Ce mémoire étudie la série Aux Abattoirs de la Villette photographiée par Eli Lotar en 1929. Il montre comment elle a été assimilée par l’histoire de l’art au texte « Abattoir » de Georges Bataille, aux côtés duquel ont été reproduites trois photos du corpus sous la rubrique Dictionnaire critique de la revue Documents. Cette emprise théorique sur la série est mise en perspective au regard de la démarche artistique d’Eli Lotar et des autres photomontages dont elle a fait l’objet ensuite. Le premier chapitre insiste sur la formation d’Eli Lotar et introduit son séjour à La Villette en lien avec la thématique de l’abattoir dans l’entre-deux-guerres. Il analyse ensuite la fortune critique d’Aux Abattoirs de la Villette qui s’appuie sur la philosophie de l’informe chez Georges Bataille. Le deuxième chapitre analyse le photomontage de la série fait par E.L.T. Mesens dans Variétés (1930) et le photoreportage reconstitué par Carlo Rim dans Vu (1931). Selon des points de vue et un travail formel différents, tous deux accentuent la dimension humaine de l’industrie d’abattage animal. Le troisième chapitre fait apparaître le regard posé par Eli Lotar sur le site de La Villette en tenant compte de ses préoccupations socio-artistiques à travers ses collaborations auprès de Germaine Krull et Joris Ivens. Finalement, il dresse une analyse comparative de la série avec la toile Abattoir d’André Masson, le poème Porte Brancion de Raymond Queneau et le film Le sang des bêtes de Georges Franju pour renforcer les spécificités du médium photographique. / This master’s thesis is a study of the whole series Aux Abattoirs de la Villette, photographed by Eli Lotar in 1929. It demonstrates how the thirty-four prints were merged into Georges Bataille’s philosophy by the art historians of the 1990’s who based their interpretations upon the text « Abattoir ». This was published under the heading Dictionnaire critique inside Documents magazine. The series is taken apart from Bataille’s purpose in light of Lotar’s preoccupations and of the other editions of the photographs during the inter-war period. The first chapter insists on Eli Lotar’s photographic education preceding his visit to La Villette’s site in context with the slaughterhouse’s topic in the art Avant-garde. Then, it evaluates Aux Abattoirs de la Villette’s critical review based on Bataille’s conceptions of formless and sacrifices. The second chapter analyses the authorship conferred to the photomontages carried out by E.L.T. Mesens in Variétés (1930), who accentuates the similarities between the photographic and the slaughter cutting operations, and by Carlo Rim in Vu (1931), who reveals the human dimension of La Villette’s industry. The third chapter focuses on Lotar’s social preoccupations by according an importance to his collaborations with Germaine Krull and Joris Ivens. Finally, the series is addressed in an "intermediatic" perspective to emphasize the photographic point of view by comparing it with the painting Abattoir by André Masson, the poem Porte Brancion by Raymond Queneau and the film Le sang des bêtes by George Franju.

Ce travail étudie les liens qui relient la critique dramatique à une forme d’engagement politique dont certaines revues généralistes ont été porteuses du milieu des années 1960 au début des années 1980, à partir d’un corpus d’articles parus dans Les Temps modernes, Esprit et La Quinzaine Littéraire, dont la plupart sont respectivement signés par Renée Saurel, Alfred Simon et Gilles Sandier. La politisation de cette critique se manifeste dans laconception qu’elle professe du rôle du théâtre dans la société, dans les critères qu’elle applique à l’analyse des spectacles, dans sa participation aux débats des milieux artistiques et intellectuels, mais aussi dans l’acte même de l’écriture. La critique théâtrale pratiquée dans ces revues tend à se distinguer à la fois de la chronique journalistique et ducommentaire savant. Si sa périodicité lui permet de suivre l’actualité de la scène française (et surtout celle du théâtre public parisien), elle entend rompre avec le modèle traditionnel du compte-Rendu journalistique effectué sur un mode impressioniste. Elle tente d’expliciter ses critères de jugement en les rapportant aux problèmes théoriques soulevés par le marxisme, le brechtisme ou encore le structuralisme. Pour ce faire, elle