Certains spectacles, alors même qu’ils n’utilisent aucun matériel ni aucune technique cinématographiques (écran, caméra, images filmées), donnent au spectateur une impression de cinéma. Ils réveillent chez le spectateur une mémoire cinématographique qui tout en étant individuelle, appartient à une culture commune. Parce qu’il constitue un patrimoine commun, le cinéma est un moyen pour le spectateur d’exprimer l’expérience qu’il fait d’un spectacle. Notre idée étant que la présence du cinéma au théâtre dépasse la question de la composition de l’œuvre elle-même et qu’elle s’exerce aussi par le regard de ceux qui le reçoivent. Le cinéma du théâtre auquel nous nous intéressons est un cinéma « intérieur », formé de réminiscences suscitées par des spectacles qui portent en eux les traces d'un cinéma parfois oublié, toujours assimilé, incorporé. Ces « impressions » qui forment le cœur de notre travail résultent donc d’une double pratique de spectateur de théâtre et de cinéma chez ceux qui créent le spectacle et chez ceux qui le reçoivent. Nous proposons d’envisager l’intermédialité au théâtre au sein du spectateur et de sa mémoire, du simple fait que le spectateur de théâtre, est a priori un spectateur d’autres arts et que ses habitudes de perception esthétique se construisent par le biais de plusieurs pratiques. La notion d’impression permet de penser le rapport entre l’œuvre théâtrale et le spectateur. De la réception à l’analyse, l’impression liée au caractère intuitif de la perception et à son ancrage affectif joue un rôle essentiel dans l’élaboration de la pensée. Il s’agit de faire de l’impression un terrain de recherche et de s’en emparer avec ce qu’elle comporte de subjectivité, d’intuition et nécessairement d’approximation. Plutôt que de contourner la subjectivité souvent perçue comme un écueil, pourtant inhérent à l’analyse, il s’agira d’en faire un objet d’étude. L’enjeu sera de comprendre comment le cinéma en tant que culture visuelle et sonore, en tant que pratique façonnant des habitudes de réception, des discours, des réflexions critiques, des courants de pensée peut influencer le théâtre contemporain français notamment par le regard qu’on lui porte. / Certain theatre performances, even if using neither cinematographic material nor techniques nevertheless give the spectator an “impression of the cinema”. They create patterns of perception that films have accustomed us to and solicit a cinematographic memory in the spectator. Even if this is wholly individual, it still belongs to a common culture. Moreover, it takes place through the process of interpretation. For example, the spectator in discussing a theatrical performance borrows from the technical and artistic imaginary of a vocabulary unique to the cinema. These “impressions” form the core of the following work and are the result of a viewing practice that is at once theatrical and cinematic.Impressions play a central role in the elaboration of thought and are connected to the intuitive character of perception and its emotional foundations. What has been made into an object of study in the following work is the very subjectivity that is most often avoided as a stumbling block to interpretation even if it is inherent in any mode of analysis. The following work will make an effort grasp what the passing of cinema in contemporary theatre allows us to say about the latter. It will do this through an analysis of a sample of current representative theatrical works and how the spectator’s speech is produced through them and in relation to the cinema. Several contemporary theatrical productions will be at the centre of this study: Salves de Maguy Marin, Les Marchands of Joël Pommerat, Ricercar de François Tanguy or This is how you will disappear by Gisèle Vienne.

