Made available in DSpace on 2016-08-03T16:15:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Andrea Cristina de Paula Taveres.pdf: 1193698 bytes, checksum: 54e0d39b82ba68772e3184a456690279 (MD5) Previous issue date: 2012-02-15 / The study in this research focuses on furthering the discussions and reflections on the creative process and its importance in relation to pedagogical practices of teachers from the Arts. When discussing the process of creating and testing the student in the school context, what possibilities, limits and barriers manifest themselves? This is a qualitative research, carried out based on theoretical literature, taking as reference: Paulo Freire (2007) and his discussion of the importance of relationship-building for the teaching of learner autonomy, Ana Mae Barbosa (2008) and his studies of art-education in Brazil and teacher of Art, the Art National Curriculum (1998) with emphasis on the joint recommendation on the three axes methodology: creation / production art, aesthetic enjoyment, and reflection ; Porcher (1982) and his discussion of the importance of Arts Education and Albano (1998) with his account of the experience between the artist Tarsila do Amaral and his apprentice Tuneu. The field research was carried out with interviews with three teachers of Art and three students (one student from each teacher), two state schools in the Public School of Sao Bernardo do Campo and a state school in the Public School Diadema. For the treatment of the data collected in the interviews was used Content Analysis Methodology proposed by Franco (2008). Data analysis showed that the processing of ideas, experimentation and the whole creative process of the student is almost always overlooked in its importance as a pedagogical practice developed in the context of school art classes. The data presented in the survey, regarding teacher training, indicate a high degree of formation, but when compared to teaching practice, perceive gaps about the important role of the pedagogical relationship in the creative process of the student. Despite this present itself as a reality in the research, could not fail to mention that even with a small representation, we observed a positive practical methodology which crystallizes the creative process of the student as a way of building autonomy, where the student is presented with a list educational experience that promotes the build and all forms of expression, to make active, to express their world view. / O estudo realizado nesta pesquisa tem como foco aprofundar as discussões e reflexões sobre o processo criativo e sua importância na relação pedagógica a partir das práticas de professores de Artes. Quando abordamos o processo de criar do aluno e a experimentação no contexto escolar, que possibilidades, limites e obstáculos se manifestam? Trata-se de uma investigação de cunho qualitativo, realizada com base teórica em pesquisa bibliográfica, tendo como referenciais: Paulo Freire (2007) e sua discussão sobre a importância da relação-pedagógica para a construção da autonomia do aluno; Ana Mae Barbosa (2008) e seus estudos sobre a Arte-educação no Brasil e a formação do professor de Arte; os Parâmetros Curriculares Nacionais de Arte (1998) com ênfase na recomendação sobre a articulação dos três eixos metodológicos: criação/produção em Arte, fruição estética, e reflexão; Porcher (1982) e sua discussão sobre a importância da Educação Artística e Albano (1998) com o seu relato sobre a experiência vivida entre a artista Tarsila do Amaral e o seu aprendiz Tuneu. A pesquisa de campo foi desenvolvida com a realização de entrevistas com três professoras de Arte e três alunos (um aluno de cada professora), de duas escolas estaduais da Rede Pública de Ensino de São Bernardo do Campo e uma escola estadual da Rede Pública de Ensino de Diadema. Para o tratamento dos dados coletados nas entrevistas foi utilizada a Metodologia de Análise de Conteúdo proposta por Franco (2008). A análise dos dados demonstrou que o processar de ideias, a experimentação e todo o processo criativo do aluno passa quase sempre desapercebido na sua importância enquanto prática pedagógica desenvolvida no contexto escolar nas aulas de Arte. Os dados apresentados na pesquisa, quanto à formação do professor, indicam um grau elevado formativo, mas que, quando comparado à prática pedagógica, percebemos lacunas sobre a importância do papel da relação pedagógica no processo criativo do aluno. Apesar disto se apresentar como uma realidade na pesquisa, não poderíamos deixar de mencionar que, mesmo tendo uma pequena representação, observamos uma prática metodológica que cristaliza positivamente o processo criativo do aluno como forma de construção da autonomia, onde o aluno é presenteado com uma relação pedagógica que promove o experimentar, o criar e todas as formas de se expressar, de se fazer atuante, de expressar sua visão de mundo.

