Submitted by Automa??o e Estat?stica (sst@bczm.ufrn.br) on 2017-04-03T22:51:36Z No. of bitstreams: 1 AnaLuizaPalhanoCamposSilva_DISSERT.pdf: 3646707 bytes, checksum: e6a4d5fdc71374f42ec5603986d8bef5 (MD5) / Approved for entry into archive by Arlan Eloi Leite Silva (eloihistoriador@yahoo.com.br) on 2017-04-11T21:56:50Z (GMT) No. of bitstreams: 1 AnaLuizaPalhanoCamposSilva_DISSERT.pdf: 3646707 bytes, checksum: e6a4d5fdc71374f42ec5603986d8bef5 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-04-11T21:56:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 AnaLuizaPalhanoCamposSilva_DISSERT.pdf: 3646707 bytes, checksum: e6a4d5fdc71374f42ec5603986d8bef5 (MD5) Previous issue date: 2017-01-30 / Esta disserta??o possui como tema de estudo o papel do ensino de Cenografia na forma??o do professor de Teatro. Nesse sentido, buscou-se apresentar uma an?lise sobre a proposta de forma??o em Cenografia ofertada pelo Laborat?rio de Estudos Cenogr?ficos e Tecnologias da Cena - CENOTEC aos alunos do curso de Licenciatura em Teatro da Universidade Federal do Rio Grande do Norte ? UFRN. Trata-se de uma pesquisa de natureza qualitativa que, utilizando os m?todos e as t?cnicas do estudo de caso, como observa??o participante, entrevistas, question?rios e an?lise de documentos e registros (fotogr?ficos e cinematogr?ficos), visou refletir como esse laborat?rio contribui para a forma??o do professor de Teatro nesta universidade, quais a??es pedag?gicas desenvolve e quais os desafios enfrenta. Para a constru??o desta an?lise, a pesquisa dialoga com autores como P?mela Howard (2009) e Mickinney e Butterworth (2009), na discuss?o sobre Cenografia e suas transforma??es nos s?culos XX e XXI, al?m de Ara?jo (2005), Freire (2010), Leite (1996), Salles (2012) e Alves (2006), no debate sobre ensino de Cenografia e forma??o de professores. Portanto, por meio desta investiga??o, busca-se difundir e ampliar as discuss?es sobre os aspectos pedag?gicos do ensino de Cenografia para al?m dos aspectos t?cnicos no campo da Pedagogia Teatral. / This dissertation project has as study subject the role of scenography teaching in the formation of the Theatre teacher. In this sense, sought to present an analysis of the training proposal in scenography offered by Scenographic Studies and Scene Technologies Laboratory - CENOTEC to the students of bachelor's degree in Theatre of the Federal University of Rio Grande do Norte ? UFRN. This is a qualitative research, using the methods and techniques of the case study as participant observation, interviews, questionnaires and analysis of documents and records (photographic and cinematographic), that aimed at reflecting how this laboratory contributes to the formation of Theatre teacher at this university, which educational activities develops and what challenges facing. For the construction of this analysis, the research dialogues with authors like Pamela Howard (2009) and Mickinney and Butterworth (2009), about the discussion of scenography and its transformations in the twentieth and twenty-first centuries, besides Ara?jo (2005), Freire (2005), Leite (1996), Salles (2012) and Alves (2006) in the debate about scenography teaching and teachers training. Therefore, through this research, we seek to spread and expand discussions on the pedagogical aspects of scenography teaching beyond the technical aspects in the field of Theatre Pedagogy.

Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro / O objetivo desse trabalho é compreender como o design é utilizado no espaço expositivo para construir contexto, conteúdo e linguagem. Entender quais estratégias são usadas para projetar ambientes atraentes à visitação em vista a proporcionar experiências coletivas e individuais, contemplativas, espaciais (imersivas), sensoriais e interativas. Para tal analisamos a mudança do papel dos museus ao longo do tempo e montamos um panorama das instituições museológicas no Brasil nas últimas décadas. Selecionamos padrões de exibição instituídos historicamente em termos mundiais, já que o Brasil sofreu enorme influência cultural da Europa e dos Estados Unidos. Estabelecemos uma base de conceitos que envolvem a linguagem do projeto de exposições e museus temáticos, considerando aspectos como formas de aprendizagem do público, comportamento deste em relação ao objeto exposto, produção de conteúdo, produção de sentido, escolha de linguagem, intencionalidade, construção de experiência, mediação e interface. Analisamos como estudo de caso, o projeto de dois museus temáticos contemporâneos, o Museu da Língua Portuguesa e o Museu do Futebol, com a intenção de construir uma crítica ao projeto espacial-visual, entendendo as relações estabelecidas entre os objetos (previamente existentes ou projetados produtos, textos, imagens, vídeos), a forma como eles são expostos e as características do local escolhido para abrigar a exposição. / The aim of this work is to understand how design is used in exhibitions for building context, content and language. Understand which strategies are used to project environments that are attractive to visitors in order to provide individual and collective, contemplative, spacial (immersive), sensorial and interactive experiences. For these we analyzed the changing role of museums throughout the time and set up an overview of museum institutions in Brazil in the last decades. We have selected historically established exhibition display standards that spread globally, since Brazil has undergone enormous cultural influence of Europe and the USA. Also, we have established a background of language concepts at the base of exhibition projects and thematic museums, considering aspects such as the way public learns, public behavior in relation with an exposed object, content production, production of meaning, choice of languages, intentionality, experience building, mediation and interface, among other things. As a study case, we have analyzed two contemporary thematic museums (Museu da Língua Portuguesa and Museu do Futebol), trying to build a critical view to the visual-spatial project, understanding the relations between objects (pre-existing or projected - products, texts, images, videos), the way they are exposed and the characteristics of the site chosen to host the exhibition.

A presente pesquisa investiga o espaço cênico, este espaço-tempo que é condição do acontecimento teatral. Delimitada a partir da análise da obra para o espaço cênico da artista-plástica e cenógrafa Zoé Degani, entre os anos de 1993 e 2012, propõe-se uma navegação conceitual sobre esta prática cenográfica. Em busca do conceito implícito marcado pela plasticidade de cada objeto/quadro destacado, investiga-se como o trabalho da artista intervém na cena teatral: compondo com os demais elementos cênicos a cada nova montagem, a partir da dramaturgia ou para supri-la do que não pode dizer; na dança: sendo outra linguagem inserida na efemeridade do feito cênico, ou ampliando as possibilidades de leitura e vivência das encenações. Para tal, o estudo apoia-se sobre as considerações de Tadeusz Kantor, Antonin Artaud e Gilles Deleuze, além de outras contribuições sobre o espaço das artes cênicas, a semiologia teatral, a qualidade autoral e os processos de criação em arte; contempla ainda depoimentos da artista pesquisada bem como de alguns de seus pares. Observa-se de que forma a qualidade plástica pode incidir em determinadas cenas, procurando entender como a manipulação do espaço cênico e dos signos visuais que o habitam pode alterar o destino de uma obra. As relações significantes e sensíveis estão ressaltadas, o foco volta-se para a cenografia das encenações a partir de uma prática que acopla vida e obra, de cenários que pluralizam as possibilidades do exercício cênico. / This research aims to investigate the scenic area, this space-time which is the condition of the theatrical event. Delimited since Zoe Degani’s practice to the scenic space, who is a fine artist and set designer, the analyses focus on the year 1993 until 2012, proposing a conceptual navigation throw this scenographic work. In search of the underlying concept marked by the plasticity of each object/frame highlighted, the investigation wants to show how the artist’s work intervenes in the theater scene: composing with other elements each new assembly, from the play-writing or to fill it of what it can’t say; in dance: being another language immersed in the ephemeral scene, or expanding the possibilities of reading and living the stage. To this end, this study is supported by considerations of Tadeusz Kantor, Antonin Artaud and Gilles Deleuze, besides other contributions about space in performing arts, theatrical semiology, quality authorial and creation processes in art; it still brings testimonials from the artist in researching as well as some of her peers. We observe how the plastic quality may incise in certain scenes, trying to understand how the manipulation of scenic space and visual signs that inhabit it can change the destiny of a work. The significant and sensitive relations are emphasized, the focus turns to the scenography of the plays since a practice that couples life and work, a scenic exercises pluralized by set designs.

