Seja na literatura, em filmes ou séries de TV, as temáticas da utopia/distopia e do apocalipse se tornam cada vez mais recorrentes. Tendo por base o arranjo de um design social utópico/distópico e de um imaginário apocalíptico, esta dissertação tem por objetivo analisar o romance Oryx e Crake, publicado em 2003 pela escritora canadense Margaret Atwood, autora de uma obra extensa, que é considerada ao mesmo tempo acadêmica e popular. Oryx e Crake retrata um universo ficcional onde a humanidade foi quase totalmente aniquilada por uma epidemia que irrompeu simultaneamente em vários países. Nesse cenário pós-apocalíptico, o Homem das Neves, único sobrevivente provável, busca alimentos e suprimentos em uma área costeira, relembrando seu passado e dividindo residência com criaturas geneticamente modificadas. Considerando uma possível combinação de gêneros literários e efeitos narrativos, o objetivo desta investigação é explorar o romance, separando o passado e o presente da narrativa, cada um associado, respectivamente, aos conceitos de ustopia (termo cunhado por Atwood, para se referir à fusão entre utopia e distopia) e de apocalipse/Armageddon. Os conceitos são analisados com base em como se relacionam entre si e, em última instância, quanto ao que podem revelar sobre a nossa sociedade atual. Como aporte teórico-crítico, a investigação recorre a nomes como Erich Fromm (1990), Fredric Jameson (2005; 2009), Gregory Claeys (2010), Northrop Frye (1973), Paul Alkon (1987) e Peter Fitting (2010), bem como a uma série de estudiosos atwoodianos, especialmente Coral Ann Howells (2005; 2006). A voz de Margaret Atwood como teórica e crítica literária também permeia todo o texto, fornecendo informações valiosas para a análise de sua própria ficção. Pela sua riqueza tanto em termos de forma quanto de conteúdo, Oryx e Crake representa um desafio para os seus leitores e estudiosos. Ao final do trabalho, fica manifesto o quão assustadoramente próximo este mundo ficcional criado por Atwood está da nossa realidade, sendo a imagem de um universo que, em certo grau, já habitamos. / The themes of utopia/dystopia and apocalypse are becoming increasingly more frequent in literature, movies or TV series. Taking into account an arrangement of a utopian/dystopian social design and an apocalyptic imagination, this thesis aims at examining the novel Oryx and Crake, published in 2003 by the Canadian writer Margaret Atwood, author to an extensive body of works, considered at one time academic and popular. Oryx and Crake portrays a fictional universe where humankind has been almost entirely annihilated by an epidemic that broke out simultaneously in several countries. In this post-apocalyptic scenario, Snowman, the probable sole survivor, scavenges for food and supplies in a coastal area, recollecting his past and sharing residence with genetically modified creatures. Considering a possible combination of literary genres and moods, the focus of this investigation is the play of past and present in the novel, each one associated with the concepts of ustopia (a term coined by Atwood to refer to the fusion of utopia and dystopia) and apocalypse/Armageddon, respectively. The concepts are analyzed on the basis of how they relate to each other and, ultimately, as to what they reveal about our contemporary society. For theoretical support, the thesis draws on names like Erich Fromm (1990), Fredric Jameson (2005; 2009), Gregory Claeys (2010), Northrop Frye (1973), Paul Alkon (1987), Peter Fitting (2010), and on a number of Atwoodian scholars and critics, especially Coral Ann Howells (2005; 2006). The voice of Margaret Atwood as theoretical and literary critic also permeates the entire thesis, providing valuable insights for the analysis of her own fiction. For its wealth in terms of form and content, Oryx and Crake poses a significant challenge for readers and researchers. At the end of the work, it is evident that the fictional universe created by Atwood is frighteningly close to our reality, reflecting a world that, to a certain extent, we already inhabit.