Esta dissertação examina as formas como três instâncias se embaraçam na arte de Oscar Wilde: a pessoa, o autor e a obra. O objetivo da pesquisa é compreender como se dá o processo criativo desse escritor, cujas peças levitam entre o irreverente e o polêmico. O humor refinado e a sagacidade na análise do trato social, traços marcantes no estilo de Wilde, são aqui aproximados à habilidade demonstrada tanto pelo autor quanto por seus personagens de se adaptarem a diferentes circunstâncias através do uso de máscaras, ou personas, que lhes possibilitam contornar situações intrincadas. Apoio-me no pensamento de Carl Gustav Jung para as teorizações sobre o conceito de máscara. O trabalho se constrói em três capítulos, nos quais são analisados aspectos e circunstâncias da vida do autor que contribuem para forjar seu estilo único, e que se refletem nas obras por ele criadas. O primeiro capítulo trata sobre a pessoa de Oscar Fingal O’Flahertie Wills Wilde, e os movimentos que empreendeu para que sua personalidade forte e o rígido ambiente vitoriano em que vivia pudessem aos poucos se harmonizar. Abordo as formas como a sociedade em que cresceu o afetou, apontando aspectos em que ele também a influenciou em retrospecto. Ao longo desse processo, Wilde criou as máscaras que utilizaria, durante a vida, para transitar da maneira desejada entre os diversos grupos com que se relacionou. O segundo e o terceiro capítulos apresentam o autor Oscar Wilde e a sequência de diferentes tipos de obras por ele criadas, avaliando de que formas as circunstâncias da vida da pessoa se consolidaram formando o estilo do autor. Além da estética de Wilde, também é considerada a recepção de sua obra pelo público contemporâneo a ele. No segundo capítulo apresento os conceitos de máscara e de sombra, e como se refletem em sua obra e em sua vida pessoal. Ali são examinadas as primeiras tragédias e, a seguir, as obras que o tornaram um autor polêmico na Inglaterra Vitoriana: “The Portrait of Mr. W. H” e The Picture of Dorian Gray. No terceiro capítulo comento seu momento mais prestigiado, o da produção das comédias sociais, bem como o momento mais sombrio, o das obras escritas durante os anos de prisão, nos últimos anos de sua vida. Ainda discuto, no terceiro capítulo, o legado deixado por Wilde, comentando como as mudanças sociais levaram a uma nova recepção de suas obras, e como essas obras continuam relevantes tendo-se passado um século de sua criação. Nas considerações finais, reitero o propósito da pesquisa, que é contribuir com uma leitura sobre o estilo do grande escritor, com base na análise das relações que se deram entre esse irlandês excêntrico e a inclemente sociedade Vitoriana em que viveu. / This dissertation examines how three strings tangle together in Oscar Wilde’s art: the person, the author and his literary works. The goal of this research is to understand the creative process of this author, whose plays go from irreverent to polemic. The polished humor and wit applied in his analysis of social behavior, trademarks in Wilde’s writing style, approximate the ability shown by the author, as well as by his characters, to adapt to different circumstances through the use of masks, or personas, that enable them to escape intricate situations. The concept of mask is supported on Carl Gustav Jung’s theory. This paper is constructed in three chapters, in which it is analyzed aspects and circumstances of the author’s life that contributed to his unique writing style and is reflected on his literary works. The first chapter deals with the person Oscar Fingal O’Flahertie Wills Wilde, and the movements that he partook in so that his strong personality and the strict Victorian environment could harmonize themselves in his life. This paper approaches the ways the society he was brought up into affected him, pointing out aspects in which he affected this society in return. Throughout this process Wilde created many masks that he would use his whole life to be able to navigate through different groups he was related to however he wished. The second and third chapters present the author Oscar Wilde and the sequence of different literary works written by him, evaluating how the circumstances in his personal life shaped him, creating the author’s writing style. Not only this paper considers the Aesthete in Wilde, but also the reception of his works by the public that was contemporary to him. In the second chapter it is presented the concepts of mask and shadow, and how they reflect on Wilde’s work and personal life. It is also examined his first tragedies and the literary works that made him become a polemic author in Victorian England: “The Portrait of Mr. W. H.” and The Picture of Dorian Gray. In the third chapter it is mentioned the brightest moments in his career, his comedies of society, as well as his soberest, with the work he wrote in prison and in the last few years of his life. Still in the third chapter, it is discussed the legacy left by Wilde, commenting on the social changes that led to a new reception of his works, as they continue to be relevant even a century after their creation. On my final considerations, I reiterate the goal of this research, which is to contribute with a reading on the style of this great writer, based on the analysis of the relation between this eccentric Irish man and the unmerciful Victorian society that he lived in.

