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Alberto Nepomuceno, Artémis: um estudo de análise neorriemanniana / -Taddei, Rita de Cassia 10 April 2015 (has links)
Este trabalho analisa a estruturação harmônica do episódio lírico Artémis, de Alberto Nepomuceno, buscando demonstrar que a técnica usada pelo compositor emprega sistematicamente os princípios da linguagem do cromatismo pós-wagneriano. Observa-se, inicialmente, que o projeto dessa obra encontra-se na vanguarda das estéticas de seu tempo, alinhando-se com as correntes progressistas do período. Nesse sentido verifica-se que, apesar de Nepomuceno ter sido identificado pela historiografia modernista como precursor do nacionalismo musical brasileiro, nesta obra prevalece sua inclinação cosmopolita. Para o desenvolvimento da pesquisa examinou-se inicialmente qual ferramenta de análise harmônica, dedicada ao repertório do cromatismo romântico do final do século XIX, seria mais adequada ao Artémis. Apresenta-se, por isso, uma introdução às teorias analíticas aplicáveis ao repertório com tonalidade expandida do século XIX, focando nos trabalhos de Hugo Riemann, Arnold Schoenberg e David Kopp. As teorias harmônicas de Riemann, sendo a matriz primordial dessas teorias, são extensamente investigadas. Comparamos, a seguir, as propostas dos três teóricos no que se refere a ferramentas de análise para peças com estrutura cromática. Discorrendo sobre aspectos positivos e negativos de cada teoria investigada, apontamos a recente teoria neorriemanniana de Kopp como a que melhor sistematizou, para nossos propósitos, os avanços acadêmicos no entendimento dos problemas harmônicos do repertório cromático do século XIX. Defendendo a importância de se atrelar, adequadamente, teoria, análise e repertório, confrontamos teoria e prática analítica, aplicando ao Artémis a sistemática das transformações cromáticas de Kopp. Conseguimos assim demonstrar, na prática do processo analítico, através de uma ferramenta de análise perfeitamente ajustada ao repertório proposto, resultados que atestam a coerência estrutural do texto musical abordado aos princípios transformacionais da harmonia cromática pós-wagneriana. / This dissertation analyses the harmonic structure of the \"lyric episode\" Artémis, composed by Alberto Nepomuceno, aiming to demonstrate that the technique used by the composer employs, systematically, the principles of the post-Wagnerian chromatic language. We observe, initially, that the project of this piece fits the avant-garde aesthetics of its time, aligning itself to the progressive trends of the period. In this sense we verify - although Nepomuceno has been identified by the modernistic Brazilian historiography as a forerunner of the Brazilian musical nationalism - that his cosmopolitan inclinations prevailed in this composition. At first, for the adequate development of the research, we examined which tool of harmonic analysis, dedicated to the chromatic repertoire of the final of the XIX Century, would be more adequate to the music of Artémis. We present, therefore, an introduction to the analytical theories that might be useful to the repertoire of expanded tonality of the XIX Century, focusing in the texts of Hugo Riemann, Arnold Schoenberg and David Kopp. The harmonic theories of Riemann, as the matrix for all these theories, are extensively investigated. We compare, in the sequence, the proposals of three theoreticians that developed analytical tools for pieces with chromatic structures. Revealing the positive and negative aspects of each of these theories, we pointed out the recent neoriemannian theory by Kopp as the one that better systematizes, for our purposes, the academic advances in the understanding of the harmonic problems of the chromatic repertoire composed at the end of the XIX Century. Because we defend the importance of considering simultaneously theory, analysis and repertoire, we confront theory and practice, applying to Artémis, Kopp\'s chromatic transformations systematic theory. This way we were able to demonstrate, in the practice of the analytical process, through an analytic tool perfectly fit to proposed repertoire, results that attest the structural coherence of the studied musical text with the transformational principles of post-Wagnerian chromatic harmony.
