Orientador: Marcos Siqueira Cavalcante / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-17T05:54:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rays_LuisGustavoCarvalhoAlonso_M.pdf: 2693608 bytes, checksum: 167ef33239dc3914202a9968eab2e195 (MD5) Previous issue date: 2018-08-17T02:54:23Z / Resumo: Este trabalho apresenta e analisa os elementos musicais pertencentes aos diferentes estilos e gêneros que caracterizam a obra do compositor e músico brasileiro Djalma de Andrade, mais conhecido nos meios musicais como "Bola Sete", evidenciados neste trabalho pela notável influência do jazz em suas composições e os reflexos de sua vida pessoal, como a sua origem humilde, sua dedicação à arte como meio de sobrevivência, sua espiritualidade, a busca do reconhecimento profissional em outros países e as parcerias com importantes músicos seus contemporâneos, pois estamos cientes da importância e necessidade de contribuir para com a historiografia da música brasileira, bem como da carência de trabalhos direcionados à interpretação das obras para o violão. Os elementos acima mencionados que marcaram o estilo deste músico no cenário musical na segunda metade do século XX, de certa forma ajudaram a construir a cultura popular musical brasileira, consolidada por outros personagens de nosso país. Os achados desta pesquisa tiveram como fonte principal o acervo particular Anne Sete, a viúva do compositor, que despreendidamente contemplounos com informações privadas como cartas, partituras, gravações e recortes de jornais e revistas contendo artigos que retratam a trajetória deste incomparável músico, tendo em vista que sua vida e obra são pouco conhecidas no meio acadêmico. O primeiro capítulo desta pesquisa recupera a trajetória pessoal e profissional do compositor e músico objeto desta investigação apresentando uma apreciação crítica dessas fontes bibliográficas. No segundo capítulo realizamos um estudo detalhado dos elementos musicais que caracterizam as composições de Djalma de Andrade identificando as suas sugestões interpretativas e apresentando os exemplos musicais em seus diferentes estilos e gêneros, observando, principalmente, a influência do jazz em suas composições. No terceiro capítulo, transcrevemos e analisamos algumas das obras, selecionadas a partir da sua importância na discografia nacional e internacional, pois, além de pesquisar e exemplificar os dados colhidos, ilustrando as reflexões sobre os elementos que caracterizam a obra do músico Djalma de Andrade, o Bola Sete, atendemos ao objetivo principal deste trabalho que é apresentar um estudo do repertório escrito para violão por este artista e incentivar novas criações e aperfeiçoamentos musicais que contribuam para a evolução e a inovação musical de nosso tempo / Abstract: This dissertation analyses the musical elements that belong to the different styles and genres that characterize the work of Djalma de Andrade, a Brazilian composer and musician, who is best known as "Bola Sete". This piece aims to exemplify the notable Jazz influences in the musicians work, as well as his personal life, his humble origins, his dedication to art as a means of survival, his spirituality, the search for professional recognition in other countries and the collaboration with other important musicians - for we are aware of the importance of contributing to the history of Brazilian music, as well as the lack of work that aims to interpret the art of the acoustic guitar. The elements above mentioned that marked the style of Djalma de Andrade in the second half of the 20th century, in many ways helped build the popular Brazilian musical culture, consolidated as well, by other characters of this country. The main reference for this research was the personal archive of Anne Sete, Djalma's widow, who unselfishly provided personal information such as letters and newspaper clippings containing the trajectory of this incomparable musician. We would like to point out that his life and work are not well known in academic circles. The first chapter of this research uncovers the musician's personal and professional trajectory with a critical appreciation of the archival material. The second chapter consists of a detailed study of the elements that were key in Djalma de Andrade's compositions - identifying interpretive suggestions and presenting musical examples of his different styles and genres. But mostly, we aim to reveal the jazz influence in his compositions. The third chapter is a transcription and analysis of a selection of his work, chosen due to their importance in the national and international repertoire. We have researched and exemplified the data, pondering about the elements that characterize the work of Djalma de Andrade, "Bola Sete" - but our main focus was to study the artist's acoustic guitar repertoire and hopefully inspire new work that contribute to the musical evolution and innovation of our times / Mestrado / Musica / Mestre em Música