A pesquisa parte da investigação de procedimentos construtivos implicados na representação e apresentação dos trabalhos Um mosaico misterioso (2015), Gabinete de Coleta, Identificação e Significação de Espécies (2015) e Gabinete para Observação e Identificação Ornito- lógica do Delta do Rio Jacuí (2015). Cada situação ficcional é com- posta por diferentes linguagens justapostas (desenho, fotografia, texto, objeto, vídeo), estruturada por narrativas ficcionais e construída em torno de personagens. Ao transitar entre a realidade e a ficção, as ins-talações estabelecem diálogos com a literatura e o teatro. Ao penetrarem o campo das ciências naturais (zoologia, botânica, entomologia, entre outros), apropriam-se de sistemas de representação e simulam regras de funcionamento destas disciplinas. Desta forma, as questões ampliam-se para uma reflexão teórica acerca da definição da noção de instalação por intermédio de seus aspectos cenográficos e teatrais e de seus elementos estruturais, quais sejam a personagem fic- cional e o conjunto de objetos e dados que a compõem. A investigação se debruça sobre as correspondências entre o trabalho artístico e os históricos Gabinetes de Curiosidades, no que concerne a formas de apresentação e disposição dos objetos, artefatos e espécimes. São analisados sistemas de classificação e denominação científicos, ao obser- var seus aspectos objetivos e subjetivos como propulsores da criação poética. O presente estudo aborda, nesse contexto, aspectos ficcionais e representacionais, diálogos entre arte e ciência e trânsitos entre linguagens e gêneros artísticos, amparando-se em obras referenciais dos artistas Marcel Broodthaers, Mark Dion, Joan Fontcuberta e Ilya Kabakov. / The research stems from the investigation of constructive procedures involved in representation and presentation of the artworks Um mosaico misterioso (2015), Gabinete de Coleta, Identificação e Signi- ficação de Espécies (2015) and Gabinete para Observação e Iden- tificação Ornitológica do Delta do Rio Jacuí (2015). Each fictional situation is composed by different juxtaposed languages (drawing, photography, text, object, video), structured by fictional narratives and built around characters. Through transits between reality and fiction, the installations establish dialogues with literature and theater. By penetrating the field of natural sciences (zoology, botany, entomology, among others), they appropriate representation systems and simulate these disciplines modus operandi. Thus, the research scope widens towards a theoretical pondering on the definition of installation through its scenography and theatrical aspects and its structural elements, namely the fictional character and the set of objects and data that comprise it. The research focuses on the correspondences between the artwork and historical Cabinets of Curiosities, regarding the forms of presentation and arrangement of objects, artifacts and specimens. Scientific classification and designation systems are analyzed by observing their objective and subjective aspects as drivers of poetic creation. The reasearch addresses, in this context, fictional and representational aspects, dialogues between art and science and transits between languages and artistic genres, with the support of referencial works authored by the artists Marcel Broodthaers, Mark Dion, Joan Fontcuberta and Ilya Kabakov.

Conselho Nacional de Desenvolvimento CientÃfico e TecnolÃgico / Nesta pesquisa, analisamos como o investimento vocal, em relaÃÃo com a sua referÃncia nas cenografias, colabora com a construÃÃo do ethos do posicionamento âPessoal do CearÃâ no discurso literomusical brasileiro. Nosso suporte teÃrico à o da AnÃlise do Discurso de linha francesa, conforme delineada por Dominique Maingueneau (1996a/b, 1997, 2000, 2001, 2004, 2005, 2006a, 2006b, 2008, 2010a/b), que propÃe os conceitos mais gerais de posicionamento e investimento, aplicados por Costa (2001, 2011) ao discurso literomusical brasileiro. Para chegarmos à caracterizaÃÃo do investimento vocal do âPessoal do CearÃâ, recorremos à referÃncia dessas vozes nas cenografias das canÃÃes, Ãs declaraÃÃes dos artistas a jornalistas, Ãs pesquisas acadÃmicas (COSTA, 2001, 2011; CASTRO, 2008) e a conceitos da Ãrea fonoaudiolÃgica (BELHAU; PONTES, 1989). Foi necessÃrio