seul des protagonistes : Sylvinet, l’aîné des jumeaux de la famille Barbeau, dont la partie « recherche » de ce mémoire tentera de retracer la trajectoire malheureuse. Les craintes superstitieuses de leurs parents ainsi que les avertissements de la sage-femme du village qui seront ignorés sont autant d’intersignes annonciateurs de la destinée de Sylvinet, de son malheur comme du bonheur de son frère. Proposant « une lecture interprétative de la littérature qui travaille à articuler poétique du texte et ethnologie du symbolique » (Scarpa, 2013), l’ethnocritique me permettra d’envisager les logiques culturelles du texte à partir des rites initiatiques des garçons, qui, pour accéder au monde naturel et social, empruntent la voie des oiseaux (Fabre, 1986). Victime du sort, Sylvinet est également un « personnage liminaire » (Scarpa, 2009; Ménard, 2017), héros négatif et « raté » puisqu’il ne réussira pas son rite de passage vers l’âge adulte et son intégration dans son groupe social. / The “creative writing” portion of this thesis, entitled Velours Façonné consists of a collection of seven tales, including a frame story (La ronde des vieillards), narrated by multiple voices, belonging to the residents of an elderly people home who are visited by a storyteller, Monsieur Doré. These tales share a common theme, that of the rite of passage in a human life, such as it is defined by the ethnologue and folklorist Arnold Van Gennep in his Rites de passage, published in 1909: the test of fear for a child (Chapeau d’paille, Agathe), the initiatory puberty rite (Le Carnet), the initiation through travel (En dormant comme un loir), entering old age (Tarabiscotés) and grief (Les voix éclatées). These two guiding principles – the traditional figure of the storyteller and the initiatory rites – structure the different types of tales of this collection in function of the temporalities of the diversified characters. These stories are united by a nostalgic tone and by the desire to give a voice to objects and to nature, which is attempted by a work of miniaturisation and animism. In George Sand’s style, for whom the marvelous and the fictive turn the chaotic world right side up and whose writing triggers “a rite of passage from the urban world of 1848, torn apart by political violence, to the world of the countryside where solidarity reigns1” (Lagrave, 2012 : 130), I want to facilitate the entry in an imaginary world and think my stories as initiatory in and of themselves and as rites for the reader. That is how I explore the tale as a rite of passage in itself, thanks to a narrator who will act, in a way, as the figure of the storyteller of Sand, the Chanvreur. Although La Petite Fadette (1849) is a novel, it is possible to find in it, from a structural and formal point of view, borrowings for the fairy tale. The happy ending, which would be typical in a fairy tale, excludes only one of the protagonists: Sylvinet, the elder of the twins of the Barbeau family. It is for this character that the “research” portion of this thesis attempts to retrace unfortunate trajectory. The superstitious fears of their parents, as well as the warnings of the village’s midwife, which will be ignored, are premonitory signs (intersigns) announcing both Sylvinet’s destiny and his misfortunes, as well as and his brother’s future happiness and fortunes. Ethnocritisism will allow me to envision the cultural logics of the text from the initiation rites of boys, who, in order to gain access to the natural and social world, take the path of the birds (Fabre, 1986). Victim of fate, Sylvinet is also a “liminary character” (Scarpa, 2009; Ménard, 2017), negative hero and “failed” because his rite of passage is failed and he therefore will not reach adulthood, nor will he integrate with his social group.