Cette thèse met en avant une lecture ethno-anthropologique et ontologique de l’œuvre du designer anglais Jasper Morrison.Le parti pris de lier l’ethno-anthropologie (André Leroi-Gourhan) et l’ontologie (Martin Heidegger) à la production morrisonienne, en l’occurrence de meubles, d’objets, d’images et de textes, nous permet de faire émerger quelque chose d’inédit quant à cette figure majeure du design contemporain. En effet, outre le fait que cette thèse examine la tangibilité des liens entre l’esprit et la matière, entre l’homme, l’objet et la civilisation, elle montre aussi à quel point le designer est relié à son contexte d’existence, qu’il crée ou recrée ad infinitum à la façon du design. Ainsi, cette thèse de structure interprétative, met-elle au jour de manière démonstrative la mécanique morrisonienne, qui commence par un travail poético-expérimental conditionné par le désir d’un affranchissement du cadre typologique pour évoluer rapidement vers un respect manifeste de celui-ci. Habité par la question du home, ce « constructeur du nouveau monde » qu’est Morrison, c’est ce que cette thèse démontre, œuvre à travers un design que l’on pourrait qualifier “au-delà du visible” ou dont on pourrait dire qu’il a tendance à se fondre dans la panoplie des formes plutôt qu’à s’en détacher. En effet, le designer, charmé par les « artefacts sans artistes » tente de se rapprocher de ces productions anonymes cherchant à retraiter leur substance, rejouant par le design les ressentis thoreauviens à Walden. Enfin, ce que cette thèse aborde et c’est là encore un nouvel horizon qu’elle ouvre sur la lecture de l’œuvre de Jasper Morrison, c’est la question de l’atmosphère comme démarche et/ou étude prospective du designer dont la production renvoie à une forme de vigilance existentielle de l’homme et par voie de conséquence de l’objet dans le monde contemporain. / This research aims towards an ethno-anthropological and ontological reading of the work by the British designer Jasper Morrison.Linking an ethno-anthropological (André Leroi-Gourhan) and ontological perspective (Martin Heidegger) to Jasper Morrison’s production, that is furniture, objects, images and texts enables us to bring out something entirely new contributing in a significant way to our comprehension of this major figure of contemporary design. Not only does this thesis examine the tangibility of the ties between mind and material, between man, object and civilisation, but it also shows the extent to which the designer is connected to his context of existence, which he creates or recreates infinitely through design. In other words, this thesis, of interpretative structure, reveals the mechanics of Morrison’s practice, a practice which starts with a poetic-experimental approach, conditioned by the desire to liberate itself from the typological constraints, and evolves quickly towards an obvious respect of those very constraints. Morrison, this « new world constructor » who is obsessed by the concept of home, works towards a design which could be called “beyond visible” or, one which shows a tendency to blend into the panoply of shapes rather than detach itself from it. Indeed the designer, who is charmed by « artefacts without artists », attempts to get closer to these anonymous productions, trying to re-treat their substance and thus replaying Thoreauvian feelings in Walden. Finally, this thesis offers another new horizon towards the reading of Jasper Morrison’s production. It deals with the question of atmosphere as a line of approach and/or a prospective study by the designer whose production refers to a form of existential vigilance of man and consequently of the objet in our contemporary world.

Cette thèse interroge le champ de pratiques et de positions discursives appelées récemment « curating ». L’approche que nous avons choisie est celle de l’analyse des écrits des curateurs d’art contemporain. De nature très variée, ils nous permettent de percevoir leurs conceptions à partir de leurs pratiques d’organisation d’expositions et des diverses activités de présentation publique de l’art. Il s’agit de traiter la proximité, ainsi que la distance, entre la construction d’une théorie curatoriale et la pratique à travers un ensemble de règles et d’opérations de normalisation décidées par une communauté disciplinaire et professionnelle. La notion de champ de curating est abordée à partir des diverses conceptions sociologiques et philosophiques qui nous conduisent à approfondir la question de l’écriture des curateurs sur un terrain concret au sein des expositions. À travers des cas historiques, nous abordons la question des traces écrites laissées par une exposition ; nous examinons également certains problèmes associés à la construction de l’histoire des événements artistiques d’art contemporain. La dernière partie de cette recherche est consacrée à la question des stratégies discursives de positionnement des curateurs à partir des publications parues depuis les années 1990. Ces formes discursives constituent entre autres la base de l’enseignement des formations curatoriales récentes. / This thesis questions the practice field and discursive positions recently called curating. The perspective we have selected is the analysis of writings by contemporary art curators. Of varied nature, these texts allow us to discern their understanding of their practice of organizing exhibitions and diverse activities for the public display of art. With the purpose of tackling the proximity and the distance between the construction of curatorial theory on one hand, and on the other, curatorial practice as determined by a set of rules and processes decided by a disciplinary and professional community. The notion of the curatorial field is approached through various sociological and philosophical concepts that lead us to deepen our inquiry about writing to a concrete field of exhibitions. Selected historical cases allow us to address the issue of written traces left by an exhibition; equally important, we examine certain problems related to the construction of the history of art events in contemporary art. The last part of this research is devoted to the question of discursive strategies of positioning by curators, starting with publications that first appear in the 1990s. These discursive forms, among others, constitute the foundation of teaching in recent curatorial training.

