O trabalho apresenta um estudo sobre a I Bienal Latino-Americana de 1978 e seu Simpósio. O evento trouxe subsídios para o pensamento crítico sobre a América Latina Contemporânea. Observa-se no estudo a relevância do diálogo sobre a arte em sua identidade especificamente latino-americana (não europeia e nem americana), ocorrido nesta Bienal, e dentro dos quadros da Fundação Bienal de São Paulo. A tese apresenta quatro capítulos, além da introdução e das considerações finais. Os capítulos trazem informações sobre: (1) a Fundação Bienal de São Paulo e as Bienais Internacionais e Nacionais; (2) a organização da I Bienal Latino-Americana, o papel e a expectativa da crítica de arte; (3) o Simpósio, a apresentação de algumas teses, a perspectiva dos artistas; (4) a visão crítica de Aracy Amaral, os procedimentos relacionados a uma possível II Bienal Latino-Americana, as comissões estabelecidas pelos críticos de arte; e em especial, fazemos um comparativo da I Bienal Latino-Americana com a 30º Bienal de São Paulo, e as atuais 54º Bienal de Veneza e a Documenta 13, com uma complementação das Bienais do Mercosul e VentoSul. Recuperaram-se documentos inéditos, tendo-se uma preocupação de reconstruir historicamente o processo de organização desta Bienal, e extrair, dos diálogos registrados em textos, as ideias e estratégias pensadas pelo diretor artístico (curador), e pelos críticos envolvidos no Conselho de Arte e Cultura, e no Simpósio sobre o conceito de arte latino-americana. Evidencia-se o papel da crítica de arte. Trata-se igualmente, a questão da I Bienal Latino-Americana em permanecer parcialmente incógnita, por tantas décadas, nos estudos sobre a arte no Brasil. Na análise empreendida, discorre-se sobre a cena política e artística das décadas 1970 e 1980, sempre que este contexto é relevante para entender a ideia de uma mostra latino-americana de grande porte, a organização desta exposição e os seus desdobramentos críticos e culturais no debate sobre América Latina e Caribe. Uma atenção especial é dada, ao papel da arte no processo de integração desta região do continente americano, e seu possível legado para a contemporaneidade. / Initially, this work presents a research on the I Latin America Biennial of 1978 and its Symposium. Secondly, the event brought subsidies to critical thinking about Contemporary Latin America continent. We have noted the relevance of the dialogue about art in its specifically Latin American identity (neither American nor European) occurred in this biennial, and within the frames of the São Paulo Biennial Foundation. Moreover, the thesis is presented in four chapters, besides the introduction and final considerations. The chapters bring information about: (1) São Paulo Biennial Foundation, including the view of the international editions plus the fourth national ones; (2) its organization of the first Latin America Biennial, its position and expectations of the art criticism; (3) the Symposium, the presentation of some thesis, and its artists belief; (4) the thought of the art critics of this period, especially the critical view of Aracy Amaral, the procedures related to a possible II Latin America Biennial, the commissions of art critics; in particular, the comparison of the I Latin American Biennial with the 30th São Paulo Biennial, and similarities with the 54th Venice Biennial and Documenta 13, plus, the Biennial of MERCOSUR and VentoSul. We recovered some unpublished documents and were concerned to reconstruct historically the process of organizing this biennial in study. Ideas and strategies designed by the artistic director (curator) about the concept of \"Latin American art and also by the art critics involved in the Art and Culture Council as well as in the Symposium were extracted from the documents. We have also investigated the issue of the Biennial being partially unknown for so many decades, especially in studies about art in Brazil. All in all, in the undertaken study, the artistic and political scene of the 1970 and 1980s were considered whenever it is a relevant context to understand the idea of a large Latin American exhibition, its organization and its critical and cultural branches for the debate on Latin America and Caribbean. A special attention is given to the role of art in the process of integration of this region of the American continent.

