La présente thèse propose une nouvelle lecture de l’œuvre photographique de Pierre Verger, de 1932 à 1960, en révélant en partie un corpus inédit, afin de mettre en exergue le caractère moderne et singulier de son œuvre. Sa pratique photographique est d’abord liée à l’instantanéité à travers le photoreportage pour la presse, pour l’agence photographique Alliance Photo, ainsi que pour divers éditeurs. Ces diverses expériences contribuent à révéler une « esthétique du reportage » dont la période brésilienne étendue de 1946 à 1948 constitue l’apogée. Son intérêt porté aux cultures extra-occidentales, et particulièrement au monde noir, va progressivement orienter ses reportages vers une photo-ethnographie, dans une dimension de mémoire et de sauvegarde. L’idée de modernité qui sous-tend son œuvre est à considérer non seulement par sa créativité photographique, étroitement liée à la Nouvelle Photographie française des années 1930, à la photographie de reportage et humaniste, mais aussi par sa perception de l’étranger qui génère une nouvelle représentation de l’Autre. / "The photographic art of Pierre Verger: the modernity of a regard" proposes a new lecture to the photographic work of Pierre Verger, from 1932 to 1960, and through a unic corpus it emphasizes on the modernity and singularity of his work. His photographic work is firstly linked to the snapshop, through his photo-documentary for media, edition, and the Alliance Photo agency. These various experiences contribute to reveal an "esthetic of documentary" whose brazilian period from 1946 to 1948 marks the apogee. His interest for non-western cultures, more particularly the black world, orientates his work to an ethnographic-photography, in a perspective of memory. The idea of modernity which underlines his work has to be considerated non only for its creativity and its links with the French New Photography of the 1930's and the humanist photography, but also from its perception of the foreigner generating a new representation of the Other.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Inutile de rappeler la prééminence du regard dans les oeuvres d’Alain Robbe-Grillet etparticulièrement dans Le Voyeur, La Jalousie et Instantanés qui forment le corpus du présenttravail. En apparence, l’auteur se contente de formuler très objectivement la subjectivitéhumaine. Et voilà que l’oeil de la concupiscence charnelle vient entamer cet ordre parfait,géométrique que l’on aurait cru inaltérable. L’objectif de ce travail est justement de montrerque l’oeil de l’arpenteur géomètre dissimule celui du pervers, à la recherche de la jouissance àtravers le regard.La première partie de ce travail, « Montage du regard », analyse les sujets regardantset les sujets/objets regardés dans leur diversité. La volonté de maintenir la distance entreregardeur et regardé et d’instaurer un regard distant est remise en question par tous lesprocédés textuels confirmant la présence d’une subjectivité qui regarde. Une subjectivité quiregarde, mais qui est aussi perverse. C’est ce que tente de montrer la deuxième partie,« Regard pervers et jouissance ». Il s’agit en fait non seulement d’étudier la présence effectivedu voyeur dans ces trois oeuvres, mais aussi de l’approcher dans sa diversité. La troisièmepartie, « Répétition et jouissance », vient confirmer la présence du voyeur pervers, toujours àla recherche de la jouissance par la ressaisie du spectacle convoité, d’où la présence de figuresobsédantes en leitmotiv.Notre approche sera une pure recherche formelle : analyser le regard, c’est mettre enévidence son fonctionnement textuel, par le moyen de la linguistique et de la stylistique. Ellecontribuera à élaborer une nouvelle lecture du regard chez Robbe-Grillet. / It is needless to mention the supremacy of one particular feature in Alain Robbe-Grillet’s works; namely, the look as it is particularly found in Le Voyeur, La Jalousie andInstantanés. These 3 works serve as the corpus for the research at stake. In appearance, andquite objectively, the author seems to be simply expressing human subjectivity. But therecome along eye of lust, altering every perfect geometrical order one could have noticed upuntil now. The goal of this work is to actually unveil the fact that the eye of the surveyor, thegeometer, is only an artifact dissimulating a perverted eye constantly in search of carnalpleasure through the look.The first part of this work, titled “Montage du Regard” ‘The optic setting’, is ananalysis of the observer and of the elements which are observed as diverse as they may be.The will to keep a distance between the observer and the element which a observed isconstantly questioned through the presence of textual elements that clearly reveal asubjectivity in the act of looking at a particular element. A subjectivity that observes, butwhich is also perverted. This is fully analyzed in the second part of the research, “Regardpervers et jouissance” ‘A perverse eye and a sensual pleasure’, which not only analyses theactual presence of the voyeur in the three works mentioned earlier, but also attempts toapproach him and tackle all his diverse aspects. The third part of this study “Répétition etjouissance” ‘Repetition and sensual pleasure’ reaffirms the presence of a perverted observer,always in search for carnal pleasure through the recapture of the coveted show. This furtherexplains the presence of obsessive scenes in a leitmotiv.Our approach in this study is based on a formal analysis of the look. Its goal is tohighlight its textual functioning thanks to linguistic and stylistic means, which will lead theway to a new reading and reconsideration of the look in Robbe-Grillet’s works.

