La cinematografía peruana ha tenido a lo largo de los años varias representaciones y construcciones de personajes que de alguna forma u otra influyen y crean una imagen distorsionada de la realidad figurando entre ellas los personajes femeninos. El objetivo principal de esta investigación es realizar un análisis en base a la representación y sexualización de la imagen de la mujer en las películas peruanas de índole erótico. Debido a esto se ha tomado como unidades de estudio las películas peruanas Mañana te cuento (2005) y Django: Sangre de mi sangre (2018). Este objetivo tendrá como desarrollo principal la realización de un análisis de las dimensiones de los personajes, las acciones que desarrollan y el contexto al que están inmersos. Esta investigación se desarrollará en base a la estrategia cualitativa. A partir de esto, se eligió como paradigma el interpretativo y diseño de investigación el estudio de casos. Por tal motivo, al ser las unidades de investigación largometrajes, es que la técnica a emplear es un análisis de contenido la cual se va a basar en el instrumento de recolección de datos a través de una guía de análisis de contenido de estas dos películas peruanas: Mañana te cuento (2005) y Django: Sangre de mi sangre (2018). El escrutinio incluye una evaluación en base a la teoría de construcción de personajes, el género cinematográfico, la construcción del ideal de mujer y una mirada a la sociedad peruana actual. / Peruvian cinematography has had, over the years, various representations and constructions of characters that in some way or another influence and create a distorted image of reality, including female characters. The main objective of this research is to carry out an analysis based on the representation and sexualization of the image of women in Peruvian erotic films. Due to this, the Peruvian films Tomorrow I tell you (2005) and Django: Blood of my blood (2018) have been taken as study units. This objective will have as its main development the realization of an analysis of the dimensions of the characters, the actions they develop and the context in which they are immersed. This research will be developed based on the qualitative strategy. Based on this, the interpretative and the case study research design was chosen as the paradigm. For this reason, as the research units are feature films, the technique to be used is a content analysis which will be based on the data collection instrument through a content analysis guide for these two Peruvian films. : Tomorrow I'll tell you (2005) and Django: Blood of my blood (2018). The scrutiny includes an evaluation based on the theory of character construction, the cinematographic genre, the construction of the ideal of women and a look at current Peruvian society. / Trabajo de investigación

Solicitud de embargo por publicación en revista indexada. / La investigación analiza las brechas de género en la producción audiovisual cinematográfica peruana y sus efectos a nivel profesional, social, económico y emocional en un grupo de mujeres productoras con cinco años a más de experiencia en la cinematografía peruana. Mediante entrevistas semiestructuradas, se analizan las experiencias obtenidas en sus trayectorias y, de esta manera, se identifica cómo perciben y afrontan las brechas de género en su cotidianidad. Como resultado, se advierte la existencia de brechas de género en el rol de la producción y el ámbito cinematográfico, en donde se estarían encasillando labores asignadas al sexo femenino y masculino por una réplica de sesgos sociales. Se detecta que la producción cinematográfica peruana no sería ajena a las desigualdades, implicando un desequilibrio en el desarrollo y posibilidad de exploración de los profesionales. La presente investigación permite analizar un nuevo rubro laboral, evidenciando la existencia de las brechas de género y sus consecuencias en un ámbito que se encuentra en apogeo, en donde se puede revertir el desequilibrio generando nuevas oportunidades para las mujeres. / This investigation analyzes the gender gaps in Peruvian cinematographic audiovisual production and its effects on a professional, social, economic and emotional level in a group of women producers with five years of experience in the Peruvian cinematography field. Through semi-structured interviews, the experiences obtained in their careers are analyzed and, in this way, it is identified how they perceive and deal with gender gaps in their daily lives. As a result, it is pointed out that there are gender gaps in the role of production and in the cinematographic field, where jobs assigned to the female and male genders would be assigned due to a replica of social biases. It is detected that Peruvian film production could not be immune to inequalities, implying an imbalance in the development and possibility of exploration of professionals. This research allows us to analyze a new labor category, showing the existence of gender gaps and their consequences in an area that is at its peak, where the imbalance can be reversed, generating new opportunities for women. / Tesis

