Past research suggests that members of devalued groups recognize their group is discriminated against. Do the implicit responses of members of these groups demonstrate the same pattern? I argue that they do not and that this is due to a motivated protection of members of devalued groups’ social identity. Study 1 demonstrates that, at an explicit level African-Canadians recognize that their group is discriminated against, but at an implicit level African-Canadians think that most people like their group to a greater extent than do European-Canadians. Study 2 replicates this implicit finding but demonstrates that devalued and majority groups do not have different implicit normative regard about a non-devalued group. Study 3 again replicates the implicit finding with Muslim participants while demonstrating that, when affirmed, this group difference disappears. Study 4 demonstrates that implicit normative regard can predict collective action over and above implicit attitudes and explicit normative regard. The implications for social identity theory and collective action are discussed.

Thèse de doctorat : Sciences de l'information et de la communication : Rennes 2 : 2008. / Version de diffusion (sans annexe 1).

The question of what type of purchase (i.e., experiential vs. material) typically advances more happiness has been answered (Van Boven and Gilovich, 2003). This dissertation employed three different manipulation methods across six studies to investigate what underlies this effect. A consistent pattern of results demonstrated that verbal sharing (i.e., telling others) helps explain the superiority of experiential purchases in advancing happiness. Moreover, I found that people's greater inclination to share about their experiential (vs. material) purchases is driven by their expectation of being more highly regarded by their listeners. Taken together, these findings shed light on a behavioral (i.e., sharing) and psychological process (i.e., expected regard) that help us understand why experiences make people happier than do material objects.

Past research suggests that members of devalued groups recognize their group is discriminated against. Do the implicit responses of members of these groups demonstrate the same pattern? I argue that they do not and that this is due to a motivated protection of members of devalued groups’ social identity. Study 1 demonstrates that, at an explicit level African-Canadians recognize that their group is discriminated against, but at an implicit level African-Canadians think that most people like their group to a greater extent than do European-Canadians. Study 2 replicates this implicit finding but demonstrates that devalued and majority groups do not have different implicit normative regard about a non-devalued group. Study 3 again replicates the implicit finding with Muslim participants while demonstrating that, when affirmed, this group difference disappears. Study 4 demonstrates that implicit normative regard can predict collective action over and above implicit attitudes and explicit normative regard. The implications for social identity theory and collective action are discussed.

Cette recherche part de la problématique concernant les puissances des rencontres entre l’art et l’enfance afin de penser le soi. Pour ce faire, nous nous appuyons sur la perspective théorique des dernières études de Michel Foucault, où l’auteur s’est penché sur la constitution du sujet dans l’Antiquité Classique. C’est ainsi donc – à partir de l’étude des techniques de soi gréco-romaines, notamment celles liées à l’écriture de soi – que l’on vise à penser les formes de rapport à soi actuellement possibles à travers les liens entre l’art et l’enfance. Plus précisément, nous avons pour but de discuter les manières dont il est possible de parler, penser, écrire et créer des images de soi aujourd’hui dans un contexte scolaire – particulièrement en ce qui concerne l’école maternelle – tout en dialoguant avec des oeuvres d’artistes contemporains insérées dans des pratiques pédagogiques et méthodologiques de recherche. Pour cela, nous avons sélectionné certains artistes qui réalisent, en quelque sorte, un travail sur eux-mêmes à partir de la création d’images, à savoir José Leonilson, Arthur Bispo do Rosário, Anna Bella Geiger et Rosana Paulino. Le choix de ces artistes est en effet dû au fait que tous ont en commun une relation particulière avec eux-mêmes, basée sur le geste comme un moyen d’enregistrement de soi dans les matières ordinaires de tous les jours. Méthodologiquement, dans un processus de composition en tant qu’enseignante et chercheuse, sept propositions pédagogiques et méthodologiques ont été organisées ayant pour base des oeuvres produites par ces artistes. Ces propositions ont été ensuite déployées et mises en