Memoria (licenciado en ciencias jurídicas y sociales) / No autorizada por el autor para ser publicada a texto completo / El objetivo de esta memoria es la de descubrir la naturaleza jurídica de los derechos de artistas, intérpretes o ejecutantes, cuestión que no pudimos dilucidar en el transcurso de este. Comenzamos por un estudio de los derechos de autor, a modo de preparar la entrada al tema, con el fin de ilustrar en que consiste y revisar las más importantes doctrinas acerca de su naturaleza. El capitulo segundo aborda el tema de los derechos conexos tratando, especialmente, aquellos que corresponden a los productores de fonogramas y organismos de radiodifusión, deteniéndonos en las diversas posiciones que tratan de explicar su naturaleza jurídica, con el fin de establecer claras diferencias entre estos y el derecho de los artistas. Seguidamente nos abocamos, derechamente, a la exposición de las diversas variantes que existen sobre la naturaleza jurídica de los derechos de los artistas, intérpretes o ejecutantes, terminando por exponer la posición de nuestra legislación, atendida la historia fidedigna de la ley, y nuestra propia opinión, la cual es influida, fuertemente, por los autores de las más modernas tesis que existen sobre la materia. El capitulo cuarto, aborda los derechos de estos sujetos que se han consagrado positivamente, analizando nuestra ley, la Convención de Roma, el Acuerdo sobre Aspectos de los Derechos de Propiedad Intelectual Relacionados con el Comercio (Acuerdo sobre los ADPIC) y el Tratado de la OMPI sobre Interpretación o Ejecución y Fonogramas (WPPT). Especial mención merece el tema de la responsabilidad extracontractual por daño moral, el cual bien puede servir de tema a un nuevo trabajo

This assignment connects itself to the line of research Education and Art and seeks to problematize with the deaf, specially the deaf artists understand themselves such as, for their relationship or contact with the art or for the production and expression or for the display of their work. In order to achieve this, the research relied on three interviews with three artists from different parts of Brazil, and the way each one of them sees himself and expresses his own way of being a subject in the contemporaneity. The art in this research is understood as a device that triggers technologies to create ways and behaviours of the deaf. Acting in the deaf subjects and in their constitution, the art produces meanings through images and knowledge teaching ways of being, behave and being a part of their culture. This way the research connects to the field of cultural studies problematizing the several possibilities of the subject understand himself inside his culture. The art showed itself in this research process as a producer of concepts, subjects, institutions, speeches, developing itself through the narratives of the deaf artists as a device that emerges in this historical time in order to answer the urgency of the practices about the constitution of the deaf subject, here, the deaf subject artist. The deaf artists in this research developed themselves different in their times, places, ways of acting and also in their family relationship. Also in their relationship with the art, these subjects were able to set some type of relationship with themselves and do something with themselves. This do something with themselves meant for some of them search art courses, information and one artistic identity, produce in yourself a way of being an artist among other possibilities of inner transformation of myself.During their lives, the relation between the art and its interior had been transformed by them and also transformed themselves. This way, it was clear that the constitution of the subject doesn t have a nonmoving place and time; it s a process in which it comprehend as a subject of a relationship with yourself. / Este trabalho filia-se a linha de pesquisa Educação e Arte e problematiza como os surdos, em especial os artistas surdos, têm se constituído por meio da arte, seja por sua relação ou contato com ela, seja por sua produção e expressão ou, ainda, pela circulação/exposição de suas obras de arte. Para tanto, a pesquisa contou com a participação de três artistas surdos de diferentes regiões brasileiras a fim de entender como eles foram e estão se constituindo sujeitos artistas e como cada um se subjetiva e expressa suas maneiras de ser sujeito na contemporaneidade. A arte, nesta pesquisa, desenrola-se como um dispositivo que coloca em funcionamento tecnologias que objetivam constituir modos e condutas dos sujeitos surdos. Operando nos sujeitos surdos e na sua constituição, a arte produz significados mediante suas imagens e saberes, ensinando-lhes modos de ser, de comportar-se e de estar na cultura à que pertencem. Esta pesquisa filia-se ao campo dos Estudos Culturais, problematizando as diversas possibilidades de o sujeito constituir-se em meio à(s) sua(s) cultura(s). A arte mostrou-se nesse processo de pesquisa, como produtora de conceitos, sujeitos, instituições, discursos, constituindo-se por meio de narrativas dos artistas surdos como um dispositivo que emerge neste tempo histórico a fim de responder à urgência das práticas sobre a constituição do sujeito surdo, aqui, o sujeito surdo artista. Os artistas surdos dessa pesquisa foram se constituindo diferentes em seus tempos, lugares, modos de agir e também na sua relação familiar. Também, na sua relação com a arte, esses sujeitos puderam estabelecer algum tipo de relação consigo mesmos e fazer algo consigo mesmo. Esse fazer algo consigo mesmo significou para alguns deles buscar cursos de arte, informações e uma identidade artística, produzir em si uma forma de ser artista, entre tantas outras possibilidades de transformação interior do eu. No decorrer de suas vidas, foram transformando a relação entre a arte e seu interior e transformando-se nessa relação. Desse modo, pode-se perceber que a constituição do sujeito não tem tempo nem lugar fixo, é um processo no qual ele se compreende como sujeito de uma relação consigo mesmo.

