La presente investigación teórico-práctica desde las artes se trata de mi proceso como directora que aboga por una escenificación horizontal de la obra La Edad de la Ciruela de Arístides Vargas. La creación se basó en un lenguaje alejado del realismo a partir de una teatralidad no mimética, del uso de la polifonía y del juego como herramienta metodológica de construcción. A partir de conceptos de la canadiense Josette Féral, este estudio se vale de la teatralidad como soporte poético que puede hacer uso de una mímesis activa o pasiva, y como brecha entre ilusión y realidad sin dejar de lado al espectador como elemento necesario para que esta realidad pueda existir. La polifonía se trabaja a partir de la investigadora Locatelli. Su estudio de este concepto permite expandir su aplicación en escenarios teatrales desde el uso equilibrado de elementos en el espacio, incluyendo al público para la creación de una obra en la que el texto no ocupe el eje central. Por último, el juego como herramienta primaria para la creación se presenta como arma contra una escena amarrada en la representación e imitación. El objetivo de esta investigación teórico-práctica desde las artes es analizar, explorar y registrar de qué manera estos conceptos se desarrollan durante la creación interesada en problematizar un lenguaje realista y hegemónico, y con eso ensayar nuevas maneras de mirar y pensar el mundo. El resultado de esta experiencia fue la creación de tres escenas de la obra bajo mi dirección en un lenguaje no mimético. / The present theoretical-practical research from the arts is about my process as a director that advocates a horizontal direction of the play La Edad de la Ciruela by Arístides Vargas. The creation was based on a language far from realism from a non-mimetic theatricality, the use of polyphony and play as a methodological tool of construction. Based on concepts of the Canadian Josette Féral, this study uses theatricality as a poetic support that can make use of an active or passive mimesis, and as a gap between illusion and reality without leaving aside the spectator as a necessary element for this reality to exist. Polyphony is worked on by the researcher Locatelli. Her study of this concept allows to expand its application in theatrical scenarios from the balanced use of elements in space, including the audience for the creation of a work in which the text does not occupy the central axis. Finally, the game as a primary tool for creation is presented as a weapon against a scene tied up in representation and imitation. The objective of this theoretical-practical research from the arts is to analyze, explore and record how these concepts are developed during the creation interested in problematizing a realistic and hegemonic language, and with that to test new ways of looking at and thinking about the world. The result of this experience was the creation of three scenes of the play under my direction in a non-mimetic language.

La presente tesis de investigación tiene como objetivo estudiar un aspecto muy específico dentro de la realización audiovisual: el diseño de producción. No solo para identificar y describir las responsabilidades propias de esta labor, sino también interpretar su discurso narrativo más allá de la mera apreciación estética. Hablar del diseño de producción es hablar del universo tangible del relato, aquel que se sucede detrás de una pantalla y que como espectadores solo podemos ver y oír, pero que muchas veces va más allá de nuestra propia imaginación. Y es que el truco para que la fantasía de la ficción resulte totalmente convincente, sin la necesidad de concederle dicha cualidad, es que esta pase totalmente desapercibida para nosotros. En el teatro, por ejemplo, le concedemos a lo que vemos realidad, suspendemos nuestro “escepticismo” porque de otro modo disfrutar de la obra seria sencillamente imposible. En la ficción audiovisual no existe la necesidad de “creer” en lo que vemos, lo hacemos sin más, siendo el diseño de producción el principal responsable de este universo, que se extiende más allá de los encuadres de la cámara y que parece subsistir aun cuando ya hemos dejado el cine o apagado el televisor. Gracias al diseño de producción se puede transmitir una gran cantidad de información a través de toda la historia, no teniendo que depender por ejemplo, de tediosos discursos o continuas explicaciones que perturben el ritmo del relato. La habitación de un personaje puede hablar por si misma de su etapa emocional, el estado desastroso de una ciudad justificar la dureza que rige el estilo de vida de sus habitantes o una fastuosa construcción arquitectónica ayudarnos a sumergirnos en el periodo histórico en el que se encuentra. De esta manera el diseño de producción cobra un silencioso protagonismo que sostiene el relato, potenciándolo y brindándole verisimilitud, por lo que resulta un aspecto base sobre el que siempre hay que trabajar. En su planteamiento nada debe dejarse a una decisión improvisada, de la misma manera que el planteamiento de una toma no parte de un mero capricho o arbitrariedad, sino de un verdadero sentido narrativo por parte del director. Es por esto que la presente tesis tiene como finalidad analizar esta labor dentro de la producción audiovisual, tomando como caso de estudio la serie televisiva “Juego de Tronos”, para entender cómo el diseño de producción se desarrolla y ayuda a conformar una apariencia visual que además de construir, afirma y enriquece el relato.

