Autorreferencialidade em Território Partilhado trata-se de uma investigação em pintura e fotografia a partir de uma definição mais ampla do que seja do campo da pintura. Contrapondo-se as definições modernistas que estabeleciam ser do campo da pintura somente seus elementos essências, ou seja, o plano, a cor e o gesto, esta investigação parte de uma definição ampliada demonstrando que se tomarmos o ilusionismo, o diálogo com outras linguagens e a narrativa como capacidades inerentes à linguagem pictórica, alcançaremos um número muito mais amplo de significações. A autorreferencialidade aqui referida trata-se da representação das três instâncias que perpassam o trabalho artístico: o espaço de produção, o espaço de representação e o espaço de apresentação da obra. Em virtude disso, a presença do dispositivo fotográfico nesse processo torna-se fundamental não apenas como recurso documental ou mera referência, mas revela-se como um agente determinante na constituição das imagens pictóricas. O cruzamento das três instâncias citadas acima somado às confluências entre pintura e fotografia funda, então, o Território Partilhado. A análise do papel dos documentos de trabalho na constituição do trabalho artístico evidenciará, também, sua presença dinâmica nesse processo. A presença do dispositivo fotográfico no processo da pintura gera a representação en abyme. A representação en abyme como recurso caracteristicamente autorreferencial tem como objetivo colocar as três instâncias em circularidade infinita. Como um recurso especular, faz a obra dobrar-se sobre si mesma, sobre suas referências e sobre seu modo de apresentação. Autorreferencialidade em Território Partilhado trata-se de um processo de auto-análise no qual pintura e fotografia questionam-se sobre suas capacidades e comungam em uma mesma direção: a construção do olhar. Do olhar reflexivo, sempre en abyme. / Self-referentiality in a Shared Territory is an investigation into both painting and photography, considering a broader definition of the field of painting. In contraposition to modernist definitions, which established that only essential elements, such as plane, color, and gesture, belonged to the field of painting, this investigation has stemmed from a broader definition, showing that, if we regard illusionism, the dialogue with other languages, and narrative as capacities inherent to the pictorial language, we will reach a more significant number of significations. Self-referentiality here concerns the representation of the three instances that permeate the art work: the production space, the representation space, and the exhibition space. Because of that, the presence of the photographic device in this process is not only fundamental as a documental resource or reference, but is also a determining agent in the constitution of pictorial images. The crossing of the three instances mentioned, together with the confluences between painting and photography, has founded the Shared Territory. The analysis of the role of work documents in the constitution of the art work has also evidenced its dynamic presence in this process. The presence of the photographic device in the painting process generates a mise en abyme representation. Mise en abyme representation, as a resource that is characteristically referential, aims at putting the three instances in endless circularity. As a specular resource, it makes the art work fold on itself, its references, and its mode of exhibition. Self-referentiality in Shared Territory is a self-analysis process in which painting and photography question their capacities and join the same direction: the construction of the look - the reflective look, always mise en abyme.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro Tecnológico, Programa de Pós-Graduação em Engenharia Civil, Florianópolis, 2009 / Made available in DSpace on 2012-10-24T08:24:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 269107.pdf: 3273475 bytes, checksum: a47c94209d18989c163619caadda401e (MD5) / Esta pesquisa avalia a influência dos pigmentos sobre a biodeterioração de pinturas látex externas. Tais tintas sofrem ataque da intempérie e de microrganismos que provocam biodeterioração, podendo degradar o filme seco. Estes microrganismos se nutrem de componentes da tinta e de carbono, disponível no ambiente em presença de umidade. A ação dos microrganismos pode ser controlada pelos biocidas da tinta e pelos componentes químicos dos pigmentos. Os fabricantes de tinta, normalmente, não incluem biocidas para filme seco na sua formulação. Esta deficiência pode ocasionar a biodeterioração. Os pigmentos, como únicos agentes de variação, são os responsáveis pelo desempenho variável das tintas frente à biodeterioração. Utilizou-se uma montagem experimental de 80 placas pintadas com 10 cores diferentes que foi exposta a intempérie, por quase três anos, no campus da UFSC, em Florianópolis/SC, Brasil. A partir do exame e da avaliação das amostras foi possível classificar as cores quanto à resistência à biodeterioração, bem como identificar qualitativamente os microrganismos existentes. Além dos fungos, foi constatada a presença de algas após o segundo ano de observação. As amostras da orientação norte apresentaram maior biodeterioração quando comparadas com as voltadas ao sul. As cores escuras, como azul, vermelho e cerâmico mostraram mais capacidade de resistir à biodeterioração, do que as cores claras como palha, camurça e gelo. O ordenamento de desempenho à biodeterioração das amostras ao sul e ao norte foi muito semelhante: azul, vermelho. cerâmico, verde, marfim, amarelo, pêssego, palha, camurça e gelo. A partir do procedimento experimental proposto torna-se possível escolher as cores de tinta, visando minimizar os danos decorrentes da biodeterioração, o que pode proporcionar um aumento da vida útil das pinturas, espaçando mais as repinturas. Para as tintas empregadas no presente estudo, foi possível identificar o potencial para a redução dos teores de fungicidas e algicidas, fazendo uso das propriedades biocidas dos próprios pigmentos, o que reduziria o impacto ambiental decorrente de sua lixiviação.