Orientador: Matteo Bonfitto Junior / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-27T17:01:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Monzon_AnaCarolinaBorges_M.pdf: 51391488 bytes, checksum: 704d7102121c406081d2c11664606d00 (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: Esta pesquisa visa questionar, observar e analisar o contexto da dramaturgia do ator vivenciado no teatro brasileiro contemporâneo. Possui, portanto, o intuito de esmiuçar processos de criação de uma dramaturgia coletiva, ou seja, de uma dramaturgia em que o ator participa ativamente do processo criativo e, muitas vezes, obtém a voz de um autor, criador ou compositor, cujo processo de composição de partituras e subpartituras é vivenciado e experimentado pelo corpo desse ator-performer. Além disso, procura-se refletir sobre a questão da autonomia do ator sobre o processo criador, escolhendo como foco três bases: a escolha dos materiais, o processo criador e registro dramatúrgico e a dramaturgia do ator. Cabe ressaltar que as três bases possuem, nesta pesquisa, caráter inacabado e em constante processo de atualização. Para início da pesquisa foram selecionados quatro materiais fundamentais para o trabalho de criação dramatúrgica: o corpo, o texto teatral, o ritmo e o espaço. Todos os materiais foram analisados como suporte e estímulo para a materialização da cena. Em relação ao levantamento prático sobre a dramaturgia do ator, foram detalhados aqui dois processos de criação observados pela pesquisadora e um processo vivenciado como atriz-pesquisadora. Ao final deste trabalho, propõe-se um estudo sobre o conceito e a prática da dramaturgia do ator, utilizando como base reflexiva teóricos contemporâneos, pensando-se a formação deste ator-criador. Conclui-se que todo o aporte teórico-prático deste trabalho serviu para a análise e apontamentos sobre o foco principal: a dramaturgia do ator / Abstract: This research aims to question, observe and analyse the actor¿s dramaturgy experienced in Brazilian contemporary drama. Therefore, it has the objective to describe in details the creation process regarding the collective dramaturgy, that is, a dramaturgy in which the actor participates in the creative process actively and many times has the voice of an author, creator or composer, whose scores and subscores are lived and experimented through the actor-performer¿s body. Besides, reflections on the actor¿s autonomy in the creation process are made, being chosen three bases as a focus: material choices, the creation process itself and the constant upgrading process. It is relevant to emphasize that all three bases, in this study, have an unfinished aspect as well as constant upgrading. In order to start this research, four materials were selected for the dramaturgy creation work: the body, the play, the rhythm and the space. All of the materials were analyzed as support and stimulus for the scene materialization. In terms of the applied survey about the actor¿s dramaturgy, two processes of creation were detailed here which were observed by the researcher and one process was experienced as an actress-researcher. At the end of this dissertation, a study is proposed about the concept and practice of the actor¿s dramaturgy, using contemporary theorists as a reflective basis, thinking of the construction of the actor-creator. In conclusion, all the theoretical and practical support of this study was used to analyze and observe its main focus: the actor¿s dramaturgy / Mestrado / Artes Cenicas / Mestra em Artes

El presente proyecto sobre nuestra agencia de marketing musical para artistas del género urbano nos muestra la viabilidad de su ejecución, en base a la investigación realizada en Lima Metropolitana de los NSE “A” y “B”, que permitió detectar una demanda insatisfecha debido a la necesidad que tienen para promocionar su música en el mercado local. Actualmente existen agencias de marketing musicales que no están enfocadas en el género urbano, sino en música de todos los tipos, lo que genera frustración en los artistas urbanos que tratan de llegar a todo su público objetivo sin éxito debido a la falta de información y de prácticas de promoción. Nuestro proyecto contempla la venta del servicio de plan de marketing dirigidos a músicos del género urbano, que contiene: el brief, la investigación del mercado, la conceptualización, estrategias de marketing, así como su implementación tanto en la elaboración de piezas graficas como la coordinación y seguimiento del cumplimiento de las estrategias propuestas. Para la implementación de este proyecto se requerirá la inversión de S/ 56 116 financiado en un 100% con aporte de los accionistas, descartando requerimiento de préstamos bancarios por las tasas altamente elevadas para pequeñas y primerizas empresas, que se estima recuperar al tercer año de operación. / The