Inquiétée par les récentes métamorphoses de l’habitation humaine toujours en devenir, la thèse propose d’interroger l’idée philosophique d’habiter dans ses lignes critiques. Par delà la réduction binaire que sous-tend la capacité de différenciation de la notion (ce qui serait habitable, ce qui ne le serait pas), elle voudrait mettre à jour des formes plus complexes d’explicitations des divers accompagnements et résistances aux processus habitationnels. Pour ce faire, la recherche déploie d’une part une reconstruction dialogique de l’idée d’habiter, et d’autre part une mise en résonance de cette proposition avec l’étude de la pensée du philosophe Günther Anders. Au travers des notions de conformisation, de « dividu », de familiarisation, ou encore de livraison du monde, elle cherche à faire voir la façon dont, aujourd’hui, les polarités habitationnelles peuvent concrètement être « mises en difficulté » par des dispositifs spatiaux, mais aussi par des appareils techniques et structures sociétales ou culturelles. En cela, l’étude travaille à l’établissement d’une nouvelle lecture des rapports complexes à envisager entre architectures, habitations, et responsabilités à l’heure de la modernité-liquide. Modeste prémisse d’une forme de « théorie critique des milieux habités » contemporains, elle cherche à fonder une somme d’éléments capable de mettre à jour l’habitation comme « valeur éthique » et d’éclairer la pensée vers de potentielles postures architecturales mais aussi habitantes. Esquissant par là les contours et contenus de ce que pourrait être une paradoxale mais nécessaire éthique de l’habitation. / The research aims at questioning the inhabitation philosophical idea in its critical contents. Beyond its binary reduction (inhabilitability : what would be inhabitable, and what may be un-inhabitable), it tries to shape more complex explainations of the different resistances to the inhabitations processes. To do so, the research first construct a dialogic structure of the « inhabitation » philosophical notion. Then, it put it in relation to the philosophical thinking of Günther Anders. Through the notions of conformisation, of « dividu », or the one of « familiarization », it wants to show how human inhabitation polarities can be difficult to realize in certains spatial configurations, with certains technological disposals, or inside certain societies or cultural structures. In all this, the study tries to establish a new reading of the complex relations that stands between architectures, inhabitations and responsabilities inside the liquid modernity we live in. Introduction of a larger « critical theory of milieus », it works at constructing a series of elements capable of representing inhabitation as a ethical value, as much as bringing the thinking to new potentialities. Sketching, in this way, contents and limits of what could be a paradoxal but also necessary inhabitation’s ethic.

Cette thèse propose de définir une génération d’artistes dont la spécificité consiste à collecter, associer et rediffuser des images existantes, sans en transformer le contenu iconique. Pour tenter de cerner les caractéristiques de cette pratique, des entretiens ont été menés avec des artistes français contemporains : Eric Baudelaire, Ludovic Burel, Hervé Coqueret, documentation céline duval, Pierre Leguillon, Mathieu Pernot, Régis Perray et Eric Watier. L’analyse des dispositifs plastiques qu’ils mettent en œuvre fait apparaître deux aspects susceptibles d’identifier la spécificité de leur travail : leur manière d’associer les images entre elles suscite de nouvelles interprétations entraînant leur relecture ; et leur pratique s’inscrit dans une phase transitoire entre l’ère de la reproductibilité technique des images et celle des technologies du numérique. A travers une recherche scientifique pluridisciplinaire, il sera donc question d’étudier leurs processus de création depuis le choix des images jusqu’à la diffusion de leurs projets (I), d’analyser la polysémie des images et les possibilités d’en relire les signes (II) et enfin de comprendre comment s’agence leur position artistique entre deux époques techniquement marquées concernant les images (III). Afin de les démarquer des autres générations réemployant des images, la thèse propose une nouvelle dénomination : les Relecteurs d’images. / This thesis proposes to define a generation of artists who are collecting, associating and redistributing pictures without changing or transforming the iconic contents. In order to elaborate their characteristics, several french contemporary artists were interviewed: Eric Baudelaire, Ludovic Burel, Hervé Coqueret, documentation céline duval, Pierre Leguillon, Mathieu Pernot, Régis Perray and Eric Watier. The analysis of the devices implemented by the artists shows two aspects that could identify the specificity of their work: their way of associating the pictures with each other offers new possibilities of interpretation and leads to a second reading of the pictures; and their practice is taking place during the transition between the eras of image reproduction techniques and numerical techniques. Within the scope of a multi-field scientific research, it will be necessary to study the creation processes from the choice of the representation till the distribution of the projects (I), to analyse the polysemy of the images and the possibility of rereading their signs (II), and, finally, to understand how the artistic position is located between two, with respect to pictures, technically distinguished epoches (III). To differentiate this generation of artists from others reusing images, the thesis suggests a new name: the “Rereaders of pictures”.