s’ouvre à de nouveaux domaines de controverse comme celui des politiques culturelles. Bien qu’elle reconnaisse un certain degré d’autonomie aux questions esthétiques, elle considère l’écriture et la mise en scène au prisme de l’efficacité politique, en vue de promouvoir un théâtre véritablement populaire. Support matériel et instance symbolique, la revue constitue un lieu propice pour une critique alliant la revendication politique à l’exigence de savoir. / This research project aims to analyse the links between drama critique and political commitment, manifest in a number of reviews from the mid-1960s to the early 1980s. This investigation focuses on a corpus of articles published in Les Temps Modernes, Esprit and La Quinzaine Littéraire, most often signed by, respectively, Renée Saurel, AlfredSimon, and Gilles Sandier. This critique’s politicisation is most evident in four main areas, namely: its conception of the social function of theatre; in the selected criteria used to analyse performances; in its active involvment in the artistic and intellectual debates of the time; as well as in the very act of critical writing. The particular form of theatre critique emerging from these reviews tends to differ both from the journalistic column and from the scholarly commentary. These reviews’ publishing frequency allows this form of critique toremain topical in regards to contemporary french (and particularly public parisian) theatre; however, these texts also seek to break away from the traditional model of the theatre review and its impressionist mode. This critical movement attempts to explicate its criteria of appraisal by basing itself on the theoretical issues raised by Marxism, brechtism and/or structuralism. In so doing, it opens up its focus to include new controversial areas, such as debates on cultural policies. Despite aknowledging some form of autonomy to aesthetic issues, this critique analyses writing and mise-En-Scène through the lens of political efficiency, as a means to develop a genuine popular theatre. These reviews, considered here both as materialised spaces for intellectual debate and as objects of symbolic authority, become fertile loci in which to foster a new form of critique aiming to combine the development of theoretical frameworks with political commitment.

Corolaire de l'exode rural et de l'industrialisation, une attention au patrimoine local et à l'espace régional se fait jour en France à la fin du 19e siècle. Cet intérêt se manifeste en particulier à travers le renouvellement et le dynamisme de revues destinées à de nouvelles catégories sociales aspirant à une activité culturelle. Préfiguration du magazine, ces revues contribuent au sein des espaces français à définir des identités régionales. Elle permettent d'élargir les critères de patrimonialisation, auparavant cantonnés à l'histoire, à la littérature et à la philologie, et à démocratiser par la mise à l'honneur des traditions populaires, de la pratique personnelle des espaces (tourisme, environnement) et de leur approche esthétique. Elles tendent aussi à individualiser un rapport jusque-là communautaire aux territoires. Elles marquent enfin le renouvellement d'une vision du patrimoine à base d'héritage et d'atavisme, au profit d'une notion plus moderne de patrimoine d'élection, notamment dans le cadre de l'évasion par rapport au quotidien. / Corollary of the rural exodus and the industrialization, a focus on the local heritage and on the regional area emerges in France at the end of the 19th century. This concern manifests itself through the regeneration and the dynamism of journals intended for new social groups yearning for cultural activities. Prefiguration of the magazine, these journals contribute, inside of French Regions, to the definition of the regional identities. They enable the expansion of the making of heritage, previously limited to history, literature and philology, and its democratization, thanks to the valorization of popular traditions, to the private practice of the areas (tourism, environment) et to its esthetical approach. They also seek the individualization of a so far communal relation to territories. Finally, they rejuvenate a conception of heritage based on legacy and atavism, in favor of a more modern concept of chosen heritage, especially in the context of escaping daily life.