A tese que aqui se apresenta tem por finalidade proceder à análise crítica do processo de criação dos artistas José Leonilson e Louise Bourgeois. Fazendo uso da metodologia da Literatura Comparada, entendida em termos de investigação do espaço intervalar, pressupõe-se sua eficácia na análise de obras tais como as dos artistas citados, consideradas em função de três elementos principais. São estes a relação entre o processo de criação e a subjetividade; o desenvolvimento de temáticas de ordem afetiva e a elaboração de peças que congregam elementos visuais e verbais. Tomou-se como pressuposto a possibilidade de reflexão a respeito do sentido da produção dos artistas tendo como base a noção de ressonância entre palavras e imagens poéticas, conforme sugerido por Gaston Bachelard. Nesse sentido a tese propõe um aprofundamento do espaço intervalar da Literatura Comparada, identificado na alternância entre aproximação e distanciamento entre imagens. Assim procedeu-se operativamente a um trabalho de análise da obra de Leonilson e Bourgeois de forma associativa, buscando a ressonância do sentido de suas imagens em imagens poéticas e literárias que também refletem sobre a relação entre a subjetividade e o processo de criação, bem como elaboram uma dimensão afetiva. Tais procedimentos, sustentados em estudos críticos sobre a poesia, permitiu delimitar alguns elementos fundamentais para a caracterização do espaço intervalar de criação de Leonilson e Bourgeois. A tese desenvolve-se sobre as noções de gesto poético e imagem poética, as quais permitem caracterizar o espaço de criação dos artistas nos termos de uma paisagem litorânea desenhada pela conversa entre o artista e o outro. Conversa constituída na alternância entre fala e silêncio. / This thesis aims to analyse José Leonilson’s and Louise Bourgeois’ creative processes. The applied methodology relies on the conception of Comparative Literature as analytical enterprise operating in “in-between” spaces. Thus, such methodology, as we try to demonstrate, would be adequate as a critical approach of visual art productions such as elaborated by these artists. We operated having on site three main characteristics of their productions. The first of them is the strong relation between the creative process and the artists’ subjectivity. This was observed also in relation to the emotional thematic developed by the artists’, as much as the relation between verbal and visual elements in their pieces. We further assumed that the elaboration of meaning regarding these artists pieces might be developed with the notion of resonance between words and images, as proposed by Gaston Bachelard. In such sense, the thesis tries to enhance the comparative “in-between” space as the space where images alternatively near and distance themselves from one another. Thus, the analysis of Leonilson’s and Bourgeois’ production operated through the association between their images and those of other poetic and literary pieces which also depict on the relation between the creative process and subjectivity, as much as on the emotional dimension claimed by these artists. Such procedures, sustained by critical studies on poetry as well, enabled us to characterise Leonilson’s and Bourgeois’ creative process as an “inbetween” place. In order to reach this place, the thesis operated on the notions of poetic gesture and of poetic images, which unfold in the identification of the creative process as something of the order of a seaside landscape drawn by the conversation between the artist and the other. A conversation sustained by speech as much as by silence.

Seja na literatura, em filmes ou séries de TV, as temáticas da utopia/distopia e do apocalipse se tornam cada vez mais recorrentes. Tendo por base o arranjo de um design social utópico/distópico e de um imaginário apocalíptico, esta dissertação tem por objetivo analisar o romance Oryx e Crake, publicado em 2003 pela escritora canadense Margaret Atwood, autora de uma obra extensa, que é considerada ao mesmo tempo acadêmica e popular. Oryx e Crake retrata um universo ficcional onde a humanidade foi quase totalmente aniquilada por uma epidemia que irrompeu simultaneamente em vários países. Nesse cenário pós-apocalíptico, o Homem das Neves, único sobrevivente provável, busca alimentos e suprimentos em uma área costeira, relembrando seu passado e dividindo residência com criaturas geneticamente modificadas. Considerando uma possível combinação de gêneros literários e efeitos narrativos, o objetivo desta investigação é explorar o romance, separando o passado e o presente da narrativa, cada um associado, respectivamente, aos conceitos de ustopia (termo cunhado por Atwood, para se referir à fusão entre utopia e distopia) e de apocalipse/Armageddon. Os conceitos são analisados com base em como se relacionam entre si e, em última instância, quanto ao que podem revelar sobre a nossa sociedade atual. Como aporte teórico-crítico, a investigação recorre a