Made available in DSpace on 2016-08-26T15:18:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_4881_Dissertação Almeida Junior - A afirmação de uma subjetividad.pdf: 7058717 bytes, checksum: 0f55f8b476cd42b5052483adbfd02096 (MD5) Previous issue date: 2011-06-17 / Esta dissertação de mestrado versa sobre o pintor Almeida Junior (1850 - 1899), conhecido principalmente por suas telas de temática regionalista. O principal objetivo do trabalho consiste em desenvolver um estudo teórico buscando a identificação de questões subjetivas na obra do pintor e a partir daí rever o processo de instauração de uma discussão pictórica, bem como o desdobramento desta no envolvimento com o espectador. Interessa-nos, deste modo, a compreensão de elementos da pintura de Almeida Junior os quais, em sua maioria focaliza sua filiação ao academicismo, mas que sempre buscam localizar o que parece inovador no artista, e que contribuam para a elaboração de diferentes discursos sobre sua obra. Por meio de revisões bibliográficas e suportes teóricos distintos que, possibilitaram o entendimento do alargamento da obra, tornou-se possível perceber a criação de um espaço, onde se instala a figura do espectador, bem como a utilização de recursos pictóricos que resultaram na quebra da planaridade. Diante do exposto, pretende-se demonstrar que a obra de Almeida Junior se constitui a partir de características tradicionalmente acadêmicas pontuadas por particularidades, onde se percebe que a representação de uma ação humana significativa, proporciona um campo de discussão sobre a própria pintura, e que esta é formada por efeitos pictóricos que não se encontrava entre seus contemporâneos no Brasil. Palavras-chave: Almeida Junior. Pintura do século XIX. Espectador. Subjetividade.

Made available in DSpace on 2016-08-26T15:19:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_7711_DISSERTAÇÃO JORGE LUIZ MIES.pdf: 4348667 bytes, checksum: 2c0135e39327632befeba575c0931cdc (MD5) Previous issue date: 2014-05-06 / Esta dissertação investiga a praxe artística da pintora capixaba Regina Chulam entre os anos 1975, ano em que ingressa nas artes plásticas, iniciando seus estudos em Londres, e 2013, momento em que realiza uma exposição individual no Museu Vale, Vila Velha. Desde que se Licenciou em Pintura pela Escola Superior de Belas Artes de Lisboa (ESBAL), em 1981, sua trajetória é marcada por um dinâmico processo de idas e vindas, encontros e desencontros, buscas e descobertas. Ao traçar de maneira cronológica o caminho de desenvolvimento e maturação de seu trabalho, este estudo examina um espaço pictórico estruturado pela dinâmica das linhas e pela força expressiva do tecido cromático, ambas estabelecidas na superfície do quadro. Por se tratar de uma experiência criativa, trazemos um referencial teórico que abarca a obra de arte a partir de sua essência, tratando-a como um acontecimento, um fenômeno estético. Promovida pela percepção do pintor, a pintura esboça na tela um mundo investido em formas e cores. Cada quadro é um fragmento do mundo, a expressão de uma experiência. O foco principal do trabalho está na análise de pinturas (retratos, autorretratos e, principalmente, paisagens) que acentuam experiências de suas duas nacionalidades, a brasileira e a portuguesa. Regina Chulam vive a imensidão das paisagens que a cercam e faz com que seu espectador as viva por meio de suas telas. A cor e a luz são elementos importantes de investigação. Ao redescobrir a cor e a luz tropical, a artista tenta integrá-las com as transparências e as suaves nuances oferecidas pela atmosfera lusitana. O texto também aborda a importância de Aracê para o desenvolvimento da pintura de Chulam. Ao fixar residência na região montanhosa do Espírito Santo, passa a viver isolada, entregue ao ofício do puro prazer da pintura. É neste local que conquista uma nova linguagem ao reger as cores frias para destacar as cores quentes em uma harmônica sonoridade pictórica. Ao assumir essa paisagem lumínica, essa luz sem profundidade, eleva ao máximo a intensidade cromática de suas telas, destacando a beleza da textura e dos planos unidos nos mais belos acordes. Com o apoio de entrevistas realizadas com a pintora, da exaustiva busca por telas que se encontravam dispersas em coleções particulares e do constante diálogo com a história da pintura moderna, buscamos contribuir para um melhor entendimento da produção dessa artista capixaba, entendendo a obra de arte como reveladora das impressões do mundo visível. Palavras-chave: Regina Chulam. Pintura Moderna. Fenomenologia. Aracê. Cor e Luz.

