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Estuário / -Favero, Sandra Maria Correia 28 April 2015 (has links)
O processo de criação fundamenta esta pesquisa. A vivência entre a paisagem da Praia da Daniela em Florianópolis, Santa Catarina, e o ateliê com a gravura em metal, suas especificidades e possibilidades gráficas, levaram à elaboração deste livro de artista. O que procuro são aproximações entre o estuário vivo e em constante movimento transformador da paisagem da Praia da Daniela com o meu estuário fictício, que segue na busca de um contínuo formar, desafiando o metal, provocando reações e transformações que acontecem em sua materialidade. / This is a practice-based research in which the creative process is at it\'s core. The construction of this artist\'s book is a fruit of the lived experience between two places: the landscape at the Daniela Beach, in Florianopolis, Santa Catarina, Brazil, and the printmaking studio, considering the specificities and graphic possibilities of the Etching technique. What I seek is to interweave the living and transforming estuary in constant movement of the landscape at Daniela Beach, and my own fictitious estuary, which continuously seeks to give form, defying the nature of the metal, provoking reactions and transformations that happen in its materiality.
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Estuário / -Sandra Maria Correia Favero 28 April 2015 (has links)
O processo de criação fundamenta esta pesquisa. A vivência entre a paisagem da Praia da Daniela em Florianópolis, Santa Catarina, e o ateliê com a gravura em metal, suas especificidades e possibilidades gráficas, levaram à elaboração deste livro de artista. O que procuro são aproximações entre o estuário vivo e em constante movimento transformador da paisagem da Praia da Daniela com o meu estuário fictício, que segue na busca de um contínuo formar, desafiando o metal, provocando reações e transformações que acontecem em sua materialidade. / This is a practice-based research in which the creative process is at it\'s core. The construction of this artist\'s book is a fruit of the lived experience between two places: the landscape at the Daniela Beach, in Florianopolis, Santa Catarina, Brazil, and the printmaking studio, considering the specificities and graphic possibilities of the Etching technique. What I seek is to interweave the living and transforming estuary in constant movement of the landscape at Daniela Beach, and my own fictitious estuary, which continuously seeks to give form, defying the nature of the metal, provoking reactions and transformations that happen in its materiality.
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Francis Picabia et l’écriture poétique : des premiers poèmes publiés à la collaboration avec l’éditeur Pierre André Benoit (PAB) / Francis Picabia’s poetic writingArx, Pauline von 19 December 2014 (has links)
Francis Picabia, peintre-poète qui a traversé toute la première moitié du XXe siècle, nous a laissé en héritage un riche corpus d’écrits, dont la plupart a été publié, mais il reste encore aujourd’hui de nombreux inédits et des avant-textes conservés dans les archives. Si la période Dada de la poésie de Picabia est peut-être la plus connue, l’artiste a continué d’écrire des poèmes toute sa vie (il est disparu en 1953). C’est notamment après la rencontre avec son dernier éditeur, Pierre André Benoit (PAB), en 1948, que Picabia décide de révéler encore une fois saveine poétique, et publie un grand nombre de recueils, écrits entre 1939 et 1951.Ces poèmes naissent, plus particulièrement, sous l’empreinte des lectures des oeuvres de Friedrich Nietzsche, car l’artiste reprend systématiquement des passages du Gai Savoir, qui nous obligent à repenser les limites de l’écriture poétique, en général. On découvre alors une nouvelle manière de faire de la poésie, qui reprend, d’unemanière assez libre, le langage philosophique de La Gaya Scienza. PAB a sûrement compris la portée des nouveaux poèmes de Picabia et il s’est dédié à la réalisation de solutions créatives pour la présentation de ces écrits poétiques. Au-delà de cet intense travail il y a bien sûr une amitié, qui s’est manifestée notamment à traversl’échange de lettres, car les occasions de se rencontrer ont été très rares.Cette dernière période de l’écriture de Picabia est alors digne d’être remarquée et mérite d’être comprise et mise en valeur. Nous avons essayé, par cette recherche, de trouver une solution pour classer ces écrits, que nous aimerions inscrire dans le contexte de la « récriture intertextuelle ». / Francis Picabia (1879 – 1953), well-known French painter of the beginning of the twentieth century, was also an experimentalist poet of the avant-garde milieu, who wrote throughout his entire life. Part of his writings have been edited, but many unpublished works can still be found in archives. The Dada period of his poetry is perhaps best known, more particularly for his drawing-poems, but I have discovered during my research that his late writings contain many unrevealed aspects. Particularly after he met the editor Pierre André Benoit (PAB) in 1948, a new important period began in Picabia’s poetic output, during which he published his writings from 1939 to 1951. This intense collaboration took place mainly at a distance, through the exchange of frequent letters, soon turning into a sincere friendship. These publications, most of which are one-of-a-kind books, are printed personally by PAB on his printing press, and are often illustrated by the artist or by the editor himself.Surprisingly, Picabia’s late poetry is strongly marked by Friedrich Nietzsche’s writings, in particular by The Gay Science (1882). The “borrowings” are so evident, that they call for a specific, new interpretation: thus, this peculiar creative process can be seen as a phenomenon of appropriation, or “intertextual rewriting”. This process of “copying”, was applied by the artist indistinctively to his art and poetry and can function as a possible solutionfor the classification of his controversial poems.