nomes como Erich Fromm (1990), Fredric Jameson (2005; 2009), Gregory Claeys (2010), Northrop Frye (1973), Paul Alkon (1987) e Peter Fitting (2010), bem como a uma série de estudiosos atwoodianos, especialmente Coral Ann Howells (2005; 2006). A voz de Margaret Atwood como teórica e crítica literária também permeia todo o texto, fornecendo informações valiosas para a análise de sua própria ficção. Pela sua riqueza tanto em termos de forma quanto de conteúdo, Oryx e Crake representa um desafio para os seus leitores e estudiosos. Ao final do trabalho, fica manifesto o quão assustadoramente próximo este mundo ficcional criado por Atwood está da nossa realidade, sendo a imagem de um universo que, em certo grau, já habitamos. / The themes of utopia/dystopia and apocalypse are becoming increasingly more frequent in literature, movies or TV series. Taking into account an arrangement of a utopian/dystopian social design and an apocalyptic imagination, this thesis aims at examining the novel Oryx and Crake, published in 2003 by the Canadian writer Margaret Atwood, author to an extensive body of works, considered at one time academic and popular. Oryx and Crake portrays a fictional universe where humankind has been almost entirely annihilated by an epidemic that broke out simultaneously in several countries. In this post-apocalyptic scenario, Snowman, the probable sole survivor, scavenges for food and supplies in a coastal area, recollecting his past and sharing residence with genetically modified creatures. Considering a possible combination of literary genres and moods, the focus of this investigation is the play of past and present in the novel, each one associated with the concepts of ustopia (a term coined by Atwood to refer to the fusion of utopia and dystopia) and apocalypse/Armageddon, respectively. The concepts are analyzed on the basis of how they relate to each other and, ultimately, as to what they reveal about our contemporary society. For theoretical support, the thesis draws on names like Erich Fromm (1990), Fredric Jameson (2005; 2009), Gregory Claeys (2010), Northrop Frye (1973), Paul Alkon (1987), Peter Fitting (2010), and on a number of Atwoodian scholars and critics, especially Coral Ann Howells (2005; 2006). The voice of Margaret Atwood as theoretical and literary critic also permeates the entire thesis, providing valuable insights for the analysis of her own fiction. For its wealth in terms of form and content, Oryx and Crake poses a significant challenge for readers and researchers. At the end of the work, it is evident that the fictional universe created by Atwood is frighteningly close to our reality, reflecting a world that, to a certain extent, we already inhabit.

Submitted by Felicia Menezes (feliciadecastro@yahoo.com.br) on 2014-06-15T13:59:00Z No. of bitstreams: 1 FELÍCIA DE CASTRO - VENTOS QUE ANIMAM A TERRA.pdf: 13726339 bytes, checksum: b6d5dced73af52dbed1a40e7c19b1ccc (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2014-07-07T12:32:52Z (GMT) No. of bitstreams: 1 FELÍCIA DE CASTRO - VENTOS QUE ANIMAM A TERRA.pdf: 13726339 bytes, checksum: b6d5dced73af52dbed1a40e7c19b1ccc (MD5) / Made available in DSpace on 2014-07-07T12:32:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 FELÍCIA DE CASTRO - VENTOS QUE ANIMAM A TERRA.pdf: 13726339 bytes, checksum: b6d5dced73af52dbed1a40e7c19b1ccc (MD5) / CNPq / O presente trabalho aborda a trajetória criativa do espetáculo Rosário, sob os aspectos de um percurso formativo e do desenvolvimento de uma técnica pessoal. A dissertação reflete-se como uma pesquisa vocal ancorada na musculatura e em relação com canções e matrizes vocais de manifestações populares brasileiras, gerou os procedimentos criativos que culminaram em Rosário. Através da análise de diários elaborados durante dez anos do processo criativo do espetáculo solo, e sob a luz de noções da crítica de processo (SALLES, 2009), da imaginação criadora (BAHCELARD, 1993; 2009), da imaginação simbólica (DURAND, 1988; 2002), da consciência orgânica (GROTOWSKI, 1987; 2000; 2007) e de reflexões sobre a questão da memória no contexto de culturas populares (MARTINS, 1997), a pesquisa realiza a arqueologia de um trajeto, desvendando como essas vias subterrâneas possibilitaram o cruzamento de procedimentos criativos diversos, gerando a composição de uma obra artística. / The present work discusses the creative trajectory of the performance Rosário under the aspects of a formative path and the development of a personal technique. The dissertation reflects how a voice research anchored in the muscle, and vocals matrices of Brazilian popular manifestations, generated the creative procedures that culminated in Rosário. Through the analysis of diaries elaborated during ten years of the creative process of the solo show and under the light of notions of the critical of process (Cecilia Salles), the creative imagination (Bachelard), the symbolic imagination (Durand), the organic awareness (Grotowski ), and reflections on the question of memory in the context of popular cultures (Leda Maria Martins), the research does the archeology of a path, uncovering how this underground tracks allowed the crossing of many creative procedures, generating the composition of an artistic work.