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A flauta doce no Brasil - da chegada dos jesuítas à década de 1970 / -Aguilar, Patricia Michelini 11 August 2017 (has links)
Esta tese propõe uma reconstituição da história da flauta doce no Brasil entre 1550 e 1970. Na primeira parte averiguamos a presença da flauta doce no período colonial, sobretudo no âmbito das missões jesuítas. Demonstramos que a flauta foi usada principalmente por crianças indígenas, como complemento à catequese e preparação para a prática musical da liturgia. Foram abordados aspectos como metodologia de educação, repertório provável e origem dos instrumentos utilizados. Enumeramos também algumas possibilidades de uso da flauta doce em ambientes não jesuítas entre os séculos XVI e XVIII. Na segunda parte discorremos sobre a flauta doce baixo que faz parte do acervo da Escola de Música da UFRJ, doada em 1896 por Leopoldo Miguez. Para concluir, apresentamos um abrangente panorama do retorno da flauta doce ao cenário musical brasileiro no século XX. Através de entrevistas e consultas com várias personalidades que se destacaram em ações pró-instrumento, elaboramos um percurso da flauta doce pelos estados do Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, São Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais, Bahia, Pernambuco, Ceará e Rio Grande do Norte. Observamos que os pioneiros da flauta doce no século XX eram, em sua maioria, imigrantes europeus ou alunos destes imigrantes, sem formação específica no instrumento. Apontamos os ambientes onde a flauta doce circulou entre as décadas de 1950 e 70, reiterando sua vocação de instrumento musicalizador e conquistando espaço como instrumento artístico. / This dissertation proposes a reconstitution of the recorder history in Brazil between 1550 and 1970. At first, we have investigated the presence of the recorder in the colonial period, especially in Jesuit missions. We have shown that the recorder was used mainly by indigenous children as a complement to catechesis and preparation for the practice of the liturgy. We have discussed aspects such as education methodology, probable repertoire and origins of the instruments used there. We also enumerated some possibilities of recorder practice in non-Jesuit environments in the 16th and 18th centuries. In the second part we talk about the bass recorder that belongs to the Music School of UFRJ, donated in 1896 by the composer Leopoldo Miguez. At the end, we present a comprehensive overview about the return of the recorder to the Brazilian music scene in the 20th century. Through interviews and consultations with several personalities who excelled in pro-instrument actions, we have developed a recorder tour through the states of Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, São Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais, Bahia, Pernambuco, Ceará and Rio Grande do Norte. We observed that the pioneers of the recorder in the twentieth century were mostly European immigrants or students of these immigrants, with no specific instrumental training. We point out the spaces where the recorder circulated between 1950s and 70s, reiterating its vocation as first instrument and gaining prestige as an artistic instrument.
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Música, religião e morte: recorrências tópicas na missa de réquiem em Mi bemol maior de Marcos Portugal / Music, Religion and Death: Topical recurrences in Marcos Portugal Requiem Mass in E flat major.Almeida, Ágata Yozhiyoka 02 December 2016 (has links)
Com a mudança no cenário musicológico internacional no final do século XX, o desenvolvimento da teoria das tópicas musicais encontrou terreno fértil nas análises sobre expressividade e significação do discurso musical. Apesar de seu principal objeto de estudo se pautar nas obras de compositores dos séculos XVIII e XIX, as tópicas musicais têm sido utilizadas como ferramentas de análise em obras de diversos períodos da música brasileira. Entretanto, pouco se tem pesquisado sobre a sua influência nas obras luso-brasileiras do período colonial. Nesta mesma senda, sabe-se que a obra religiosa de Marcos Portugal, importante compositor da Casa Real Portuguesa durante o reinado do príncipe regente D. João VI, também carece de atenção no âmbito das investigações musicológicas. Assim, diante destas duas carências, este trabalho pretende, como objetivo geral, observar as recorrências tópicas na Missa de Réquiem em Mi bemol maior de Marcos Portugal. O contexto fúnebre em que as Missas de Réquiem são compostas possibilita a ocorrência de jogos semânticos e simbólicos entre a música, a religião e a morte. Dessa forma, observamos como as tópicas de marcha fúnebre, ombra e tempesta são apresentadas no Réquiem de Marcos Portugal e como contribuem para a construção da expressividade e sentimentos comuns diante da morte: o temor pela condenação eterna e a esperança de salvação. / The transition of the international musicology context in the late twentieth-century has made it possible for the development of Topic Theory to find a breeding ground for the analysis about musical discourse expressivity and signification. While its main object of research is based on works from eighteenth and nineteenth-century composers, musical topics have been used as analysis tools in musical works from several Brazilian music periods. Nevertheless, very little has been researched about its influences in Luso-Brazilian colonial musical works. Similarly, it is known that the religious works of Marcos Portugal, a relevant composer of the Royal House during the reign of the Regent Prince D. João VI, also requires further attention as far as musicological investigations are concerned. Thus, given these two shortcomings, the aim of this study is to look for topical recurrences in Marcos Portugal Requiem Mass in E flat major. The funeral context in which Requiem Masses are composed makes the occurrence of semantic and symbolic games between music, religion and death, possible. In this way, we have noticed how funeral march, ombra and tempesta topics are employed in Marcos Portugal Requiem and how these topics contribute to the construction of expressivity and common feelings before death: awe of the eternal damnation and hope of salvation.