Made available in DSpace on 2014-06-12T18:34:10Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo727_1.pdf: 1219379 bytes, checksum: e22e246457fdba2763aa4e70eef40f57 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2006 / O tema desenvolvido neste trabalho de pesquisa aborda exclusivamente o Turismo Histórico, Artístico, Religioso e Cultural na cidade de Olinda. Embora haja diversidades e modalidades de se fazer turismo no estado de Pernambuco, este trabalho enfoca o cultural, como seguimento modelo para o turismo no Estado, o que se justifica pela pluralidade cultural da região. A partir daí, se compreenderá toda a riqueza histórica, arquitetônica, artística e religiosa, exposta no grandioso acervo cultural do sitio histórico olindense. Capelas, Nichos, Igrejas, Conventos, Mosteiros, Seminários, Ordens Religiosas e Irmandades são na realidade marcos históricos culturais de uma época em que a Igreja e o Estado se confundem em relação ao seu papel político, social, econômico e cultural na sociedade brasileira. Sob o prisma do turismo, todo esse acervo patrimonial tornar-se-á um grande atrativo cultural viável à comercialização e possível à sua auto-sustentabilidade para o desenvolvimento da região. A riqueza da paisagem cinematográfica colonial, encravada sob as colinas históricas de Olinda, é uma fonte inesgotável para varias áreas do conhecimento humano. Portanto, expõe-se a importância de evidenciar o seu patrimônio material e imaterial no contexto cultural turístico e assim contribuir para esta lacuna tão aguardada pelos educadores da área e também pelos profissionais do turismo

A ação que se desenha é oriunda das práticas artísticas realizadas por Leandro Machado e Ricardo Moreno em periferias de Porto Alegre; trata-se de processos artísticos em ação como modos de fazer cidade. Com método, inspirado na cartografia da ação de Ana Clara Torres Ribeiro, complementado por técnicas de pesquisa participativas, foi possível compor uma carta de navegação a partir da experiência dos artistas e dos encontros decorrentes disso, uma produção do espaço em forma de bricolagem, que intercala narrativas, sejam elas imagéticas ou textuais, relatos de caminhada, relatos testemunhos de uma instalação artística, seus usos, modos de fazer, poesia, saberes locais articulados e arte participativa com a comunidade. São ações que promovem visibilidades para esses espaços aos que Milton Santos atribui o conceito de opaco e para os homens lentos, possibilitando um compartilhamento estético e político – o que Jacques Ranciere chama de partilha do sensível. Isto é possível porque as ações são identificadas pelo que Michel de Certeau considera tática, são gambiarras que justificam os desejos de transformação desses espaços, conforme define Thais Portela, contrapontos às hegemonias de poder políticas e espaciais. A descrição dos modos de fazer dessas práticas artísticas é fundamental para uma compreensão mais ampla acerca da cidade, por privilegiar experiências do cotidiano que também contribuem para pensar a extensão universitária e a interlocução entre diferentes agentes sociais e pesquisadores; essas são práticas sociais que podem ser pensadas também como uma ferramenta para o planejamento, gestão e construção de políticas públicas urbanas, culturais e educativas. / The actions herein outlined come from the artistic practices undertaken by Leandro Machado and Ricardo Moreno in the peripheral neighborhoods of Porto Alegre; the study approaches artistic processes in action as ways of making a city. The method is inspired by Ana Clara Torres Ribeiro’s cartography of action and it is complemented with participatory research techniques, which made possible the composing of a navigation chart from the experiences of the artists and the encounters arising from that in a production of space by means of bricolage, alternating images and textual narratives with reports of long walks, testimonies of artistic installations and its uses, ways of doing, and poetry, articulating local knowledges and community participatory art. These actions promote visibilities for these spaces, to which Milton Santos attributes the concept of opacity, and for slow men, making way for an aesthetic and political sharing – that Jacques Rancière defined as the distribution of the sensible. This is possible because the actions are identified with what Michel de Certeau considers tactics, workarounds that justify the desire for transformation of these spaces, as defined by Thais Portela, counterposed to the political and spatial power hegemonies. The description of the ways of doing of these artistic practices is fundamental for a wider comprehension of the city, because it privileges day-to-day experiences that also contribute to the thinking of the actual extension of the University and the interlocution of different social agents and researchers; these are social practices that can also be thought of as tools for the planning, management, and construction of educational and cultural urban public policies.