Historiquement, si l’on effleure succinctement l’histoire de l’art occidental de ces derniers siècles, il n’y a guère que les romantiques et les surréalistes qui ont clairement consenti à employer un tel vocable. Plus encore, le « merveilleux » était en quelque sorte leur fer-de-lance, l’ingrédient ultime capable d’accompagner et d’accomplir une quête collective, dont la visée constante était d’échapper à l’étroitesse rationaliste. Une étroitesse rationaliste, alors affectée, conspuée et invalidée par un contexte : celui de la modernité pour les uns, celui de la Première Guerre mondiale pour les autres, qui venait tout juste de s’achever. En regard du nombre d’ouvrages et d’expositions qui prennent pourtant pour thème le réenchantement et le merveilleux depuis plus de deux décennies, il est tentant, il est vrai, d’avancer l’hypothèse du contrepoids contextuel. En période de désillusions, le merveilleux composerait une échappatoire honnête, une sorte de compensation élémentaire, permettant de rééquilibrer la balance. Les formes du merveilleux en art actuel permettraient-elles ainsi de réenchanter le monde ? Plus précisément, seraient-elles en mesure de réduire cette césure dissociant l’être et le monde ? Dans une société toute déterminée par la prédominance de la raison, une raison dont on ne saurait plus s’affranchir complètement, dans quels territoires peut encore s’immiscer la merveille ? Quelles formes est-elle susceptible d’arborer ? / Historically, if we briefly review Western art history from the last few centuries, there are almost only the romantics and the surrealists who clearly agreed to use such a term. Moreover, " le merveilleux" was somehow their arrowhead , the ultimate ingredient susceptible to accompany and justify a collective quest, which was constantly referred to in order to do away with rationalistic narrow-mindedness which was then affected, decried and invalidated by the context: modernity for some, and for others, the First World War, which had just come to an end. Regarding the number of books and exhibitions taking on the themes of fantasy and enchantment for over two decades, it is tempting to consider the weight of that context. In a period of disillusionment, fantasy offers an honest escape, a kind of elementary compensation, a redress of the balance. Could renderings of fantasy in contemporary art be an attempt to re-enchant the world? More specifically, might this succeed in reducing the divide between the being and the world? Nowadays, when we live in a society in which reason is the dominant power, from which we can hardly hope to escape, in which territories can fantasy still appear? What form is it likely to take?

L’art moderne et contemporain a quitté le régime de la Représentation pour expérimenter d’autres fonctions et proposer à un nouveau « regardeur » d’autres rapports avec la réalité vécue. Pour cela, il faut que quelque chose de fondamental ait changé dans la relation de l’artiste au monde : l’espace n’est plus quelque chose qu’il élabore au moyen de l’oeuvre, ou en elle. L’espace est, pour l’artiste moderne, une « donnée » dans laquelle il est placé d’emblée, à l’instar de tout être. Cela veut dire qu’il n’y a pas d’espace propre à l’oeuvre d’art qui ne soit l’espace du monde lui-même. L’art, c’est le monde, à travers l’engagement de tout ce qui l’occupe.C’est ce que Jean Paulhan (1884-1968), en parlant des cubistes, avait appelé « l’espace brut » ou « l’espace spontané », et qui est désigné ici comme « l’espace réel », pour le différencier de toute fiction spatiale. C’est aussi ce que Marcel Duchamp a élaboré à travers ses expérimentations sur les choses et le langage, l’ayant conduit à concevoir cette complexematrice de l’art qu’est le Ready-made en remplacement de la Perspective. Ainsi, ce qu’on nomme art contemporain est un art qui s’élabore dans le monde, impliquant les êtres et les choses, les formes et les signes, mais aussi la « lumière » des idées, toujours déjà là. Comprendre l’art, c’est, pour chacun, appréhender, sans pouvoir se dérober, comment se joue une rencontre entre ces entités contradictoires, visant une unité nouvelle et exprimant l’intuition du monde comme Tout.Cette thèse est un tel effort de compréhension qui, dans ma pratique de commissaire d’exposition et de critique d’art, a été partagé avec des artistes, au plus près des oeuvres et dans de multiples contextes, dans le cadre de ces institutions « d’aménagement du territoire » que sont les Fonds régionaux d’art contemporain / Modern and contemporary art have abandoned the system of Representation to experiment with other functions and to offer a new “beholder” different relations with a lived reality. To do this, something fundamental had to alter the artist’s relation to the world: space is no longer developed by means of the work, or within it. For modern artist, space is a “given” in which he is immediately placed, like any being. This means that there is no space peculiar to the work of art which is not the space of the world itself. Art is the world, through the involvement of everything occupying its space.This is what, in talking about the Cubists, Jean Paulhan (1884-1968) called “raw space” and “spontaneous space”, which is here described as “real space”, to differentiate it from any spatial fiction. It is also what Marcel Duchamp developed in his experiments involving things and language, leading him to devise that new matrix of art known as the Readymade,replacing Perspective. So what we call contemporary art is an art that is developed within the world, involving beings and things, forms and signs, invariably already there. For everyone, understanding art is grasping how, without being able to sidestep, the encounter between these contradictory entities is enacted, aimed at a new unity and expressing the intuition of the world as a Whole.This thesis is such an effort at comprehension, which, in my activities as an exhibition curator and art critic, has been shared with artists, at very close quarters with works and in many different contexts, within the framework of those institutions of “regional development”, the regional contemporary art collections (FRAC).