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La période comprise entre 1917 et 1937 marque le début de la littérature chinoise moderne. La littérature française a participé à la construction de cette nouvelle littérature, dont la modernité réside dans la négation des valeurs littéraires et sociales chinoises classiques, dans l’ouverture aux littératures étrangères et dans l’appel au respect de l’individualité. Des écrivains chinois novateurs contestent la nécessité de la société et mettent en avant la vie intérieure dans la littérature. Ils trouvent une signification à la vie dans l’amour et dans la beauté, chacun interprétant ces notions à sa manière. Cette époque est aussi celle, en Chine, de débats littéraires. Aux écrivains individualistes s’opposent des écrivains passéistes et des écrivains engagés à gauche. La confrontation entre différentes conceptions littéraires se reflète dans la réception de la littérature française. Dans les revues littéraires chinoises, des idées opposées sont formulées à propos de Ronsard, de Montaigne et de Malherbe. Des controverses agitent les milieux littéraires autour de Molière, de Rousseau ou de Baudelaire. Les divergences sur la compréhension de la littérature française résultent du fait que les critiques et les traducteurs chinois perçoivent de manière différente la relation entre l’homme et le temps, et la relation entre l’homme et la société. L’interprétation de la littérature française par les écrivains chinois s’appuie sur des réflexions sur l’homme et sur sa situation existentielle. / The period between 1917 and 1937 marks the beginning of modern Chinese literature. French literature has contributed to the construction of Chinese new literature, the modernity of which resides in the denial of traditional Chinese literary and social values, in the opening to foreign literatures, and in the call for respect of the individuality. Chinese writers with pioneering spirit contest the necessity of the society and highlight the internal life in literature. They all consider the pursuit of love and beauty as the signification of the life. However, they interpret those notions of love and beauty in different ways. This period in China is full of literary debates. Individualistic writers are opposed to backward-looking writers and left-wing writers. The confrontation between different literary conceptions is reflected in the reception of French literature in China. In Chinese literary magazines, opposed ideas are formulated on Ronsard, on Montaigne and on Malherbe. Debates concerning Molière, Rousseau and Baudelaire arose in literary circles. The difference of opinions on French literature results from the fact that Chinese critics and translators understand in different ways the relationship between mankind, the time and the society. The interpretation of French literature by Chinese writers is based on reflection on human beings and on their existential situation.

Dès 1870, dans un contexte politique et social français marqué par un patriotisme, voire un nationalisme antigermanique et revanchard, l’État ressent le besoin de redéfinir la nation et de diffuser jusque dans les arts un nouvel esprit français marqué par les valeurs issues de la Révolution. La chute de l’Empire et l’arrivée des républicains sur la scène politique marquent un tournant idéologique durant lequel un projet de rénovation des arts se dessine. Il a pour objectif de contribuer à la régénération de la société et à la naissance de citoyens nouveaux. En étudiant à la fois le projet théorique initial, ses répercussions sur les arts et plus spécifiquement sa réalisation en musique, nous souhaitons démontrer dans cette thèse une certaine perméabilité entre « les champs politique et administratif » et « le champ artistique ». Une première partie, consacrée à l’étude du contexte officiel du tournant du siècle ainsi qu’à celui de la presse artistique, examine le projet de rénovation des arts tel qu’il a été pensé par l’État. L'une de ses principales caractéristiques réside dans sa dimension sociale et politique. Il est envisagé comme un moyen d’action humaniste ayant pour objectif d'éduquer les hommes et les femmes dans leur quotidien. L'art doit devenir source de lien social, de fraternité et de communion, afin de ranimer les valeurs républicaines. Dans une seconde partie, nous étudions le rôle singulier de la musique au sein de ce projet. Un mouvement de propagande musicale est initié et un service public de la musique est mis en place : il s’agit de démocratiser la musique, en rendant son enseignement accessible à tous, et en l'intégrant au quotidien à travers des événements fédérateurs à la dimension patriotique forte. C’est grâce à l’école, rendue obligatoire, que le projet va largement se réaliser. L’analyse d'exemples significatifs de chants scolaires nous permettra de vérifier comment les valeurs défendues par le projet républicain se diffusent jusque dans le langage musical. / Since 1870, in a political and social context marked by patriotism, or even anti-Germanic nationalism, the French State felt the need to redefine the Nation and disseminate into the arts a new “esprit français” marked by the values inherited from the Revolution. The fall of the Empire and the advent of the Republicans on the political scene initiated an ideological turning point during which a project of arts renovation emerged. Its aim was to contribute to the regeneration of society and to the birth of a new citizen. By studying both the initial theoretical project, its impact on the arts and more specifically its implementation in music, this dissertation will demonstrate a certain permeability between political and administrative fields and the arts.The first part, devoted to the study of the official context of the turn of the century as well as that of the art press, will examine the project of arts renovation designed by the state. One of its main features lying in its social and political dimension, it was envisaged as a humanist mean of action to educate men and women in their daily lives. The arts would become source of social connection, fraternity and communion, whose main objective was to revive the Republican values.During the second part, we shall study the singular role of music within the project. A musical propaganda movement was indeed initiated and a “service public” of music established in order to democratize music, make its education accessible to all, and integrate it in strong unifying patriotic events. Through the institution of compulsory school throughout France, the project will also largely be realized. The analysis of significant examples of school songs will thus demonstrate how the values upheld by the Republican project also diffused into the musical language.