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-23T17:21:33Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO [David Farias].pdf: 4738631 bytes, checksum: 0ebe93ffdcb711334f0e56ab7dc95353 (MD5) / Approved for entry into archive by Elane Valverde Madureira (elaneval@yahoo.com.br) on 2018-08-24T15:08:43Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO [David Farias].pdf: 4738631 bytes, checksum: 0ebe93ffdcb711334f0e56ab7dc95353 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-24T15:08:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO [David Farias].pdf: 4738631 bytes, checksum: 0ebe93ffdcb711334f0e56ab7dc95353 (MD5) / RESUMO Esta pesquisa relata o desenvolvimento de um processo criativo, ocorrido, em 2012, durante a montagem do texto dramatúrgico Dorotéia, de Nelson Rodrigues, junto a uma turma de alunos do Curso de Formação do Ator/Atriz, da Escola Técnica de Artes da Universidade Federal de Alagoas. Esta experiência cênico-teatral teve como base a apropriação das fontes primárias, teóricas e práticas, da arte da performance e suas respectivas características constitutivas. O olhar sobre o material caleidoscópico de referência, que engloba a cultura da performance em suas manifestações variadas, consubstanciou a atuação do professor/encenador e validou a escritura do professor/investigador. Os experimentos cênicos ganharam sentido a partir da construção de exercícios somático-performativos, matrizes geradoras para a composição de partituras psicofísicas, tanto para o treinamento do ator/performer (somático) quanto para a cena (performatividade). O autor descreve todo o percurso criativo como ferramenta metodológica, creditando ao drama-performance a mediação potencializadora de alteridades dos sujeitos envolvidos, além de resultados estéticos significativos, obtidos pela ampliação da capacidade interpretativa e expansão da consciência colaborativa. / ABSTRACT This research describes the development of a creative process, which occurred in 2012, during the dramaturgical setting of the text Dorotéia, from Nelson Rodrigues, along with a group of students of the Training Actor/Actress, Course of the Technical Art School from the Federal University of Alagoas. This scenic-theatrical experience was based on the appropriation of the primary theoretical and practical sources of arte da performance and their constituent features. The look on the kaleidoscopic reference material, that includes the culture of performance in its various manifestations that embrace the role of the teacher/director and validated the value of a teacher/researcher. The scenic experiments gained direction from the construction of somatic-performative exercises, generating patterns for the psychophysical composition of scores for both trainings, the actor/performer (somatic) and the scene (performative). The author describes the entire creative process as a methodological tool, crediting the drama-performance as a potentiality intercession from otherness of the subject involved, besides significant results of esthetics, obtained by the extension of interpretative capacity and expansion of the collaborative sense.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-28T13:27:26Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO VERSÃO FINAL.pdf: 4279010 bytes, checksum: 9e298cb6046d5914da891aa18f5fc2ae (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-08-28T13:36:08Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO VERSÃO FINAL.pdf: 4279010 bytes, checksum: 9e298cb6046d5914da891aa18f5fc2ae (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-28T13:36:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO VERSÃO FINAL.pdf: 4279010 bytes, checksum: 9e298cb6046d5914da891aa18f5fc2ae (MD5) / Esta pesquisa tem como objeto a reflexão sobre a improvisação como procedimento criativo no espetáculo teatral Dias de Folia. O interesse em observar e construir reflexões sobre este espetáculo, que tem os atores como co-criadores, impulsionou a análise do percurso da criação, identificando as escolhas feitas para chegar à produção da obra artística. A escolha da Teoria da Formatividade, a partir dos estudos do filósofo italiano Luigi Pareyson (1997), como ponto de mirada, se dá pelo fato de que esta teoria analisa a obra de arte como a tentativa de dar forma a uma ideia, como uma invenção que se realiza enquanto é criada, e é no por-fazer que se dão as leis desse fazer. O olhar sobre o processo criativo permitiu refazer o percurso, identificando as leis que nortearam esta criação, algo que se pode ver com clareza depois que a obra é dada como pronta. Por tratar-se de um espetáculo teatral que tem como via criativa a improvisação, e que