Esta dissertação examina as formas como três instâncias se embaraçam na arte de Oscar Wilde: a pessoa, o autor e a obra. O objetivo da pesquisa é compreender como se dá o processo criativo desse escritor, cujas peças levitam entre o irreverente e o polêmico. O humor refinado e a sagacidade na análise do trato social, traços marcantes no estilo de Wilde, são aqui aproximados à habilidade demonstrada tanto pelo autor quanto por seus personagens de se adaptarem a diferentes circunstâncias através do uso de máscaras, ou personas, que lhes possibilitam contornar situações intrincadas. Apoio-me no pensamento de Carl Gustav Jung para as teorizações sobre o conceito de máscara. O trabalho se constrói em três capítulos, nos quais são analisados aspectos e circunstâncias da vida do autor que contribuem para forjar seu estilo único, e que se refletem nas obras por ele criadas. O primeiro capítulo trata sobre a pessoa de Oscar Fingal O’Flahertie Wills Wilde, e os movimentos que empreendeu para que sua personalidade forte e o rígido ambiente vitoriano em que vivia pudessem aos poucos se harmonizar. Abordo as formas como a sociedade em que cresceu o afetou, apontando aspectos em que ele também a influenciou em retrospecto. Ao longo desse processo, Wilde criou as máscaras que utilizaria, durante a vida, para transitar da maneira desejada entre os diversos grupos com que se relacionou. O segundo e o terceiro capítulos apresentam o autor Oscar Wilde e a sequência de diferentes tipos de obras por ele criadas, avaliando de que formas as circunstâncias da vida da pessoa se consolidaram formando o estilo do autor. Além da estética de Wilde, também é considerada a recepção de sua obra pelo público contemporâneo a ele. No segundo capítulo apresento os conceitos de máscara e de sombra, e como se refletem em sua obra e em sua vida pessoal. Ali são examinadas as primeiras tragédias e, a seguir, as obras que o tornaram um autor polêmico na Inglaterra Vitoriana: “The Portrait of Mr. W. H” e The Picture of Dorian Gray. No terceiro capítulo comento seu momento mais prestigiado, o da produção das comédias sociais, bem como o momento mais sombrio, o das obras escritas durante os anos de prisão, nos últimos anos de sua vida. Ainda discuto, no terceiro capítulo, o legado deixado por Wilde, comentando como as mudanças sociais levaram a uma nova recepção de suas obras, e como essas obras continuam relevantes tendo-se passado um século de sua criação. Nas considerações finais, reitero o propósito da pesquisa, que é contribuir com uma leitura sobre o estilo do grande escritor, com base na análise das relações que se deram entre esse irlandês excêntrico e a inclemente sociedade Vitoriana em que viveu. / This dissertation examines how three strings tangle together in Oscar Wilde’s art: the person, the author and his literary works. The goal of this research is to understand the creative process of this author, whose plays go from irreverent to polemic. The polished humor and wit applied in his analysis of social behavior, trademarks in Wilde’s writing style, approximate the ability shown by the author, as well as by his characters, to adapt to different circumstances through the use of masks, or personas, that enable them to escape intricate situations. The concept of mask is supported on Carl Gustav Jung’s theory. This paper is constructed in three chapters, in which it is analyzed aspects and circumstances of the author’s life that contributed to his unique writing style and is reflected on his literary works. The first chapter deals with the person Oscar Fingal O’Flahertie Wills Wilde, and the movements that he partook in so that his strong personality and the strict Victorian environment could harmonize themselves in his life. This paper approaches the ways the society he was brought up into affected him, pointing out aspects in which he affected this society in return. Throughout this process Wilde created many masks that he would use his whole life to be able to navigate through different groups he was related to however he wished. The second and third chapters present the author Oscar Wilde and the sequence of different literary works written by him, evaluating how the circumstances in his personal life shaped him, creating the author’s writing style. Not only this paper considers the Aesthete in Wilde, but also the reception of his works by the public that was contemporary to him. In the second chapter it is presented the concepts of mask and shadow, and how they reflect on Wilde’s work and personal life. It is also examined his first tragedies and the literary works that made him become a polemic author in Victorian England: “The Portrait of Mr. W. H.” and The Picture of Dorian Gray. In the third chapter it is mentioned the brightest moments in his career, his comedies of society, as well as his soberest, with the work he wrote in prison and in the last few years of his life. Still in the third chapter, it is discussed the legacy left by Wilde, commenting on the social changes that led to a new reception of his works, as they continue to be relevant even a century after their creation. On my final considerations, I reiterate the goal of this research, which is to contribute with a reading on the style of this great writer, based on the analysis of the relation between this eccentric Irish man and the unmerciful Victorian society that he lived in.