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Pratique, imaginaire et poétique de l’auto-illustration en Europe centrale (1909-1939) : Alfred Kubin, Josef Váchal et Bruno Schulz / The Practice, Imagination and Poetics of Self-illustration in Central Europe (1909-1939) : Alfred Kubin, Josef Váchal and Bruno SchulzMartinelli, Hélène 12 December 2014 (has links)
Cette thèse porte sur les livres auto-illustrés réalisés par l'Autrichien Alfred Kubin (1877-1959), le Tchèque Josef Váchal (1884-1969) et le Polonais Bruno Schulz (1892-1942). En rapprochant les œuvres de ces auteurs et illustrateurs relativement méconnus et considérés comme marginaux selon les canons culturels de leur époque, ce travail souhaite démontrer qu'un paradigme se fait jour dans la pratique de l'auto-illustration et l'imaginaire du livre qui lui est associé. En tenant compte du contexte de la culture centre-européenne dans l'entre-deux-guerres et de la dimension technique de l'histoire du livre, dont les enjeux coïncident avec les réflexions contemporaines sur l'originalité et la reproductibilité mécanisée, la thèse définit la démarche d'auto-illustration comme la quête d'un « livre total de pacotille ». Mais il s'agit aussi de lui donner un cadre théorique en se focalisant sur l'analyse des rapports entre le texte et l'image afin de révéler certains traits récurrents qui défient le processus d'illustration classique : l'antériorité ou la simultanéité de l'image, qui permet l'information mutuelle des codes iconique et linguistique sur la page ou la favorise dans le texte, inverse aussi le principe de « transposition » inhérent à l'illustration, voire l'excède pour lui substituer un « dialogisme » intersémiotique. Ces phénomènes confirment l'importance du geste réflexif présidant à l'auto-illustration, qui suppose une hyperconscience du dispositif illustré mais prend aussi en compte l'omniprésence transgressive du créateur, qui envahit les seuils de l’œuvre, se figure en texte et en images, et en auteur, illustrateur, narrateur et personnage(s). / This dissertation deals with self-illustrated books by the Austrian Alfred Kubin (1877-1959), the Czech Josef Váchal (1884-1969) and the Pole Bruno Schulz (1892-1942). Comparing the works of these writers and illustrators, who are not quite famous and were considered to be on the margins of the cultural models of their time, the dissertation shows that a creative paradigm is to be found through self-illustration and the book imagery that goes with it. Taking into account the context of central-european culture during the interwar period, and the technical aspects of book history, which are linked to contemporaneous debates about originality and technical reproductibility, this study defines the production of these writers-ilustrators as a search for a « cheap total bookwork ». It is based on a theoretical framework which focuses on the relations between text and image in order to reveal recurring features which challenge the classical illustrating process : images being produced prior to or at the same time as the text provide for the mutual exchange of properties between words and pictures on the page and in the text itself. This practice also reverses the principle of « transposition » inherent to illustration, or even replaces it with an intersemiotic « dialogism ». These phenomena confirm the importance of the reflexive nature of self-illustration : not only does it require a high level of awareness of the illustrated apparatus but it also explains the transgressive omnipresence of the creator who invades the « paratext » and represents himself in texts and images as writer, illustrator, narrator and character(s).