Cette recherche a comme point de départ létude que le philosophe français Gilles Deleuze (1925-1995) fait de la peinture, et se concentre dans l'argumentation développé dans son livre Francis Bacon, logique de la sensation . Au delà de lanalyse logique et conceptuelle de la sensation, on privilégie ici l'approche deleuzien du processus pictorique de Francis Bacon, qui comporte la manipulation du hazard, et on essaie de la relier à la question de la affrontation du chaos , comme elle se présente dans le livre de Deleuze et de Félix Guattari Quest-ce que la philosophie?. Il s agit de penser comment ce problème se traduit par la destruction des clichés et de la récognition, et surtout par laffirmation des forces de la vie, de la création, de la différence et de la liberté. / Esta pesquisa tem como ponto de partida a abordagem que o filósofo francês Gilles Deleuze (1925-1995) faz da pintura, e concentra-se na argumentação desenvolvida em seu livro Francis Bacon, logique de la sensation. Além da análise lógica e conceitual da sensação, privilegia-se aqui o enfoque deleuziano do processo pictórico de Francis Bacon, naquilo em que este envolve a manipulação do acaso , e busca-se relacioná-lo com a questão do enfrentamento do caos , tal como se apresenta no livro de Deleuze e Félix Guattari Quest- ce que la philosophie? Neste trabalho é de grande importância a compreens ão do problema da representação na obra deleuziana. Trata-se de pensar em como este problema se traduz na destruição dos clichês e da recognição, mas sobretudo na afirmação das forças da vida, da criação, da diferença e da liberdade.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em Psicologia. / Made available in DSpace on 2013-07-15T22:48:05Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / Análise dos signos presentes no quadro "Grupo de Meninas", de Candido Portinari, e os significados veiculados. Estudo sobre as possibilidades de produção de sentidos e leitura de obras de artes plásticas a partir de sua materialidade. Construção de um método para leitura de imagens visuais, mais especificamente pictóricas, a partir de embasamento nos estudos psicológicos de Vigotski e em estudos e conceitos do campo da arte e da semiótica de diversos autores: Arnheim (1991), Joly (1996), Labastida (1985) e Pignatari (1995), e também na definição complexa de arte de Kagan (1980). A partir de uma síntese entre as contribuições teóricas e/ou metodológicas desses autores, a obra de arte é pensada neste trabalho como o produto complexo de uma atividade humana, abrangendo de modo imbricado conhecimento, ideologia, produção material e comunicação, e como uma signagem específica em que seus signos icônicos, plásticos e lingüísticos, constituindo "formas conceitualizadas" e "conteúdos formados", em que conteúdo e forma não são aspectos opostos e completamente separados entre si, são lidos de modo relacional. Ainda nesta concepção, a apropriação e processo de produção de sentidos são construídos pelos sujeitos que com a obra estabelecem uma relação estética, mediados por diversos signos externos à imagem, e a partir dos processos psicológicos superiores constituídos culturalmente.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura / Made available in DSpace on 2013-07-15T23:19:03Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / O presente estudo busca fazer uma leitura benjaminiana à contra-corrente dos murais de Diego Rivera e de sua própria imagem pública, ao desenterrar questões menos conhecidas tanto sobre ele próprio como imagem, e suas mulheres, como também sobre o México e sua revolução em potencial. Para isso, busca-se aqui trazer à tona o que subjaz à superfície da memória: uma revolução e uma correspondência (Querido Diego te abraza Quiela) ficcionais, como contrapartes do que se reconhece nos murais de Rivera. As questões que se levantam, pois, como aquilo que não se pode ver nos murais, compõem uma constelação de aspectos interrelacionados como um contra-mural.