Este proyecto artístico se inicia con cuestionamientos acerca del estado inconsciente, repetitivo y mecánico del trabajo humano. Vivimos en una actualidad donde la competencia, a través del sistema económico, es el carbón que prende la máquina de crear ilusiones a costa de la sensibilidad humana, con el fin de que la máquina se mueva a través del consumo y el valor económico. Por ello, existe la importancia de relacionar la dinámica del fin (ya sea material o inmaterial) con su carente falta de sentido; ya que, la promesa de felicidad que emite el sistema neoliberalista se comporta como un sistema paradójico que, contrario a su discurso, revela ser un lugar vacío e irracional. En ese sentido, el objetivo de esta tesis implica volver a revisar la cotidianidad a partir de un contexto neoliberal y problematizarlo con el fin de develar su sentido más profundo; al mismo tiempo, revelar o sacar a la luz implica rebelarse contra el sistema. Una batalla que no tiene fin. Los supuestos teóricos como artísticos de esta tesis nacen de una reflexión en su mayoría contemporánea y multidisciplinaria. Los argumentos y posturas refuerzan la problemática situación tanto social, política y filosófica frente a los efectos de la ilusión neoliberal. Finalmente, volver a mirar nuestro quehacer diario nos confronta con una serie de preguntas y reflexiones que invitan a alejar la mirada de la inmersión cotidiana, para así tomar conciencia y acción de nuestra experiencia con el mundo. / This artistic projects starts from the questionings regarding the unconscious, repetitive and mechanical states of the human work. We live in an actuality where the competition, throughout the economic system, is the coal that fuels the ilusiónmaking machine in expense of the human sensibility, being the ultimate goal that the machine moves across consumption and economic value. That is why the importance of relating the dynamic of the purpose (being material or inmaterial) with its lack of sense exists, that being because the promise of happiness that is given by the neoliberal system behaves like a paradoxical system that, contrary to its discourse, it reveals itself as an empty and irrational place.In that sense, the 4 objective of this thesis begins from going over again the everyday parting from a neoliberal context and problematize it with the objective of reveling its most profound meaning; at the same time, revealing or enlightening implies rebelling against the system, a battle with no end. The theory and artistic assumptions of this thesis part from a reflexion made mostly from a contemporary and multidisciplinary setting. The arguments and stances strengthen the problematic situation, that being social, politic and philosophical in front of the neoliberal delusion. Finally, looking back to out daily tasks confronts us with a series of questions and reflexions that invite us to move away our sight of our everyday immersion, to be able to take consciousness and action of our own experience with the world.

El presente estudio analiza el rol del video en la obra de Elena Tejada-Herrera con el objetivo de comprender cómo constituye una herramienta performática, expresiva y discursiva en su universo de creación transdisciplinaria. Esto surge a partir de un interés por profundizar en la obra de una de las artistas más representativas del arte contemporáneo y arte feminista peruano en relación al campo del video artístico en nuestro país. La investigación de carácter cualitativo hace un análisis basado en la observación y descripción de cinco obras, Bomba y la bataclana en la danza del vientre (1999), La manera en que decenas de personas miran a una mujer desnuda (2000), One day around the neighborhood choreographing me (2006), Animales de papel (2016) y The girls learn to fight (2019), así como en entrevistas a Elena Tejada-Herrera, y otros especialistas en su obra y la videocreación artística en el Perú. Para comprender a profundidad cómo el video cumple una función performática y discursiva, se interpreta la obra desde el Análisis Crítico del Discurso (ACD) abordando la teoría de género y la estética de la liberación. Como conclusión se propone que, gracias a las propiedades inherentes del video como medio de expresión, la artista dispone de este y sus tecnologías, atribuyéndole diferentes formas y roles, en función de su discurso disidente en respuesta a los diversos contextos que condicionaron su producción artística y a los discursos opresores de su realidad a partir de su identidad, así como en relación a sus necesidades transdisciplinarias de expresión.

La estructura del presente trabajo es la siguiente: en una primera parte, explicaré qué es el found footage y presentaré brevemente sus antecedentes históricos, de dónde apareció y cómo se ha ido utilizando durante la historia del cine y de las artes plásticas a través de la descripción de ejemplos concretos, que ayudaran a entender su naturaleza como un registro para restaurar hechos y tiempos a través de la apropiación, re-contextualización y re-elaboración de imágenes en movimiento. En una segunda parte, reflexionaré sobre el significado de las imágenes del found footage a partir de conceptos tales como: los intermediarios de la imagen, el tiempo, la memoria y su reconstrucción, la huella y el índice, y la reproductibilidad. Recurriré por ello a los estudios de Krauss, Peirce, DidiHuberman, Barthes, Benjamin, entre otros autores, quienes centran su interés en el carácter ontológico de las imágenes registradas y/o en los diferentes niveles de interpretación que ellas pueden tener, que es uno de los puntos de mayor importancia en mi investigación, es decir, aproximarnos al significado que pueden presentar las imágenes empleadas en 1977. Y, finalmente, en una tercera parte explicaré el proyecto artístico, es decir la obra en sí: 1977. Anotaré sus antecedentes históricos, biográficos así como sus características y fines.