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The lion and the frigate bird: visual encounters in KiribatiGilkes, Brian Eric, pharoseditions@bigpond.com January 2010 (has links)
In order to explain some of the paradoxes and mysteries of the artist's cross cultural experience in Kiribati, he constructed an Artist's Book depicting through visuality, anecdote and reflection, his research process, engaging with current visual perceptions through negotiation with the past. In Kiribati previous encounters with Europeans and Islanders was dominated by English and I Kiribati with significant contributions by French missionaries. Each viewed the other through cultural filters of identity, which were informed by concepts of myth-historical, often heroic pasts, modified by contemporary purpose such as power, trade, evangelism or personal gain. The method of transmission of beliefs about the past differed fundamentally as the Europeans were predominately informed by writing and the I-Kiribati by orality and performance. The non-literary epistemology of the I Kiribati contributed to a cosmology of non-iconic symbols that defined belief systems and social structures. These symbols connected place and space with time, self and group identities. The research found that the all surrounding visual symbol system of sacred meeting house (maneaba), dwelling (bata) and canoe (waa and baurua)) could be partly understood as an ongoing struggle since Deep Time, between the forces of the Ocea n represented by Bakoa, The Shark, and that of the triumph of the coming onto the Land and its people (aba) represented by Tabakea, The Turtle. The performative outcome of this triumph and the spirit of identity (Te Katai ni Kiribati) it engenders is expressed primarily in the ubiquitous I Kiribati Dance. The Artists Book is inspired by the creative classic I Kiribati form of oratory known as Te Kuna, using a structure analogous to the symbolic forms of narrative of Oceanic Voyaging traditionally employed by the I Kiribati. Differences in visual perceptions across cultural interface are understood not only as having the potential for conflict but also as providing positive dynamic force by the interchange of understood differences. The project contributes specifically to the ethnography of English and I Kiribati, semiotic systems and visual epistemologies, indicating directions towards positive outcomes in cross-cultural encounters.
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La poésie graphique : Christian Dotremont, Roland Giguère, Henri Michaux et Jérôme Peignot / Graphic poetry : Christian Dotremont, Roland Giguère, Henri Michaux and Jérôme PeignotPelard, Emmanuelle 01 March 2013 (has links)
L’objet de cette thèse est de définir un type de poésie visuelle moderne (XXe-XXIe), que nous avons nommé la poésie graphique et qui attache une importance considérable à l’expérimentation plastique du signe graphique, qui manifeste une conscience aiguë des ressources visuelles de la graphie et entend réaliser la poésie dans la matérialité des formes de l’écriture. La poésie graphique désigne une pratique de la poésie à caractère spécifiquement graphique, qui recouvre tant une peinture du signe qu’un travail typographique de la lettre pour élaborer le poème. Cette pratique graphique et plastique du poème s’inscrit dans la continuité, mais également dans un certain renouveau des avant-gardes poétiques et artistiques du XXe siècle, notamment du surréalisme. Les logogrammes de Christian Dotremont, les poèmes-estampes et les livres d’artistes (Éditions Erta) de Roland Giguère, les recueils de signes inventés et d’encres d’Henri Michaux et la typoésie de Jérôme Peignot constituent des formes de poésie graphique. Notre étude porte donc sur des œuvres francophones, issues des domaines belge, français et québécois, produites entre 1950 et 2004. Trois caractéristiques définissent principalement la poésie graphique : l’ambiguïté et le nomadisme du signe du poème par rapport aux ordres sémiotiques — scriptural, iconique et plastique —, la présence d’un rythme et d’un lyrisme graphiques, comme modalités de l’expression du sujet dans la matière graphique, et une remise en cause de la ligne de partage entre les arts autographiques et allographiques, nécessitant de nouveaux modes de perception et de lecture du poème et du livre, soit une « iconolecture » et une « tactilecture ». / The purpose of this thesis is to define a type of modern visual poetry (20th – 21st), that we called graphic poetry. The graphic poetry focuses on a plastic and visual experimentation of the graphic sign, demonstrates an important conscience of the visual potential of the written form and tries to produce poetry in the materiality of the writing shapes. The graphic poetry refers to a practice of poem which is specifically graphic and includes a painting of the sign as a typographic work of the letter in order to produce the poem. This artistic practice of poetry follows and also renews the poetic and plastic avant-gardes of the 20th century, more particularly surrealism. Christian Dotremont’s logograms, Roland Giguère’s artists’ books (Editions Erta) and prints-poems, Henri Michaux’s anthologies of invented painted signs and Jérôme Peignot’s typoems are some forms of graphic poetry. Our study focuses on francophone works, which come from Belgian, French and Quebec fields, published between 1950 and 2004. Three characteristics mainly define the graphic poetry : the ambiguity and the nomadism of the sign in relation to the semiotic systems (graphic, iconic and plastic), graphics rhythm and lyricism, as modalities of the expression of the subject in the graphic material, and a questioning of the distinction between autographic arts and allographic arts, requiring new ways of perception and reading of the poem and the book, that we called visual-reading and touch-reading.