Notre recherche prend appui sur la sensibilité des adolescents délinquants au « regard de travers ». Le regard dévoile toujours une image qui les assigne au rang d’objet consommable, voire de déchet de l’Autre. Tentés par cette image de vérité, ils deviennent conformes à cet objet « vu » dont la ressemblance au « délinquant » est le paradigme. Nous constatons que les marques et les insignes sociaux de la délinquance piègent le sujet en faisant obstacle au signifiant. La délinquance devient alors « séduisante », car elle est un Insigne honorifique qui règle la question de l’identité par l’offre d’un savoir en plus. Conforme à ce regard, même s’il le vise de travers, le sujet désavoue le manque. L’Imaginaire tient une place centrale dans notre conception de la délinquance et dans la constitution du sujet adolescent qui opte pour la « tentation délinquante ». Nous proposerons un état particulier de la structure qui utilise l’Imaginaire comme moyen pour nouer le Réel au Symbolique. / Our research has been informed by the sensitivity of juvenile delinquents to a negative external regard. This regard reveals an image, which places the subject at the level of an expendable object, the dregs of the Other. Tempted by this image, they conform to this object, which is the embodiment of the delinquency. We can see that the marks and badges of delinquency trap the subject, blocking the signifier. Delinquency, therefore, becomes seductive as it is an honorary badge that solves the problem of identity by giving extra information that helps the subject create a sense of self. By conforming to this regard, even though it is negative, the subject can avoid the symbolic castration.The Imaginary plays a central role in our conception of delinquency and in the constitution of the adolescent subject who chooses the temptation of delinquency. We propose a particular state of the structure that uses the imaginary as a way to make the link between the Real and the Symbolic.