Au début des années 1890, Oscar Wilde choisit Paris comme terre d’élection et entreprend de s’y faire un nom. Bientôt connu comme l’auteur du Portrait de Dorian Gray et de Salomé, pièce d’inspiration symboliste écrite en français, la presse le chronique abondamment. En 1896, Aurélien-Marie Lugné-Poe, porte Salomé à la scène et lui offre les conditions d’une nouvelle réception parisienne. En 1902, Richard Strauss voit la pièce représentée à Berlin et s’en empare pour en faire le livret allemand d’un opéra auquel il donne, en parallèle, une version française. Dans un contexte socio-Culturel en mutation et dans un climat politique tendu entre la France et l’Allemagne, Salomé de Strauss arrive à Paris en 1907, accompagnée d’une réception critique exceptionnelle qui ne faiblira pas jusqu’à son entrée au Répertoire de l’Opéra en 1910.Salomé, d’Oscar Wilde à Richard Strauss, se trouve ainsi adoptée à plusieurs reprises par Paris, littéralement portée par les réceptions qu’elle y a reçues, jusqu’à devenir, en ses premières années, malgré des caractéristiques nationales étrangères plurielles et marquées, une œuvre où résonne un fort accent français. Elle peut être appréhendée comme une illustration des discours journalistiques et revuistes parisiens de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, dans une perspective verticale – sur une période d'une vingtaine d'années – et horizontale, à travers trois éclairages critiques. Telle que les écrits la montrent ou la façonnent en ses différents avatars, elle est peut-Être aussi une tentative réussie d’art total, héritière superlative du mythe de Salomé revisité en une œuvre-Tiroir, littéraire, dramatique, musicale. / In the early 1890s, Oscar Wilde chose Paris as his adopted land, aiming at becoming famous. Soon known as the author of The Portrait of Dorian Gray and Salomé, a play inspired by the Symbolist movement and written in French, he triggered much curiosity on the part of the critics. In 1896, Aurélien-Marie Lugné-Poe, brought Salomé to the stage and provided the conditions of a new Parisian reception. In 1902, Richard Strauss saw the play represented in Berlin and used it to compose the German libretto of an opera of which he also, simultaneously gave a French version. Against the backdrop of a socio-Cultural context of change and political tension between France and Germany, Strauss’s Salome was performed in Paris in 1907, accompanied by a huge critical reception that would not weaken until it entered the Repertoire of the Opera in 1910. From Oscar Wilde to Richard Strauss, Salomé was thus adopted on several occasions by the Paris, literally sustained by the receptions that it received there, becoming, in spite of its several, marked foreign national characteristics, a work resounding with a strong French accent. Salomé’s critical reception can be seen as an illustration of the journalistic speech in Paris in the late nineteenth and early twentieth centuries, in a vertical perspective - over a period of twenty years - and horizontal, through three critical perspectives. Revealed by this kind of writing or shaped by it into its different types of metamorphosis, this play may also be a successful attempt at total art, superlatively embodying the myth of Salomé in its multiple literary, dramatic and musical dimensions.