À partir de l’année 1979, une combinaison complexe s’est peu à peu formée entre d’une part ce qu’on appelle l'art contemporain occidental, et d’autre part l'environnement ancien de l'art chinois traditionnel, engendrant l'art contemporain chinois tel qu’il s’est construit jusqu’à nos jours. Au cours des différentes phases de ce processus, la réutilisation d’éléments traditionnels de l'art chinois dans des œuvres d'art contemporain a représenté une composante importante qui non seulement ne peut être ignorée, mais constitue l’une des forces structurante de la création artistique contemporaine chinoise.Pour cette thèse, c’est depuis un point de vue d’artiste, celui de l’auteur, qu’ont été menées quatre années de recherches, de réflexion et d’attention sur ces thèmes de la persistance et de la résurgence, dans la création contemporaine chinoise, d’éléments caractéristiques provenant du passé. Par une analyse historique de différentes phases de changement dans la création en Chine, à travers de nombreuses interviews que nous avons effectuées, par le recoupement de textes critiques et officiels, ainsi que par l’étude de recherches actuelles d'artistes contemporains, nous avons cherché à mettre en lumière les raisons profondes, la signification et l’importance de ces phénomènes dans l’art moderne chinois. / Doctorat en Art et Sciences de l'Art / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Initiée par la pratique artistique de l’auteur, cette thèse a pour premier objectif de saisir les qualités plastiques et esthétiques de l’aquarium, tant sous sa forme domestique et individuelle qu’à l’échelle des scénographies d’établissements publics. Le second est de déterminer ses rapports avec le monde subaquatique naturel, et son influence potentielle sur notre manière de percevoir ce milieu si particulier. Directement hérité du XIXe siècle, et pour ainsi dire ignoré de la recherche en dehors de l’aquariophilie, ce dispositif d’exposition se distingue par son ambiguïté. Il oscille constamment entre science, décoration et spectacle tout en prenant une infinité de formes, chacune engageant le spectateur de manière différente. Puisant des exemples dans les champs de l’art contemporain, de l’histoire de l’art, de la littérature comme des sciences naturelles, et impliquant constamment le travail plastique de l’auteur, la thèse s’organise en trois parties. À l’issue d’une approche historique, l’aquarium est d’abord défini comme dispositif écranique tenant à la fois du tableau et de la scène de théâtre avant d’apparaître dans un deuxième temps, au vu des éléments qui le composent, comme un jardin miniature. Loin de reproduire avec fidélité un site naturel donné, l’aquarium relève du domaine de l’art et de la création, héritant du maniérisme de la Renaissance, du courant pittoresque du XVIIIe siècle comme des jardins d’Extrême-Orient. Sans évolution marquante depuis son invention, le paysage dans l’aquarium apparaît enfin dans sa dimension nostalgique, grottes, ruines et autres fabriques renvoyant autant aux apocalypses légendaires qu’aux risques écologiques actuels. / Initiated with the author’s own artistic work, the first purpose of this thesis is to point out the plastic and aesthetic properties of the aquarium, in its household and unique form as much as in the scale of the scenographies used by the public aquariums. The second objective is to determine its connections with the natural state of the subaquatic world, and its influence over our way of perceiving this unique environment. Directly inherited from the XIXth century, and essentially ignored by the academic world, this exhibition device is characterized by its ambiguity. It constantly fluctuates between science, decoration and entertainment, while taking an infinite variety of forms, each one involving the spectator in a different way. Using examples in the fields of art, art history, literature, and natural sciences, but constantly linked to the author’s artistic work, this thesis is organized in three parts. After a brief historical approach of the aquarium, it is first defined as a display, a screen generating pictures, based on the model of the painting and the theater stage, and it appears then, considering its components, to be a miniature garden. Far from an accurate reproduction of a natural site, the aquarium falls under the field of art and creation, perpetuating the Mannerism of the Cinquecento, the theory of the picturesque developed in the XVIIIth century, or Chinese and Japanese traditional gardens. Without any major change since its invention, the land- or aquascape inside the aquarium finally projects a nostalgic piece of scenery - the ruins, grottoes and other follies referring to both legendary apocalypses and the current ecological peril.