ainda adaptar os conceitos de interdiscurso e metadiscurso à anÃlise da dimensÃo vocal da canÃÃo, o que resultou nos conceitos de âintervocalidade contitutivaâ, âintervocalidade mostradaâ e âmetavocalidadeâ. AlÃm disso, analisamos a construÃÃo do ethos na articulaÃÃo do investimento vocal com a sua referÃncia na cenografia, observando como esse conceito contribui para a definiÃÃo do Pessoal do CearÃ. Desse modo chegamos as seguintes conclusÃes, respectivamente nos planos, vocal, verbal e vocoverbal das canÃÃes. A qualidade vocal anasalada e grave de Belchior e as qualidades vocais metÃlicas e agudas de Fagner bem como o emprego de recursos vocais que enfatizam tais qualidades, dentre os quais destacamos respectivamente os alongamentos de sons vocÃlicos em Belchior e de sons rascantes em Ednardo e Fagner produzem um efeito de estranheza. Em Fagner, contribuem ainda para esse estranhamento o fato de tais alongamentos serem frequentemente acompanhados por vibrato e ainda ser frequente o uso de intensidade forte nas sÃlabas âÃtonasâ que terminam as frases musicais, podendo-se ouvir tambÃm, por vezes, uma aspiraÃÃo. Nas cenografias, esse investimento vocal âestranhoâ da enunciaÃÃo à referenciado pela figura da âfacaâ, do âberroâ, pela representaÃÃo da sua produÃÃo por cordas vocais de aÃo e pela desqualificaÃÃo do canto do outro que possui caracterÃsticas opostas a essas. Portanto, pela articulaÃÃo dessas duas dimensÃes, conclui-se que hà uma reciprocidade entre o âqueâ à cantado e o âcomoâ à cantado. Desse modo, a estranheza do canto e o que à dito sobre ele sÃo partes essenciais na construÃÃo do ethos polÃmico e agressivo do posicionamento Pessoal do CearÃ, jà identificado por Costa (2001). / In this research, we analyzed how vocal investment in relation to its reference in scenography collaborates with building the ethos of positioning "Pessoal do CearÃ" in Brazil. Our theoretical support is Discourse Analysis from French line, as delineated by Dominique Maingueneau (1996a/b, 1997, 2000, 2001, 2004, 2005, 2006a, 2006b, 2008, 2010), which proposes the more general concepts of positioning and investment, applied by Costa (2001, 2011) to Brazilian literary musical discourse. To get to the vocal characterization investment of "Pessoal do Cearaâ, we resorted to reference these voices in the scenery of the songs, the statements from journalists and artists, the academic research (COSTA, 2001, 2011; CASTRO, 2008) and the concepts of the phonoaudiological area (BELHAU; PONTES, 1989). It was still necessary to adapt concepts of interdiscourse and metadiscourse to analysis of the song vocal dimension, which resulted in the concepts of "intervocalidade contitutiva", "intervocalidade mostrada" and "metavocalidade." Furthermore, we analyzed the construction of ethos in the articulation of vocal investment with its scenography reference, noting how this concept contributes to the definition of âPessoal do CearÃ.â Thus we achieved the following conclusions, respectively in these plans, vocal, verbal and vocoverbal of the songs. The nasal vocal quality and bass sound of singer Belchior and metal vocal qualities and treble sound of singer Fagner, as well the use of vocal resources that emphasize such qualities, among which respectively emphasize of the vowel sound elongation in Belchior and rasping sound in Ednardo and Fagner, produce an effect of strangeness. In Fagnerâs voice, also contributes for the production this strangeness the fact of such elongation is often accompanied by vibrato and still be frequent the use of high intensity in the syllables "unstressed" ending the musical phrases, and can also be heard, sometimes, an aspiration. In scenery, this vocal "strange" investment of the enunciation is referenced by the figure of the "knife", the "scream", the representation of its production by the vocal cords of steel and the disqualification of the other song that it has the opposite characteristics to those. Therefore, the articulation of these two dimensions, it is concluded that there is reciprocity between the "what" it is sung and "how" it is sung. Thus, the strangeness of the song and what is said about him are essential parts in the construction of the controversial and aggressive ethos of âPessoalâ positioning of CearÃ, already identified by Costa (2001).