service dans 12 regroupements avec un groupe de 13 enfants, âgées entre 5 et 6 ans, dans une école publique à Porto Alegre, de septembre jusqu’à décembre 2015. J’ai attribué à ces regroupements – situés à la confluence de l’art et de l’enfance – le nom d’imagialogues (images + dialogues, conversadorias en portugais): ce concept a été pensé à la lumière du processus de constitution en tant que curateur éducatif, c’est-à-dire de transposition de l’activité de curateur artistique au contexte éducationnel. Cela consiste à mettre en débat de différents objets artistiques, ainsi que de documents visuels, d’oeuvres d’art et même ce qui est produit en salle de classe dans le but de faire ressortir des relations encore inexistantes entre eux. Le matériel produit a été analysé à partir de deux discussions: la première portait sur la façon dont les images photographiques pourraient, dans leurs lacunes, représenter l’absence d’images. Contrairement à ce qui pourrait se définir comme quelque chose de négatif ou encore sur le point d’être achevé, ces absences ont été prises comme une métaphore pour la réflexion sur les relations particulières entre les enfants, le soi et l’autre : un autre absent, mais pas moins actif. La deuxième discussion a dégagé les moyens possibles d’établir des relations avec le temps et les images dans la contemporanéité, exprimée dans les gestes des enfants et dans leurs façons de se rapporter aux matières et événements quotidiens, axés sur le lien entre le tangible et l’intangible, entre l’éphémère et le permanent. Pour conclure, nous avons parié sur la puissance de l’art pour la production d’images uniques qui permettent la création et l’intensification des relations des enfants avec eux-mêmes et avec les autres: autrement dit, des images de soi. / A presente investigação parte do questionamento a respeito das potências dos encontros entre arte e infância para pensar o si mesmo. Para tanto, temos com horizonte teórico os últimos estudos de Michel Foucault, nos quais o autor se debruça sobre a constituição do sujeito na Antiguidade Clássica. É, portanto, a partir do estudo das técnicas de si greco-romanas, precisamente aquelas ligadas à escrita de si, que se busca pensar as possíveis formas de relação consigo hoje, por meio das relações entre arte e infância. Mais precisamente, o objetivo desta pesquisa é discutir de que maneiras é possível, hoje, falar, pensar, escrever e criar imagens de si no contexto escolar – particularmente, no da educação infantil – em diálogo com obras de artistas contemporâneos inseridas em práticas pedagógicas e metodológicas de pesquisa. Para isso, foram selecionados alguns artistas que, de certa forma, realizam um trabalho sobre si mesmos a partir da criação de imagens: José Leonilson, Arthur Bispo do Rosário, Anna Bella Geiger e Rosana Paulino. A escolha desses artistas se deve ao fato de que todos eles têm em comum uma relação particular consigo calcada no gesto, como forma de inscrição de si nas matérias ordinárias do cotidiano. Metodologicamente, no processo de se compor como professora e investigadora, foram organizadas sete proposições pedagógico-metodológicas com base em obras produzidas por esses artistas. Tais proposições foram desdobradas e postas em funcionamento em 12 encontros com um grupo de 13 crianças, em idades entre 5 e 6 anos, em uma escola de municipal de ensino fundamental da rede pública de Porto Alegre, de setembro a dezembro de 2015. Atribuí a esses encontros – radicados no cruzamento entre arte e infância – o nome de conversadorias: são desdobramentos de um conceito de curadoria educativa e consistem em colocar em debate distintos objetos artísticos, materiais visuais, obras de arte e o próprio material que é produzido em sala de aula, no intuito de dar a ver relações ainda inexistentes entre eles. O material produzido foi analisado a partir de duas discussões: a primeira delas tratou das formas pelas quais as imagens fotográficas poderiam, em suas lacunas, dar a ver imagens de ausências. Menos do que se configurarem como algo negativo ou em vias de ser completado, as ausências foram tomadas como metáfora para pensar as relações particulares entre as crianças, o si mesmo e o outro: um outro ausente, mas nem por isso menos atuante. A segunda discussão privilegiou as possíveis formas de estabelecer relações com o tempo e com as imagens na contemporaneidade, expressas nos gestos das crianças e nos modos de se relacionarem com as matérias e com os eventos cotidianos, pautados no elo entre o tangível e o intangível, entre o efêmero e o permanente. Como conclusão, o trabalho de pesquisa apostou em favor da potência da arte para a produção de imagens singulares que permitam a criação e intensificação das relações das crianças consigo e com os outros: em outras palavras, imagens de si.