present project about our musical marketing agency for artists of the urban genre shows us the feasibility of it’s execution, based on the research carried out in Metropolitan Lima of the socioeconomic level "A" and "B", that allowed to detect an unsatisfied demand due to the need that they have to promote their music in the local market. Currently there are music marketing agencies that are not focused on the urban genre, but on music of all types, which generates frustration in urban artists who try to reach all their target audience without success due to lack of information and promotion practices. Our project includes the sale of a marketing plan service to musicians of the urban genre, which contains: the brief, market research, conceptualization, marketing strategies, as well as the implementation of the promotional content, additionally coordination and monitoring the fulfillment of the proposed strategies For the implementation of this project the investment will be required the amount of S /56 166, financed in a 100% with contribution of the shareholders, discarding requirement of bank loans for the highly elevated rates for small and first companies, which is estimated to recover in the third year of operation. / Trabajo de investigación

La presente tesis muestra los resultados de un laboratorio práctico realizado con tres performers de la Pontificia Universidad Católica del Perú, con sus objetos personales y el espacio doméstico como medios escénicos para generar narrativas de contención sobre el duelo. La metodología utilizada se basa en el desarrollo del laboratorio práctico, el cual tiene una duración de dos meses y se divide en tres módulos de sesiones grupales e individuales. Este espacio prioriza ser un lugar seguro, horizontal y de contención para las participantes. El proceso concluye con una muestra cerrada en la cual se presentan los hallazgos más significativos. Además, durante esos meses, las performers y la guía trabajan con bitácoras virtuales. Ello en conjunto ayuda a identificar y comprender las narrativas, las cuales dejan ver que no se quedan solo en la vivencia dolorosa, sino que las performers pueden transformarlas, resignificarlas e identificar nuevos recursos con el fin de compartirlas desde maneras cuidadosas y amables para ellas. Según esto, el rol de la casa y de los objetos personales es fundamental, pues el trabajo con ellos a través de las artes escénicas nos muestra los secretos que contienen, desarrolla vínculos y significados que se transforman continuamente, y con ello, se generan narrativas que nos permitan percibir el proceso de duelo desde miradas diversas. Por ejemplo, los matices de las personas que trascienden y los que se quedan, la decisión de cómo queremos recordar a nuestro ser querido, las reflexiones sobre la contención con nosotros y los demás al vivenciar un duelo, y la transformación de espacios u objetos como el armario. El cual, en un inicio, se siente como las puertas del infierno o de la vulnerabilidad y luego se convierte en un lugar acogedor, seguro y que abriga recuerdos muy preciados. / This thesis shows the results of a practical laboratory carried out with three performers from the Pontifical Catholic University of Peru (PUCP), with their personal objects and the domestic space as scenic means to generate narratives of contention about grief. The methodology used is based on the development of the practical laboratory, which lasts two months and is divided into three modules of group and individual sessions. This space prioritizes being a safe, horizontal and supportive place for the participants. The process concludes with a closed show in which the most significant findings are presented. In addition, during these months, the performers and the guide work with virtual logs. This together helps to identify and understand the narratives, which show that they do not remain only in the painful experience, but that the performers can transform them, re-signify them and identify new resources in order to share them in a careful and kind way for them. According to this, the role of the house and personal objects is fundamental, since working with them through the performing arts shows us the secrets they contain, develops links and meanings that are continuously transformed, and with this, narratives are generated that allow us to perceive the grieving process from different points of view. For example, the nuances of the people who transcend and those who remain, the decision of how we want to remember our loved one, the reflections on the containment with ourselves and others when experiencing a mourning, and the transformation of spaces or objects such as the closet. Which, at the beginning, feels like the gates of hell or vulnerability and then becomes a cozy, safe place that shelters very precious memories.