Este trabalho aborda a linguagem poética de Alberto Caeiro, poeta fictício criado por Fernando Pessoa, cuja obra está reunida nos títulos O Guardador de Rebanhos, O Pastor Amoroso e Poemas Inconjuntos, a partir da ideia de que seu olhar para o real se constitui num processo de indagação sobre os limites do conhecimento e da constituição da experiência humana da realidade, sobre o signo, sobre a natureza da linguagem poética e da linguagem em geral. Para esta reflexão, uso a Semiótica de Peirce, a Lingüística de Saussure, a teoria da linguagem de Benveniste, a poética das sensações de Fernando Pessoa, trabalhos de Perrone- Moisés, além de outros autores, como Seabra, Dessons e Meschonnic. A poesia de Caeiro é interpretada como um embate com os limites impostos pela mediação sígnica, embate que é ao mesmo tempo metáfora dessa poesia e é metaforizada por ela. Consciente da não transparência da linguagem como retrato do real e do pensamento, Caeiro faz dessa condição assunto e instrumento de seu discurso. Nesse processo, a língua é repensada e refundida em seus fundamentos, indo aos limites de sua capacidade de significação e aos limites entre o que é e o que não é poesia e entre o que é e o que não é língua. A noção de arbitrário do signo linguístico e a dicotomia língua e fala são repensadas, com base na ideia de limitação do arbitrário de Saussure e nas ideias de enunciação e discurso de Benveniste. A poesia de Caeiro é tomada no campo da linguagem, e apresentada como resultado de uma operação de homologia entre língua e outros sistemas, tornando-se assim capaz de evocar seu objeto. O discurso poético é interpretado ainda como um dizer que é fazer, mas não é tão particular a ponto de ser um semântico sem semiótico, pois é arte que se faz na língua, no que difere das artes não verbais. A linguagem poética tem a capacidade de acentuar os traços da linguagem em geral, sendo útil para a compreensão do fenômeno linguístico. Caeiro não é um poeta só de sensações, pois a intelectualização faz parte de sua criação e de sua poesia. Não é também o poeta das coisas: o real não é o objeto dessa poesia; é antes meio para veicular a emoção poética que se constrói, além disso, em seu próprio dizer. Coerente com um sujeito feito de aspectos, que tenta conciliar em si a unidade e a multiplicidade do real, a linguagem de Caeiro é constituída de tensões internas. Discursivo e poético integram o seu dizer. O embate de Caeiro é uma busca, mas ele não encontra a solução. Ele é um intervalo de encantamento. / This thesis approaches Alberto Caeiro’s poetry, fictitious poet created by Fernando Pessoa, whose work is gathered into the titles The Keeper of Flocks, The Amorous Shepherd and Detached Poems, from the idea that his looking to the real is a process of inquiry on the limits of knowledge and on the constitution of human experience of reality, on the sign, on the nature of poetic language and of language in general. For this analysis, I use Peirce's Semiotics, Saussure's Linguistics, Benveniste's theory of language, Fernando Pessoa’s poetic of sensations, works of Perrone-Moisés, beyond other authors, as Seabra, Dessons and Meschonnic. Caeiro's poetry is interpreted as a struggle against limits imposed by mediation of the sign, struggle that is metaphor of this poetry, which is also metaphor of that struggle. Aware of the non-transparency of language as photograph of reality and thought, Caeiro makes this condition object and instrument of his speech. In this process, the langue is rethought and recast in its fundamentals, reaching at the limits of its capacity to signify and at the limits between what is and what is not poetry, and between what is and what is not langue. The notion of arbitrary of linguistic sign and the dichotomy of langue and speech are reconsidered, based on the idea of limitation of the arbitrary of Saussure and the ideas of enunciation and discourse of Benveniste. Caeiro's poetry is taken in the field of language, and presented as a result of an operation of homology between langue and other systems, thus being capable of evoking its object. Poetic discourse is still interpreted like a saying that it is doing, but it is not so particular in order to be a semantic without semiotic, because it is art that is made into the langue, which differs from the non-verbal arts. Poetic language has the capacity to accentuate the features of language in general, being useful for understanding the linguistic phenomenon. Caeiro is not only a poet of sensations, because intellectualization makes part of his creation and of his poetry. He is not also the poet of things: the real is not the object of this poetry; it is rather a means to convey the poetic emotion that is built, furthermore, on your own saying. Coherent with a subject made of aspects that attempts to reconcile in him the unity and multiplicity of the real, Caeiro’s language is constituted of internal tensions. Discursive and poetic speeches integrate his saying. The fight of Caeiro is a searching, but he does not find the solution. He is a pause of enchantment.