Cette thèse de doctorat est une étude interdisciplinaire portant sur la question de la représentation de la nudité dans la littérature, la médecine et les discours artistiques en France dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. À partir du constat que le corps nu est indissociable du sens de la vue se développe l’idée selon laquelle l’élaboration d’un regard conditionne l’existence de représentations plurielles du corps dévêtu. À travers l’étude de textes de différentes natures, cette thèse propose un parcours démontrant le lien entre la construction du regard et la fabrique des « nudités » au siècle des Lumières. Des mots techniques dévoilant le détail anatomique aux demi-mots formant le langage « gazé », l’écriture et la lecture des nudités sont pensées comme une interaction de nature textuelle et visuelle (chapitre I. Lire, écrire & dévêtir). Le second chapitre (Révéler & Eveiller) est consacré aux effets attribués à la vision du nu au XVIIIe siècle et présente, à partir de l’étude des planches d’anatomie, la façon dont le regard porté sur le corps dénudé peut être construit. Les chapitres suivants examinent successivement les nudités selon l’élaboration de différents regards. Le voyeurisme (chapitre III. Dénuder & inciter) et l’observation (chapitre IV. Exposer & observer) favorisent la représentation du détail anatomique, la création de figures topiques et la mise en scène du corps nu. Les chapitres suivant montrent que le corps peut également être déshabillé du regard et le nu parcouru des yeux : étoffes et draperies, proportions et couleurs, participent de la construction d’une trajectoire permettant de voir, de toucher, de sentir et d’imaginer la nudité (chapitre V. Déshabiller & parcourir). Du costume à la peau, des muscles aux os, le corps apparaît comme un ensemble de couches superposées offrant la possibilité un regard pénétrant. Une fois l’habit et le tégument ôtés, la nudité est l’image d’une intériorité physique et morale explorée par les médecins et les écrivains (chapitre VI. Dévoiler & explorer). Le septième et dernier chapitre (Découvrir & réfléchir) montre que décentrer ou recentrer son regard permet de faire du corps dans son plus simple appareil un outil de réflexion renvoyant l’homme vêtu des Lumières à sa propre image. Les modes vestimentaires, l’exhibition des « sauvages » et l’auscultation sont également des situations dans lesquelles la figure du médecin se construit par rapport au corps féminin dénudé.Les représentations du corps dénudé au XVIIIe siècle se pensent notamment dans les rapports entre la vue et le toucher, entre l’ensemble et les parties du corps, entre le vêtu et le nu, entre la surface et la profondeur. Elles procèdent du morcellement, du grossissement, du dépouillement et de la réification du corps et de ses parties. Elles passent par la mise en œuvre de procédés textuels, par des phénomènes de contamination générique et disciplinaire, par la création de figures que sont entre autres les baigneuses, les athlètes, les hommes de lettres, les Vénus en tous genres, les allégories et les anatomies. Reposant sur la construction du regard et sur les interactions entre les arts, la littérature et la médecine, cette thèse invite à partir à la découverte des « nudités » du siècle des Lumières. / This doctoral thesis is an interdisciplinary study on the question of the representation of nudity in French literature, medicine and artistic discourse in the second half of the eighteenth century. Considering that the naked body is inseparable from the sense of sight, we reveal the idea that the elaboration of a gaze determine a plurality of representations of the undressed body. By the study of texts of different types, this thesis presents a process demonstrating the link between the looking and the nudities in the Enlightenment. From technical words revealing the anatomical detail to descriptions in veiled terms, the writing and the reading of the undressed body are such as a textual and visual interaction (Chapter I). The second chapter is devoted to the effects attributed to the nude in the eighteenth century and presents, through the study of anatomical plates, how the gaze on the bare body can be constructed. The following chapters examine successively the nudities according to different ways of seeing. Voyeurism (Chapter III) and observation (Chapter IV) promote the representation of anatomical detail, the creation of topical figures and the staging of the naked body. The following chapters show that the body can also be mentally undressed. Clothes and draperies, proportions and colors guide a trajectory allowing to see, to touch, to feel and to imagine the nudity (Chapter V). From “costume” to skin, from muscles to bones, the body appears as a set of superimposed layers offering the possibility of a penetrating eye. Clothes and integument once removed, nakedness becomes the image of a physical and moral interiority explored by doctors and writers (Chapter VI). The seventh and final chapter shows that nudity is a way of thinking through decentered or focused gazes. The naked body reflects to the dressed man of the Enlightenment his own image. The fashions, the exhibition of "savages" and the auscultation are also situations in which the physician's figure is drawn in relation to the naked female body.The representations of the undressed body in the eighteenth century are created between sight and touch, between the whole body and its parts, between the clothed and the naked, between the surface and the depth. They proceed from the fragmentation, the magnification, the stripping and the reification of the body and its parts. They involve textual processes, generic and disciplinary contaminations, creations of figures such as bathers, athletes, men of letters, Venus of all kinds, allegories and anatomies. Based on the construction of the gaze and the interactions between arts, literature and medicine, this thesis invites us to discover the nudities of the Enlightenment.