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[en] RE(DIS)ORGANIZING THE MOVEMENT: AN OUTLOOK ON BRAZILIAN POPULAR MUSIC DURING THE SEVENTIES / [pt] RE(DES)ORGANIZANDO O MOVIMENTO: UM OLHAR SOBRE A MÚSICA POPULAR BRASILEIRA NA DÉCADA DE 70MIGUEL JOST RAMOS 16 October 2007 (has links)
[pt] Discutir de forma crítica a produção e a recepção da
música popular brasileira ao longo dos anos 70 é o
objetivo central deste trabalho. De maneira oposta ao que
ocorreu com a bossa nova, o tropicalismo e o rock dos anos
80, a reflexão sobre esse período de grande importância da
nossa música parece ser dispersa e fragmentada, sem
apresentar a consistência das análises sobre os movimentos
citados. Essa consistência não se baseia numa
interpretação homogênea dos casos. Pelo contrário, a
diversidade de interpretações é o que confere a eles uma
posição privilegiada no campo dos Estudos Culturais no
Brasil. A proposta dessa dissertação é justamente se
juntar a essa dispersa e fragmentada produção teórico-
reflexiva sobre os anos 70 oferecendo mais uma voz, um
olhar, um corpo escrito que de alguma forma possa
interceder nos debates sobre a cultura brasileira e sua
vitalidade naquele momento. Levando em consideração a
especificidade de uma conjuntura política de autoritarismo
e de violento cerceamento a liberdade de expressão e
opinião, porém sem aceitar qualquer forma de leitura
determinista sobre essa condição, minha proposta é
discutir questões que tenham, de algum modo, afetado a
classe artística, o público e a crítica desta década. / [en] The central objective of this work is to critically
discuss the production and reception of Brazilian popular
music during the seventies. Opposite to what happened to
bossa nova, tropicalism and the 80s rock movement, the
reflections about this period of great importance in our
music seem to be disperse and fragmented, not presenting
the consistency of the analyses of the aforementioned
movements. This consistency is not based on an homogeneous
interpretation of the cases, on the contrary, the
diversity of interpretations is what confers to them a
privileged position at the Cultural Studies field in
Brazil.
The exact proposal of this dissertation is to join this
disperse and fragmented theoretical-reflexive production
about the 70s presenting one more voice, an outlook, a
written body that somehow may intercede in the debates on
Brazilian culture and its vitality at that moment. My
proposal is to discuss questions that somehow affected the
artists, audiences and critics of this decade, taking in
consideration the specificity of a political context of
authoritarism and violent restrictions of freedom of
speech and opinion, whilst not accepting any form of
determinist reading of this condition.
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Da bossa à barricada? Engajamento político e mercado na carreira de Geraldo Vandré (1961-1968) / Da Bossa à barricada? Political engagement and market Geraldo Vandré Career (1961-1968)Mesquita, Regina Marcia Bordallo de 27 November 2015 (has links)
Este trabalho teve por objetivo analisar, a partir do estudo da trajetória musical de Geraldo Vandré, no período compreendido entre o surgimento da chamada Bossa Nacionalista na canção popular brasileira e o ano de 1968 - quando da implementação do AI 5 - a mudança de postura de certos setores do campo musical que, acompanhando as transformações ocorridas na conjuntura política do país, paulatinamente vão deixando de lado o caráter inicialmente denunciativo da bossa engajada para ingressar na luta de resistência ao regime militar. Durante este processo, foi possível observar as imbricadas relações entre a construção de um projeto estético ideológico de esquerda e a necessária ligação com o mercado fonográfico e de entretenimento, assim como o entrecruzamento com setores envolvidos com a luta armada contra o governo. / This paper had the aim of analyzing throughout the study of Geraldo Vandrés career compromised in a period between the appearance of Bossa Nacionalista in Brazilian popular song and 1968-during the AI 5 implementation- the different behavior in certain sections of the musical field that following the changes in the countrys political context leaves behind the initial bossas criticizing tone to engage in resistance with the military regime. In this process, it was possible to observe the interlinking relations between the construction of an ideological esthetic Right-wing project and the necessary connection with the entertainment and phonographic market, likewise the intersection with evolved sections with the armed struggle against the military government.