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Le « livre (typo)graphique », 1890 à nos jours : un objet littéraire et éditorial innommé. Identification critique et pratique / The "(typo)graphic book", 1890 to nowadays : a literary and editorial object. Critical and pratical identificationLesiewicz, Sophie 17 January 2019 (has links)
Cette thèse a pour origine le constat de la non prise en charge des ouvrages se caractérisant par leur seule iconicité scripturale en histoire du livre et de l’édition ainsi que de l’absence de définition d’une catégorie les regroupant aussi bien dans cette discipline qu’en littérature, histoire du graphisme, sémiotique ou histoire de l’art. Notre première hypothèse est que cette catégorie correspond au « livre graphique ». C’est par les littéraires, soit dans une approche par auteur, soit à travers l’étude de la poésie visuelle, que certains de ses ouvrages ont été abordés, avec les lacunes inhérentes à la discipline. Il nous a donc semblé essentiel d’adopter un point de vue pluridisciplinaire, en insistant sur l’histoire des techniques. Cette exigence nous a permis de distinguer au sein du « livre graphique », le livre (typo)graphique, au côté du livre (calli)graphique, (dactylo)graphique, etc., et de choisir de nous consacrer à la première sous-catégorie, afin de défendre notre deuxième hypothèse : le sursaut de la création typographique, réaction à son industrialisation de la fin du XIXe siècle jusqu’aux années 1980. Aux incunabula typographiae répondrait donc cinq siècles plus tard un livre(typo)graphique comme « ultima typographiae ».La première partie consiste en une identification théorique du livre (typo)graphique. Une enquête historiographique analyse les barrières épistémologiques à la considération critique de notre objet tout en dégageant nos outils conceptuels : les thèses de Johanna Drucker et d’Anne-Marie Christin. Suivent une histoire du livre (typo)graphique puis la définition d’un ensemble de traits génériques et typologiques.La deuxième partie consiste dans la recherche des producteurs de livres (typo)graphiques par le prisme des auteurs. Le premier chapitre se fonde sur l’histoire littéraire, et procède donc par mouvement. Cette méthode présente toutefois deux écueils. D’abord, la spécificité de l’objet d’étude - le livre et non pas le texte graphique - implique une approche technique mais aussi génétique sur le plan éditorial que favoriserait plutôt un biais par éditeur.D’autre part, il ressort qu’un certain nombre d’auteurs de livres (typo)graphiques n’ont paradoxalement pas été retenus par ce premier tamis. Ceci nous permet d’énoncer deux nouvelles hypothèses. Premièrement, le livre(typo)graphique semble aussi caractéristique d’auteurs impliqués dans le discours sur l’art et l’évolution de l’appropriation de ce dernier par les poètes, une des causes du développement de notre objet. Il s’agit donc dans le deuxième chapitre de mettre en évidence le fil rouge reliant les productions de Claudel, Segalen, du Bouchet et Tardieu pour conclure au caractère d’« appropriation » littéraire de procédés picturaux de leurs livres (typo)graphiques. Deuxièmement, nous proposons une équivalence entre le livre(typo)graphique de ces auteurs et la « peinture lettrée », en nous fondant sur leurs textes critiques et transpositions d’art et sur la dernière thèse d’A.-M. Christin.Au terme de la deuxième partie, il ressort que la grande majorité des livres (typo)graphiques identifiés n’a pas été embrassée. La troisième partie consiste dans un balayage par le biais des éditeurs. Un résultat beaucoup plus fructueux permet de proposer une cinquième hypothèse : le livre (typo)graphique est principalement un livre d’éditeur.Le premier chapitre met en avant cinq évolutions de ce producteur de 1890 aux années 1980. Dans le dernier chapitre, nous nous penchons sur la production du « poète-typographe ». On établira un lien de causalité entre la maîtrise totale de la chaine de production de cet ouvrier-homme de lettre, et le fait qu’il soit le plus important contributeur de livres (typo)graphiques.Parvenue