La presente investigación tiene por objeto entonces realizar un seguimiento a la forma en que el dibujo ha llegado a ser entendido en las artes visuales como un medio más, y no uno menor, por lo que se ha centrado en recorrer algunos aspectos de su historia en el arte occidental, con sus posteriores consecuencias en nuestro contexto inmediato. Respecto del dibujo como una elección genuina de ciertos artistas, mi premisa es que el dibujo permite resolver ideas específicas para aquellos que deciden hablar con referencias explícitas de su entorno. Al entender este nuevo status del dibujo como un momento distinto dentro de la Historia del arte reciente, reconozco que del mismo modo es un momento nuevo para el arte peruano. Por esto, he prescindido de señalar casos de dibujantes destacados a lo largo de nuestra historia, por no haber sido representativos de un hecho como este, sino más bien, haber sido excepciones. Y también por el hecho de que el dibujo siempre ha sido un medio auxiliar y subalterno del sistema artístico convencional. Creo que aunque es necesario el reconocimiento de situaciones insulares pero emblemáticas, y por lo tanto asumidas ya como referentes ineludibles de nuestra historia (como en Guamán Poma de Ayala por ejemplo o algunos pintores que además han sido dibujantes durante el siglo XX), la discontinuidad de sus apariciones es de un grado tal, que tratar de establecer en ellas un camino que pueda ser entendido como antecedente a la coyuntura actual sería forzado y contraproducente. Considero que resulta más productivo tratar de comprender los factores externos que han facilitado este viraje hacia una mayor amplitud de formas de creación en nuestro medio, un medio cuyas características propias tienen cada vez más que ver con la atención al arte contemporáneo internacional a través de medios impresos y de Internet, así como con el desplazamiento causado por la gran cantidad de artistas que emigran y se encuentran actualmente en un constante ir y venir que diversifica nuestra escena. Este interés por entender este devenir, está indudablemente influenciado por la forma que han tomado mis últimos proyectos, que han encontrado en el dibujo, la herramienta para explotar al máximo los elementos que han motivado mi quehacer reciente

Este documento es una reflexión sobre el proceso de producción del audiovisual : “Lanzafuegos: La Itinerancia Como Estilo de Vida”, que es un documental etnográfico de estilo participativo, en el cual, a partir de la historia personal de un joven lanzafuegos que conocí en un semáforo de Lima, se aborda el estilo de vida particular de una comunidad de jóvenes que han hecho de la itinerancia el objetivo primario de sus vidas. El documental explora qué los mueve a viajar constantemente y qué satisfacciones o beneficios les ofrece esa vida; para exponer detalles y nuevos conocimientos sobre este estilo de vida, que han sido opacados por los estereotipos de la vida contemporánea.