Le cirque, qui combine des disciplines et des esthétiques des plus disparates et expose les corps dans des postures extrêmes, est un art composite et excessif : profondément hybride. Cette thèse, que nous consacrons plus spécifiquement aux scènes acrobatiques, entend étudier un processus de création en articulant théorie et pratique : celui de l’hybridation de l’acrobatie avec les arts du texte (écrit et parole) grâce à l’analyse d’un corpus de spectacles acrobatiques narratifs et parlés, créés entre 2004 et 2016 par des compagnies de cirque dans des espaces scéniques variés (chapiteau, rue ou scènes de théâtre) et qui mettent en scène des fictions. L’hybridation dont ces formes font l’expérience, assez rare sur des scènes circassiennes contemporaines françaises pourtant foisonnantes, nous permet d’approfondir l’étude de plusieurs questions qui animent la création acrobatique actuelle : celle de la poétique de l’acrobatie que sous-tend la quête des dramaturgies circassiennes, de la composition des formes, et par conséquent celle de l’auctorialité dans les formes acrobatiques. C’est bien le mouvement de transformation d’un art et des représentations qu’il véhicule que nous cherchons à saisir, ainsi que les présupposés qui sous-tendent l’affirmation de la légitimité du cirque sur les scènes contemporaines. Comment les transformations que le texte imprime à l’art vigoureux et fragile de l’acrobatie, et réciproquement, permettent-elles de repenser les modalités de composition d’une forme acrobatique ? Quelles visions du monde les acrobates ont-ils à partager ? Quels mondes à inventer et à représenter ? Le texte et la parole imposent de repenser les corporéités acrobatiques en même temps que les logiques de composition des créations : ils participent au renouvellement des scènes circassiennes qui affinent et affirment par ce biais leur point de vue sur le monde. / The circus, which combines the most disparate disciplines and aesthetics and exposes the bodies in extreme postures, is a composite and excessive art: deeply hybrid. Articulating theory and practice, this thesis devoted to acrobatic scenes intends to study process of creation: specifically the hybridization of acrobatics with the arts of text (writing and talking) based on a corpus of narrative and spoken acrobatic performances created between 2004 and 2016 by circus companies in various scenic spaces (tent, street or theater scenes) and which stages fictions. However this hybridization is quite rare in abounding French contemporary circus scenes, these scenic experiences has allowed us to deepen the study of several questions that animate nowadays acrobatic creation: poetics of acrobatics that underlies the quest for circus dramaturgies, composition of forms and consequently that of auctoriality in acrobatic forms. Indeed, this thesis aim to study the movement of transformation of an art and its representations, as well as the presuppositions that underlie the affirmation of the legitimacy of circus performances on contemporary scenes. How do the transformations, which the text imparts to the strong and fragile acrobatics arts, and vice versa, implies to rethink the composition modalities of an acrobatic show? What visions of the world do acrobats have to share? What worlds do they have to invent and represent? Text and speech impose to rethinking acrobatic corporeities along with the logic of the composition of the creations: they participate in the renewal of the circus scenes which refine and affirm their point of view on the world.