A presente pesquisa investiga o espaço cênico, este espaço-tempo que é condição do acontecimento teatral. Delimitada a partir da análise da obra para o espaço cênico da artista-plástica e cenógrafa Zoé Degani, entre os anos de 1993 e 2012, propõe-se uma navegação conceitual sobre esta prática cenográfica. Em busca do conceito implícito marcado pela plasticidade de cada objeto/quadro destacado, investiga-se como o trabalho da artista intervém na cena teatral: compondo com os demais elementos cênicos a cada nova montagem, a partir da dramaturgia ou para supri-la do que não pode dizer; na dança: sendo outra linguagem inserida na efemeridade do feito cênico, ou ampliando as possibilidades de leitura e vivência das encenações. Para tal, o estudo apoia-se sobre as considerações de Tadeusz Kantor, Antonin Artaud e Gilles Deleuze, além de outras contribuições sobre o espaço das artes cênicas, a semiologia teatral, a qualidade autoral e os processos de criação em arte; contempla ainda depoimentos da artista pesquisada bem como de alguns de seus pares. Observa-se de que forma a qualidade plástica pode incidir em determinadas cenas, procurando entender como a manipulação do espaço cênico e dos signos visuais que o habitam pode alterar o destino de uma obra. As relações significantes e sensíveis estão ressaltadas, o foco volta-se para a cenografia das encenações a partir de uma prática que acopla vida e obra, de cenários que pluralizam as possibilidades do exercício cênico. / This research aims to investigate the scenic area, this space-time which is the condition of the theatrical event. Delimited since Zoe Degani’s practice to the scenic space, who is a fine artist and set designer, the analyses focus on the year 1993 until 2012, proposing a conceptual navigation throw this scenographic work. In search of the underlying concept marked by the plasticity of each object/frame highlighted, the investigation wants to show how the artist’s work intervenes in the theater scene: composing with other elements each new assembly, from the play-writing or to fill it of what it can’t say; in dance: being another language immersed in the ephemeral scene, or expanding the possibilities of reading and living the stage. To this end, this study is supported by considerations of Tadeusz Kantor, Antonin Artaud and Gilles Deleuze, besides other contributions about space in performing arts, theatrical semiology, quality authorial and creation processes in art; it still brings testimonials from the artist in researching as well as some of her peers. We observe how the plastic quality may incise in certain scenes, trying to understand how the manipulation of scenic space and visual signs that inhabit it can change the destiny of a work. The significant and sensitive relations are emphasized, the focus turns to the scenography of the plays since a practice that couples life and work, a scenic exercises pluralized by set designs.

Orientador: Ernesto Giovanni Boccara / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-18T04:28:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marin_Ronaldo_D.pdf: 1759806 bytes, checksum: 4040f21951cd0004d27c71eb28c42277 (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: Esta pesquisa tem por finalidade avaliar a possibilidade de que as peças de William Shakespeare tenham sido compostas em estreita relação com o desenvolvimento e prática dos atores da companhia da qual ele era sócio e para a qual escreveu a maioria de suas peças, a saber, a Companhia Chamberlain's Men que após a morte da Rainha Elizabeth I passou a ser denominada King's Men. A origem de Shakespeare, diversa dos autores populares da época, formados nas universidades e conhecidos como os "university wits" fez com que ele fosse um autor muito mais próximo dos atores, do que se costumava ver, o que lhe permitiu um aproveitamento muito mais amplo das características destes artistas para fazer com que seus personagens alcançassem um nível de realidade e verdade comportamental, raramente vista antes dele. Consequentemente, em função de sua origem, defendemos também que a obra dramática de Shakespeare só atinge sua plenitude quando efetivamente encenada e colocada no palco através da energia viva e presente do ator. Sendo que, se nos limitarmos apenas a sua leitura, apesar de experimentarmos algum deleite, sem os efeitos da ação dramática, a obra fica diminuída, sendo menos eficiente no que tange ao envolvimento profundo e completo dos sentidos. Por último, este trabalho defende também, que por estarem tão fundamentalmente envolvidos em todo o processo relativo a sua obra, são os atores, os verdadeiros e naturais herdeiros de Shakespeare, devendo-se recorrer a eles - à sua arte e seu talento - sempre que a necessária decodificação da obra se apresente, pois trata-se em última análise, como toda a ação dramática, da "fisicalidade" do ator e não de divagações filosóficas / Abstract: The purpose of this research was to evaluate the possibility that William Shakespeare's plays were composed in close relation with the development and practice of the players