[EN] CURATORIAL FEMINIST PRACTICES IN THE SPANISH STATE (1993-2013). CULTURAL MANAGEMENT AS A PRODUCER OF GENDER IDENTITIES DISCOURSE This PhD thesis discuss on artistic practices and theoretical discourses of feminist art developed within the Spanish State since the late eighties to the present, focusing on how the exhibitions on gender issues have been building and structuring the feminist theoretical and visual discourse. This research comes with the intention to deepen in the specific context of the Spanish feminist art, which present certain differences with the European and North American ambit. We are interested in assessing how the theory and practice of foreign feminist art has greatly influenced its development and implementation, and in its turn, identify which have been the contributions of the Spanish feminist cultural production. In this purpose we have used the methodology of art history, cultural studies and feminist theory. Based on the peculiarities of the socio-political Spanish context where the essentialist trend, which revalues the female identity from the difference, coexists with the constructionist which understands gender as a socio-cultural construction, interspersed with the queer perspective, which claims other bodies and other non-regulatory sexualities, while reviewing the performing masquerade of femininity and masculinity. The first part treats the artistic strategies of international feminism and the main exhibitions abroad are reviewed. On the other hand an approach to the social, political and cultural context in the Spanish State in relation to gender issues, at the same time included a review of the evolution of the Spanish Feminist Movement. The second part focuses on exhibitions with gender issues within the Spanish state since the nineties, when they begin to arise from feminist positions. However, so-called 'women's exhibitions' proliferate at this time, developing with better or worse curatorial approach issues related to female artists. Therefore, we are also interested in assessing the potential relevance and impact of this type emerged as a tool of cultural policy in institutional feminism exhibitions. Finally, the third part reflects on the characteristics of the feminist cultural management, based on material previously analyzed, but also as a study case on my own feminist curatorial experience. All this subtracts that feminist cultural management is about visualizing artistic proposals that shows other ways of understanding gender identities and sexualities, besides the problems arising from the mechanisms of patriarchal oppression. This curatorial practice seeks to be plural and multidisciplinary, and on the other hand generating channels open for discussion to enrich the practice and thought from the feminisms. / [ES] RESUMEN TESIS EN CASTELLANO LAS PRÁCTICAS CURATORIALES FEMINISTAS EN EL ESTADO ESPAÑOL (1993-2013). LA GESTIÓN CULTURAL COMO PRODUCTORA DEL DISCURSO DE LAS IDENTIDADES DE GÉNERO Esta Tesis Doctoral surge de la intención de profundizar en el contexto específico del arte feminista español, que presenta ciertas diferencias con el ámbito europeo y estadounidense. Esta investigación se ocupa del arte y la teoría del arte feminista desarrollados en el ámbito del Estado Español desde finales de los ochenta hasta la actualidad, centrándose en cómo las exposiciones en torno a las cuestiones de género han ido construyendo y estructurando el discurso teórico y visual feminista. Se ha valorado cómo una exposición legitima un discurso artístico, tanto visual como teóricamente, e incluso cómo éste llega a institucionalizarse. Nos interesaba valorar cómo la teoría y práctica del arte feminista foráneo ha influido notablemente en su desarrollo e implantación, y a su vez, identificar cuáles han sido las aportaciones de la producción cultural feminista española al debate internacional. Es por ello que el objetivo fundamental de este estudio es contribuir a la (re)construcción de una genealogía feminista propia en relación a las artes visuales. Por lo tanto, en este análisis se han expuesto las diversas tendencias teóricas, críticas, historiográficas y estéticas de la producción cultural feminista realizada en el Estado Español. Debido a las singularidades socio-políticas de este contexto, conviven la tendencia esencialista, que revaloriza la identidad femenina -como si de un continuum cultural se tratase- junto con una línea construccionista, que entiende el género como una construcción socio-cultural, entreverada con la perspectiva queer, que revisa la sexualidad y las mascaradas performativas de la feminidad y de la masculinidad. La primera parte se ocupa de las estrategias artísticas de los feminismos a nivel internacional a modo de introducción