Cette recherche part de la problématique concernant les puissances des rencontres entre l’art et l’enfance afin de penser le soi. Pour ce faire, nous nous appuyons sur la perspective théorique des dernières études de Michel Foucault, où l’auteur s’est penché sur la constitution du sujet dans l’Antiquité Classique. C’est ainsi donc – à partir de l’étude des techniques de soi gréco-romaines, notamment celles liées à l’écriture de soi – que l’on vise à penser les formes de rapport à soi actuellement possibles à travers les liens entre l’art et l’enfance. Plus précisément, nous avons pour but de discuter les manières dont il est possible de parler, penser, écrire et créer des images de soi aujourd’hui dans un contexte scolaire – particulièrement en ce qui concerne l’école maternelle – tout en dialoguant avec des oeuvres d’artistes contemporains insérées dans des pratiques pédagogiques et méthodologiques de recherche. Pour cela, nous avons sélectionné certains artistes qui réalisent, en quelque sorte, un travail sur eux-mêmes à partir de la création d’images, à savoir José Leonilson, Arthur Bispo do Rosário, Anna Bella Geiger et Rosana Paulino. Le choix de ces artistes est en effet dû au fait que tous ont en commun une relation particulière avec eux-mêmes, basée sur le geste comme un moyen d’enregistrement de soi dans les matières ordinaires de tous les jours. Méthodologiquement, dans un processus de composition en tant qu’enseignante et chercheuse, sept propositions pédagogiques et méthodologiques ont été organisées ayant pour base des oeuvres produites par ces artistes. Ces propositions ont été ensuite déployées et mises en service dans 12 regroupements avec un groupe de 13 enfants, âgées entre 5 et 6 ans, dans une école publique à Porto Alegre, de septembre jusqu’à décembre 2015. J’ai attribué à ces regroupements – situés à la confluence de l’art et de l’enfance – le nom d’imagialogues (images + dialogues, conversadorias en portugais): ce concept a été pensé à la lumière du processus de constitution en tant que curateur éducatif, c’est-à-dire de transposition de l’activité de curateur artistique au contexte éducationnel. Cela consiste à mettre en débat de différents objets artistiques, ainsi que de documents visuels, d’oeuvres d’art et même ce qui est produit en salle de classe dans le but de faire ressortir des relations encore inexistantes entre eux. Le matériel produit a été analysé à partir de deux discussions: la première portait sur la façon dont les images photographiques pourraient, dans leurs lacunes, représenter l’absence d’images. Contrairement à ce qui pourrait se définir comme quelque chose de négatif ou encore sur le point d’être achevé, ces absences ont été prises comme une métaphore pour la réflexion sur les relations particulières entre les enfants, le soi et l’autre : un autre absent, mais pas moins actif. La deuxième discussion a dégagé les moyens possibles d’établir des relations avec le temps et les images dans la contemporanéité, exprimée dans les gestes des enfants et dans leurs façons de se rapporter aux matières et événements quotidiens, axés sur le lien entre le tangible et l’intangible, entre l’éphémère et le permanent. Pour conclure, nous avons parié sur la puissance de l’art pour la production d’images uniques qui permettent la création et l’intensification des relations des enfants avec eux-mêmes et avec les autres: autrement dit, des images de soi. / A presente investigação parte do questionamento a respeito das potências dos encontros entre arte e infância para pensar o si mesmo. Para tanto, temos com horizonte teórico os últimos estudos de Michel Foucault, nos quais o autor se debruça sobre a constituição do sujeito na Antiguidade Clássica. É, portanto, a partir do estudo das técnicas de si greco-romanas, precisamente aquelas ligadas à escrita de si, que se busca pensar as possíveis formas de relação consigo hoje, por meio das relações entre arte e infância. Mais precisamente, o objetivo desta pesquisa é discutir de que maneiras é possível, hoje, falar, pensar, escrever e criar imagens de si no contexto escolar – particularmente, no da educação infantil – em diálogo com obras de artistas contemporâneos inseridas em práticas pedagógicas e metodológicas de pesquisa. Para isso, foram selecionados alguns artistas que, de certa forma, realizam um trabalho sobre si mesmos a partir da criação de imagens: José Leonilson, Arthur