L’objectif de cette thèse doctorale intitulée « Les stars et la cinéphilie dans la culture cinématographique espagnole du début du XXe siècle : le cas Greta Garbo » est d’analyser l’impact que cette star a pu produire dans la société espagnole de l’époque, en tenant compte du fait que cette société était traversée par des débats ayant trait à la renégociation des rapports entre les sexes et à des questions de différenciation sexuelle. Les principales sources utilisées à cet effet sont les revues de cinématographie publiées en Espagne à la fin des années 20 et la première moitié des années 30. Ce travail étudie d’abord la réception des premiers films muets de Garbo qui impliquent l’apparition d’une image féminine inédite. Cela permet de montrer que la culture cinématographique de la fin des années 20 présente Garbo comme une véritable artiste investie d’un grand pouvoir créateur. Ensuite, au cours des années 30, la presse cinématographique révèle un changement d’orientation, ce qui est en partie lié à l’évolution du discours cinéphilique, un discours « genré » qui se construit au détriment des femmes et des stars. Dès lors, l’image de Garbo est remise en cause par une légion de journalistes qui entendent servir le prestige d’un auteur : le réalisateur du film. Ce revirement est ici interprété à la lumière des tensions que Garbo provoquait parce qu’elle incarnait un modèle féminin transgressif. La fin de ce travail montre également que l’image de Garbo était encore bien présente dans les premières années du franquisme, la culture cinématographique de cette période comprenant des similitudes et des continuités avec celles des années 20 et 30. / The purpose of this doctoral thesis entitled « Stars and cinephilia in the early XXth century Spanish cinematographic culture: the example of Greta Garbo » is to analyse the influence that this star may have produced in the Spanish society at that time, taking into account that this society was going through some debates related to the renegociation of the relations between sexes and to sexual differentiation issues. The main sources used in this respect consist of the journals published in Spainthroughout the late twenties and the first half of the thirties. First of all, this research focuses on the reception of the first silent Garbo movies that implies the appearance of a new female image. By doing so, one can see that the cinematographic culture of the late twenties introduces Garbo as a real artist with a great creative power. Then, in the thirties, the Spanish film journals reveals a change ofdirection which is in part due to the evolution of cinephilic discourse, a gendered discourse which develops at the expense of women and stars. From then on, the Garbo image is questioned by a legion of journalists pretending to defend the prestige of an “auteur”: the film director. In this study, this reversal is interpreted in the light of the tensions that Garbo provoked as she embodied a transgressive female image. The end of this research also shows that the Garbo image was still alive through the first years of Francoism, the cinematographic culture of this period including similarities and continuities with the twenties and thirties’ one.

Cette thèse porte sur la construction médiatique de « l’affaire de la burqa » (2009-2010) et la problématisation scientifique de « l’affaire du foulard » (1989-2004) en France. Ces débats s’inscrivent dans une actualité marquée par l’émergence de projets d’interdiction du voile islamique dans les crèches (2008-2015), sorties scolaires (2007-2013), entreprises et universités (2013-2015). Des faits divers aux lois, les affaires du foulard et de la burqa mettent au jour la conversion des débats médiatiques en affaires nationales, nous informant alors sur la construction d’un agenda juridique autour des signes de l’islam. Au regard de ce contexte, ce travail interroge la manière dont la mise en visibilité médiatique accrue du voile participe à la reconfiguration des espaces publics. Dans une approche sémiotique en communication, appuyée sur les méthodes d’analyse de l’image et des discours, ce travail conjugue l’étude de « l’affaire de la burqa » dans la presse et « l’affaire du foulard » dans les revues en SHS. L’articulation des arènes médiatique et scientifique se fait dans une perspective de recherche « archéologique » consistant à lire l’actualité (« affaire de la burqa ») à la lumière d’un savoir scientifique sédimenté durant vingt ans de publication en SHS sur « l’affaire du foulard ». Cette étude démontre que « l’affaire du foulard » a inauguré une problématique au sujet de la visibilité islamique, tandis que « l’affaire de la burqa » a posé une question inédite sur la spatialité des signes de l’islam. Ce travail a mis au jour deux paradigmes d’analyse (visibilité-spatialité) devenus aujourd’hui centraux pour la recherche en SHS portant sur le voile ou le fait religieux islamique sous le prisme des médias. / This thesis focuses on the media construction of the "burqa affair" (2009-2010) and the scientific problematization of the "headscarf affair" (1989-2004) in France. These public debates are part of media and scientific current events marked by the emergence of many projects banning the Islamic veil in nurseries (2008-2015), school trips (2007-2013), enterprises and universities (2013-2015). From news stories to laws, headscarf and burqa affairs reveals the conversion of media controversies into national issues, informing us about building a legal agenda around the signs of Islam. Given this context, this work examines how the increased media setting of Islamic veils visibility takes part in the redefinition of public spaces. In a semiotics approach, based on methods of image and discourse analysis, this work combines the study of the "burqa affair" through the press and the "headscarf affair" through the Humanities and Social Sciences journals. The articulation of mediatic and scientific arenas is approached from an "archaeological" perspective consisting of reading recent news events ("burqa affair") in the light of a scientific-knowledge sedimented during twenty years of HSS publications on "headscarf affair". This study demonstrates that the "headscarf affair" has opened a problematic view in relation to the Islamic visibility, while the "burqa affair" has set a new question on the spatiality of the signs of Islam. This work has enable to update two analytical paradigms – visibility and spatiality – that became central to contemporary research in HSS regarding the issue of the veil or Islam through the prism of the media.

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