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Ce mémoire aborde le travail de l'acteur dans le cinéma de John Cassavetes, particulièrement à travers sa collaboration avec l'actrice Gena Rowlands. À travers certains auteurs qui se sont penchés sur la question de l'acteur de cinéma, je tente de déceler les rapports qu'entretiennent l'actrice et le cinéaste avec la philosophie antique, les exercices spirituels et les techniques de soi. J’étudie également comment il met en scène une forme de remédiation du théâtre dans son cinéma. Pour m'aider, je parcours les œuvres de Hannah Arendt, Nicole Brenez, Ray Carney, Stanley Cavell, Michel de Certeau, Michel Foucault, Pierre Hadot et Siegfried Kracauer, dans le but de mieux cerner une approche de la théorie du cinéma qui voit le travail de l'acteur comme forme d'expression à part entière et comme source d’inspiration pour le spectateur qui peut voir en l’acteur une figure exemplaire. / This master thesis discusses the work of film actors in the cinema of John Cassavetes, especially through his collaboration with actress Gena Rowlands. Throughout the writings of authors who examined the subject, I explore the relation between the actress and the ancient philosophy, spiritual exercices and techniques of self. I also study how Cassavetes’ direction creates a theater remediation in his films. I explore the thoughts of Hannah Arendt, Nicole Bronze, Ray Carney, Stanley Cavell, Michel De Certeau, Michel Foucault, Pierre Hadot and Siegfried Kracauer as a way to understand better a film theory approach that considers the work of film actors as a form of expression of its own, and as a source of inspiration for the viewer that can see actors as exemplary figures.

Ce projet de maîtrise explore les défis et les enjeux d’une approche filmique collaborative avec des jeunes, en situation pédagogique et en contexte post-conflit en Colombie. Cette recherche-création participe à la contribution scientifique dans un domaine interdisciplinaire, celui des arts – précisément la pratique cinématographique – et de la consolidation de la paix ; c’est-à-dire dans une pratique artistique qui s’engage dans la réconciliation, le développement communautaire et la justice sociale. Elle questionne l’action de filmer - comment agir et réagir - avec une communauté affectée par la violence et s’interroge sur comment utiliser les outils cinématographiques pour qu’ils soient bénéfiques à une communauté en situation de précarité. Le premier chapitre est consacré à la contextualisation du conflit armé en Colombie et aux enjeux de reconstruction. Dans le deuxième chapitre, j’expose à partir de mon expérience de terrain, la méthodologie et le dispositif que j’ai développé dans la réalisation du film En el fondo del núcleo del átomo, las chispas… au sein d’une école rurale en Colombie. On analysera de près les principes, les échecs et les réussites d’une approche collaborative située. / This master's project explores the challenges and issues of a collaborative film approach with young people, in an educational situation and in a post-conflict context in Colombia. This research-creation participates in the scientific contribution in an interdisciplinary field, that of the arts – precisely the practice of cinema – and the consolidation of peace; that is, in an artistic practice that engages in reconciliation, community development and social justice. It questions the action of filming - how to act and react - with a community affected by violence and questions how to use cinematographic tools so that they are beneficial to a community in a precarious situation. The first chapter is devoted to the contextualization of the armed conflict in Colombia and the challenges of reconstruction. In the second chapter, I expose from my field experience, the methodology and the device I developed in the realization of the film En el fondo del núcleo del átomo, las chispas… within a rural school in Colombia. We will closely analyze the principles, failures and successes of a situated collaborative approach.