Bispo do Rosário, Anna Bella Geiger e Rosana Paulino. A escolha desses artistas se deve ao fato de que todos eles têm em comum uma relação particular consigo calcada no gesto, como forma de inscrição de si nas matérias ordinárias do cotidiano. Metodologicamente, no processo de se compor como professora e investigadora, foram organizadas sete proposições pedagógico-metodológicas com base em obras produzidas por esses artistas. Tais proposições foram desdobradas e postas em funcionamento em 12 encontros com um grupo de 13 crianças, em idades entre 5 e 6 anos, em uma escola de municipal de ensino fundamental da rede pública de Porto Alegre, de setembro a dezembro de 2015. Atribuí a esses encontros – radicados no cruzamento entre arte e infância – o nome de conversadorias: são desdobramentos de um conceito de curadoria educativa e consistem em colocar em debate distintos objetos artísticos, materiais visuais, obras de arte e o próprio material que é produzido em sala de aula, no intuito de dar a ver relações ainda inexistentes entre eles. O material produzido foi analisado a partir de duas discussões: a primeira delas tratou das formas pelas quais as imagens fotográficas poderiam, em suas lacunas, dar a ver imagens de ausências. Menos do que se configurarem como algo negativo ou em vias de ser completado, as ausências foram tomadas como metáfora para pensar as relações particulares entre as crianças, o si mesmo e o outro: um outro ausente, mas nem por isso menos atuante. A segunda discussão privilegiou as possíveis formas de estabelecer relações com o tempo e com as imagens na contemporaneidade, expressas nos gestos das crianças e nos modos de se relacionarem com as matérias e com os eventos cotidianos, pautados no elo entre o tangível e o intangível, entre o efêmero e o permanente. Como conclusão, o trabalho de pesquisa apostou em favor da potência da arte para a produção de imagens singulares que permitam a criação e intensificação das relações das crianças consigo e com os outros: em outras palavras, imagens de si.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:39Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2005-05-19Bitstream added on 2014-06-13T20:34:23Z : No. of bitstreams: 1 arias_aam_me_assis.pdf: 328561 bytes, checksum: 9e5b6608bd0b9757b92cf7b20a4186ea (MD5) / Analisamos, nesta pesquisa, as formas como a traição era representada na sociedade feudal francesa do século XIII, através da Canção de Gesta Renaut de Montauban. A narrativa deste poema trata da revolta de Reinaldo, ajudado pelos seus irmãos e pelo primo Maugis, contra o imperador Carlos Magno e a longa guerra travada até a obtenção do perdão imperial. Com isto, nos vemos confrontados com a violação dos laços de fidelidade entre o vassalo e seu senhor e os julgamentos morais de uma aristocracia cavaleiresca francesa em crise, diante do efetivo aumento do poder real capetíngio. Como não podia combater o monarca, a aristocracia incentivava a difusão de formas literárias nas quais defendia a sua ideologia, baseada nos laços vassálicos e numa visão idealizada do passado. Também procuramos verificar como se consolidou a terminologia utilizada para nomear a traição, no Ocidente medieval, baseada na Bíblia latina, em especial nos Evangelhos e no episódio da entrega de Jesus por Judas Iscariótes, cuja herança perdura até nossos dias. / It's been analyzed, in this research, the forms how treason was represented in the French feudal society of the thirteenth century through Song of Geste Renaut de Montauban. The narrative of this poem deals with Renaut's revolt, helped by his brothers and cousin Maugis, against the emperor Charles the Great and the long lasting war until reaching the imperial forgiveness. Hereby, we find ourselves facing the violation of loyalty bonds between the vassal and his master and the moral judgments of a French chivalry aristocracy in crisis, before the effective increase of the Capetingian royal power. Not being able to fight the monarch, the aristocracy would encourage the diffusion of literary forms in which it would stand up to its ideology, based on vassal bonds and an idealized view of the past. We've also tried to verify how the terminology used to relate treason was consolidated in the medieval Occident, based on the Latin Bible, especially on the gospel and the passage of Judas Iscariot handing over Jesus and whose heritage lasts to the present days.