[pt] O trabalho procura definir o processo de criação de uma animação cinematográfica dentro de sua natureza espontânea e intuitiva, nem sempre decorrente de deduções racionais. Os campos da Animação e do Design são comparados em suas características holísticas e multidisciplinares, que favorecem o uso e o reconhecimento da intuição em seus processos. A animação é caracterizada como a faculdade humana de analisar e sintetizar movimentos, de existência anterior à invenção do cinema. Técnicas e processos atualmente utilizados na animação são descritos e classificados segundo fontes bibliográficas. A partir destes fundamentos, procura-se definir o termo Animação Espontânea, com o suporte de relatos biográficos de três grandes artistas da animação: Norman McLaren (1914-1987), Fernando Diniz (1918-1999) e Len Lye (1901-1980). São relatadas quatro bem sucedidas iniciativas didáticas em animação: O Animathon (maratona de animação), o Estúdio Aberto do Festival Anima Mundi, o projeto Anima Escola e a Oficina de Modelo Vivo e Animação. Nas considerações finais, conclui-se que a abordagem da animação através de métodos intuitivos e espontâneos facilita e motiva o despertar de uma faculdade ainda pouco conhecida do ser humano: a capacidade de reproduzir e controlar o tempo através de movimentos virtuais. / [en] This work seeks to define the creative process in the cinematographic animation, inside its spontaneous and intuitive nature, not always deriving from rational deductions. Animation and Design are compared in its holistic and multidisciplinary characteristics, which favor the use and acknowledgement of intuition in their processes. Animation is characterized as the human faculty of analysis and synthesis of movements, which has been demonstrated far before the invention of cinema. The techniques and processes presently used in animation are then described and classified according to bibliographic sources. From these fundamentals, a definition for Spontaneous Animation is searched, with the help of the biographical reports on three great masters of animation: Norman McLaren (1914-1987), Fernando Diniz(1918-1999) and Len Lye (1901-1980). Four well succeeded didactic initiatives in animation are described: the Animathon (animation marathon), the Open Studio of the Anima Mundi Festival, the Anima School project and the Life Drawing and Animation Workshop. In the final considerations, conclusion is that the approach of animation through intuitive and spontaneous methods is shown to facilitate and motivate the awakening of a yet little know faculty of the human being: that of being able to reproduce and control time through virtual movements.

Este trabalho aborda a linguagem poética de Alberto Caeiro, poeta fictício criado por Fernando Pessoa, cuja obra está reunida nos títulos O Guardador de Rebanhos, O Pastor Amoroso e Poemas Inconjuntos, a partir da ideia de que seu olhar para o real se constitui num processo de indagação sobre os limites do conhecimento e da constituição da experiência humana da realidade, sobre o signo, sobre a natureza da linguagem poética e da linguagem em geral. Para esta reflexão, uso a Semiótica de Peirce, a Lingüística de Saussure, a teoria da linguagem de Benveniste, a poética das sensações de Fernando Pessoa, trabalhos de Perrone- Moisés, além de outros autores, como Seabra, Dessons e Meschonnic. A poesia de Caeiro é interpretada como um embate com os limites impostos pela mediação sígnica, embate que é ao mesmo tempo metáfora dessa poesia e é metaforizada por ela. Consciente da não transparência da linguagem como retrato do real e do pensamento, Caeiro faz dessa condição assunto e instrumento de seu discurso. Nesse processo, a língua é repensada e refundida em seus fundamentos, indo aos limites de sua capacidade de significação e aos limites entre o que é e o que não é poesia e entre o que é e o que não é língua. A noção de arbitrário do signo linguístico e a dicotomia língua e fala são repensadas, com base na ideia de limitação do arbitrário de Saussure e nas ideias de enunciação e discurso de Benveniste. A poesia de Caeiro é tomada no campo da linguagem, e apresentada como resultado de uma operação de homologia entre língua e outros sistemas, tornando-se assim capaz de evocar seu objeto. O discurso poético é interpretado ainda como um dizer que é fazer, mas não é tão particular a ponto de ser um semântico sem semiótico, pois é arte que se faz na língua, no que difere das artes não verbais. A linguagem poética tem a capacidade de acentuar os traços da linguagem em geral, sendo útil para a compreensão do fenômeno linguístico. Caeiro não é um poeta só de sensações, pois a intelectualização faz parte de sua criação e de sua poesia. Não é também o poeta das coisas: o real não é o objeto dessa poesia; é