não parte de um texto dramático, mas do movimento dos corpos e sua relação com o espaço e com a musicalidade das cenas propostas, Dias de Folia constitui uma obra artística que tem em seu processo criativo um foco de interesse e uma amostra de algo que, contemporaneamente, é recorrente no teatro brasileiro: o atorcriador (também chamado de ator-compositor) e o seu trabalho realizado dia a dia, em sala de ensaio. Neste ambiente de discussão da arte como produção, onde o ator é agente dessa produção, e não apensas um intérprete das indicações de um texto dramático ou das idéias de um diretor, encontrei o pensamento de outros filósofos e artistas que vieram somar, trazendo suas contribuições na elaboração de um olhar sobre o processo criativo em artes, além de refletir, especificamente, sobre a improvisação neste contexto. Foram eles: Fayga Ostrower (1977), Suzanne Langer (2006), Edith Derdyk (2001), Matteo Bonfitto (2006 e 2009), Jean-Pierre Ryngaert (2009), Jacques Lecoq (2010), Yoshi Oida (2007), Keith Johnstone (1990), Sonia Machado de Azevedo (2009), Viola Spolin (2005), Renato Ferracini (2003), Dario Fo (2004), Josette Féral (1995) e Ariane Mnoukchine (2009). A Crítica Genética, a partir da obra Gesto Inacabado, Processo de Criação Artística (SALLES, Cecília Almeida, 2004), ofereceu um instrumental metodológico, no que tange a análise do processo criativo e as operações inerentes a ele. Nesta pesquisa, o espetáculo foi analisado do ponto de vista da atriz-pesquisadora, que também é atriz-criadora desta obra, na tentativa de identificar as leis (chamadas aqui de elementos fundamentais) que nortearam a criação, debruçando-se atentamente à improvisação como método de criação. / This research has as its object the creative process of theatrical spectacle Dias de Folia, held in Salvador, Bahia, in 2010. The interest in observing and reflecting on this composition, which has the actors as co-creators, boosts the analysis of the creation course, identifying the choices made to reach the final result of the work. The choice of the Theory of Formativeness, from studies of the Italian philosopher Luigi Pareyson (1997), as a point of gaze, is given by the fact that it analyzes the work of art as an attempt of shaping an idea, like an invention that is realized while being made, and is in the "being done" that you find the laws of doing. The look on the creative process allows for redoing the route identifying the laws that coordinated and underpinned this creation, something that can be seen more clearly after the work is given as done. Since it is a play which has improvisation as means of creation, and which does not start from a text but from the movements of the bodies and their relationship with the space and the musicality of the proposed scenes, Dias de Folia becomes an artistic work which has in its creative process a focus of interest and a sample of something that is recurrent in contemporary Brazilian theater: the actor-creator (also referred to as actor-composer) and their their work done day by day in the rehearsal room. In this environment of discussion of art as production, where the actor is an agent of this production, and not just an interpreter of the indications of a dramatic text or the ideas of a director, I found the thought of other philosophers and artists who were added, bringing their contributions in developing a glimpse into the creative process in art, in addition to thinking, specifically, about the improvisation in this context. They were: Fayga Ostrower (1977), Suzanne Langer (2006), Edith Derdyk (2001), Matteo Bonfitto (2006 e 2009), Jean-Pierre Ryngaert (2009), Jacques Lecoq (2010), Yoshi Oida (2007), Keith Johnstone (1990), Sonia Machado de Azevedo (2009), Viola Spolin (2005), Renato Ferracini (2003), Dario Fo (2004), Josette Féral (1995) and Ariane Mnoukchine (2009). The Genetic Criticism, from the work Gesto inacabado, processo de criação artística (SALLES, Cecília Almeida, 2004), comes to offer methodological tools when it comes to the analysis of the creative process and operations inherent to it. In this research the performance is analyzed from the perspective of the researcher, who is also an actress-creator of the work, in an attempt to identify the laws that guided the creation, and will focus more closely on the most remarkable of them: improvisation as means of creation.