Orientadores: Jose Roberto Zan, Yvan Nommick / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T03:11:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Chernavsky_Analia_D.pdf: 4263784 bytes, checksum: f2595efdd163424c81cf1787a8dbb514 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Este trabalho propõe um estudo do nacionalismo musical a partir de uma perspectiva comparativa. As trajetórias e as obras de dois grandes ícones da música do século XX, Heitor Villa-Lobos e Manuel de Falla, identificados como os maiores expoentes do nacionalismo em seus países, dão fundamento a esta comparação. Em primeiro lugar, estudamos como algumas "constâncias" identificadas pelos estudiosos do fenômeno do nacionalismo se manifestaram no Brasil e na Espanha. Em seguida, a partir das trajetórias de nossas duas personagens principais, observamos como os ideais nacionalistas se desenvolvem nesses países, e quais foram as soluções propostas em cada caso para os problemas da criação de uma identidade musical nacional. Nesse sentido, observamos como, à medida em que os ideais nacionalistas ganham contornos mais nítidos, as trajetórias de Villa-Lobos e Falla, que haviam partido de um início de carreira semelhante e que tiveram Paris como uma primeira rota de fuga, vão progressivamente se distanciando. Se Falla, por um lado, para concretizar o seu projeto nacionalista, prefere a reclusão e a atuação nos bastidores do meio musical espanhol, Villa-Lobos, por outro, insere-se no aparato público, comandando um grande programa disciplinador das massas através da doutrina do canto orfeônico. A apreciação musical das obras também nos ajudam a entender as respostas musicais dadas por esses compositores ao problema da criação de uma identidade nacional. Ao longo de suas trajetórias, estas obras ganham novos contornos que finalmente acabam por servir de parâmetros para as gerações seguintes de músicos brasileiros e espanhóis / Abstract: This work comprises a study of musical nationalism from a comparative perspective founded in the careers and works of two icons of 20th-century music, Heitor Villa-Lobos and Manuel de Falla, who are considered the greatest exponents of musical nationalism in their countries. First, it considers how "continuities" of nationalism, as identified by scholars, have manifested themselves in Brazil and Spain. Later, from the career paths of both musicians, it observes how nationalistic ideals developed in the two countries, and what solutions were proposed for the problems put forward by the creation of a national musical identity in each case. In this sense, it notes how, as the nationalistic ideals gained clearer definition, the paths of Villa-Lobos and Falla, who faced similar beginnings to their careers and shared Paris as their first escape, progressed. Whereas Falla, achieved his nationalistic project in reclusion, preferring to remain behind the scenes of the Spanish musical environment, Villa-Lobos inserted himself in the governmental machine, commanding a huge program to discipline the masses through the doctrine of Orpheonic singing. The musical appreciation of their works also helps us understand the musical answers given by those composers to the problem of creating a national identity. Finally, through their careers, these works acquire other features that are useful as parameters for subsequent generations of Brazilian and Spanish musicians / Doutorado / Doutor em Música

Orientador: Adriana Giarola Kayama / Acompanha 1 CD-ROM / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T23:10:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Alferes_Sidnei_M.pdf: 15389440 bytes, checksum: c9f5f9ac7bbadbb817a05e45a5367ea6 (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Esta pesquisa teve por finalidade tornar acessível ao público a "Collecção de modinhas de bom gosto" (1830) de João F. Leal, por meio de um estudo histórico-estético-musical da obra; uma nova editoração das partituras originais com sugestões de como distribuir na melodia o texto das estrofes não musicadas; uma apresentação pública da coleção na forma de recital; e da elaboração de sugestões de ornamentação a partir do resultado do estudo poético-musical das modinhas. Para tanto, consultamos bibliografia especializada e fontes primárias como, por exemplo, a edição de 1830 da referida coleção, periódicos, certidões, relatos, inventários e documentos escolares. A análise destas informações nos permitiu contextualizar a coleção em um ambiente próximo à corte do Rio de Janeiro da primeira metade do séc XIX, fato que se relacionou ao estudo da autoria da coleção e da vida do compositor, até então pouco considerados. Ficou evidente nesta pesquisa a influência, já conhecida, exercida pela ópera neste gênero de canções. No caso desta coleção, especialmente as de Rossini. Isto também