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Entre música interior e música brasileira: o catálogo de obras de Luciano Gallet / -Brum, Marcelo Alves 24 March 2017 (has links)
Este trabalho versa sobre o catálogo de obras de Luciano Gallet e o lugar que ocupou na história de vida daquele compositor. Partindo da reunião de informações de partituras editadas e manuscritas, de pesquisas em periódicos da época, de programas de concerto, de literatura musicológica pertinente e ainda valendo-nos de sua correspondência pessoal com Mário de Andrade, buscamos recompor a sua trajetória artística e profissional em meio ao contexto sócio, político e cultural em que esteve inserida, com especial atenção ao estabelecimento de seu conjunto de obras. Através do mapeamento de um diálogo de sua produção musical com seus demais investimentos intelectuais, discutimos em que medida a criação musical de Luciano Gallet acompanhou ou transpareceu os ideais de arte e educação que nortearam sua vida, bem como propomos uma contribuição para a compreensão da transição pela qual passou sua obra, qual seja a de uma estética gálica de suas primeiras composições até sua inserção e contribuição para a cristalização do movimento nacionalista modernista brasileiro em música. / This doctoral thesis deals with the catalog of works by Luciano Gallet and the place it occupied in his life history. Starting from the collection of information from edited and handwritten music scores, research in periodicals of the time, concert programs and pertinent musicological literature, as well as availing ourselves of his personal correspondence with Mário de Andrade, we sought to trace his artistic and professional trajectory within the social, political and cultural context of the time, paying special attention to the formation of his set of works. Through the mapping of a dialogue between his musical production and his other intellectual investments, we discuss the extent to which Luciano Gallet\' musical creation accompanies or reflect the ideals of art and education that guided his life, and propose a contribution to the understanding of the transition through which his work passed such a from a Gallic aesthetic until its insertion and contribution to the crystallization of the Brazilian nationalist modernist movement in music.
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Análise da estrutura atonal da Primeira Sinfonia para duas orquestras de cordas de Cláudio Santoro / -Oliveira, Rafael Fajiolli de 22 September 2017 (has links)
Cláudio Santoro (1919-1989) compôs, ao todo, quatorze sinfonias ao longo de toda a sua vida. A Primeira Sinfonia para duas orquestras de cordas (1940), além de possuir uma formação instrumental curiosa, também representa uma das obras inaugurais de sua primeira etapa como compositor, procurando ao lado de Koellreutter, novos paradigmas para a composição musical de seu tempo, tendo influenciado uma geração de compositores brasileiros. Este trabalho pretendeu desenvolver uma atenta e inédita análise da Primeira Sinfonia de Cláudio Santoro, procurando demonstrar sobre qual estética atonal, sendo ela dodecafônica ou livre, a obra foi escrita. Além da identificação sugerida, propõe-se também a averiguação de possíveis hibridismos estéticos que podem ter ocorrido na Primeira Sinfonia de Santoro. A análise atenta dos movimentos que constituem essa obra, utilizando métodos como a Teoria dos Conjuntos desenvolvido por Allen Forte, a Teoria dos Contornos Musicais de Robert Morris e a relação parcimoniosa entre diferentes coleções tal como proposto por Dmitri Tymoczko, nos permitiu identificar alguns processos pós-tonais, que indicam influencias de autores como Claude Debussy, Paul Hindemith e Heitor Villa-Lobos no primeiro movimento Allegro Majestoso da Primeira Sinfonia de Santoro. A manutenção de algumas sonoridades como a coleção pentatônica, a escala de tons inteiros e a coleção acústica, são alguns dos indícios que nos permite identificar tais influencias na obra de Santoro. No segundo movimento Andante quasi adagio, podemos observar um processo serial tradicional, que se desenvolveu a partir de duas séries que se relacionam. Tal apontamento foi possível a partir do método da identificação e contagem serial, tal como proposto por autores como Kostka e Francolí. No terceiro movimento, observamos uma estrutura que é engendrada a partir de coleções simétricas como a coleção eneatônica e a escala octatônica paradigmática, além de outras formatações simétricas que ocorrem a partir de sobreposições entre camadas, procedimento que também é encontrado na obra de Villa-Lobos. Nesse sentido, a Primeira Sinfonia para duas orquestras de cordas de Cláudio Santoro, foi engendrada através de procedimentos pós tonais considerados livres e sistêmicos, sendo possível observar hibridismos estilísticos nesta obra. / Cláudio Santoro (1919-1989) composed, in all, fourteen symphonies throughout his life. The First Symphony for two stringed orchestras (1940), in addition to possessing a curious instrumental formation, also represents one of the inaugural works of his first stage as composer, looking alongside Koellreutter, new paradigms for the musical composition of his time, having influenced a generation of Brazilian composers. This work developed a complete, attentive and unpublished analysis of the First Symphony of Claudio Santoro, trying to demonstrate on which atonal aesthetic, being it dodecaphonic or free, had written the work in question. Besides the suggested identification, it is also proposed the investigation of possible aesthetic hybridity that may have occurred in the First Symphony of Santoro. The careful analysis of the movements that constitute this work, using