à son terme, cette thèse vise à constituer une contre-histoire du livre illustré ou un complément à celle du livre de création. / This thesis was formulated as an investigation into the lake of works treating of iconic scripturality in trough the history of book and publishing, and also the absence of any definition of the category to regroup them equally within this discipline as in literature, history of graphism, semiotic, history of art. Our initial hypothesis is that this category relates to the “graphic book”. It is trough specialist in literature, either in an approach by writer or passing through a close study of visual poetry, that certain of this works have been treated, with lacunae common to the discipline. In order to usefully complete the research work, it would seem essential to take on board a pluridisciplinary approach, emphasizing the technical history. These criteria allowed us to differentiate within the domain of the graphic book, the (typo)graphic book, around the (calli)graphic, (dactyl)graphic, etc., and to elect to focus upon the first subcategory, so as to justify our second hypothesis, that of a convulsion, in reaction to the meccanization of this industry at the end of the nineteen century through the decade of 1980’s. The incunabula typographiae would find its response five centuries later in the (typo)graphic book as ultima typographiae.The first part consists of a theoretical identification of the (typo)graphic book. An historiographical investigation would analyses epistemological barriers of the critical treatment of our object whilst bringing to light our conceptual tools: the thesis of Johanna Drucker and Anne-Marie Christin. Subsequently, establishing an history of (typo)graphic book and then, the definition of a group of generic traits and typologies.The second section is made up of a research into the producers of (typo)graphic books, as seen through the prism of the authors. The first chapter is based upon history of literature and thus proceeds by literary movement. Bearing in mind, this method is prey to tween dangers. First of all, the strictly specific nature of the study, the graphic book, but not text, implies a technical approach but also genetical in the editorial sense which would rather favour from an editor’s angle. Furthermore, it appears that a certain number of authors of (typo)graphic books, quiet paradoxically were not accounted for in this first selection. So, this allows us to articulate two new hypothesis. Firstly the (typo)graphic book seems also to be typified by authors involved in a discourse around art and the changing nature of the appropriation of the later by the poets, in itself one of the causes of the development of our object. Therefore, in the second chapter it would be a matter of highlighting the common thread uniting the productions of Claudel, Segalen, du Bouchet and Tardieu to conclude with the form of literary appropriation of pictorial processes of the (typo)graphic books. Secondly, we shall propose an equivalence between their (typo)graphic books and the literate painting, basing ourselves upon their critical texts and transposition of art and upon the last thesis of A.-M. Christin. At the clothe of the second section, one is still faced by the same difficulties that the great majority of identified typographical books hasn’t being catalogued.The third part would comprise of an overview from the publishers’ perspective. A much more productive result will allow us to formulate our fifth hypothesis: the (typo)graphic book is above all a publisher’s book. The first chapter will concentrate upon five evolutions of this producer. In the last chapter, we shall examine more specifically the production of the “typographic poet”. We shall establish a causal link between the total mastery of the production chain of this worker man of letters and the fact he became the most important contributor of (typo)graphic book.Reaching its conclusion, the thesis seeks to constitute, a counter-history of the illustrated book or a complement of that of the creative book.
