Cette thèse est consacrée à l’étude en regard l’une de l’autre des œuvres picturales et littéraires de deux artistes nées en Europe, qui fréquentèrent les cercles surréalistes parisiens dans les années 30 avant de s’exiler au Mexique durant la seconde guerre mondiale : Remedios Varo (1908-1963) et Leonora Carrington (1917-2011). Il s’agit de rechercher les points de convergence et les divergences entre les processus créatifs des deux artistes, de faire dialoguer leurs œuvres et d’interroger leurs points de collaboration créative, en se centrant sur la question des images. L’approche proposée dans ce travail est tout à la fois comparative et pluridisciplinaire, puisqu’elle s’élabore au croisement de l’histoire de l’art, de l’analyse littéraire, de l’analyse picturale et de la civilisation.Le concept d’image, dont la délimitation fait l’objet du préambule, est entendu dans quasiment toutes ses acceptions – depuis l’image picturale et l’image verbale jusqu’à l’image mentale, dont l’image onirique – et est conçu comme lieu d’intersection par excellence.La première partie de ce travail explore la question de la fabrique des images ou, pour utiliser une métaphore empruntée au langage alchimique, du laboratoire des images. Le chapitre 1 présente et théorise l’image surréaliste afin de démontrer la manière dont les deux créatrices ont su s’approprier l’« esprit » du surréalisme, invitation à une remise en cause du monde visible, pour mieux le dépasser à travers l’élaboration de « modèles de monde », en analogie avec certains processus alchimiques et occultistes. Le chapitre 2 envisage pour sa part l’exil non pas seulement comme un contexte historique et culturel ayant donné lieu à de profondes dynamiques d’influences mutuelles, mais comme une notion pivot permettant d’appréhender les phénomènes de réappropriations, d’hybridations, de transfusions créatives ou de transgressions à l’œuvre dans leurs productions.La seconde partie approfondit la mise en regard des images des deux artistes suivant un mouvement dialectique unissant images-reflets et images-distorsions. Le chapitre 3 entreprend l’analyse des autoreprésentations féminines et s’attache à mettre en évidence la façon dont celles-ci défient les images du féminin élaborées par les créateurs surréalistes masculins ; les notions de déguisement, de travestissement et de mascarade sont examinées et présentées comme inséparables de la quête de soi. Le chapitre 4, enfin, s’intéresse aux « miroirs de la relation » et à la « relation aux miroirs » des deux artistes. Dans un premier temps sont abordées les représentations de l’amitié créative unissant les deux artistes dans leur œuvre, notamment écrite, et les mécanismes de fictionnalisation qui les soutiennent. Les jeux de miroirs qu’ont disposés entre leurs images les deux femmes en écrivant à quatre mains sont ensuite analysés, ainsi que le motif pictural du miroir, lequel peut être considéré comme un emblème de la démarche créative de Remedios Varo et de Leonora Carrington, objet symbolique et magique plus que dispositif spéculaire. / This PhD dissertation focuses on a literary and pictorial comparative analysis of European-born artists Remedios Varo (1908-1963) and Leonora Carrington (1917-2011) who, in the 1930s, participated in the Surrealist group in Paris and then went into exile in Mexico during World War II. The purpose of this study is to identify points of convergence and divergence in the creative process of these two artists. Equally important, this thesis will endeavor to enable a dialogue between their artworks and to examine their creative collaboration while focusing on the concept of images. The standpoint of this dissertation is at the same time comparative and multidisciplinary, for it is formulated at the junction of art history, literary analysis, pictorial analysis, and history.The notion of image, the conceptual contours of which are explained in the preamble 2 is to be understood in almost all of its significations – from pictorial and verbal image to mind-made image, in which oneiric image is to be included – and is seen as a conceptual intersection point par excellence.The first part of this study questions the construction of images or, using a metaphor borrowed from the alchemical language, the image laboratory. Chapter 1 introduces and theorizes the notion of surrealist image in order to reveal the ways in which both artists integrated into their works the surrealist state of mind, being an invitation to question the visible world, and went beyond it through the elaboration of “world models”, by analogy with specific alchemical and occultist processes. Chapter 2 not only considers exile as a historical and cultural context that gave way to profound mutual and dynamic influences, but also as a pivotal notion that enables to comprehend, in their productions, phenomena of reappropriation, hybridization, creative transfusion and transgression.The second part delves deeper into the comparison of images realized by both artists – an analysis that follows a dialectical pattern that combines the concepts of image-reflections and image-distortions. Chapter 3 analyzes female self-representations and is dedicated to reveal the way in which these representations challenge the images of the feminine as elaborated by male surrealist creators. Notions of transvestism and masquerade are examined and presented as inseparable from the quest to self-discovery.Finally, Chapter 4 pays attention to both artists’ “mirrors of relation” and “relation to mirrors”. On the one hand, this analysis addresses the creative friendship that unites both artists in their work, more specifically in their written expression, and the mechanisms of fictionalization pertaining to it. The mirror effects that are at play in the images of both artists who created fourhanded works and the pictorial motif of the mirror are also focused on in this research. Indeed, the mirror may be considered as an emblem of Remedios Varo’s and Leonora Carrington’s creative approach, not only as a specular tool but also and more importantly, as an object of symbolism and magic.