Cette thèse explore la transgression et la mise en lumière des mécanismes de la pulsion scopique dans l’œuvre plastique et littéraire d’Ana Clavel ainsi que d’autres auteurs latino-américains contemporains : Mario Bellatin, César Aira et Jorge Alberto Gudiño, avec qui nous allons établir une similitude esthétique d’écriture. Le domaine pulsionnel, tel qu’il est étudié à travers la littérature, s’inscrit dans une tradition psychanalytique qui vise à élucider la question du désir. Au cœur de ce travail autour des enjeux du « regard » qui s’emparent des corps artificiels des poupées et de l’écriture du désir, nous examinons la transformation des esthétiques du corps : Ana Clavel, dans son corpus, présente trois dimensions distinctes : le corps pulsionnel, le corps artificiel et le corps genré. Par le biais de la lecture de ces textes, nous découvrons que les corps s’enferment dans une réalité intelligible qui nous renvoie à une conventionnalité asphyxiante. C’est dans cette perspective que nous allons repenser une philosophie des corps du désir qui contribue à déstabiliser notre pensée des dichotomies corporelles à travers la mise en œuvre de mécanismes comme la transgression et la métaphore. Notre démarche cherche à éclaircir l’énigme de la pulsion scopique psychanalytique et ses applications dans une perspective esthétique qui rapproche la littérature de la psychanalyse : comment l’écriture du désir et la création littéraire se réinventent-elles à travers les enjeux de certains mouvements d’avant-garde ? De quelle manière le lecteur d’aujourd’hui perçoit-il ces mécanismes et dans quelle mesure son propre regard peut-il se transformer ? La pulsion est une force irrépressible qui rassemble des dualités présentées comme antagonistes qui pourraient s’harmoniser dans une lecture transgressive. Les idées de Ricœur et de sa métaphore « voir comme » peuvent se percevoir en lien avec celles de Lacan et sa catégorie de la pulsion scopique, tout en se rapprochant des réflexions de Barthes pour ce qui est du domaine de la jouissance. Selon notre analyse, le mécanisme du regard, pris en tant qu’artifice esthético-sémantique, permet une expression poétique du désir en repensant les espaces et la notion de frontière : l’imaginaire, organisé comme un langage, et la réalité textuelle, qui, d’après Lacan, échapperait à la représentation d’une autre réalité parallèle et s’associerait à l’impossibilité de la jouissance. Nos interprétations nous amènent à formuler le déploiement d’une évolution vers l’idée d’une « neutralité » des corps, qui concrétise une altérité transformant des réalités jusqu’à présent pensées en tant qu’opposées, comme peuvent l’être le biologique du corps et une corporalité qui concilie des catégories langagières tels que la pudeur et l’impudeur à travers la métaphore avec la pulsion scopique. Au cours de ce travail, les travaux d’Elisabeth Badinter, Pierre Bourdieu et Françoise Héritier font écho à une possible évolution des catégories sociales et génériques dans les domaines de l’art et de la littérature. Grâce aux héritages de l’avant-garde, nous avons les moyens, en tant que lecteurs, de décrypter, au-delà du langage formalisé, une nouvelle réalité où, pour le moment, l’énigme de la pulsion scopique propose, à travers l’écriture, de concilier les opposés. L’art et la littérature demeurent de véritables moteurs de réflexion qui remettent en cause l’inertie dans laquelle nous maintient le binarisme, et nous amènent à envisager l’hypothèse d’une neutralité source de créativité, et contenant en son sein l’essence d’une révolution artistique qui repense l’altérité. / This thesis explores the transgression and sheds light on the mechanisms of scopic drive in the plastic and literary work by Ana Clavel, as well as by other Latin American contemporary authors: Mario Bellatin, César Aira and Jorge Alberto Gudiño, with whom we are going to establish an aesthetical similarity of their writing styles. The pulsional domain, such as it is studied through the literature, lies into a psycho-analytical tradition that targets the clarification of the concept of desire. At the heart of this work, built around the stakes of the « gaze » which takes hold of the dolls’ artificial bodies and the desire’s writings, we are analyzing the evolution of the body’s aesthetics. Ana Clavel, in her corpus, introduces three different dimensions of it: the pulsional body, the artificial body and the gendered body. Through the reading of these texts, we figure out that the bodies imprison themselves into an intelligible reality that leads us to an asphyxiating conventionality. In this perspective, we are going to redesign a philosophy of desire’s bodies which contributes to destabilize our way of thinking about dichotomies (corporal, generic and linguistic) through the implementation of mechanisms such as transgression and metaphor. Our approach tries to shed light on the psychoanalytical scopic drive’s enigma and its applications in an aesthetical perspective that brings the literature closer to the psychoanalysis: how do the desire’s writings and the literary creation reinvent themselves through the issues of certain avant-garde movements? At which extent does the contemporary reader perceive these mechanisms, and at which extent can their own gaze be transformed? Drive is an unstoppable force that brings together dualities, introduced as antagonistic, which can be harmonized in a transgressive reading. Ricœur’s ideas and his metaphor can be perceived as connected to Lacan’s and his scopic drive’s category, while approaching to Barthes’ reflections about the domain of enjoyment. According to our analysis, the mechanism of gaze (seen as an aesthetic-semantic artifice) allows a poetical expression of the desire that rethinks the spaces and the notion of boundary: the imaginary, organized as a language, and the textual reality that, according to Lacan, escapes the representation of another parallel reality and matches the impossibility of pleasure. Our interpretations lead us to draw the deployment of an evolution towards the idea of a “neutrality” of the bodies, which concretizes an otherness which transforms realities until then thought as opposite, such as the body’s biology and a corporality that reconciles linguistic categories like the reticence and the shamelessness through the metaphor with the scopic drive. During this thesis, the works of Elisabeth Badinter, Pierre Bourdieu and Françoise Héritier echo a possible evolution of social and generic categories in the domains of art and literature. Thanks to the heritages of avant-garde we are provided with the means to decrypt, as readers and beyond the formalized language, a new reality where the enigma of scopic drive proposes to reconcile the opposites. Art and literature host some real engines of reflection, that reconsider the inertia where the binarism holds us and lead us to contemplate the hypothesis of a neutrality which is source of creativity, containing on its own the essence of an artistic revolution that redesign the alterity.