al tema, así como se reseñan las principales exposiciones realizadas en el extranjero. Por otro lado se realiza una aproximación al contexto social, político y cultural del Estado Español en relación al arte vinculado a cuestiones de género, así como un recorrido por la evolución del movimiento feminista español. La segunda parte se centra en las exposiciones realizadas con temática de género en el Estado Español desde 1993, cuando comienzan a plantearse exposiciones verdaderamente feministas. No obstante, desde los noventa las denominadas 'exposiciones de mujeres' proliferan, desarrollando con mejor o peor criterio curatorial cuestiones relativas a mujeres artistas. Por lo tanto, también nos interesaba evaluar el posible interés y la repercusión de este tipo de exposiciones surgidas como una herramienta de la política cultural del feminismo institucional. Finalmente, en la tercera parte se ha reflexionado acerca de las particularidades propias de la gestión cultural feminista, en base al material previamente analizado, y también tomando como caso de estudio mi propia experiencia curatorial feminista. De todo ello se substrae que la gestión cultural feminista trata de visibilizar propuestas artísticas que muestran otros modos de entender las identidades de género y las sexualidades, así como las problemática derivadas de los mecanismos de opresión patriarcal. Esta práctica curatorial busca ser plural y multidisciplinar, además de generar canales abiertos de debate para el enriquecimiento de la práctica y del pensamiento feminista. / [CA] LES PRÀCTIQUES CURATORIALS FEMINISTES A L'ESTAT ESPANYOL (1993-2013). LA GESTIÓ CULTURAL COM PRODUCTORA DEL DISCURS DE LES IDENTITATS DE GÈNERE. Aquesta Tesi Doctoral sorgeix de la intenció d'aprofundir en el context específic de l'art feminista espanyol, que presenta certes diferències amb l'àmbit europeu i nord-americà. Aquesta investigació s'ocupa de les pràctiques artístiques i dels discursos teòrics de l'art feminista desenrotllats en l'àmbit de l'Estat Espanyol des dels finals dels huitanta fins a l'actualitat, centrant-se en com les exposicions entorn de les qüestions de gènere han anat construint i estructurant el discurs teòric i visual feminista. S'ha valorat com una exposició legitima un discurs artístic, tant visualment com teòricament, i fins i tot com este arriba a institucionalitzar-se. Ens interessava valorar com la teoria i pràctica de l'art feminista fora d'Espanya ha influït notablement en el seu desenrotllament i implantació, i al mateix temps, identificar quins han sigut les aportacions de la producció cultural feminista espanyola al debat internacional. És per això que l'objectiu fonamental d'este estudi és contribuir a la reconstrucció d'una genealogia feminista pròpia en relació a les arts visuals. Per tant, per a realitzar aquesta tasca s'ha emprat la metodologia de la Història de l'Art, els Estudis Culturals i la Teoria Feminista. A causa de les singularitats sociopolítiques del context espanyol conviuen la tendència essencialista, que revalora la identitat femenina des de la diferència, junt amb una línia construccionista, que entén el gènere com una construcció sociocultural, lligada amb la perspectiva queer, que reivindica altres cossos i altres sexualitats no normatius, mentres revisa les mascarades performatives de la feminitat i de la masculinitat. La primera part s'ocupa de les estratègies artístiques dels feminismes a nivell internacional, a manera d'introducció al tema, i es ressenyen les principals exposicions realitzades en l'estranger, d'altra banda es realitza una aproximació al context social, polític i cultural de l'Estat Espanyol en relació a l'art vinculat a qüestions de gènere, al mateix temps que s'inclou un recorregut per l'evolució del moviment feminista espanyol. La segona part es basa en les exposicions realitzades amb temàtica de gènere en l'Estat Espanyol des de 1993, quan comencen a plantejar-se des de posicionaments verdaderament feministes. No obstant això, des dels noranta les denominades 'exposicions de dones' proliferen, desenrotllant amb millor o pitjor criteri curadorial qüestions relatives a les dones artistes. Per tant, també ens interessava avaluar el possible interès i la repercussió d'este tipus d'exposicions sorgides com una eina de la política cultural del feminisme institucional. Per concloure, en la tercera part s'ha reflexionat sobre les particularitats pròpies de la gestió cultural feminista, basant-se en el material prèviament analitzat, però també prenent com a cas d'estudi la meua pròpia experiència curadorial feminista. De tot això se sostrau que la gestió cultural feminista tracta de visibilitzar propostes artístiques que mostren altres maneres d'entendre les identitats de gènere i les sexualitats, així com les problemàtiques derivades dels mecanismes d'opressió patriarcal. Esta pràctica curadorial busca ser plural i multidisciplinar, a més de generar canals oberts de debat per a l'enriquiment de la praxi i el pensament des dels feminismes. / Caramés Sales, Á. (2016). Las prácticas curatoriales feministas en el Estado Español (1993-2013). La gestión cultural como productora del discurso de las identidades de género [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/62863