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-31T13:47:25Z No. of bitstreams: 1 FINAL DISSERTAÇÃO IMPRESSAO RODRIGO.pdf: 14215524 bytes, checksum: 3fe097f256001b5d140229b26bb71e51 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-11T13:20:09Z (GMT) No. of bitstreams: 1 FINAL DISSERTAÇÃO IMPRESSAO RODRIGO.pdf: 14215524 bytes, checksum: 3fe097f256001b5d140229b26bb71e51 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-11T13:20:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 FINAL DISSERTAÇÃO IMPRESSAO RODRIGO.pdf: 14215524 bytes, checksum: 3fe097f256001b5d140229b26bb71e51 (MD5) / Este trabalho se concentra na análise do processo criativo de concepção e construção do cenário para a montagem do espetáculo teatral Policarpo Quaresma (2008), adaptação de Marcos Barbosa, com direção de Luiz Marfuz, realizada pelo Núcleo do Teatro Castro Alves, em Salvador, Bahia. Sob a ótica do ato criador em sua manifestação na cenografia e na perspectiva das relações geradas entre criadores visuais integrantes, são investigados o percurso e as estratégias empreendidas durante o processo, abarcando desde as definições conceituais até a sua materialização final, em um modo compartilhado de criação. Partindo da decomposição da obra, a pesquisa estabelece reflexões teórico-práticas sobre aspectos integrantes do movimento criativo da cenografia - as primeiras imagens, a geração dos conceitos, os diálogos com o coletivo criador do espetáculo, a escolha de materiais, sua execução prática, os mecanismos de construção, a testagem na sala de ensaios e relação com a cena e interação do elemento visual com os atores. Para tanto, a pesquisa se apoia prioritariamente nos pensamentos de cenógrafos atuantes, nos estudos de compreensão de processos criativos e nas referências das convenções não naturalistas (Brecht em especial), numa tentativa de elucidar a qualidade dinâmica e inferencial de uma obra cenográfica. / This work concentrates on the analysis of the creative processo of conception and construction of the setting for the production of Policarpo Quaresma (2008), adapted by Marcos Barbosa, directed by Luiz Marfuz and performed by the Núcleo do Teatro Castro Alves, in Salvador, Bahia. Through the lenses of the creative act in its manifestation in the setting and in the perspective of the relationships generated by the team of visual designers both the trajectory and the strategies employed are investigated. The work covers all aspects of the devising: from the conceptual definition to its final materialization. Starting with the composition of the production, the research approaches theoretical and practical aspects of the creative movement of the setting – the first images, the generation of concepts, the dialogues with the whole creative team, the testing of rehearsal rooms with the scene and interaction of the visual elements with the performers. In order to accomplish this, the work is chiefly grounded on the thinking of living set designers, in the studies of the creative processes and in the references of non naturalized conventions (particularly Brecht), in an attempt to clarify the dynamics quality and the multi-referential of the setting.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-09-06T14:31:22Z No. of bitstreams: 1 tese eleonora.pdf: 11619791 bytes, checksum: 6f3acc7c8ad7dec0487f5172432e68b4 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-11T13:21:51Z (GMT) No. of bitstreams: 1 tese eleonora.pdf: 11619791 bytes, checksum: 6f3acc7c8ad7dec0487f5172432e68b4 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-11T13:21:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese eleonora.pdf: 11619791 bytes, checksum: 6f3acc7c8ad7dec0487f5172432e68b4 (MD5) / Esta pesquisa tem como ponto de partida epistemo-metodológico a etnopesquisa. Como o foco é a prática exercida pelos professores de dança da Escola de Teatro e Dança da Universidade Federal do Pará - ETDUFPA, conjunto do qual faço parte, insiro-me aqui na tentativa de realizar uma autoetnografia, complementada com um Estudo de Caso. Desse modo, pretendo responder a seguinte pergunta: A colaboração em Dança é apenas um fenômeno do mundo contemporâneo, presente em diversas áreas do conhecimento, ou pode ser descrita como um dispositivo teórico-metodológico, tanto artístico quanto pedagógico? O objetivo, portanto, é mapear e discutir este saber-fazer presente na prática docente da escola, o Processo Criativo Colaborativo – PCC como meio de aprendizagem artística e acadêmica. Trata-se de um saber-fazer introduzido pela docente e dançarina Eni Corrêa, na década de 1970, no Grupo Coreográfico da ETDUFPA, e desenvolvido pelos novos artistas-professores nos cursos livres e que permaneceu no curso técnico, com o propósito de potencializar a criação individual e coletiva dos intérpretes-criadores. Para afirmar que esse saber-fazer está há mais de duas décadas na escola, o estudo reúne, de modo analítico, os procedimentos aplicados para o PCC na condição de dispositivo teórico-metodológico em dança. Registra também os procedimentos desenvolvidos pelos docentes para o aprendizado do PCC, a partir dos vestígios encontrados nos mais diversos tipos de documentos existentes na escola, como fotografias, reportagens e relatos das experiências dos docentes introdutores desse processo artístico-pedagógico. A colaboração é tomada como um eixo norteador das atividades de ensino e de aprendizagem dos processos criativos dos docentes de dança da ETDUFPA. Ampliar o horizonte teórico sobre PCC pode viabilizar o treinamento de um dispositivo que ainda