Ce mémoire porte sur les représentations de la masculinité traumatisée dans le cinéma expressionniste allemand. Le traumatisme de la Première Guerre mondiale occasionne, en Allemagne, l’ébranlement des identités genrées individuelles et de l’identité masculine nationale. Par le biais de l’analyse de cinq films expressionnistes (Das Cabinet des Dr Caligari, Robert Wiene, 1920 ; Nosferatu, Wilhelm Murnau, 1922; Die Nibelungen, Fritz Lang, 1924 ; Orlacs Hände, Robert Wiene, 1924 ; Metropolis, Fritz Lang, 1927), le présent mémoire étudie à la fois l’expression du genre, du traumatisme et de l’Histoire nationale. Nous y envisagerons l’image filmique comme un lieu de conflits et de compromis. C’est particulièrement par le biais des enjeux de contrôle, des corps et de leur économie et des dynamiques d’agentivité dans les rapports hommes-femmes que se manifeste l’ébranlement de la masculinité allemande d’après-guerre. Si certaines œuvres confrontent les anxiétés masculines de l’époque en traitant frontalement des traumatismes liés à la guerre et au bouleversement de la place de l’homme dans la société d’après-guerre, d’autres s’appliquent plutôt à rétablir une masculinité d’avant-guerre par l’expression de fantasmes nationaux et individuels de pouvoir et de virilité. En privilégiant une approche psychanalytique du cinéma, ce mémoire s’intéresse notamment aux mécanismes de défense qui transparaissent dans les œuvres. Il s’agit, tout compte fait, de comprendre comment le cinéma négocie avec le genre suite au traumatisme, et comment la temporalité peut influencer cette négociation. / This thesis focuses on representations of traumatized masculinity in German Expressionism. In Germany, trauma caused by the First World War unsettled individual gender identities and upset national conceptions of male identity. The thesis examines issues of gender, trauma and national history in five Expressionist films (Das Cabinet des Dr Caligari, Robert Wiene, 1920; Nosferatu, Wilhelm Murnau, 1922; Die Nibelungen, Fritz Lang, 1924; Orlacs Hände, Robert Wiene, 1924; Metropolis, Fritz Lang, 1927). These films comprise notable embodiments of conflict and compromise. It is argued that the disruption of German masculinity after the war registers in them by way of issues related to control, corporeality and gender relations. Contemporary anxieties about masculinity are tackled differently in the films, with some directly addressing themes of war trauma, emasculation and the postwar disruption to men’s traditional social roles and others seek to re-establish pre-war notions of manhood through expressing national and individual fantasies of power and virility. Drawing on a psychoanalytic approach to cinema, this thesis examines how defence mechanisms operate in the films. Key aims are to understand how Expressionist cinema addresses the impact of trauma on masculine identity and also how its approach to articulating trauma shifts through time.

The Last Two Years of David Brachman is a feature-length digital film directed, written and produced by Marcos Casilli in pursuit of the Master of Fine Arts in Film & Digital Media from the University of Central Florida. This is a very personal film that presents a sometimes-humorous approach to the following question: what makes life worth living? The film was made on what is categorized as a microbudget, but following the studio production model for the most part. This thesis presents a critique of that combination, advocating for a "slow cinema" model instead.

Bad Pixels is a feature-length, microbudget, digital motion picture, produced, written, and directed by Alexander Jon Bowser as part of the requirements for earning a Master of Fine Arts in Film & Digital Media from the University of Central Florida. The materials contained herein serve as a record of the microbudget filmmaking experience. This thesis documents the challenges confronted by a first-time feature filmmaker; an evaluation of both the theory and application of a dynamic microbudget approach to digital content creation. From script development to digital distribution, the thesis aims to reflect on technical and procedural decisions made and assess their impact on the overall experience and final product.

Architecture and Film - A Symbiotic Relationship. This project is not intented to be revolutionary, but rather exploratory. To delve deeper into ones interests and better understand them. My architectural studies are five years young, and my passion for film has been with me for as long as I can remember. That is why I see my diplomaproject as an opportunity to bring both worlds that fuel my creativity together. I do not see myself as an architect without being a filmmaker and I cannot create worlds as a filmmaker without exploring architecture. An anomaly was detected in the northern region of Europe. Satellite images show an island not included in any of our maps on which monolithic structures are resting. The clean geometry and the elusive dimensions show monuments difficult to specify in time. These monuments seem ancient, but they are not primitive. They show advanced knowledge of our celestial bodies from however long ago. These are The Monuments of The Ones Before. Once, before our time. To you the reader: We have made a startling discovery. This is the birthplace of astronomy.