Acredita-se que a polaridade do jogo de xadrez encontra-se enraizada na matéria ficcional de Guimarães Rosa sob matizes diversificados, desdobrando-se em outros jogos, como o do olhar, que delineia, por sua vez, interesses variados, relacionados ao amor, à sedução, ao erotismo, ao interesse político e ao interesse privado, sendo o jogo da linguagem aquele que alicerça a todos. A análise desse discurso ideológico priorizou dois contos de momentos enunciativos distintos (1946 e 1956, respectivamente) na produção rosiana, justamente para tentar aclarar a perspectiva enxadrística de uma maneira mais enfática em um, e mais subjacente em outro: Minha gente e Buriti. No tabuleiro destas duas estórias, o viés mítico, atado ao feminino, e o psicanalítico freudiano, em especial, aparecem, quando convocados pelo texto literário, para embasar a análise. / It is believed that the polarity of a game of chess is embedded in the fictional work of Guimarães Rosa under varied hues, unfolding in other games, as the eye that outlines, in turn, varied interests, related, for example, to love, to seduction, to eroticism, to the political interest, to the private interest, while the game of the language underpins all of them. The analysis of the mechanisms of this discourse of aesthetic and ideological implications prioritized two tales of distinct moments (1946 and 1956 respectively) in Rosa\'s production, in order to clarify the white side and the black side from the dynamic of a game of chess: Minha genteand Buriti. In the board of these two stories, the mythical bias, attached to the female, and in special the Freudian psychoanalytic appear, when convened by the literary text, to support the analysis.

Made available in DSpace on 2016-04-28T20:39:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Adriana Barin de Azevedo.pdf: 515045 bytes, checksum: d2cd47553f3f9424991db072e174989f (MD5) Previous issue date: 2009-02-11 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / The presenting research refers to the assemblage of a possible clinical regard as an intersection between the Philosophy seeking the ways of life of an individual through one's surrounding affects and what can be extracted from the bodies' expressivity in scenes from two films: "Wings Of Desire" and "El Violín". That is the privileged encounter of this work, for it takes us to an immanent way of thinking that conducts the clinical regard to see what lies "in between things", into the lived experiences. The alliance between Deleuze and Spinoza becomes the very core of the research, for it stimulates us to polish the lenses, observing the individual from a process of variation of power, thus building a visionary clinical regard. That regard is effectuated by a critical and clinical observation and evaluation of the defining ways of life in which the individuals vary, increasing or decreasing their "power degree". The intention is to draw a map of the moving affects, in order to understand a body´s power to affect and be affected. The research follows a trajectory that shows how another manner of thinking, the comprehension that encounters are extensive and intensive, and the constitutive dimensions of the individual lead us towards the knowledge of ways and manners of life one builds from one's encounters. Within that process we shall find a visionary clinical glance, thoughtful of the engendered compositions in the experience of a singular life / Esta pesquisa trata da construção de um possível olhar clínico que se compõe na intersecção entre uma filosofia que pergunta pelos modos de vida de um indivíduo a partir dos afectos que o atravessam e, por outro lado, o que pode ser extraído da expressividade dos corpos em cenas de filmes de dois filmes, Asas do Desejo e O Violino . Este é o encontro privilegiado neste trabalho, pois ele nos leva a um modo de pensar imanente, que conduz este olhar clínico a ver o que está entre as coisas , nas experiências vividas. A aliança entre Deleuze e Espinosa ganha centralidade nesta pesquisa, pois nos estimula a polir as lentes, observando o indivíduo a partir de um processo de variação da potência e construindo um olhar clínico vidente. Este olhar é efetuado ao operar uma avaliação crítica e clínica de modos de vida que definem um indivíduo, observando as variações de que ele é capaz, aumentando ou diminuindo seu grau de potência. Procuramos fazer um mapa dos deslocamentos dos afectos, para conhecer o poder de afetar e ser afetado de um corpo. A pesquisa segue uma trajetória que mostra como um outro modo de pensar, a compreensão de que os encontros são extensivos e intensivos, e as dimensões constitutivas do indivíduo, nos levam a conhecer os modos de vida que este constrói em seus encontros. Encontraremos, neste processo, um olhar clínico vidente atento às composições engendradas na experiência de uma vida singular

Cette recherche part de la problématique concernant les puissances des rencontres entre l’art et l’enfance afin de penser le soi. Pour ce faire, nous nous appuyons sur la perspective théorique des dernières études de Michel Foucault, où l’auteur s’est penché sur la constitution du sujet dans l’Antiquité Classique. C’est ainsi donc – à partir de l’étude des techniques de soi gréco-romaines, notamment celles liées à l’écriture de soi – que l’on vise à penser les formes de rapport à soi actuellement possibles à travers les liens entre l’art et l’enfance. Plus précisément, nous avons pour but de discuter les manières dont il est possible de parler, penser, écrire et créer des images de soi aujourd’hui dans un contexte scolaire – particulièrement en ce qui concerne l’école maternelle – tout en dialoguant avec des oeuvres d’artistes contemporains insérées dans des pratiques pédagogiques et méthodologiques de recherche. Pour cela, nous avons sélectionné certains artistes qui réalisent, en quelque sorte, un travail sur eux-mêmes à partir de la création d’images, à savoir José Leonilson, Arthur Bispo do Rosário, Anna Bella Geiger et Rosana Paulino. Le choix de ces artistes est en effet dû au fait que tous ont en commun une relation particulière avec eux-mêmes, basée sur le geste comme un moyen d’enregistrement de soi dans les matières ordinaires de tous les jours. Méthodologiquement, dans un processus de composition en tant qu’enseignante et chercheuse, sept propositions pédagogiques et méthodologiques ont été organisées ayant pour base des oeuvres produites par ces artistes. Ces propositions ont été ensuite déployées et mises en service dans 12 regroupements avec un groupe de 13 enfants, âgées entre 5 et 6 ans, dans une école publique à Porto Alegre, de septembre jusqu’à décembre 2015. J’ai attribué à ces regroupements – situés à la confluence de l’art et de l’enfance – le nom d’imagialogues (images + dialogues, conversadorias en portugais): ce concept a été pensé à la lumière du processus de constitution en tant que curateur éducatif, c’est-à-dire de transposition de l’activité de curateur artistique au contexte éducationnel. Cela consiste à mettre en débat de différents objets artistiques, ainsi que de documents visuels, d’oeuvres d’art et même ce qui est produit en salle de classe dans le but de faire ressortir des relations encore inexistantes entre eux. Le matériel produit a été analysé à partir de deux discussions: la première portait sur la façon dont les images photographiques pourraient, dans leurs lacunes, représenter l’absence d’images. Contrairement à ce qui pourrait se définir comme quelque chose de négatif ou encore sur le point d’être