methods such as the Theory of Sets developed by Allen Forte, Robert Morris\'s Theory of Musical Constraints and the parsimonious relation between different collections as proposed by Dmitri Tymoczko allowed us to identify some post Which indicate influences by authors like Claude Debussy, Paul Hindemith and Heitor Villa-Lobos in the first Allegro Majestic movement of the First Symphony of Santoro. The maintenance of some sonorities such as the pentatonic collection, the whole-tone scale and the acoustic collection are some of the indications that allowed us to identify such influences in Santoro\'s work. In the second Andante quasi adagio movement, we can observe a traditional serial process, which developed from two series that relate, such an approach was possible from the method of serial identification and counting, as proposed by authors such as Kostka and Francolí. In the third movement, we observe a structure that is generated from symmetrical collections such as the eneatonic collection and the paradigmatic octatonic scale, as well as other symmetrical formations that occur from overlaps between layers, a procedure that is also found in the work of Villa-Lobos. In this sense, the First Symphony for two chord orchestras by Claudio Santoro was conceived through postural procedures considered free and systemic, being possible to observe stylistic hybrids in this work.
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Missa ferial de Osvaldo Lacerda - uma análise interpretativa / Missa ferial de Osvaldo Lacerda - uma análise interpretativaLessa, Angélica Giovanini Micheletti 30 October 2007 (has links)
O objeto deste trabalho é a Missa Ferial de Osvaldo Lacerda, sobre a qual se fará uma análise musical. Composta entre os meses de fevereiro e março de 1966 trata-se de uma missa escrita para coro misto SATB - a capella para ser cantada nos dias comuns do calendário litúrgico da Igreja Católica Romana. A Missa Ferial, que data do período em que o compositor Osvaldo Lacerda atuou como membro da Comissão Nacional de Música Sacra, é a primeira de suas quatro missas que apresentam elementos da cultura brasileira agregados à música sacra católica, de acordo com as determinações do Concílio Vaticano II. O primeiro capítulo desta dissertação analisa os aspectos freqüenciais da missa: a melodia, o contraponto entre as vozes e o elemento harmônico em cada uma das partes que compõem a obra. Já o segundo capítulo trata dos aspectos referentes ao timbre e à graduação de intensidade sonora no decorrer da missa. O terceiro capítulo deste trabalho analisa o aspecto rítmico e a utilização deste na construção da obra como um todo.O quarto capítulo relata apontamentos para uma possível performance da Missa Ferial a partir da utilização de todo o desmonte analítico na construção de uma concepção interpretativa da obra. O estudo de cada um desses elementos que formam a obra foi desenvolvido a partir do referencial de análise do Marco Antonio da Silva Ramos, da utilização de bibliografia específica sobre análise musical, e do estudo sobre documentação referente à música sacra depois do Concílio Vaticano II, principalmente os documentos da Comissão Nacional de Música Sacra. Tem-se, ainda, como referência de estudo da obra, a entrevista inédita realizada com o compositor - encontra-se como apêndice deste trabalho. Para melhor compreensão das constâncias rítmicas da música brasileira, buscou-se a coleta de dados a partir de dados de pesquisa realizada por Villa-Lobos. Este trabalho, portanto, fornece subsídios para novos parâmetros interpretativos. / The musical analysis of the Missa Ferial Osvaldo Lacerda is the objective of this study. This mass was written between the months of February and March of 1966 and was intended for a mixed chorus(SATB) which was to be sung, a capella, on the common days of the liturgical calendar of the Roman Catholic Church. The Missa Ferial was composed at the time when the composer was an acting member of the National Commission of Sacred Music. It is the first of his four masses that represent the union of Brazilian cultural elements with sacred Catholic music, in accordance with the resolutions of the Vatican Council II. The first chapter of this dissertation analyzes the frequent aspects of the mass in relation to: the melody, the counterpoint between voices, and the harmonic element in each of the parts that makes up the overall structure of the mass. The second chapter deals with aspects dealing with timbre as well as the graduation of sonorous intensity throughout the piece. The third chapter of this study analyzes the aspect of rhythm and the application of these rhythms within the compositions construction in its whole. By means of an analytical dissection of the Missa Ferial, the fourth chapter presents interpretative annotations for the possibility of a performance of this work. The analysis of each of these elements that are embodied within the structure of this composition, was made possible by the application of the guidelines developed by Marco Antonio da Silva Ramos through the utilization of his documented study on musical analysis, as well as the study of the documentation referring to sacred music according to the Vatican Council II, and principally the documents from the National Commission of Sacred Music. It must be mentioned as well, in reference to the study of the composition, an interview made with the composer himself(of which can be encountered in the appendix of this study). In order to better understand the rhythmic constancies of Brazilian music, a collection of data was taken and analyzed from the research of Villa-Lobos. This study may hopefully provide groundwork for new interpretive perspectives.