Cette thèse de doctorat se propose de mettre en lumière les liens étroits qui existent entre les imaginaires de la fantomalité, de la hantise et de la cinéphilie contemporaine. Elle cherche à montrer qu’il se développe, depuis le tournant du millénaire, une sous-catégorie de cinéma « à veine cinéphilique », à travers laquelle la figure, à la fois métaphorique et conceptuelle, du fantôme se révèle une instance productrice de discours sur la mémoire du cinéma. Nous cherchons à éclairer la spécificité de cette résurgence de présences fantomales – qui se traduit dans des œuvres cinématographiques, littéraires, critiques et théoriques – et à saisir, dans une perspective esthétique et philosophique, les modalités de hantise qu’elles mettent en scène. L’hypothèse principale de cette recherche s’appuie sur la certitude que cette résurgence de figures fantomales s’inscrit dans une époque instable, marquée par de nombreux bouleversements (politiques, esthétiques, culturels, technologiques), qui l’amène à cultiver une relation surconsciente à la mémoire et à l’amour du cinéma. Pour témoigner de cette tendance et des modalités esthétiques qui la définissent, nous introduisons les concepts de « cinéphilie hantée » et de « hantise cinéphilique ». La première partie de cette thèse analyse les temporalités anachroniques et les logiques cycliques à travers lesquelles les fantômes du cinéma réapparaissent ponctuellement, à l’aune des réflexions de Georges Didi-Huberman, Jacques Derrida, Paul Willemen et Christian Keathley. La deuxième partie s’attache au lieu « catalyseur » de la hantise médiatique : dans quels ancrages ou sites s’immiscent aujourd’hui les présences fantomales qui appellent à repenser la mémoire du cinéma ? Nous étudions quatre cas de figures : le corps de l’acteur Jean-Pierre Léaud, la pellicule filmique en proie à sa désintégration, la salle de cinéma et les variations technologiques contemporaines de la notion de « média hanté » (notamment l’algorithme et le message texte téléphonique). Enfin, dans la troisième et dernière partie de cette thèse, nous observons par quels moyens littéraires ou techniques se déploie cette poétique de « cinéphilie hantée » et quels discours critiques en ressortent. Les œuvres littéraires de Didier Blonde, Jacques Thorens, Nathalie Léger et Jean Paul Civeyrac nous permettent de définir ce qu’est une « écriture hantée » alors que des études portant, entre autres, sur les œuvres de Jean-Luc Godard, Sandi Tan, Frank Beauvais, Nobuhiro Suwa, Pierre Hébert et Guy Maddin nous montrent à quel point le langage cinématographique, dans ses effets formels et techniques, participe intimement de cette écriture de la hantise. En nous penchant sur les questions des temps, des lieux et des manières implicites ou explicites par lesquelles la cinéphilie contemporaine se révèle empreinte de fantomalité, nous cernons les ramifications de cette tendance du cinéma contemporain et en mesurons toute la pertinence. / The aim of this doctoral thesis is to shed light on the close ties between the imaginaries of ghostliness, hauntings and contemporary cinephilia. It seeks to demonstrate that, particularly since the turn of the millennium, a sub-category of cinema “with cinephilic inclinations” has been developing, through which the conceptual metaphor of the ghost reveals itself as a productive instance of discourse on the memory of cinema. Our aim is to elucidate the specificity of this resurgence of ghostly presences—reflected in cinematographic, literary, critical and theoretical works alike—and to grasp, from an aesthetic and philosophical perspective, the modalities of haunting that they stage. The main hypothesis of this research is based on the conviction that the resurgence of ghostly figures is rooted in an unstable era, marked by numerous upheavals (political, aesthetic, cultural, technological), which lead to cultivate an overconscious relationship to the memory and love of cinema. To further demonstrate this tendency and the aesthetic modalities that define it, we introduce in this thesis the “haunted cinephilia” and “cinephilic haunting” concepts. The first part of this thesis analyzes the anachronistic temporalities and cyclical logics through which the ghosts of cinema punctually reappear, in the light of reflections by Georges Didi-Huberman, Jacques Derrida, Paul Willemen and Christian Keathley. The second part focuses on the “catalyst” place of media hauntings: in which anchorages or sites do ghostly presences that call for a rethinking of the memory and love of cinema intrude today? Our research concentrates on four major points: the body of French actor Jean-Pierre Léaud, the disintegrating filmstrip, the movie theatre and the contemporary technological variations of the notion of “haunted media” (particularily the algorithm and the text message). Finally, in the last and third part of the thesis, we examine the literary and technical means by which the poetics of “haunted cinephilia” is deployed, and the critical discourses that emerge from it. We study the literary works of Didier Blonde, Jacques Thorens, Nathalie Léger and Jean Paul Civeyrac to define what constitutes “cinephilic haunted writing”. Studies of the works of Sandi Tan, Frank Beauvais, Jean-Luc Godard, Nobuhiro Suwa, Pierre Hébert and Guy Maddin (among others) also enable us to pinpoint how cinematic language, in its formal and technical effects, can contribute to the development of haunted writing. By examining questions of time, place and the implicit or explicit ways in which cinephilia reveals itself to be permeated with ghostliness, we identify the ramifications of this trend in contemporary cinema and recognize its full scope.