possibilitou identificar um ideal estético vocal apropriado para a interpretação das canções que, curiosamente, aparenta ser remanescente da escola italiana dos castrati, enquanto a escrita musical do instrumento acompanhador remete ao classicismo. Estas informações nos levam a entender que, na época, o fazer musical ainda remetia ao gosto vocal dos estilos barroco e clássico, apesar da popularidade da ópera rossiniana no Rio de Janeiro. A elaboração da nova edição, bem como a sugestão de ornamentações nas diversas estrofes, nos ofereceu dados importantes sobre o emprego prosódico no gênero. Acreditamos que o processo característico prosódico das modinhas de vários compositores brasileiros, de várias épocas, pode ser de fato uma qualidade própria do gênero que desafia o intérprete e privilegia o espectador. / Abstract: This research had aims to make the "Modinhas of Good Taste Collection" (1830) by João F. Leal accessible for the public through a historicalaesthetic-musical study; provide a new edition of the original music scores with suggestions on how to set the non-set lyrics to the music; perform the collection in a recital form; and present suggestions of ornamentation as a result of the song's poetical and musical study. For these objectives we consulted specialized bibliography and primary resources, like the referred collection 1830's edition, periodicals, certificates, reports, inventories, academic records, among others. Analysis of the information allowed us to place in context the collection in an environment near the first half of the nineteenth century court in Rio de Janeiro. We also studied the collection's authorship and the life of the composer, since until now this matter has been less discussed. The well known influence of Italian opera on this genre of songs became evident in this research, especially Rossini's influence in the case of these modinhas. This study also provided us with data that permitted us to identify an adequate aesthetic vocal ideal for the interpretation of the songs, that curiously seems to be reminiscent of the castrati Italian school, while the part of the accompaniment refers more to Classicism. This information led us to understand that the musical practice of that period was still associated with the baroque and classical vocal tastes, despite the popularity of rossinian opera in Rio de Janeiro. The preparation of the new edition, as well as the ornamentation for the different stanzas provided important data related to the prosodic setting of this genre. We believe that prosodic characteristic of the modinhas used by several Brazilian composers, from different time periods, can be in fact a typical quality of the genre that challenges the performer and privileges the audience. / Mestrado / Mestre em Música

Orientador: Eduardo Augusto Ostergren / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-15T08:55:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Takahama_AlexandreMachado_D.pdf: 42177477 bytes, checksum: 8a2800f09e59047cc5fdc735a81f76f9 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: A ópera Sandro de Murillo Furtado (1873-1958) ocupa uma privilegiada posição de destaque no cenário musical sul-rio-grandense por ter sido a primeira ópera composta e estreada por um compositor gaúcho no Estado do Rio Grande do Sul. Trata-se da segunda e última ópera do compositor, a qual foi composta entre 1901 e 1902, sob forte influência do verismo. Seu enredo é uma seqüência dos acontecimentos da ópera Cavalleria Rusticana de Mascagni. Foi estreada em 1902, e relatos indicam que sua última execução ocorreu no ano de 1908, sendo que um dos fatores que contribuem para o seu completo abandono nos dias de hoje é a precariedade do material existente. Utilizando esta ópera como objeto de estudo, este trabalho tem como principal objetivo realizar uma abordagem sobre a sua direção musical no sentido de dar subsídios para a sua execução, a qual será viabilizada através da restauração do libreto e da edição revisada do manuscrito autógrafo. O trabalho se divide em quatro capítulos: o primeiro contextualiza o compositor e a obra do ponto de vista histórico. O segundo apresenta uma investigação da ópera em seus aspectos estruturais e estilísticos. O terceiro apresenta a primeira edição revisada desta ópera, a qual atua como um subsídio para a sua execução. O quarto e último capítulo traz uma discussão a respeito dos aspectos pragmáticos da preparação desta ópera, fundamentados nos conteúdos desenvolvidos nos capítulos precedentes. Por fim apresentamos, no apêndice, o libreto restaurado e traduzido bem como a partitura editada da ópera Sandro. / Abstract: The opera Sandro by Murillo Furtado (1873-1958) holds a privileged and prominent position in the Rio Grande do Sul musical scene for having being the first opera written and premiered by a native composer in his home State of Rio