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas, Programa de Pós-graduação em Ciências Humanas, Florianópolis, 2013. / Made available in DSpace on 2013-12-05T23:41:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 318104.pdf: 18381114 bytes, checksum: 395d692c08185dbf5c6aed5b7243ca98 (MD5) Previous issue date: 2013 / Esta pesquisa consiste numa análise dos simbolismos presentes no afresco de Giuseppe Arcimboldo intitulado "A Árvore de Jessé", artista milanês do século XVI, famoso por suas obras compostas. Nesta investigação será apresentada uma hipótese que permite ampliar o olhar sobre essa obra a partir da percepção de uma cabeça composta. A problemática investigada consiste na significação da obra a partir das escolhas feitas pelo artista em termos de linguagem pictórica e simbólica, na articulação de conceitos e ideias, visando responder à pergunta: o que essa obra que abrange duas imagens e seus símbolos inter-relacionados pode significar? A perspectiva teórica utilizada concebe os símbolos como parte do mundo imaginário , com suas raízes no inconsciente coletivo. O objetivo principal visa realizar uma interpretação possível da referida obra, analisando os símbolos presentes que faziam parte do imaginário da sociedade européia daquele período. E como objetivos específicos: aprofundar o conhecimento sobre a significação na pintura com relação à interpretação de simbolismos; e contribuir no campo de estudos sobre a criação pictórica de Arcimboldo. Foram incluídos elementos extra-pictóricos abrangendo o seu contexto de surgimento, numa perspectiva metodológica que se aproxima da de Panofsky, mas à qual foi acrescentada a identificação de formas perceptíveis e uma análise dos símbolos. Os procedimentos utilizados foram: pesquisa bibliográfica sobre o artista, seu contexto e os significados de mitos e símbolos segundo o método comparativo; pesquisa e trabalho com imagens; e observações à obra em uma reprodução e in loco na Catedral de Monza. A obra é abordada de diferentes ângulos, buscando o desenvolvimento de um olhar multifocal com contribuições de diversas disciplinas das ciências humanas. A imagem da árvore veicula significados que lhe foram atribuídos por diferentes tradições, agrupados neste trabalho em 10 categorias de análise e mais uma abrangendo as demais. Para a leitura desta imagem dupla propõe-se aqui o conceito de âncora da imagem. Os diversos símbolos direcionam para significados coincidentes, cuja recorrência condiz com o pensamento mágico da época voltado para a busca de correspondências entre os elementos da natureza e o homem visando encontrar uma unidade harmônica <br> / Abstract: The present research is an analysis of symbolisms in the fresco entitled Tree of Jesse painted by G. Arcimboldo, a XVI century artist from Milan, famous for his composite works. This thesis presents a hypothesis that allows for the broadening look at this fresco from the perception of a composite head. The investigated problem consists in the meaning of the work from the choices made by the artist in terms of pictoric and symbolic language, in the articulation of concepts and ideas, aiming at answering the following question: What can this work (which comprises two images and their interrelated symbols) mean? From the theoretical perspective drawn upon, the symbols are part of the imaginary world, with its roots in the collective unconsciousness. The main purpose aims at a possible interpretation of this fresco, analyzing its symbols which were part of the European society of that time. The specific objectives are to further the understanding of the painting in terms of interpretation of its symbolisms and of Arcimboldo´s pictoric creation. Extra-pictoric elements were included such as the context where the fresco was produced, in a methodological perspective resembling that of Panofsky, but also adding the identification of perceptible forms and an analysis of the symbols. The procedures were: bibliographic search about the author, his context and the meanings of myths and symbols as proposed in the comparative method; research and work with images; and observation of a copy of the work and of the original fresco at the Monza Cathedral. The fresco is studied from different angles, with an attempted multifocal look drawing on several disciplines from the Human Sciences. The image of the tree conveys meanings attributed to it by different traditions, grouped in this thesis under 10 categories of analysis and an additional one comprising all the others. For the reading of the double image the concept of anchor image is proposed. The diverse symbols are directed towards coincidental meanings whose occurrence is aligned with the magic thought of that time, with the search for congruity between elements of nature and man aiming at finding a harmonious unity.