antes meio para veicular a emoção poética que se constrói, além disso, em seu próprio dizer. Coerente com um sujeito feito de aspectos, que tenta conciliar em si a unidade e a multiplicidade do real, a linguagem de Caeiro é constituída de tensões internas. Discursivo e poético integram o seu dizer. O embate de Caeiro é uma busca, mas ele não encontra a solução. Ele é um intervalo de encantamento. / This thesis approaches Alberto Caeiro’s poetry, fictitious poet created by Fernando Pessoa, whose work is gathered into the titles The Keeper of Flocks, The Amorous Shepherd and Detached Poems, from the idea that his looking to the real is a process of inquiry on the limits of knowledge and on the constitution of human experience of reality, on the sign, on the nature of poetic language and of language in general. For this analysis, I use Peirce's Semiotics, Saussure's Linguistics, Benveniste's theory of language, Fernando Pessoa’s poetic of sensations, works of Perrone-Moisés, beyond other authors, as Seabra, Dessons and Meschonnic. Caeiro's poetry is interpreted as a struggle against limits imposed by mediation of the sign, struggle that is metaphor of this poetry, which is also metaphor of that struggle. Aware of the non-transparency of language as photograph of reality and thought, Caeiro makes this condition object and instrument of his speech. In this process, the langue is rethought and recast in its fundamentals, reaching at the limits of its capacity to signify and at the limits between what is and what is not poetry, and between what is and what is not langue. The notion of arbitrary of linguistic sign and the dichotomy of langue and speech are reconsidered, based on the idea of limitation of the arbitrary of Saussure and the ideas of enunciation and discourse of Benveniste. Caeiro's poetry is taken in the field of language, and presented as a result of an operation of homology between langue and other systems, thus being capable of evoking its object. Poetic discourse is still interpreted like a saying that it is doing, but it is not so particular in order to be a semantic without semiotic, because it is art that is made into the langue, which differs from the non-verbal arts. Poetic language has the capacity to accentuate the features of language in general, being useful for understanding the linguistic phenomenon. Caeiro is not only a poet of sensations, because intellectualization makes part of his creation and of his poetry. He is not also the poet of things: the real is not the object of this poetry; it is rather a means to convey the poetic emotion that is built, furthermore, on your own saying. Coherent with a subject made of aspects that attempts to reconcile in him the unity and multiplicity of the real, Caeiro’s language is constituted of internal tensions. Discursive and poetic speeches integrate his saying. The fight of Caeiro is a searching, but he does not find the solution. He is a pause of enchantment.

Orientador: Adilson Nascimento de Jesus / A tese está acondicionada em uma mala contendo: Bloco 1: Escada-Prelúdios (Composta de 6 dobras, em papel-cartão, com 7 folhas) com 14 Prelúdios ; Bloco 2: Nove Envelopes-Canções com folhas soltas e Sete Anéis (dentro dos envelopes) / Acompanham duas mídias afixadas na tampa interna da mala com o CD "Fractais Sons" e outra com o DVD "Fractais Imagens" / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-31T04:25:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 GuerraFilho_RaulitoRamos_D.pdf: 28135372 bytes, checksum: 28e841c953fd14dba42d91d7cbf86cb8 (MD5) Previous issue date: 2016 / Resumo: O presente estudo objetivou: desnudar, desvelar, desvendar e desventrar a multiplicidade de encontros na composição da obrARtese e (elevado à enésima potência). A composição partiu de 19 canções de minha autoria, gravadas em CD, que se tornaram disparadoras de textos, fotografias, colagens, diagramação, microdocumentário; todos reunidos em uma mala artesanal. Trata-se de um livro de artista-educador, que narra sua trajetória por esses dois universos. O trabalho, inicialmente autobiográfico, torna-se autobiografemático. O processo e a finalização do trabalho ampliaram e potencializaram encontros alegres. Alguns intercessores: Gilles Deleuze, Félix Guattari, Nise da Silveira, Espinosa, Cecíla de Almeida Salles, Silvio Gallo, Paola Zordan / Abstract: Purpose of the present study: undress, disclose, unveil and disembowel the multiplicity of encounters in the composition of the obrARtese e (raised to the enésima power). The composition originated from the 19 songs composed by myself, all of them recorded in CD, which became the starters of texts, photographs, pasting, diagramming, micro documentary; all of them bound in an artisanal bag. It is a book by an educator-artist, which reports his trajectory through these two universes. The work, autobiographical initially, becomes autobiographematical. The work process and finalization increased and strengthened cheerful encounters. Some intercessors: Gilles Deleuze, Félix Guattari, Nise da Silveira, Espinosa, Cecília de Almeida Salles, Silvio Gallo, Paola Zordan / Doutorado / Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte / Doutor em Educação