Dans cette étude, les psychologies et les philosophies de William James et de Théodore Flournoy sont comparées et analysées à travers leur conception respective de la politique et de la religion. En effet, la question de la politique et de la religion est tôt apparue en comparant leurs psychologies et leurs philosophies, car, s'il nous a été permis de comparer leurs pensées, c'est que ces deux professeurs d'université, qui étaient d'abord des amis, ont noué à travers leur rencontre, en 1889, une volonté commune de concilier la science et la religion. Dès lors, il fallait pour nous partir de leur conception respective de la religion à laquelle ils appliquèrent l'approche psychologique pour identifier à travers les résultats qu'ils délivrèrent en 1901-1902 des différences théoriques permettant de comprendre leurs points de vue philosophiques opposés. C'est en effet à partir de leurs théories psychologiques sur la religion que l'on aperçoit deux orientations qui laissent supposer des prises de position politique contradictoires. La question de la politique est d'autant plus pertinente que William James ne souhaitait pas que la philosophie demeure sur un plan théorique, puisque la vocation de la philosophie était selon lui de se vérifier, alors que Flournoy conçut la philosophie sur un plan idéal, qu'il assimila à une surface plane sans obstacles, et qui, tout en ayant la liberté de l'imagination, fait se jouer des séries hétérogènes d'éléments hétérogènes (télépathie et télékinésie). C'est là que sa conception de l'imagination créatrice signale toute l'originalité qu'il nous fallait explorer pour saisir la dimension éminemment subversive de sa pensée. / Ln this dissertation, the psychologies and philosophies of William James and Théodore Flournoy have been compared and analyzed through their respective conception of poli tics and religion. Indeed, by comparing their ideas, the question of politics and religion proved to be important as these two academies, who were first of all friends, had developed their thoughts ever since their first meeting in 1889 from a common ambition to reconcile science and religion. Accordingly, this investigation had to begin with their different conceptions of religion. To this domain they applied a psychological perspective to identify, from the basis of results achieved in 1901-1902, sorne theoretical differences that enlighten two opposed philosophical viewpoints. ln fact, it's from their psychological theories on religion that one can perceive two orientations, which exposes contradictory political stances. The question of politics is particularly relevant since William James didn't want philosophy to remain on a theoretical level, given that the vocation of philosophy according to him was verification, whereas Flournoy had â rather idealistic view on philosophy, which he considered as an area without obstacles where the freedom of imagination provided for the interplay of heterogeneous and experimental elements (telepathy and telekinesis). ln this regard, Flournoy's conception of creative imagination points out the originality needed to understand the subversive dimension of his thought.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2017-2018 / La pensée créative est au coeur de la pratique de la philosophie en communauté de recherche. Pratiquement absente de la littérature entourant cette pratique, il est nécessaire de rappeler son importance et surtout, de révéler ce qui favorise son développement. C'est ce dernier objectif qui est au centre de notre mémoire. Pour l'atteindre, nous examinons d'abord ce en quoi consistent la Philosophie pour les enfants et la pensée créative. Puis, nous faisons appel aux réflexions de Friedrich Schiller sur la créativité pour découvrir ce qui, à ses yeux, en permet le développement : l'équilibre entre la rationalité et la sensibilité. Enfin, nous montrons comment il serait possible d'encourager les enfants à penser de manière créative en retrouvant, dans les romans écrits par Matthew Lipman, la complémentarité de la rationalité et de la sensibilité.