não se encontra formalizado em livros e textos acadêmicos; permitirá também que o abordemos metodologicamente em sala de aula, nas escolas de dança e em processos artísticos. A história da ETDUFPA e o trajeto dos seus professores auxiliam a evidenciar o dispositivo teórico-metodológico do PCC nesta escola. / This research has as an epistemo-methodological starting point the ethno-research. As the focus is on teaching activities in the School of Theatre and Dance at the Federal University of Pará-Brazil- ETDUFPA, to which I belong, I herein attempt, in part, a self-ethnography, complemented with a Case Study. Thus, I intend to answer the following question: the Collaboration in Dance is only a phenomenon of the contemporary world, present in various areas of knowledge, or can be described as a theoretical-methodological device both artistic and pedagogical? The aim is to map and discuss this know-how, present in our teaching practice, the Collaborative Creative Process – CCP, as a means of artistic and academic learning. It´s a know-how introduced by teacher and dancer Eni Corrêa, in the 1970s, in the Choreographic Group of ETDUFPA, and developed by new artist-teachers in free courses who remained in the technical course in order of empowering the individual and collective creation of artist-creators. To say that this know-how is asserted for more than two decades, at the school, the study gather analytically applied procedures to CCP, in condition of theoretical-methodological device in dance. It chronicles the procedures developed by dance teachers for learning of CCP, from the remains found in various types of documents, in the school, such as photographs, reports and accounts from experiences of pedagogical-artistic method of teachers introducers. The collaboration is taken as a guiding axis of teaching and learning activities of dance teachers’ creative processes of ETDUFPA. Broading the theoretical horizon of CCP can facilitate the training of a device that has not yet been formalized in books and academic texts; will also allow our methodological approach in classroom, in dance schools and artistic processes. The ETDUFPA history and his teachers journey help to highlight the CCP device in this school.

Made available in DSpace on 2016-06-02T20:23:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 6525.pdf: 2110192 bytes, checksum: 8ef07ecfefdea1b1ef30c6ddf74cfd80 (MD5) Previous issue date: 2014-10-30 / Financiadora de Estudos e Projetos / This research analyses the artistic creation process of a short animation film called the Tempest. Created in 2010, by Brasilian director Cesar Cabral at the Coala Film Studios (Santo André, São Paulo). The audiovisual production was shown at the 14th. Festival of English Culture. The narrative tells the fable of a lonely and passionate sailor confronting a storm. The creative procedural critique is basis of the methodology used in this research. It follows, step by step the creation and consequently the different manuscripts and ideas of a creative body whose understanding of the key elements produced different results. Through study of sketches, art direction layouts, still photographs, interviews with creators and annotations in different languages. Also included are tests and trials of the software used for editing. Without prior assumptions, the object of this work is to indicate and discuss the intersemiotic translations which constitute the Tempest and the contributions and dialogues established between the creators of the animation. The results were planned in graphical form to show the significant and possible meanings of the work under study. / Esta pesquisa analisa o processo de criação do curta-metragem de animação stop motion Tempestade. Dirigido pelo brasileiro Cesar Cabral, nos estúdios Coala Filmes (Santo André, São Paulo), no ano de 2010, a produção visava atender ao edital do 14º Festival da Cultura Inglesa. A narrativa traz a fábula de um solitário marujo que em alto mar enfrenta uma tempestade em busca do reencontro com a mulher amada. A investigação tem como base metodológica a Crítica de Processo Criativo, (SALLES 2006, 2007a, 2007b, 2010) a qual entende todas as etapas da criação e, consequentemente, seus registros, como constituintes de um corpus investigativo, entendendo como elementos-chave os diferentes roteiros elaborados, esboços da direção de arte (layouts), fotos still, entrevistas com os idealizadores, anotações em diferentes linguagens (verbais ou não verbais), testes e experimentações em softwares utilizados para a edição, entre outros. Diante de tais pressupostos, o objetivo desse trabalho é apontar e discutir as traduções intersemióticas (PLAZA, 2010) que constituem Tempestade, assim como as contribuições e os diálogos estabelecidos entre os idealizadores da animação. Os resultados foram planificados em uma configuração gráfica, ou seja, a cartografia da criação, que aponta para o mapa constitutivo diagramático do processo.