Esta dissertação propõe uma tradução comentada de um excerto do romance Lenfant multiple, de Andrée Chedid, para o português brasileiro. Inicialmente apresentamos a autora e a obra, desconhecidas do público leitor brasileiro, para em seguida analisar as etapas de tradução e revisão de onze trechos por nós selecionados do original. Tendo como equivalência tradutória a busca pela reescritura do ritmo, sendo ele a organização do movimento da palavra/fala [parole] na escritura (MESCHONNIC, 1999, p. 69) por um sujeito, entendemos que a tradução é reveladora do pensamento da linguagem e da literatura (MESCHONNIC, 1999, p.11), o que nos fez analisar nosso movimento tradutório dos seguintes pontos de vista: o das normas (estratégias) como sendo intrínsecas ao ato tradutório; o da tradução como sendo um intenso exercício de crítica literária; e o do movimento do processo em direção ao Outro que, a nosso ver, é a tradução literária. Para tanto nos baseamos em Toury (1995, p.53), segundo o qual a aquisição de um conjunto de normas é um pré-requisito para o tradutor, uma vez que ele integra um ambiente cultural; em Berman (1995), Zilly (2000, 2011), Campos (2006), Pound (2006) e Britto (2011) para tratarmos do Tradutor-(re)criador: crítico por excelência, trazendo novamente à discussão Meschonnic e Toury; e, por fim, em Lévinas (1971, 1985), Laygues (2004) e outros, que nos levaram a começar a desenvolver o conceito de identidade tradutória: defendemos que o tradutor busca a alteridade para, posteriormente, eliminá-la, proporcionando assim a criação de um Novo Outro (a tradução). À guisa de conclusão, relacionamos o processo criativo da escritura (do original) com o da reescritura (da tradução) e, questionando-nos sobre a tradução comentada em âmbito acadêmico, vemo-la como um instrumento pedagógico, indutor da autoconsciência e da tradução responsável / This thesis proposes a commented Brazilian Portuguese translation of an excerpt of the L\'enfant multiple novel written by Andree Chedid. Initially, we introduce the author and her work, unknown to the Brazilian public, to analyse the stages of translations and reviews of the eleven excerpts selected from the original. Considering the translation equivalence the search for the rhythm rewriting the rhythm being the \"organization of the movement of speech [parole] in writing\" (MESCHONNIC, 1999, p. 69) by someone , we understand that translation reveals the thought of language and literature (MESCHONNIC, 1999, p.11), which made us to analyse the translation movement from the following viewpoints: the rules (strategies) as intrinsic to the translation act; the translation as an intense exercise of the literary criticism; and the movement of the process towards to the Other, which from our perspective is the literary translation. Hence, we rely on Toury (1995, p.53), who consider the adoption of a set of norms as a pre requirement for the translator, since he is part of a cultural environment; on Berman (1995), Zilly (2000, 2011), Campos (2006), Pound (2006) and Britto (2011) to treat the \"Translator-(re)creator: critic par excellence\", bringing back to discussion Meschonnic and Toury; and finally on Lévinas (1971, 1985), Laygues (2004) and others, which led us to start developing the concept of translational identity. We defend the thought that the translator seeks alterity to eliminate it posteriorly, thus enabling the creation of a New Other (the translation itself). To conclude we relate the writing creative process (from the original) with the rewriting (of translation) and questioning ourselves on the commented translation in the academic context, we see it as a pedagogical instrument, conducive to self-awareness and responsible translation