El presente trabajo busca exponer la responsabilidad ética del creador en danza en cuanto a presentación y difusión de una video danza, teniendo presente que para el público este formato no es tan usual en comparación a las presentaciones en vivo. Dado que, deseamos generar una reflexión sobre la formación o capacitación de los creadores en danza con el fin de que sepan cuáles los conceptos necesarios para realizar este tipo de proyecto. De igual forma, se muestra la importancia de la herramienta de video danza para la danza en general, cuáles son esas nuevas posibilidades que nos brinda. Asimismo, la situación presentada se discute en relación a los conceptos éticos sobre la responsabilidad que tiene el creador ante su público, ya que, ellos de alguna forma confían ante lo que se les presenta. Sin dejar de lado que la representación se vincula con el público en cuanto a la exposición de un cuerpo, esto se discute a cómo el creador y el espectador se relacionan, y agregándole los principios éticos de beneficencia y justicia. / This investigation seeks to present the ethical responsibility of the dance creator in terms of presentation and dissemination of a dance screen, bearing in mind that for the public this format is not so usual compared to live performances. Since, we want to generate a reflection on the formation or qualification of the creators in dance in order that they know what the necessary concepts to carry out this type of project. In the same way, the importance of the dance screen tool for dance in general will be shown, what are these new possibilities that it offers us. Likewise, the situation presented is discussed in relation to the ethical concepts about the responsibility that the creator has before his public, since they somehow trust what is presented to them. Without neglecting that the representation is linked to the public in terms of the exhibition of a body, this argue about how the creator and the spectator relate, and adding the ethical principles of beneficence and justice.

La presente investigación aborda cómo la imagen es utilizada en la obra Lo Que Fue y No Pudo Ser, la cual es resultado de mi proceso creativo del curso de Proyecto final 1 de la carrera de Danza Contemporánea en la PUCP. Esta obra se desarrolló durante el periodo de confinamiento por la pandemia y el único medio en el que se podía realizar el proceso creativo fue mediante el video. En dicho punto de partida me encontré con conflictos tanto creativos como personales, ya que me vi en la situación de adaptar un proyecto que había sido planeado para realizarse de manera presencial. Por esa razón el proceso creativo tuvo que ser diseñado para un resultado en formato audiovisual y es a partir de este que me surgieron dos cuestionamientos: la necesidad de tener un público presente en un escenario y mi línea creativa. En la búsqueda de mi línea creativa, la autoficción cobra un peso importante puesto que es de mi interés el tener procesos creativos desde mis vivencias para luego llevarlas a una ficción. ¿Cómo es el proceso de creación de un artista? Aquello, originó una búsqueda de un nuevo lenguaje y el cuestionamiento de “si es o no es danza contemporánea”. Por último, la presente investigación también cuestiona la presencia escénica del artista, puesto que esta es entrenada para ser aplicada en un escenario. No obstante, ¿Qué es lo que ocurre con ella cuando este está en un video? Debido a todas aquellas interrogantes mencionadas, es que se genera la presente investigación dentro de los códigos del video, videodanza y la autoficción. / The present investigation addresses how the image is used in the work What Was and Could Not Be, which is the result of my creative process of the Final Project Course 1 of the Contemporary Dance career at PUCP. This work was developed during the period of confinement due to the pandemic and the only medium in which the creative process could be carried out was through video. At that starting point I found both creative and personal conflicts, since I found myself in the situation of adapting a project that had been planned to be carried out in person. For this reason, the creative process had to be designed for a result in audiovisual format and it is from this that two questions arose: the need to have an audience present on stage and my creative line. In the search for my creative line, autofiction takes on an important weight since it is in my interest to have creative processes from my experiences and then turn them into a fiction. How is the process of creating an artist? That originated a search for a new language and the questioning of “whether or not it is contemporary dance”. Finally, this research also questions the stage presence of the artist, since it is trained to be applied on stage. However, what happens to her when she is in a video? Due to all those questions mentioned, it is that the present investigation is generated within the codes of video, videodance and autofiction.