“Si estuviésemos solas” es un cortometraje de ficción del género drama/romance que retrata una historia entre dos jóvenes mujeres que se conocen en una fiesta y en el transcurso de la noche establecen cierta conexión romántica, pero se ven imposibilitadas de dar un paso más allá debido a sus situaciones sentimentales con sus parejas actuales. Este cortometraje surge a partir de la motivación de los directores por visibilizar a la comunidad LGBTIQA+ y de representar sus vínculos, al expresar sus sentimientos a partir del lenguaje corporal y el diálogo. Además, expone y cuestiona temas específicos como las relaciones amorosas, y los conceptos del amor e infidelidad, para lo cual se busca generar una reflexión. A través de la historia contada, se busca darle una interpretación adecuada a las relaciones interpersonales dentro de esta comunidad poco visibilizada. Por otro lado, en el presente trabajo, se realiza un desglose por áreas donde exponemos nuestras propuestas de dirección general, dirección de fotografía, dirección de arte, sonido, musicalización, producción y edición, dentro de la preproducción, producción y postproducción del cortometraje. De ese modo, se buscó representar audiovisualmente una historia verídica para un público joven desde nuestra perspectiva, de manera que rememoremos experiencias en nuestros espectadores. / “If we were alone” is a fiction short film of the drama/romance genre that portrays a story between two young women who meet at a party and establish a certain romantic connection during the night, but they are unable to go one step further due to their relationship status with their current partners. This short film arises from the directors' motivation to make the LGBTIQA+ community visible and to represent their ties by expressing their feelings through body language and dialogue. In addition, it exposes and questions specific topics such as romantic relationships, and the concepts of love and infidelity, from which it seeks to create thought. Through the story told, we seeked to give an adequate interpretation to interpersonal relationships within this community that lacks visibility. On the other hand, in this paper, a breakdown is made by areas where we expose our proposals for general direction, photography direction, art direction, sound, musicalization, production and editing, within the pre-production, production and post-production of the short film. Thus, we sought to audiovisually represent a story that was veridical for a young audience from our perspective, so that we would recall experiences from our viewers.

Duelo es un proyecto muy personal, que brota de las experiencias sobre la pérdida que hemos tenido los integrantes del presente grupo. En él, buscamos hablar sobre la ausencia, la memoria, el dolor, la nostalgia, y la muerte de seres queridos. Debido al tiempo de pandemia de COVID-19, nos hemos visto más cercanos a la muerte y el riesgo constante de pérdida, como una presencia diaria y esperada; esto nos ha llevado a reflexionar sobre pérdidas cercanas y lejanas, y pensar sobre las ausencias que experimentamos en nuestras vidas, así como en la forma en que estas nos están afectando constantemente. Dicha reflexión condujo a un proceso introspectivo, en el que miramos dentro de nosotros mismos para conocernos mejor, ver qué perdimos y qué aprendimos de dichas pérdidas, y cómo trasladar todo ello al medio audiovisual. Así se plantea el Proyecto de Comunicación Audiovisual Duelo, planteado como una antología de cortometrajes documentales-experimentales, realizados cada uno por uno de los integrantes de este grupo, en el que exploramos los temas mencionados desde nuestros respectivos puntos de vista particulares, y usando lenguajes diferentes en cada película: exploramos el duelo reciente por la pérdida de un padre, el que continúa tras la pérdida de una abuela, el que es por la propia identidad que se cree olvidada, y el heredado por la muerte de alguien que no se llegó a conocer. A nivel personal, aún no hemos aprendido a vivir del todo con el duelo; pero mediante este proyecto y todo lo que conllevó realizarlo, podemos decir que- por lo menos- hemos conocido mejor nuestros propios duelos. Y tal vez, eso nos lleve a, eventualmente, aprender a convivir en paz con la ausencia, sentimiento tan universal en todos nosotros. / Duelo is a very personal project, which stems from the experiences about loss that the members of this group have had. Through it, we want to talk about absence, memory, pain, nostalgia, and the death of loved ones. Due to the COVID-19 pandemic, we have familiarized with the experience of death and its constant risk; this has led us to reflect on near and far losses, and to think about the absences we experience in our lives, as well as how they are constantly affecting us. Such reflection turned into an introspective process, in which we looked at ourselves to see what we left and what we learned from those losses, and to figure out how to transfer all of it to the audiovisual medium. Thus, Duelo was conceived as an anthology of short documentary and experimental films, each one of them made by one of the members of this group, in which we explore the aforementioned topics from our particular points of view, and using different languages in each film: we explore the recent mourning over the loss of a father, the mourning that keeps going after the loss of a grandmother, the mourning over the own identity believed to be forgotten, and the inherited mourning over the death of someone that was not known. On a personal level, we have not yet learned to fully cope with our losses; but through this project and all that it entailed, we can say that - at least - we have come to know our own grief better. And perhaps that will lead us to, eventually, learn to live in peace with absence, a feeling so universal in all of us.