Grande do Sul. It is the second of two operas written between the years 1901 and 1902 under strong influence of Verismo School. Its plot is a sequel to the events already present in Cavalleria Rusticana by Mascagni. Sandro's debut took place in 1902 and reports of the time indicate that it had its last performance in the year 1908. The precarious condition of the existing orchestral material poses serious obstacle for another performance of the work. This dissertation therefore offers an approach to Sandro's musical direction in order to make its performance possible which could only be viable through the restoration of the libretto and of the revised edition of the manuscript score. It is divided into four chapters: the first attempts to contextualize the composer and his work from a historical standpoint; the second proposes to discuss structural and stylistic aspects of the opera; the third offers a newly revised edition of the work as subsidy for its performance; the fourth discusses pragmatic aspects regarding preparation of the work based on contents developed in the preceding chapters as well as historical overview about the preparation of an opera. Finally an addenda presents the restored libretto with a translation into the Portuguese language as well as an edited version of the full orchestral score. / Doutorado / Praticas Interpretativas / Doutor em Música

Orientador: Lenita Waldige Mendes Nogueira / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-11T08:42:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dias_VivianLisFerreiraNogueira_D.pdf: 22104756 bytes, checksum: 2f73e44e870773bfc51d6800576a408c (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Este trabalho tem como objetivo o resgate do patrimônio histórico e musical campineiro, através de transcrições musicológicas e considerações analíticas de três Missas de Manoel José Gomes (Santana de Parnaíba, 1792 - Campinas, 1868), conhecido sob a alcunha de Maneco Músico, figura central no panorama musical da cidade de Campinas durante o século XIX. Pai do compositor Carlos Gomes (1836-1896) e mestre-de-capela na cidade por mais de cinqüenta anos, sua produção musical integra o acervo da Coleção Manoel José Gomes, tematicamente organizada por Lenita W. M. Nogueira e publicada no livro Museu Carlos Gomes: Catálogo de Manuscritos Musicais. Dentre as sessenta e duas obras atribuídas a este compositor, as Missas focalizadas neste estudo foram escritas para coro a quatro vozes e orquestra, dispostas em manuscritos autógrafos em partes cavadas, datados do período de maior atividade do compositor (décadas de 40 e 50). A pesquisa foi dividida em três capítulos, organizados em dois volumes, um destinado às considerações analíticas e o outro às transcrições. Cada capítulo é dedicado a uma Missa, apresentada em ordem cronológica decrescente (1854 a 1852). A abordagem de cada obra compreende observações analíticas referentes às indicações contidas nas partes manuscritas e elementos musicais relacionados a texto/forma, orquestração/textura e estrutura harmônica (Volume I), e à transcrição musicológica com notas de edição (Volume II). O primeiro volume apresenta um quarto capítulo, quando são apontados aspectos comuns às três Missas, tendo em vista os parâmetros analíticos utilizados para cada uma, numa tentativa de se esboçar alguns procedimentos composicionais característicos de Maneco Músico. O resultado da pesquisa apresenta às orquestras e corais contemporâneos a partitura em notação atualizada, possibilitando uma interpretação que coloca músicos e público em geral em contato com obras representativas de um momento histórico no qual a execução de música sacra era evento da maior importância no contexto histórico-musical brasileiro / Abstract: The objective of this work is to compile the historical and musical patrimony of Campinas (São Paulo-Brazil), through musicological transcriptions and analytical considerations of three Manoel José Gomes' masses (Santana de Parnaíba, 1792 - Campinas, 1868). He was known as Maneco Músico (Musician Maneco) and regarded as key figure in the musical panorama of Campinas during the 19th century. Maneco Músico was the composer Carlos Gomes' (1836-1896) father and he was the chapel-master of Campinas for more than fifty years. Manoel Gomes' musical production integrates the Manoel José Gomes' Collection, thematically organized by Lenita W. M. Nogueira and published on the book Museu Carlos Gomes: Catálogo de Manuscritos Musicais (Carlos Gomes' Museum: Musical Manuscripts Catalog). Among the sixty-two works attributed to this composer, the masses focused in this study were written for four voices choir and orchestra disposed in autograph manuscripts in individual parts dated from the composer's intense activity period (40-50 decades). The research was divided in three chapters which were organized in two volumes: one destined