En esta tesis se analizan, en el contexto de distintos momentos históricos, intervenciones proactivas artísticas en los medios audiovisuales, con el fin de descubrir, comparar y comprender su papel como agitadores sociales y su contribución al desarrollo hacia la sostenibilidad, analizando especialmente: Los primeros tratamientos escultóricos de los aparatos televisivos a finales de la década 50; diversas facetas del vídeo contracultural en las décadas de los años 60 y 70; movimientos de televisiones piratas e intervenciones tácticas en los medios de información de masas que florecieron a partir de la década de los 90, y, más recientemente, la gran proliferación de redes de audiovisuales comunitarias en los diferentes ámbitos sociales y tecnológicos. En estas prácticas influye el ambiguo campo semántico que el medio televisivo ha adquirido a partir de la segunda mitad de los años 70, al cual nos referimos aquí con el concepto televisiónTM, cuyo radio de influencia se expande como hilo conductor durante todo el periodo histórico que cubre esta tesis. Así, desde la década de los 50 hasta la actualidad, se ha analizado cómo, en las relaciones que se establecen entre las tendencias del tejido social y las prácticas proactivas audiovisuales, se perfilan diversos métodos, actitudes y matizaciones que reflejan factores constantes y variables a lo largo de ese periodo. El análisis de todo ello nos conduce a un campo de actuación artístico y cultural que interviene como una forma de "media-ecología" sobre el imaginario colectivo, y que es al mismo tiempo nuestro medioambiente mental. / Bittner, G. (2011). Del Manifesto spaziale per la televisione 1952, 1 GATT.ORG, 2008 y Canal accesible, 2006: análisis de las transformaciones de las prácticas proactivas en los medios audiovisuales y su interrelación con el contexto social y mediático [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/9685

[EN] La Casa de Diego, located in the Valencian town of Xàtiva, was commissioned in the early 19th century by Andrés de Diego Blanquer, a farmer from Cullera. Six generations of descendants have maintained the property and its contents until the present, so that the residence is one of the few examples of preserved nineteenth-century housing in the city. It is a magnificent mansion, which houses many heritage assets, unto now unknown. This thesis presents an inventory of the surviving pieces, together with the study of the structure of the house and the reconstruction of the Diego lineage, as a basis to support the proposed conversion of the existing building and its historic and artistic heritage into a museum, that help the public to understand the history, art and domestic life of the bourgeoisie of the 19th century. / [ES] La Casa de Diego, situada en la localidad valenciana de Xàtiva, fue mandada construir en los primeros años del s. XIX por Andrés de Diego Blanquer, labrador procedente de Cullera. Seis generaciones de descendientes han conservado la propiedad y su contenido hasta la actualidad, por lo que esta residencia constituye uno de los pocos ejemplos de vivienda decimonónica conservados en toda la ciudad. Se trata de una magnífica edificación de tipo casa-palacio, que alberga numerosos bienes patrimoniales, hasta ahora inéditos. Esta tesis presenta el inventario de las piezas conservadas, junto al estudio de la estructura de la casa y la reconstrucción del linaje de Diego, como base para fundamentar una propuesta de musealización del edificio y su patrimonio histórico-artístico, que acerquen al público a la historia, al arte y a la vida doméstica de la burguesía del s. XIX. / [CA] La Casa de Diego, situada a la localitat valenciana de Xàtiva, va ser manada construir en els primers anys del s. XIX per Andrés de Diego Blanquer, llaurador procedent de Cullera. Sis generacions de descendents han conservat la propietat i el seu contingut fins l'actualitat, per la qual cosa aquesta residència constitueix un dels pocs exemples d'habitatge vuitcentista conservats a la ciutat. Es tracta d'una magnífica edificació de tipus casa-palau, que alberga nombrosos béns patrimonials, encara per descobrir. Aquesta tesi presenta l'inventari de les peces conservades, a més de l'estudi de l'estructura de la casa i la reconstrucció del llinatge de Diego, com a base per a fonamentar una proposta de musealització de l'edifici i el seu patrimoni històric-artístic, amb la intenció d'acostar al públic a la història, a l'art i a la vida domèstica de la burgesia del s. XIX. / Fernández Vidal, MA. (2016). El legado de la familia de Diego: inventariado y propuestas de musealización del patrimonio histórico-artístico [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61295