of the company where he was a partner and for which he wrote most of his plays, namely The Chamberlain's Men that after Queen Elizabeth's death became The King's Men. The origin of Shakespeare, unlike the popular authors of his time who graduated from universities and were known as the "university wits", made him an author much closer to the actors than were these other authors, allowing him to make more profound use of the characteristics of these artists, reaching a level of reality and a behavioral truth rarely seen before. Consequently, because of its origin, we also argue that Shakespeare's dramatic work reaches its fullness only when staged and placed on stage through the living energy of the actor. If we are limited only to the reading, despite experiencing some delight, without the effects of the dramatic action the work becomes diminished, being less efficient regarding the deep and full involvement of the senses. Finally, it is also argued that, because they are so fundamentally involved in the process regarding his work, the actors are Shakespeare's true and natural heirs, and one must resort to them - their art and talent - whenever decoding his work. Ultimately it is, as with every dramatic action, the "physicality" of the actor and all the human essence that matters more than the philosophical ramblings / Doutorado / Artes Visuais / Doutor em Artes

Orientador: Maria Jose de Azevedo Marcondes / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T11:44:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Quagliato_AdrianaNovaes_M.pdf: 5683316 bytes, checksum: 4794c083ac1325203ea073eb9e94a5fc (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Esta dissertação de mestrado tem como objetivo analisar a interação entre as obras barrocas e a cenografia e assim, compreender o caráter da espetacularização da arte barroca conferido na Mostra do Redescobrimento ¿ Brasil 500 anos. Através desse projeto procurou-se pesquisar e analisar se esses dois pontos eram ¿compatíveis¿ e poderiam ser complementares. O início desta pesquisa se deu com a investigação sobre a origem e os princípios da arte barroca para conhecer as características estéticas e ¿funcionais¿ dessa arte. Em seguida, considerando que a mostra era constituída especificamente por obras brasileiras, buscou-se entender como esta ¿arte barroca¿ chegou ao Brasil e como esta produção artística se desenvolveu nas diversas regiões hegemônicas de nosso país. Além disso, como essa Mostra foi montada em um Museu, pesquisouse também, a origem dos museus e quais as inovações em relação à arquitetura e à organização do espaço museólogico que contribuíram para a criação e o planejamento da exposição Mostra do Redescobrimento ¿ Brasil + 500 anos. Por fim, foram reunidos todos os catálogos, artigos e críticas sobre a Mostra e o módulo propriamente ditos / Abstract: This essay has the purpose of analysing the interaction between the baroque workmanships and scenography. It aims to understand the character of the baroque art spectacle presented on the ¿Brazil Rediscovery Exhibition¿. Through this project it was researched and analysed the compatibility and complementation (harmony) between the two areas. This research started with the investigation of the origin and principles of the baroque art, in order to better understand the characteristics, aesthetics and functionality of the art. Subsequently, since the sample contained only of Brazilian workmanships, it was researched the reason of how the baroque art arrived in Brazil and how this art production developed in different hegemonic regions in the country. Furthermore it was also studied how this sample was mounted in the museum, the origin of the museums and which innovations related to architecture and distribution of the space in the museum contributed to the creation and planning of the exposition ¿Brazil Rediscovery Exhibition¿. At last, it was gathered the catalogues, articles and critiques about the sample and the module itself / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Jonas de Araujo Romualdo / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-14T15:35:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Amorim_MarciaFonsecade_D.pdf: 2570761 bytes, checksum: 66779974e6c992536afcc756a31c54b4 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: O presente trabalho tem como objetivo refletir sobre a participação feminina no funk brasileiro, principalmente em uma ramificação desse movimento que divulga músicas cujas letras apresentam um alto teor de erotismo. Para isso, utilizo como referencial teórico-analítico a proposta da Análise do Discurso de linha francesa, os estudos de Foucault sobre a sexualidade e os estudos de Bakhtin que relaciona a cultura popular da Idade Média e da Renascença à obra de François Rabelais. A inserção da obra de Bakhtin nesta tese se deve ao fato de o funk ser tratado por grande parte da sociedade como um movimento de caráter grotesco, obsceno, vulgar, que explora a sexualidade feminina de uma maneira pouco convencional. À figura feminina no funk são associados