El estudio de las acciones artísticas La Papa y Uni-forme Ejercicio para Re/acordar responde a una necesidad de ampliar la bibliografía académica desarrollada hasta el momento acerca del arte acción peruano. El trabajo de Liliana Albornoz resulta interesante y necesario, pues cada una de sus piezas reúne elementos característicos de la identidad peruana, tratando, simultáneamente, temas de violencia política y discriminación hacia la mujer. Es así que su obra se enmarca dentro del arte acción realizado por mujeres latinoamericanas que desarrollan y exploran el tema del cuerpo, la mujer y la violencia perpetrada por organismos de poder. El trabajo de la mujer en arte acción es particularmente importante, pues el hecho de que presente su cuerpo de manera pública, más aún de una forma irreverente que juega con los roles tradicionalmente asociados e impuestos a ella es, de por sí, un acto de cuestionamiento de los mandatos de género patriarcales que rigen la sociedad. En el presente estudio analizo cómo, a través del cuerpo, la acción desplegada y la relación entre la artista y la audiencia, elementos que conforman las acciones, éstas cuestionan el silencio, la pasividad y la sumisión, condiciones atribuidas a la mujer. La artista busca activar a los espectadores, para establecer una relación horizontal entre todos los miembros que forman parte de la acción escénica. El cuerpo y la acción, presentadas en La Papa y en Uni-forme Ejercicio para Re/acordar, activan la percepción multiespacial de los espectadores, resultando una experiencia en la cual, tanto artista como participantes, transforman e integran su cuerpo y su mente, para transformar los roles dentro de la acción escénica

El teatro, entendido como una actividad profesional, supone la consecución de ciertos bienes para el espectador y la sociedad. Dentro de esta perspectiva, hay una discusión acerca de cuáles son estos bienes que debería ofrecer el teatro de manera esencial para ser considerado bueno. Con respecto a los que asumen la postura de que el arte tiene como uno de sus fines el mejorar la sociedad, se problematiza la ética de esta voluntad al poder asociarse con prácticas paternalistas. Por ello, en este ensayo se pretende analizar y esclarecer la función del artista, el discurso (o no) de su obra y su relación con la sociedad; en específico, del artista teatral. Por medio de este análisis, se logra llegar a una conclusión acerca de la actitud que debe tomar el artista al momento de realizar su actividad teatral que logre, efectivamente, generar los bienes constituyentes de su ejercicio profesional que incluyen el entretener, producir un goce estético, y generar una “transformación positiva” en el espectador. Dicha actitud se aleja del paternalismo para optar por una posición dialógica y política que tome en cuenta la libertad, dignidad y voluntad de pensamiento del espectador, quien es considerado como un ser activo en la interpretación del discurso y en la consecución de los bienes del mismo. / Theater, understood as a professional activity, involves the achievement of certain assets for the viewer and society. Within this perspective, there is a discussion about what are these assets that the theater should offer in an essential way to be considered good. About those who take the position that art has as one of its aims to improve society, the ethics of this will is questioned by being able to associate with paternalistic practices. For this reason, this essay aims to analyze and clarify the role of the artist, the discourse (or not) of his work and his relationship with society; specifically, by the theatrical artist. Through this analysis, it is possible to reach a conclusion about the attitude that the artist must take when carrying out his theatrical activity that effectively manages to generate the constituent goods of his professional practice that include entertaining, producing aesthetic enjoyment , and generate a "positive transformation" in the viewer. This attitude moves away from paternalism to opt for a dialogical and political position that takes into account the freedom, dignity and will of thought of the spectator, who is considered to be an active being in the interpretation of the discourse and in the achievement of its goods.