to analytical considerations and the other to transcriptions. Each chapter is dedicated to a particular mass and presented in decreasing chronological order (1854-1852). The approach of each work consists of analytical observations regarding to the indications contained in the manuscript parts and musical elements related to text/form, orchestration/texture and harmonic structure (Volume I) and to the musicological transcription with edition notes (Volume II). The concluding section points common aspects of the three masses considering the analytical parameters used for each one in an attempt to sketch Manoel Gomes' composing process. The result of the research presents to the orchestras and contemporary chorals the score music in updated notation. Therefore, making possible the performance that will put musicians and general public in contact with representative pieces of work of a historical moment in which the sacred music was of great importance in Brazil / Doutorado / Doutor em Música

Orientador: Lenita Waldige Mendes Nogueira / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-11T09:23:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Beltrami_WaleskaScarme_M.pdf: 73658764 bytes, checksum: ae420283c9e500fd26690fc8d01b8a33 (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: Esta pesquisa identifica o surgimento e a formação do repertório de obras brasileiras compostas para a formação trompa e piano. Consciente da importância e necessidade de estudos direcionados ao repertório brasileiro de trompa, este trabalho visa a divulgação destas obras e dos respectivos compositores, contribuindo para a bibliografia sobre o assunto. A metodologia englobou o estudo dos compositores e obras, além dos aspectos relacionados à composição dessas obras como caráter, extensão, dinâmica, material e estrutura. Esta dissertação também apresenta a gravação em CD das nove obras estudadas interpretadas pela autora, a editoração das partituras manuscritas, o levantamento de dados. biográficos dos compositores, uma entrevista com os mesmos evidenciando sua visão pessoal sobre a obra, além de um catálogo completo das obras encontradas durante a pesquisa / Abstract: This research intends to identify the sprouting and the formation of the Brazilian repertoire for hom and piano. Aware of need and importance of studies addressed to the hom Brazilian repertoire, this work aims at to the spreading of these works and these composers as a contribution for its bibliography. The methodology unites the study of the hístory of composers and works, beyond the aspects related to the composition as character, extension, dynamics, material and structure. This essay also includes a compact disc with the nine pieces played by Waleska Beltrami, an edition of the handwritten scores, a study of the composers biographical data, an interview with the composers evidencing their consid~rations about their own compositions, beyond a complete catalogue with aH pieces found in this research / Mestrado / Mestre em Música

Submitted by Marlene Santos (marlene.bc.ufg@gmail.com) on 2016-08-12T17:16:46Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Felipe dos Santos Arruda - 2016.pdf: 3852414 bytes, checksum: cc0e0d1958cb1df0777e1d792d244a80 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-08-15T14:17:44Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Felipe dos Santos Arruda - 2016.pdf: 3852414 bytes, checksum: cc0e0d1958cb1df0777e1d792d244a80 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-15T14:17:44Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Felipe dos Santos Arruda - 2016.pdf: 3852414 bytes, checksum: cc0e0d1958cb1df0777e1d792d244a80 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2016-03-30 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG / Heitor Villa-Lobos brings significant new prospects for the bassoonist. Within this context this paper presents an investigation of the technical and interpretative skills necessary to perform the Ciranda das sete notas (Fantasy for bassoon and string quintet) by Villa-Lobos. The musical elements articulation, sound production, embouchure, breathing and fingering are based on the concepts presented by Julius Weissenborn (1887), Ludwig Milde (1950) Fernand Oubradous (1988), Gallois (2009) and the physiologist Fox (2007). The discussions are grounded on the above concepts and personal experience of the author in preparation to perform the Ciranda. Some excerpts were selected which expose mastery of technical skills for interpretation. It was found that there is a wealth of skills demanded in this Brazilian work, which enables the development of music skills equal to traditional foreign repertoire for the bassoon. This research shows the lack of literature, especially in Portuguese, with deep approach to the technical and interpretative elements - articulation, sound, embouchure, breath