termos como cachorra, popozuda, potranca, piranha, vadia, entre outros. Essa representação simbólica em torno da funkeira a inscreve socialmente como um sujeito despudorado e ousado, que não se sente constrangido em expor sua sexualidade em público. Essas e outras características do funk (a simbologia em torno a figura masculina, a exposição de crianças a cenas de erotismo) vêm chamando a atenção de diferentes setores da sociedade (grupos religiosos, políticos, feministas) e têm sido alvo de muitos debates e reflexões de profissionais de diferentes áreas a respeito da representação da mulher na sociedade brasileira, tendo em vista a imagem construída socialmente em relação a ela e a imagem que ela tem de si mesma. No espaço discursivo do funk, a sexualidade e a sensualidade da mulher recebem um tratamento específico, bastante peculiar, inscrito no modo como ela se veste e como expõe seu corpo, na coreografia que executa em bailes e shows, nos dizeres que profere e nas posições discursivas que assume: ora ela se apresenta como dominadora da cena instaurada por meio da música e dita o que espera de seu parceiro, ora se deixa dominar por ele. Esse jogo discursivo - dominadora/dominada - induz a uma relação conflituosa e aparentemente contraditória da mulher no universo funk. / Abstract: The present work aims to reflect upon the participation of the woman in the Brazilian funk focusing on a branch of this movement which songs express a high level of eroticism. For this task, I take into account the theoretical analytic conception of Discourse Analysis of the French School, Foucault's studies of sexuality as well as Bakhtin's approach about the relationship between the Middle Ages and the Renaissance popular culture and François Rabelais' work. The inclusion of Bakhtin's thesis in this research is due to the fact that the funk in our society is conceived as a grotesque, obscene and vulgar movement which exploits woman's sexuality in an unconventional way. Slang terms as popozuda (woman having big buttocks), filly, bitch, slut, floozy and many others refer to the woman in the funk (funkeira), a kind of symbolic representation of herself as a shameless and cheeky subject who doesn't feel embarrassed at displaying her sexuality in public. These and others characteristics of the funk (the symbolism that involves men, the exposure of children to erotic scenes) have become matter of discussion by religious memberships, politicians, the women's movement and researchers interested in studying this woman representation in Brazilian society in order to understand her social image and the image she builds of herself. According to Discourse Analysis, it is possible to analyze the peculiar treatment of sexuality and sensuality of womanhood in the context of the funk - the way she dresses, the exposure of her body, the choreography that she performs in shows and dancehalls, her speeches and behavior - where she can either dominate her partner in the dancing performance or allow him to dominate her. In the field of the discourse, this play involves domineering /submissive subjects, revealing clashes and the apparently contradictory behavior of the woman in the funky universe. / Doutorado / Doutor em Linguística

O objetivo deste trabalho é analisar o processo de criação dos figurinos dos espetáculos do grupo Lume Teatro. Já que este grupo é, antes de tudo, um núcleo de pesquisa, o presente trabalho busca então compreender de que forma as linhas de pesquisa do Lume Teatro influenciam ou modificam o modo de produção dos trajes de cena. Para atingir essa meta, analisamos o pensamento acerca dos figurinos dos mestres teatrais que foram a base do trabalho desenvolvido pelo Lume. A seguir, foram entrevistados os sete atores-pesquisadores do Lume e dois figurinistas que trabalham com frequência com o grupo. A partir das entrevistas, descrevemos o processo de criação dos trajes de espetáculos derivados de três linhas de pesquisa, apontando as características recorrentes de cada linha. O trabalho de finalização teve como guia norteador o estabelecimento de pontos de contato e distanciamento entre aquilo que os mestres do Lume diziam a respeito do figurino e aquilo que o Lume produz. / The objective of this research is to analyze the creative process behind the costumes used by Lume Teatro. Since Lume Teatro is first and foremost a research center, this study aims to find out whether the research lines of the group influence or change the means of production of their costumes. The analysis was carried out in three phases. First, the writings of Lume Teatro\'s masters were examined in order to understand their thoughts on costumes. The second phase was to interview Lume\'s seven actors and two costume designers who often work for them. The third phase was to describe the creative process behind each spectacle of three of their research lines. We were then able to point out recurrent characteristics in each research line. The result of this study was guided by a comparison of Lume Teatro\'s costume practices with their masters thoughts on the subject.