“Cómo Conquistar” es una miniserie web cuyo personaje principal, América, planea conquistar al chico de sus sueños. Por lo tanto, elabora una serie de pasos para lograr su objetivo y la comparte con su mejor amiga Leslie. Mientras la serie se desarrolla, América cuestiona sus propios ideales en torno al amor y la pareja perfecta. Los cuales provienen de construcciones sociales expuestos en productos audiovisuales a lo largo de su infancia. Este proyecto engloba nuestros propios cuestionamientos sobre el amor y sus diferentes formas. El proyecto nació de una adaptación de la historia “Cómo conquistar al ingeniero de tus sueños en 10 pasos” de la plataforma web Wattpad. Como grupo, adaptamos la historia para seguir las restricciones por la coyuntura actual de la COVID-19. De esta manera, la realización audiovisual se realizó las grabaciones de manera remota, siendo dirigidos por la plataforma Zoom. El presente trabajo recapitula las propuestas, retos y soluciones de las distintas áreas como: dirección de actores, producción, dirección de foto, iluminación, dirección de arte, sonido, marketing y difusión, postproducción de video y postproducción de sonido. De forma que todo el proceso creativo se ve plasmado en la pantalla para tratar estas problemáticas desde una perspectiva diferente como lo es la comedia. / "How to get the guy of my dreams" is a web mini-series whose main character, America, plans to conquer the boy of her dreams. Therefore, she devises a series of steps to achieve her goal and shares it with her best friend Leslie. As the series unfolds, America questions her own ideals about love and the perfect partner. These come from social constructs exposed in audiovisual products throughout her childhood. This project encompasses our own questioning of love and its different forms. The project was born from an adaptation of the story "How to get the engineer of your dreams in 10 steps" from the platform Wattpad. As a group, we adapted the story to follow the restrictions due to the current situation of COVID-19. In this way, the recording process was done remotely, being directed through the Zoom platform. This work recapitulates the proposals, challenges and solutions of the different areas such as: direction, general production, filmmaking, gaffer department, art direction, sound department, marketing and video and sound postproduction. So that the entire creative process is captured on the screen to address these issues from a different perspective such as comedy.

La presente investigación pretende indagar a fondo cómo la crianza dentro del hogar peruano en zonas rurales puede llegar a afectar a los jóvenes cuando crecen; esta premisa es un reflejo que nace a partir de las experiencias de los participantes del cortometraje “Laguna”. De esta manera, la actuación fue lo primero que cayó como prioridad, así que lo esencial era que las actrices compartan las mismas experiencias que los realizadores de “Laguna” querían plasmar en la historia propuesta. Para ello, se ha decidido personificar esta relación parental de madre e hija en Helena y Cecilia, siendo Helena una joven proveniente de provincia que ahora vive en la ciudad, y Cecilia, una madre provinciana que tuvo una crianza conservadora, y que ahora lo demuestra con la crianza de su propia hija. Para este cortometraje se han usado recursos estéticos audiovisuales como el manejo de la luz natural, la actuación, la edición y otro tipo de procesos ajenos a una realización que sucedieron en el proceso de realización, como, por ejemplo: dos accidentes de tránsito o el exceso del plan de presupuesto. Por otro lado, como tiempo y espacio contextual, se ha situado el filme en los años 2009 – 2010 en la ciudad de Huacho, dentro del departamento de Lima, siendo nuestro punto de mayor importancia la laguna Encantada, el cual hemos usado como analogía con la protagonista Helena, quien es calmada y serena, pero cuando hay tiempos difíciles, como una tempestad, o, en el caso de Helena, un conflicto verbal con su madre (Cecilia), puede salirse de control. / The current investigation aims to inquire deeply how the parental upbringing in remote peruvian places could affect the youth when they turn adults. This assertion has come out from the experiences of the “Laguna” film team members. In this way, the performance was the priority, so the essential thing was that the actresses have shared the same experiences that the filmmakers proposed for the film story. For that reason, we decided to portrayed the mother-daughter relationship with Cecilia and Helena, being Helena a young lady from the peruvian countryside that nowadays lives in the city, and Cecilia, a single mother who has been raised in a sexist and conservative home, and shows it with the upbringing of her daughter. For this short film, the audiovisual aesthetics resources as the natural lights like, performance, edition and other processes oblivious to a filmmaking process as a couple of car accidents and a budget overpayment. On the other hand, as a contextual time and place, the story is situated in the years 2009 – 2010 in Huacho, located in the department of Lima, being Encantada lake our most important point in the place, which we used as an analogy with our main character Helena, who is calm and peaceful, but whenever are difficult times like a storm, or, in case of Helena, a big argument with her mother (Cecilia) can piss her off.