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Luz e sombra: música e política na trajetória de Manoel Joaquim de Macedo (1845-1925) / Light and shadow: music and politics in Manoel Joaquim de Macedo (1845--1925).Fresca, Camila Ventura 03 June 2014 (has links)
Esta tese propõe uma investigação acerca da trajetória do compositor e violinista Manoel Joaquim de Macedo (1845--1925). Por meio de uma revisão da literatura, procura entender como surgiu o perfil biográfico do músico, perfil esse que acabou consagrado. Por outro lado, desconstrói esse perfil a partir de pesquisas recentes e dados inéditos, propondo uma nova leitura de sua biografia. Manoel Joaquim de Macedo é inserido em seu contexto social e político para melhor se entender como ele atuou como músico e quais eram suas ambições. Assim, são examinados o meio no qual ele se iniciou na música; a tradição da escola franco--belga de violino, na qual ele teria se formado; o meio musical carioca e mineiro do final do século XIX início do XX; e as questões político--ideológicas que envolveram a criação da ópera Tiradentes, seu grande projeto profissional da maturidade / This work proposes an investigation about the composer and violinist Manoel Joaquim de Macedo (1845--1925). Through a literature review, it tries to understand how the consecrated biography of the musician was formed. On the other hand, it deconstructs this biography from recent research and unpublished data, proposing a new biographical approach. Manoel Joaquim de Macedo is inserted in its social and political context to better understand how he acted as musician and what were his ambitions. Thus, this work examines the medium in which he began in music; the Franco--Belgian violin school tradition, in which he would have formed; the musical ambient of Rio de Janeiro and Minas Gerais in the late nineteenth and early twentieth century; and the political and ideological issues surrounding the creation of the opera Tiradentes, his great professional project of the maturity.
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Você sabe de onde eu venho? O Brasil dos cantos de guerra (1942-1945) / Do you know where I come from? The Brazil of its songs of war (1942-1945).Pereira, Maria Elisa 22 October 2009 (has links)
Este trabalho analisa, mais do que os cantos de guerra do Brasil durante a Segunda Guerra Mundial, o Brasil dos cantos de guerra. Trabalha com as peças criadas pelos combatentes da FEB e da FAB na Itália, com as músicas difundidas pelos músicos militares e pelas transmissões de rádio feitas pela FEB naquele país, e com os hinos que estimularam as ações patrióticas dos brasileiros em território nacional. Também se utiliza de discos comerciais, lançados nos anos em que o país participou efetivamente do conflito (1942-1945), que revelam a matéria brasileira naquela situação de rearranjo internacional. Todas essas canções passaram pelo crivo da teoria crítica brasileira, encontrando na paródia a ferramenta mais comum à época para a estruturação social na música. / This work analyses, over and beyond the Brazilian war songs during the Second World War, the Brazil (itself) in the war songs. It uses the plays created by the FEB and FAB combatants in Italy, the music revealed by the military musicians and by radio transmissions of FEB as well as the hymns that stimulated the patriotic actions of Brazilians throughout the country. Also, commercial records, launched during the years that the country effectively participated in the conflict (1942-1945), illustrating the Brazilian viewpoint during this particular situation of international rearrangement. All these songs have passed through the sieve of Brazilian Critical Theorry, finding in the parody the most common tool at the time for show the social structures in music.
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