[pt] O propósito desta pesquisa é qualificar O Livro Vermelho de C. G. Jung como obra de arte. Para isso buscou-se primeiramente quais os conceitos e critérios de validação do livro como tal. Circunscritas as espécies que transitam nessa categoria – livros raros e livros de artista – contemplamos, por meio de um percurso histórico pela história do livro, suas especificidades, pressupostos e aproximações, pois, se por um lado, semelhante aos manuscritos medievais iluminados, tal publicação revigora o livro como obra de arte, por outro lado o processo de criação da obra rompe com o paradigma da feitura do livro através de um processo colaborativo e especializado em vigor desde aquela época, no qual, tradicionalmente, o autor escreve textos, não produz livros. Essa mudança de paradigma vem a ser um dos principais pressupostos da categoria que recoloca na história o livro como obra de arte por meio do campo do livro de artista – em seu sentido lato –, segundo o qual o autor não apenas escreve, mas faz o livro, e estuda-se a si mesmo no processo, então como circunscrevê-lo? Com isso esperamos atingir o objetivo subjacente ao tema central – resgatar o valor cultural e artístico do livro, ressaltando o potencial plástico e criativo que ele oferece. / [en] The purpose of this research is to qualify The Red Book of C.G. Jung as a work of art. For this, we first sought what concepts and validation criteria of the book as such. Circumscribed the species that pass through this category – rare books and artist books – we contemplate, through a historical journey, through the history of the book, its specificities, assumptions and approximations, because, if on the one hand, similar to the illuminated medieval manuscripts, such publication reinvigorates the book as a work of art, on the other hand, the process of creation of the work breaks with the paradigm of book making through a collaborative and specialized process in force since that time, in which, traditionally, the author writes texts, does not produce books. This paradigm shift is one of the main assumptions of the category that relocates in history the book as a work of art through the field of the artist s book – in its broad sense – according to which the author not only writes, but makes the book, and is studied to himself in the process, so how to circumscribe it? With this we hope to achieve the objective underlying the central theme – to rescue the cultural and artistic value of the book, highlighting the plastic and creative potential it offers.

Esta dissertação de mestrado busca compreender a produção plástica das crianças na perspectiva do processo de sua elaboração. A pesquisa de campo se deu em oficinas de arte cerâmica, conduzidas e observadas pela pesquisadora, com um grupo de crianças entre 4 e 10 anos de idade. As oficinas foram oferecidas em uma escola da rede privada de ensino do município de São Paulo, nos anos de 2006 e 2007. Esta experiência forneceu elementos consistentes para a elaboração da reflexão pretendida neste trabalho. O tratamento do conjunto das vivências criativas desenvolvidas se inspira na pesquisa etnográfica e encontra bases conceituais na antropologia. Os dados da pesquisa de campo são registrados em forma de relatos e imagens fotográficas. A análise é feita a partir da experiência acumulada da pesquisadora como arte-educadora ceramista e de um referencial teórico, centrado principalmente nas obras analíticas da artista plástica e pensadora Fayga Ostrower, e nas as contribuições de José Antônio Marina, Anna Marie Holm, Cecília Almeida Salles, Jorge Larrosa e Gaston Bachelard. A compreensão das vivências de criação deste grupo de crianças, em arte cerâmica, permitiu que a autora vislumbrasse a presença de percursos criativos individuais. Estes percursos ofereceram elementos originais para uma compreensão mais aprofundada do papel, importante e significativo, que a vivência de processos criativos da arte pode representar no desenvolvimento da infância. Esta pesquisa leva em consideração a singularidade das individualidades e do processo de formação de cada criança, ampliando, dessa maneira, o diálogo entre arte e pedagogia. / This master dissertation seeks to understand children visual art work within the perspective of their elaboration process, which is taken as object of observation and reflection. The fieldwork took place in Clay Workshops for children, from 4 up to 10 years old. These workshops were conducted and observed by the researcher and were offered in a private school in the city of São Paulo, during the years of 2006 and 2007. This experience gave consistent elements for the elaboration of the reflection intended in this work. The treatment of the set of these creative living experiences was inspired in the ethnographic research, which has its conceptual bases in the anthropology. The data collected in the fieldwork are formed by reports and photographic images. The analysis was made taking into account the accumulated experience of the researcher as a ceramist/pottery maker and art educator, besides some theoretical references centered especially on the analytical work of Fayga Ostrower, and some contributions of José Antônio Marina, Anna Marie Holm, Cecília Almeida Salles, Jorge Larossa and Gaston Bachelard. The understanding of the creative experiences of this group of children in ceramic art allowed the author of this dissertation to see the presence of creative paths. These paths offered original elements that lead us to a deeper understanding of the important and meaningful role played by these art creative processes in the development of children. This research considers the singularity of the individualities besides the formation process of each child, enlarging, this way, the dialogue between Arts and Pedagogy.