En este trabajo se analizan las propuestas de dirección y producción para la realización del cortometraje “El giro”, dirigido por Santiago Bazo. El mencionado proyecto se origina a partir de la experiencia propia de uno de los integrantes del grupo. Desde este punto, se desarrollan las temáticas que inspiraron el guion, donde se resalta la corrupción, la “criollada” y el juego de poder. A través del cortometraje, se busca reflejar uno de los tipos de corrupción más comunes en el país, el cual incluye a las esferas policiales y se manifiesta mediante la “coima” en el sistema de transporte. La historia gira en torno a la corrupción en dos niveles, abarcando el sistema policial y al ciudadano de a pie. Además, en el presente trabajo de investigación se detalla el proceso de creación, desde las referencias audiovisuales hasta las propuestas de realización de cada área involucrada. La estructura para la narración del cortometraje se plantea en dos momentos: los policías mantienen el poder y el status quo - el estudiante voltea el rol del poder y busca sacar provecho de ello. Por tanto, el lenguaje audiovisual se apega a ello, sin la intención de empatizar con ninguno de los personajes, presentando los escenarios y alejándose poco a poco, de acorde a la revelación de la corrupción. Con esto, el espectador podrá ser capaz de desarrollar una mirada crítica y reflexiva, respecto a la acción de los personajes en relación al poder y la corrupción tanto a nivel personal como social. / This paper analyzes the direction and production proposals for the making of the short film "El giro", directed by Santiago Bazo. The aforementioned project originates from the own experience of one of the members of the group. From this point, the themes that inspired the script are developed, where corruption, the "creole" and the power game are highlighted. Through the short film, it seeks to reflect one of the most common types of corruption in the country, which includes the police spheres and is manifested through "bribery" in the transportation system. The story revolves around corruption on two levels, encompassing the police system and the ordinary citizen. In addition, in this research paper the creation process is detailed, from the audiovisual references to the proposals for the realization of each area involved. The structure for the narration of the short film arises in two moments: the police maintaining power and the status quo - the student turns the roles of power around and seeks to take advantage of it. Therefore, the audiovisual language sticks to it, without the intention of empathizing with any of the characters, presenting the scenarios and moving away little by little, according to the revelation of corruption. With this, the viewer will be able to develop a critical and reflective look, regarding the action of the characters in relation to power and corruption, both on a personal and social level.

T’rumanta Runa es un cortometraje de animación ficticio basado en la cosmovisión Mochica, Paracas, Nazca e Inca sobre deidades, mitos y cómo el mundo llegó a ser como se lo conoce. Este informe explica el proceso de cómo se concibió el proyecto, la investigación de estas culturas precolombinas, las referencias audiovisuales investigadas para el cortometraje y la vertiente artística del proyecto. La película tiene como objetivo explorar un lado diferente de los mitos comúnmente conocidos, ya que trasciende a la creación de un nuevo mundo basado en la cosmovisión andina, además de empoderar a los niños quechua-hablantes, ayudarlos a identificarse con el héroe de la película, y a darse cuenta que no necesitan fuerza física para encontrar la fuerza dentro de ellos. / T’rumanta Runa is a fictional animated short film based in the Moche, Paracas, Nazca and Incan cosmovision of deities, myths, and how the world came to be as it is known. This report explains the process of how the project was conceived, the investigation of these pre- Columbian cultures, the audiovisual references investigated for the short film, and the artistic aspect of the project. The film aims to explore a different side of the commonly known myths, as it transcends into creating a new world based on the Andean cosmovision, as well as empower quechua-speaking children and helping them identify themselves with the hero of the film, and realize that they don’t need physical strength to find the strength within them.