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La poésie graphique : Christian Dotremont, Roland Giguère, Henri Michaux et Jérôme PeignotPelard, Emmanuelle 12 1900 (has links)
Réalisé en cotutelle avec l'Université de la Sorbonne - Paris IV / L’objet de cette thèse est de définir un type de poésie visuelle moderne (XXe-XXIe), que nous avons nommé la poésie graphique et qui attache une importance considérable à l’expérimentation plastique du signe graphique, qui manifeste une conscience aiguë des ressources visuelles de la graphie et entend réaliser la poésie dans la matérialité des formes de l’écriture. Cette pratique graphique et plastique du poème s’inscrit dans la continuité, mais également dans un certain renouveau des avant-gardes poétiques et artistiques du XXe siècle, notamment du surréalisme.
La poésie graphique désigne une pratique de la poésie à caractère spécifiquement graphique, qui recouvre tant une peinture du signe qu’un travail typographique de la lettre pour élaborer le poème. La particularité des poètes graphiques est leur double vocation, celle d’écrivain et celle de plasticien. Ils expérimentent l’écriture dans sa dimension linguistique et dans sa dimension graphique, en considérant que l’activité de scription ou de linotypie — c’est-à-dire la peinture ou le dessin du mot, du signe graphique, la typographie et l’édition — est déjà littérature. Autrement dit, ils envisagent que la création et la matérialisation du poème procèdent du même geste.
Les logogrammes de Christian Dotremont, les poèmes-estampes et les livres d’artistes (Éditions Erta) de Roland Giguère, les recueils de signes inventés et d’encres d’Henri Michaux et la typoésie de Jérôme Peignot constituent des formes de poésie graphique. Notre étude porte donc sur des œuvres francophones, issues des domaines belge, français et québécois, produites entre 1950 et 2004. Trois caractéristiques définissent principalement la poésie graphique : l’ambiguïté et le nomadisme du signe du poème par rapport aux ordres sémiotiques — scriptural, iconique et plastique —, la présence d’un rythme et d’un lyrisme graphiques, comme modalités de l’expression du sujet dans la matière graphique, et une remise en cause de la ligne de partage entre les arts autographiques et allographiques, nécessitant de nouveaux modes de perception et de lecture du poème et du livre, soit une « iconolecture » et une « tactilecture ». / The purpose of this thesis is to define a type of modern visual poetry (20th – 21st), that we called graphic poetry. The graphic poetry focuses on a plastic and visual experimentation of the graphic sign, demonstrates an important conscience of the visual potential of the written form and tries to produce poetry in the materiality of the writing shapes. This artistic practice of poetry follows and also renews the poetic and plastic avant-gardes of the 20th century, more particularly surrealism.
The graphic poetry refers to a practice of poem which is specifically graphic and includes a painting of the sign as a typographic work of the letter in order to produce the poem. The main characteristic of graphic poets is their double vocation : they are writers and visual artists. They experiment writing in its linguistic dimension and its graphic dimension, because they believe that the action of drawing a line or making of a linotype setting — namely the painting or the drawing of the word, of the graphic sign, the typography and the publishing — is already literature. In other words, graphic poets think that the creation and the materialization of the poem proceed of the same gesture.
Christian Dotremont’s logograms, Roland Giguère’s artists’ books (Editions Erta) and prints-poems, Henri Michaux’s anthologies of invented painted signs and Jérôme Peignot’s typoems are some forms of graphic poetry. Our study focuses on francophone works, which come from Belgian, French and Quebec fields, published between 1950 and 2004. Three characteristics mainly define the graphic poetry : the ambiguity and the nomadism of the sign in relation to the semiotic systems (graphic, iconic and plastic), graphics rhythm and lyricism, as modalities of the expression of the subject in the graphic material, and a questioning of the distinction between autographic arts and allographic arts, requiring new ways of perception and reading of the poem and the book, that we called visual-reading and touch-reading.
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La poésie graphique : Christian Dotremont, Roland Giguère, Henri Michaux et Jérôme PeignotPelard, Emmanuelle 12 1900 (has links)
L’objet de cette thèse est de définir un type de poésie visuelle moderne (XXe-XXIe), que nous avons nommé la poésie graphique et qui attache une importance considérable à l’expérimentation plastique du signe graphique, qui manifeste une conscience aiguë des ressources visuelles de la graphie et entend réaliser la poésie dans la matérialité des formes de l’écriture. Cette pratique graphique et plastique du poème s’inscrit dans la continuité, mais également dans un certain renouveau des avant-gardes poétiques et artistiques du XXe siècle, notamment du surréalisme.