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cynthia Arantes Ferreira Luderer.pdf: 12197386 bytes, checksum: 03c2732148ebc829d9075bb8e4ef3104 (MD5) Previous issue date: 2007-10-26 / Secretaria da Educação do Estado de São Paulo / This text has the objective to analyze the communication process of carnavalesco Raul Diniz creation and point how much the limits and restrictions that come from mass media and communications network of Samba s school from São Paulo, interfere on this professional s procedures and choices for the Samba s school parade show creation and assembly. The carnavalesco is the main Samba s school professional responsible to conceive a carnival parade. He must receive, analyze and share pictures converted in symbols. Raul Diniz, specifically , was choose the best carnavalesco of twenty century besides Joãozinho Trinta and is also plastic artist. To best understand his communication process and creation, this study was made based on critic genetic methodology study, based on Peirce semiotic approaching. Dealing with carnival, an hybrid festival with cultural manifestation, we can use theory that analyze Morin and Lotman complex cultural aspects. The selected focus was the 2006 Abre Alas car from the Vai-Vai Sanba s school from São Paulo. It was also analyzed the complement like Comissão de Frente, that in this specific parade had total interaction with studied and created by Raul Diniz allegory. We study this professional creation process documents (drafts and drawing) and the car s mounting pictures and others that contributes for this creation (institutional rules, synopsis, objects, research books and media critics). With this study, we could observe that even the carnavalesco that has been responsible by the show, the communications between him and the people that surround him, as the rules and restrictions that came from the different groups of this hybrid environment from where he take part, interfere on his creative process, with special notability for the mass media television. We could also know better the carnival phenomenon and specifically the Samba s schools parade / Essa dissertação tem como objetivo analisar o processo de comunicação na criação do carnavalesco Raul Diniz e apontar o quanto os limites e restrições, oriundos da mídia e da rede de comunicação das Escolas de Samba de São Paulo, interferiram nos procedimentos e escolhas deste profissional para a criação e montagem do espetáculo do desfile de uma Escola de Samba. O carnavalesco é o profissional da Escola de Samba que é tido como principal responsável e mediador para conceber um desfile de carnaval. A ele cabe receber, analisar e partilhar linguagens que são transformadas em símbolos. Raul Diniz foi escolhido como o melhor carnavalesco do século XX junto com Joãozinho Trinta e além de ter esta profissão, atua como artista plástico. Para compreendermos melhor seu processo de comunicação e criação, este estudo foi feito com base nos estudos metodológicos de crítica genética, com abordagem semiótica (Peirce). Por se tratar de carnaval, uma festa híbrida e de manifestação cultural, coube aqui o diálogo com teorias que analisam os complexos aspectos culturais (Morin e Lotman). O foco selecionado foi o Carro Abre Alas da Escola de Samba Vai-Vai, de São Paulo, elaborado para o desfile de 2006. Junto ao carro, foram também analisadas as composições que o complementam, assim como a Comissão de Frente, que no caso específico deste desfile, teve total interação com a alegoria aqui estudada e criada por Diniz. Observamos documentos do processo de criação deste profissional (esboços e desenhos) como também os da montagem do carro (fotos) além de outros que se tornaram pertinentes para contribuir para esta criação (regras das instituições, sinopses, objetos de apoio, livros de pesquisas, críticas da mídia). Pudemos observar com este estudo que mesmo o carnavalesco sendo o responsável pelo espetáculo, a comunicação entre ele e as pessoas que o cercam, assim como as regras e restrições, vindas dos mais diferentes grupos deste ambiente híbrido, o qual ele faz parte, interferem em seu processo criativo, dando destaque especial para o papel da mídia televisiva. Também pudemos conhecer melhor o fenômeno do carnaval, mais especificamente, os desfiles das escolas de samba e contribuir para preservar a memória desta festa popular e cultural na cidade de São Paulo