and fingering - for the bassoon player. In addition, a bassoonist who wants to interpret this work should: have knowledge of the sound characteristics of different regions of the bassoon for decision-making purposes of interpretation; master the skills related to playing legato in large intervals; be able to play staccato and legato throughout the whole extension of the bassoon. During the recital preparation I also noted that the above skills are recurring features present on Villa-Lobos other compositions, which makes the discussions presented here useful for application in the interpretation of other works of the composer. / Heitor Villa-Lobos, em sua obra que inclui o fagote, traz novas e significativas perspectivas para o instrumentista. Neste trabalho, apresento uma investigação das habilidades técnico-interpretativas ao fagote para a performance da Ciranda das sete notas Fantasia para fagote e quinteto de cordas de Villa-Lobos, uma obra representativa de sua produção para esse instrumento. Fundamentam-se os elementos musicais articulação, sonoridade, embocadura, respiração e dedilhado nos conceitos apresentados por Julius Weissenborn (1887), Ludwig Milde (1950) de Fernand Oubradous (1988), Gallois (2009) e o fisiologista Fox (2007). As discussões apresentadas utilizam-se dos conceitos expostos acima e da preparação e performance da obra realizadas por este autor. Foram selecionados trechos da Ciranda que evidenciam domínio por parte do fagotista de técnicas específicas para a interpretação. Constatou-se que há uma riqueza de habilidades demandada nessa obra brasileira, que possibilita um desenvolvimento em igual potencial ao tradicional repertório estrangeiro. Há também a escassez de bibliografia, sobretudo em português, com profunda abordagem sobre os elementos técnico-interpretativos articulação, sonoridade, embocadura, respiração e dedilhado associados à performance ao fagote. Além disso, um fagotista que pretende interpretar a obra deverá ter: o conhecimento das características das diferentes regiões do fagote para a tomada de decisões com fins interpretativos, com habilidade sobre a ligadura em grandes intervalos e staccato e legato por toda a extensão sonora do fagote. Durante a preparação dos recitais, notou-se ainda que essas habilidades são características recorrentes presentes na parte de fagote das diversas formações e composições de Villa-Lobos, o que torna as discussões aqui apresentadas úteis para aplicação na interpretação de outras obras do compositor.

O tratado de contraponto, Arte Explicada de Contraponto, do lisboeta André da Silva Gomes, destaca-se na produção teórico-musical brasileira como uma obra que articula o ensino musical europeu, especialmente o português, com aquele praticado no Brasil durante o período colonial. Seu autor, quarto mestre-de-capela da Sé de São Paulo desde 1774, certamente apropriou-se dos principais modelos pedagógicos em voga na segunda metade do século XVIII, em Portugal. A única cópia encontrada de seu tratado recebeu estudos que contribuíram para a divulgação e explicação da maior parte dos preceitos dessa obra, demonstrando seu possível alcance, adquirido ao longo do século XIX. Apesar disso, a questão sobre sua recepção teórica manteve-se aberta, contendo problemas referentes aos modelos teóricos que pudessem ser verificados na obra. O objetivo geral deste trabalho é primeiro, realizar uma consolidação bibliográfica a respeito do ensino teórico-musical em Portugal ao longo dos séculos XVII e XVIII, por um lado, e, vasculhar o caminho teórico encontrado nos tratados musicais europeus que versassem, de modo explícito, sobre as regras de contraponto e as regras do acompanhamento, a fim de se verificar quais desses modelos poderiam ser identificados na obra de Silva Gomes. Como metodologia e, também, delineamento da amplitude do trabalho, elencamos os principais tratados portugueses que se encaixam em uma dessas duas categorias mencionadas, complementados oportunamente por autores espanhóis e italianos, em sua maioria. Através de análises comparativas entre os discursos desses tratados e a obra teórica de Silva Gomes, pudemos verificar a manutenção de certos cânones do ensino de música, provenientes da tradição do contraponto, e enxergar novas possibilidades de interpretação do conteúdo da Arte Explicada, através dos manuais de acompanhamento. Estes, por sua vez, sugerem caminhos aos estudos sobre a recepção teórica brasileira, pautados na tradição de ensino napolitana, cujos modelos possuíram livre trânsito entre os compositores e professores portugueses desde o século XVIII / The treatise on counterpoint Arte Explicada de Contraponto, by Lisboan André da Silva Gomes, stands out in Brazilian theoretical writings as a work which articulates European music teaching, especially Portuguese, with that conducted in Brazil during colonial period. Its author, fourth chapel