La poésie graphique désigne une pratique de la poésie à caractère spécifiquement graphique, qui recouvre tant une peinture du signe qu’un travail typographique de la lettre pour élaborer le poème. La particularité des poètes graphiques est leur double vocation, celle d’écrivain et celle de plasticien. Ils expérimentent l’écriture dans sa dimension linguistique et dans sa dimension graphique, en considérant que l’activité de scription ou de linotypie — c’est-à-dire la peinture ou le dessin du mot, du signe graphique, la typographie et l’édition — est déjà littérature. Autrement dit, ils envisagent que la création et la matérialisation du poème procèdent du même geste.
Les logogrammes de Christian Dotremont, les poèmes-estampes et les livres d’artistes (Éditions Erta) de Roland Giguère, les recueils de signes inventés et d’encres d’Henri Michaux et la typoésie de Jérôme Peignot constituent des formes de poésie graphique. Notre étude porte donc sur des œuvres francophones, issues des domaines belge, français et québécois, produites entre 1950 et 2004. Trois caractéristiques définissent principalement la poésie graphique : l’ambiguïté et le nomadisme du signe du poème par rapport aux ordres sémiotiques — scriptural, iconique et plastique —, la présence d’un rythme et d’un lyrisme graphiques, comme modalités de l’expression du sujet dans la matière graphique, et une remise en cause de la ligne de partage entre les arts autographiques et allographiques, nécessitant de nouveaux modes de perception et de lecture du poème et du livre, soit une « iconolecture » et une « tactilecture ». / The purpose of this thesis is to define a type of modern visual poetry (20th – 21st), that we called graphic poetry. The graphic poetry focuses on a plastic and visual experimentation of the graphic sign, demonstrates an important conscience of the visual potential of the written form and tries to produce poetry in the materiality of the writing shapes. This artistic practice of poetry follows and also renews the poetic and plastic avant-gardes of the 20th century, more particularly surrealism.
The graphic poetry refers to a practice of poem which is specifically graphic and includes a painting of the sign as a typographic work of the letter in order to produce the poem. The main characteristic of graphic poets is their double vocation : they are writers and visual artists. They experiment writing in its linguistic dimension and its graphic dimension, because they believe that the action of drawing a line or making of a linotype setting — namely the painting or the drawing of the word, of the graphic sign, the typography and the publishing — is already literature. In other words, graphic poets think that the creation and the materialization of the poem proceed of the same gesture.
Christian Dotremont’s logograms, Roland Giguère’s artists’ books (Editions Erta) and prints-poems, Henri Michaux’s anthologies of invented painted signs and Jérôme Peignot’s typoems are some forms of graphic poetry. Our study focuses on francophone works, which come from Belgian, French and Quebec fields, published between 1950 and 2004. Three characteristics mainly define the graphic poetry : the ambiguity and the nomadism of the sign in relation to the semiotic systems (graphic, iconic and plastic), graphics rhythm and lyricism, as modalities of the expression of the subject in the graphic material, and a questioning of the distinction between autographic arts and allographic arts, requiring new ways of perception and reading of the poem and the book, that we called visual-reading and touch-reading. / Réalisé en cotutelle avec l'Université de la Sorbonne - Paris IV
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České bibliofilie na počátku 21. století / Czech bibliophile in the early 21st centuryŽižková, Zuzana January 2018 (has links)
The aim of this diploma thesis is to introduce the phenomenon of rare books and artist's book, their place in the domestic book production and the subjects that deal with their creation and publishing. In addition to publishing houses, also associations are introduced in the thesis, including universities, where numerous projects devoted to the artist's book are created. The current situation of rare books and artist's books is also reflected through exhibitions, competitions or fairs that focus on this topic. Reports on rare books and artist's books in the media provide feedback on how society is aware of and informed about this type of book production and how the society perceives it. Key words rare books, artist's book, Czech Bibliophile Association, Teapot s.r.o., Aulos, Trigon, The Most Beautiful Czech Books of the Year, The Most Beautiful Books of the World, rare books in the media
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