Notre travail se penche sur les circonstances et les conséquences de l’insertion de l’image dans un ensemble textuel sur l’écriture. Quels sont les enjeux et les implications d’une telle démarche lorsqu’elle est menée sciemment par l’écrivain ? Dans la littérature contemporaine européenne, A.S Byatt et Peter Handke sont de ceux qui manient la plume comme le pinceau et travaillent le langage comme une matière plastique, la figure même de l’artiste travaille l’univers fictionnel en profondeur, nourrissant et transformant l’écriture au fil d’un apprentissage tout entier centré sur le regard. La matière littérature s’interroge, loin d’une démarche plus traditionnelle qui traite l’image plastique comme une simple source d’inspiration à la façon de Tracy Chevalier.Certaines oeuvres inclassables, comme Henri Matisse, Roman de Louis Aragon ou Cantique de Matisse de Michel Butor choisissent l’entre-genre pour toucher à une possible harmonie littérature-peinture. La musique s’en mêle parfois, passant outre les frontières entre les arts. Que se passe-t-il quand l’écrivain peut, à juste titre, être appelé "plasticien" ? Bien qu’il se situe dans une approche intersémiotique littérature-arts plastiques, ce travail de recherche n’entend pas analyser l’inscription de la peinture dans le texte sur le mode de la transposition ou de l’illustration, il ne s’agit pas non plus de discerner les modalités picturales contenues dans l’appareil textuel et d’en dégager les effets ni d’assimiler stricto sensu la technique d’un peintre à celle d’un écrivain. / Our work focuses on the circumstances and the consequences of the insertion of imagery in thetextual body on writing. What are the issues and the implications of such an approach when it is conducted knowingly by the writer? In contemporary European literature, A. S. Byatt and Peter Handke are of those who handle the quill like a brush and work language as a plastic substance;their attitude is that of the artist who works the fictional universe in depth, nourishing and transforming script-writing through an acquisition centred entirely on watching. Literature as substance questions itself in a way which is far from a rather traditional approach which treats the plastic image as a simple source of inspiration, as is exemplified by the work of Tracy Chevalier.Certain non-classable works, like Henri Matisse, Roman by Louis Aragon or Cantique de Matisse by Michel Butor choose the mixed-genre to touch a possible literature-painting harmony. Musicmingles at times passing across boundaries among the arts. What happens when the writer can becalled, appropriately, “plastic arts technician”? Though indeed situated in an intersemiotic literature-plastic arts approach, this research does not intend to analyze how painting is inserted inthe text by way of transposition or illustration. Moreover, it is not concerned with discerning the pictorial modalities contained in the textual apparatus and dissimulating the effects or assimilating stricto sensu the technique of a painter to that of a writer.

L'intérêt philosophique pour la « visibilité » – Sichtbarkeit –, à la fin du XIXe siècle, participe d'une interaction nouvelle entre art, science et technique. Le dessin réunit les arts graphiques comme science du « visible ». Vitruve établit déjà que la « science de l'architecte » – Architecti scientia – prend valeur et se renforce par la « science du dessin » – Graphidis scientia. La recherche porte sur l'analyse du dessin que l'architecte utilise et produit lorsqu'il travaille à s'instruire selon son propre arbitre et ses propres moyens, hors les murs des écoles et des ateliers, au tournant du XIXe au XXe siècle. Charles-Édouard Jeanneret (1887-1965), Paul Tournon (1881-1964) et Jean-Charles Moreux (1889-1956) voyagent pour leur apprentissage. Ils regardent le monde et transcrivent leur étonnement activé au contact de la réalité. De la même manière, pour se former, alors que leur production architecturale sera très différente, ils notent en dessin. Nous interrogeons la réduction intellectuelle et graphique de la note comme une forme courte de représentation. La forme courte est le travail conscient d'analyse et de recherche synthétique. Chaque trait est pensé et pensé comme matérialité. C'est un acte conceptuel d'abstraction. Comment cette forme courte, que nous interprétons dans sa vocation théorique, participe-t-elle de l'acquisition du « regard instruit » de l'architecte ? / The philosophical interest for the « visibility », - Sichtbarkeit -, at the end of the XIXth century, involved a new interaction between art, science and technique. The drawing combines graphic arts as science of « visible ». Vitruve already establishes that the « science of the architect » – Architecti scientia – takes value and is reinforced by the « science of the drawing » – Graphidis scientia. The research relates to the analysis of the drawing which the architect uses and produces when he works to educate himself, according to his own referee and his own means, out of schools and the workshops, in the bend of the XIXth in the XXth century. Charles-Edouard Jeanneret (1887-1965), Paul Tournon (1881-1964) and Jean-Charles Moreux (1889-1956) travel for their learning. They look at the world and transcribe their astonishment activated in contact with reality. In the same way to form, while their architectural production will be very different, they note in drawing. We interview the intellectual and graphical reduction of note drawing, as a short form of representation. The short form is the conscious work of analysis and of synthetic research. Each feature is thought and thought like materiality. It is a conceptual act of abstraction. How this short form, that we interpret in his theoretical vocation, takes part-such of the acquisition of the architect's trained glance ?