achevé, ces absences ont été prises comme une métaphore pour la réflexion sur les relations particulières entre les enfants, le soi et l’autre : un autre absent, mais pas moins actif. La deuxième discussion a dégagé les moyens possibles d’établir des relations avec le temps et les images dans la contemporanéité, exprimée dans les gestes des enfants et dans leurs façons de se rapporter aux matières et événements quotidiens, axés sur le lien entre le tangible et l’intangible, entre l’éphémère et le permanent. Pour conclure, nous avons parié sur la puissance de l’art pour la production d’images uniques qui permettent la création et l’intensification des relations des enfants avec eux-mêmes et avec les autres: autrement dit, des images de soi. / A presente investigação parte do questionamento a respeito das potências dos encontros entre arte e infância para pensar o si mesmo. Para tanto, temos com horizonte teórico os últimos estudos de Michel Foucault, nos quais o autor se debruça sobre a constituição do sujeito na Antiguidade Clássica. É, portanto, a partir do estudo das técnicas de si greco-romanas, precisamente aquelas ligadas à escrita de si, que se busca pensar as possíveis formas de relação consigo hoje, por meio das relações entre arte e infância. Mais precisamente, o objetivo desta pesquisa é discutir de que maneiras é possível, hoje, falar, pensar, escrever e criar imagens de si no contexto escolar – particularmente, no da educação infantil – em diálogo com obras de artistas contemporâneos inseridas em práticas pedagógicas e metodológicas de pesquisa. Para isso, foram selecionados alguns artistas que, de certa forma, realizam um trabalho sobre si mesmos a partir da criação de imagens: José Leonilson, Arthur Bispo do Rosário, Anna Bella Geiger e Rosana Paulino. A escolha desses artistas se deve ao fato de que todos eles têm em comum uma relação particular consigo calcada no gesto, como forma de inscrição de si nas matérias ordinárias do cotidiano. Metodologicamente, no processo de se compor como professora e investigadora, foram organizadas sete proposições pedagógico-metodológicas com base em obras produzidas por esses artistas. Tais proposições foram desdobradas e postas em funcionamento em 12 encontros com um grupo de 13 crianças, em idades entre 5 e 6 anos, em uma escola de municipal de ensino fundamental da rede pública de Porto Alegre, de setembro a dezembro de 2015. Atribuí a esses encontros – radicados no cruzamento entre arte e infância – o nome de conversadorias: são desdobramentos de um conceito de curadoria educativa e consistem em colocar em debate distintos objetos artísticos, materiais visuais, obras de arte e o próprio material que é produzido em sala de aula, no intuito de dar a ver relações ainda inexistentes entre eles. O material produzido foi analisado a partir de duas discussões: a primeira delas tratou das formas pelas quais as imagens fotográficas poderiam, em suas lacunas, dar a ver imagens de ausências. Menos do que se configurarem como algo negativo ou em vias de ser completado, as ausências foram tomadas como metáfora para pensar as relações particulares entre as crianças, o si mesmo e o outro: um outro ausente, mas nem por isso menos atuante. A segunda discussão privilegiou as possíveis formas de estabelecer relações com o tempo e com as imagens na contemporaneidade, expressas nos gestos das crianças e nos modos de se relacionarem com as matérias e com os eventos cotidianos, pautados no elo entre o tangível e o intangível, entre o efêmero e o permanente. Como conclusão, o trabalho de pesquisa apostou em favor da potência da arte para a produção de imagens singulares que permitam a criação e intensificação das relações das crianças consigo e com os outros: em outras palavras, imagens de si.