Made available in DSpace on 2015-04-09T12:28:19Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-06-30Bitstream added on 2015-04-09T12:47:42Z : No. of bitstreams: 1 000817731.pdf: 4540435 bytes, checksum: 34af4b40379e0b0927d0fb46fcda2695 (MD5) / Esta dissertação tem dois resultados distintos: minha produção artística, envolvendo esculturas, objetos, instalações, pinturas, performances, vivência artística e um texto teórico. Em ambos os casos, o assunto da pesquisa é sobre o espaço de exposição e o modo como as obras de arte são exibidas, comparando os locais expositivos atuais e suas especificidades aos chamados Gabinetes de Curiosidades – coleções privadas exibidas a um público seleto, sobretudo entre os séculos XVII e XVIII, que podem ser considerados precursores dos museus modernos / The present dissertation has two different purposes: to register the artist’s production – including sculptures, objects, installations, paintings, performances, artistic experiences – and to present a theoretical text. For both cases, the research focuses on the exhibition space and how art works are exhibited, comparing the present spaces for exhibition and the Cabinets of Curiosities – private collections presented to a selected public, mostly during the 17th and 18th centuries, which can be regarded as the predecessors of modern museums

El tema de mi obra se relaciona esencialmente con la vida urbana de la ciudad de Santiago, afrontada desde el pesimismo y la ironía. Creando una reflexión en el concepto de la resignación; resignación que se estanca en las personas que habitan en esta gran urbe. Esto es representado pictóricamente de manera realista, dando gran importancia a la figura humana y a los fenómenos de la luz, con el fin de alcanzar un reconocimiento rápido de las formas representadas, verosimilitud con la realidad. De esta forma, su relación con el espectador es más familiar, más cercana, invitándolo a entender el contenido ofrecido en la obra. Representar la vida urbana de la ciudad de Santiago, por medio de la expresión artística, ha sido influenciado principalmente por las largas caminatas que solía realizar por el centro de la ciudad, después de salir cada día del colegio. Siempre me llamaron la atención, imágenes de personas monótonas, caminando de un lugar a otro muy seriamente, apurados, malhumorados. En mi se formulaban muchas preguntas y respuestas diversas en cuanto a estas actitudes, y junto a esto, se me presentó la inquietud de querer representar plásticamente todo aquello de la forma más fehaciente. Los poetas Pablo de Rokha y Cesar Vallejos, me otorgaron por medio de sus escritos las claves y conceptos para interpretar las imágenes de las personas que diariamente pasaban frente a mí. A partir de ellos y de sus líneas, surgió para mí el concepto de pesimismo, y aun más específicamente, el concepto de resignación; el que no tan solo se hace presente en eventos determinados del día a día, sino que es una resignación ante la vida en general. No puedo dejar de mencionar además la ironía presente en muchos de sus poemas, lo que resalta ese pesimismo y lamento ante lo vivido; una mofa, un grito desesperado hacia el gran jugador; Dios. Para desarrollar en mi obra plástica una representación más fiel al modelo, mi trabajo pictórico ha sido nutrido por diversos artistas, los que en su obra destacan por su cercanía en la representación del mundo observado. Por ejemplo, los Impresionistas; Claude Monet, donde su trabajo pictórico de captura de la luz, denota una observación muy profunda de la realidad, pues la intensidad lumínica y su color son pertinentes a ella. El artista norteamericano Norman Rockwell, otro de mis referentes, logra en sus obras una eficaz interpretación de la luz y de materiales, como la piel humana, la vegetación y texturas, además de su maestría para recrear expresiones faciales y acciones. Las imágenes 3D generadas por computadora son otro de mis importantes referentes, ya que consiguen grandes acercamientos a la realidad mediante una determinada configuración, como el funcionamiento de la luz, de las sombras, de los materiales y de las superficies, llegando a resultados asombrosos en cuanto a verosimilitud con lo real. Cuando hablo de realismo, no tan solo me refiero a la técnica plástica con la cual fue desarrollado el proyecto, sino que también hago referencia a las corrientes artísticas del Realismo y del Neorrealismo; corrientes que tocaron profundamente el tema social de sus épocas respectivas en lo relacionado con la cotidianeidad del mundo del trabajo (clase obrera), mostrando la realidad cruda como era, sin engaños ni fantasías