Este trabajo busca explicar cómo se construye la imagen para la puesta en escena dentro del documental “Otros cielos, otras nubes [una historia de Papi Lucho]”. Este ahonda en la vida y muerte de Luis Motta, Papi Lucho, abuelo del director. Se combina material visual y sonoro de él en vida junto con videos actuales del proceso de duelo y recordación por parte de sus familiares; y una performance/puesta en escena. En esta, la familia recrea anécdotas, situaciones oníricas, y momentos íntimos relacionados a Papi Lucho, todo esto en un contexto en el que se intercala la realidad y la actuación, el set y el espacio detrás de cámara. El objetivo del trabajo es revisar la forma en la que está construida la imagen audiovisual desde el punto de vista artístico, fotográfico y de producción. Como resultado, se consiguieron tomas que daban protagonismo a los familiares y aquello que representaban en la vida de Papi Lucho; todo esto en un espacio ficcional que contrasta hacia la realidad con la intención de resaltar el aspecto de la memoria, tanto en arte como fotografía. Se llega a concluir, tras finalizar el documental, que no es necesario construir una imagen que sea 100% literal y apegada a la realidad, pero que se puede de igual manera transmitir un sentimentalismo, el cual es reflejado en una dirección de arte que no esté recargada de excesivos elementos, y una fotografía que incluya planos off-set, lo cual brinda naturalidad al documental y sirve al alternar la ficción de la realidad. / This work seeks to explain the process of framing the stage shown in the documentary “Otros cielos, otras nubes [una historia de Papi Lucho]” (Different Skies, Different Clouds [a story on Papi Lucho]). Said film delves into the life and death of Luis Motta “Papi Lucho”, the director’s grandfather. It combines footage of him alongside scenes that reflect on his passing and the remembrance shown by his relatives, with a performance on stage. On this set, the family recreates anecdotes, dream sequences and candid moments related to him, all in a context that switches between reality and fiction; within the set and outside of it. The objective of this work is to help inspect the audiovisual framing from an artistic, photographic and production-wise standpoint. As such, there were scenes produced that gave prominence to the deceased’s relatives and what they represented on Papi Lucho’s life within a fictional space that contrasted in tone with the live footage presented. This was done with the purpose of highlighting the theme of remembrance from a photography and art-direction standpoint. Having finished production on the documentary, it is also concluded from an art direction perspective that building a completely, real-life based set is not necessary in this context, but can however help convey emotion without having an excessive amount of elements, alongside off-set shooting. This helps bring naturalness to the documentary and helps with alternating both fiction and reality.

La presente investigación busca detallar los procesos que formaron parte de la realización del cortometraje “Carmelo” inspirado en el cuento “El Caballero Carmelo” de Abraham Valdelomar. Esta adaptación tiene como objetivo representar tres vínculos diferentes: la indiferencia, el abuso de poder y el amor. Así, para la representación de estos vínculos se buscó adaptar los personajes que conformaban el cuento original y ubicarlos dentro del contexto de una familia en un entorno violento tanto por la dinámica familiar como por la labor que llevaba a cabo el personaje principal: las peleas callejeras. Es en ese sentido se describirán todas las etapas de realización, tales como la motivación y la razón de ser del cortometraje junto al desarrollo narrativo de las escenas y perfil de personajes, así como el aspecto técnico que engloba las distintas áreas como Producción, describiendo los procesos de casting y locación; Dirección, mencionando cuál fue su participación desde la etapa de pre-producción; Dirección de Fotografía, desde donde se muestra cómo fue la composición estética del cortometraje; Dirección de Arte, donde se gestó junto al encargado de fotografía cada uno de los matices estéticos que aportarían el desarrollo de arte a la narrativa del cortometraje; Sonido, mencionando entre otras el plan de post de sonido con grabación de foley realizado y Edición. Además, se desarrolla un plan que describe el proceso que atravesará de manera tentativamente el cortometraje “Carmelo” dentro de la etapa de distribución tanto desde el aspecto de la retribución económica como desde la sola exhibición. / This research seeks to detail the processes of making “Carmelo”, a short film inspired by the book story “El Caballero Carmelo” by Abraham Valdelomar. “Carmelo” aims to represent three important points with different characteristics: indifference, abuse of power and love. In order to show these points, we look to adapt the main characters from the original story (the book story) and place them in a context of a family violent environment, because of the family dynamics and the main character’s environment and job: street fights. It is in this sense that all the stages of production will be described, such as the motivation and reason for being of the short film together with the narrative development of the scenes and character profiles, as well as the technical aspect that encompasses the different areas such as Production, describing the casting and location processes; Direction, mentioning what their participation was from the pre-production stage; Direction of Photography, from where the aesthetic composition of the short film is shown; Art Direction, where each one of the aesthetic nuances that would contribute the development of art to the narrative of the short film was conceived together with the person in charge of photography; Sound, mentioning among others the sound post production plan with foley recording made and Edition. In addition, a plan is developed that describes the process that the short film "Carmelo" will tentatively go through during the distribution stage, both from the aspect of economic compensation and from the sole exhibition.