Moins connues que Chez Mondrian, ou d’autres tirages devenus célèbres, les Distorsions de 1933 peuvent apparaître comme une série d’importance mineure dans l’œuvre d’André Kertész. La série de photographies qui la composent, vaste par le nombre, donne à voir des déclinaisons de nu qui n’ont plus rien d’académique, dans le traitement qu’en donne le photographe. Les corps, déformés grâce à un miroir courbe, surprennent de par leur modernité et leur caractère d’étrangeté, au regard du reste de la production de l’auteur. Constitue-t-elle pour autant une « parenthèse » dans son œuvre ? Il convient pour y répondre de s’interroger sur le contexte d’apparition de ces photographies et les raisons de leur création. Pour ce faire, une évaluation des composantes plastiques de chacune des images s’avère incontournable, avant que d’établir des liens et correspondances avec d’autres œuvres du photographe. L’angle choisi, qui favorise le rapport direct aux images en les plaçant au centre de la recherche, s’intéresse à la mise en œuvre des Distorsions à l’aune de la commande qui en suscita l’objectivation, tout en dévoilant comment ce cadre spécifique fut outrepassé. Le dispositif complexe employé pour la prise de vue est alors questionné, dans l’intention de mesurer l’importance et le rôle du miroir dans le dévoiement de l’image. A ce moment sont abordées, par le biais d’analyses à la fois formelles et esthétiques, les diverses typologies de corps, et leur rapport à l’espace dans l’image. Ce qui aboutit enfin à une vision d’ensemble, permettant de replacer ce corpus dans l’œuvre entier de Kertész, et de dégager les parentés intentionnelles dans sa logique de création. / Less known than Chez Mondrian, or other famous prints, the Distortions of 1933 may appear as a series of minor importance in André Kertész’ work. The series of photographs, wide ranging in numbers, lets us see versions of nude, whose have nothing to do with academic, in the handling given by the photographer. Bodies, distorted by a curved mirror, surprising in their modernity and their strangeness, compared with the rest of the author production. Does it make up a "parenthesis" in his work? To respond to this question, we should wonder about the developing context of these photographs and also the reasons of their creation. An evaluation of visual aspects of each image is necessary, before establishing links and connections with other works made by the photographer. The angle chosen, which favors the direct images by placing them in the center of research focuses on the implementation of Distortions in the light of the order in which aroused objectification, while revealing how this specific framework was exceeded. The complex device used for the shooting is asked then, with the intention of measuring the importance and role of the mirror in the image’s corruption. At this time are addressed through analysis of both formal and aesthetic, the various types of bodies, and their relationship to space in the image. This leads finally to a vision, to put this body in the whole work of Kertész, and to identify the intentional similarities in his creation logic.

This thesis provides a neo-Gramscian account of Cross-Strait economic integration (CSEI) between Taiwan and China and challenges the realist and liberal underpinnings which define the CSEI literature. I argue that rather than occurring between two separate state apparatuses which respond to an objective market-led integration process, that both the political and economic dimensions of CSEI should be understood as components of a single process. I theorize Taiwan's policy parameter as confined by a Cross-Strait historical bloc in which Taiwan's capitalist class and the Chinese Communist Party are hegemonic. I start by arguing that CSEI can only be understood in terms of social order and the social basis of Taiwan's state and develop a regionally focused neo-Gramscian framework to account for it in terms of a Cross-Strait historical bloc. To better contextualize Taiwan's contemporary social order parameters, I first examine the social basis which enabled and eventually diluted the bureaucratic autonomy on which the Kuomintang's one-party rule was based between 1945 and 1988. Afterward, I examine the erosion of the KMT's elite bureaucratic autonomy and the social order parameters set by Taiwan's newly hegemonic Cross-Strait historical bloc between 1988 and 2000. I then examine the Democratic Progressive Party's CSEI openings between 2001 and 2008 in the context of both its historical bloc confined policy parameter and an increasingly populist identity politics in Taiwan which diverted the citizenry's attention from economic matters. I conclude by examining the unprecedented CSEI deepening which occurred since the KMT's return to power in 2008 and argue that this is a culmination of the historical bloc's long-term policy parameter. But, I also examine to what extent a capital-defined CSEI has spurred forth an increased contestation process and to what extent this may signal that a counter historical bloc is coming into shape in Taiwan.