master of São Paulo\'s cathedral, since 1774, certainly absorbed the main pedagogic models of Portugal in the second half of the 18th century. The only copy found of his treatise has been analyzed in few studies, which contributed to the diffusion and offered explanations for most of its precepts, demonstrating its potential range, acquired along the 19th century. However, its theoretical reception was kept open, presenting some problems regarding the possible theoretical models that could be mapped within the work. The general objective of the present work is, at first, to achieve a bibliographic consolidation concerning music theory teaching in Portugal along 17th and 18th centuries, on one hand, and on the other, to scavenge the theoretical path found in European music treatises that discuss explicitly the rules of counterpoint and accompaniment, in order to verify what are the models which could be identified within the work by Silva Gomes. As methodology and also for bounding the reach of the work, we listed the central Portuguese treatises that fit in one of the above categories, further complemented, majorly, by Spanish and Italian authors. Through comparative analyses between the discourses of such treatises and the theoretical work by Silva Gomes, we were able to verify the abiding of certain canons of music teaching, originated from the tradition of counterpoint, and to look into new possibilities of interpreting the content of Arte Explicada through manuals on accompanying. Those, in turn, suggest directions to further studies about Brazilian theoretical reception, rooted in Neapolitan tradition of teaching models, which transited freely among Portuguese composers and music teachers since the 18th century.

Esta tese propõe uma investigação acerca da trajetória do compositor e violinista Manoel Joaquim de Macedo (1845-­-1925). Por meio de uma revisão da literatura, procura entender como surgiu o perfil biográfico do músico, perfil esse que acabou consagrado. Por outro lado, desconstrói esse perfil a partir de pesquisas recentes e dados inéditos, propondo uma nova leitura de sua biografia. Manoel Joaquim de Macedo é inserido em seu contexto social e político para melhor se entender como ele atuou como músico e quais eram suas ambições. Assim, são examinados o meio no qual ele se iniciou na música; a tradição da escola franco-­-belga de violino, na qual ele teria se formado; o meio musical carioca e mineiro do final do século XIX início do XX; e as questões político-­-ideológicas que envolveram a criação da ópera Tiradentes, seu grande projeto profissional da maturidade / This work proposes an investigation about the composer and violinist Manoel Joaquim de Macedo (1845-­-1925). Through a literature review, it tries to understand how the consecrated biography of the musician was formed. On the other hand, it deconstructs this biography from recent research and unpublished data, proposing a new biographical approach. Manoel Joaquim de Macedo is inserted in its social and political context to better understand how he acted as musician and what were his ambitions. Thus, this work examines the medium in which he began in music; the Franco-­-Belgian violin school tradition, in which he would have formed; the musical ambient of Rio de Janeiro and Minas Gerais in the late nineteenth and early twentieth century; and the political and ideological issues surrounding the creation of the opera Tiradentes, his great professional project of the maturity.

Estudo da obra para violão de César Guerra-Peixe, sua importância dentro do repertório violonístico brasileiro, através de análises feitas com base nos textos do compositor. Elaboração do perfil do compositor relacionado a obra violonística com citações e depoimentos de personalidades relevantes. Levantamento do catálogo de obras para violão solo e música de câmara com violão, apresentando dados complementares coletados durante a pesquisa de campo e de informações preservadas pelo próprio autor. Pesquisa de terminologia empregada por Guerra- Peixe compatível com o seu pensamento amadurecido pelas distintas fases criadoras frente ao repertório para violão de cunho didático e de concerto. / The study of Cesar Guerra-Peixe guitar production, its importance among the Brazilian guitar repertory, through analyses done based on the compositor texts. Bibliography elaboration related to his guitar production with quotations and testimonies of relevant personalities. Research of the catalogue of solo and chamber music guitar productions, presenting the complementary data collected during the field research and, mainly, through pieces of information preserved by the author. Research of the terminology applied by Guerra-Peixe or, at least, compatible with his thought, matured by the distinct creative phases having as a perspective the guitar repertory to didactic and concert purpose.