Cette recherche a pour objet d'expliciter le marketing de projet dans ses environnements et sa complexité, de mieux comprendre les phénomènes liés à cette activité et, en particulier, les actions propices au processus de marketing de projet, et à son développement au sein du secteur de Business to Business.<br />Six variables - actions déterminantes dans l'avancée du processus de marketing de projet sont mises en avant, ainsi que les ressources internes et externes à mobiliser en fonction des quatre phases de marketing de projet : le marketing hors projet, le marketing en amont du projet, le marketing dans le projet et le marketing hors projet du prochain projet.<br />Une modélisation du processus de marketing de projet est proposée, qui non seulement permet d'en circonscrire la signification et la valeur, mais aussi en suscite l'opérationnalité.<br />Le travail mené ici est de type exploratoire. Il est en particulier basé sur l'analyse de trois cas d'entreprises, et est caractérisé par une construction progressive et itérative, avec de constants allers et retours entre l'empirique et le théorique.

La présente étude aborde une œuvre de Théophile Gautier, Arria Marcella, au regard de la thématique de l’imagination créatrice. L’analyse se concentre sur la nouvelle elle-même, mais prend largement en compte aussi l’ensemble des œuvres narratives, et au-delà, du polygraphe – critique d’art, critique dramatique, récit de voyages et dans une moindre mesure poésie. Ce travail s’organise en trois temps : la première partie expose les différentes composantes de la nouvelle, montre la manière dont Gautier organise sa narration à partir d’un matériel intertextuel, et d’un objet transitionnel qui lui permet de mettre en scène l’aventure rétrospective d’un jeune homme du xixe siècle dans l’antiquité, à la rencontre de son idéal féminin. Arria Marcella est d’abord le récit d’un parcours, diurne, puis nocturne ; réel, puis mental. La seconde partie traite de l’imagination créatrice, donc de l’image et de sa restitution fécondante par l’écriture, à travers le travail descriptif d’un regard qui prend position. Il ne s’agit pas de restituer, mais d’enchanter le réel en le passant au révélateur du fantastique, de la survivance et de la figurabilité. La troisième partie analyse Arria Marcella à travers le prisme de lectures complémentaires qui entendent montrer la richesse de l’œuvre, laquelle occupe une position stratégique permettant d’éclairer la production de Gautier dans son ensemble. L’approche procède en trois temps : esthétique ; philosophique, par le biais d’un examen approfondi de la composante platonicienne et néoplatonicienne, fondamentale bien que filtrée, dans Arria Marcella et plus largement dans les œuvres narratives de l’auteur; générique enfin, puisqu’il s’agit de montrer comment la nouvelle pompéienne atteint au Gesamtkunswerk en mêlant les genres créatifs. / The subject of this PhD is a short story by Théophile Gautier, entitled Arria Marcella, as seen through the theme of creative imagination. Although the present dissertation focuses on this particular short story, it also takes into consideration the author’s entire works – fiction, art criticism, travel literature and to a lesser degree, poetry. The 3-part study begins by describing the different sections of the short story, and the way Gautier organized his narration. The story is based on different literary sources and a transitional object (a museum artefact) through which he staged the adventures of a nineteenth-century young man encountering his female ideal in ancient times. Arria Marcella is the story of a walk at daytime then nighttime, in reality and in the character’s mind. The second part deals with creative imagination: image and the way it is transformed and enriched in literature through descriptive work as seen through the writer’s eye. Rather than remaining faithful to reality, it is a matter of enchanting reality through the fantastic genre, survival and figurability. The third part is devoted to an analysis of Arria Marcella through further readings so as to highlight its complexity. Thus, this work, which holds a strategic position among Gautier’s works, can help explain his writings. The viewpoint is threefold: aesthetic, philosophical, through a close examination of the Platonism and Neoplatonism features – essential though filtered, and finally generic since it shows how the Pompeian short story reaches Gesamtkunswerk by combining different creative genres.

Une question posée en 1970 par la critique française est le point de départ de ce travail : « y-a-t-il des écrivains en Albanie? » Cette thèse s'emploie à creuser les différentes strates de la réception des écrivains albanais en France. En partant de l'interrogation sur les attentes de lisibilité envers la littérature albanaise, nous analysons le processus de sa réception. En considérant d'une part cette réception avant la publication du Général de l'armée morte, qui s'avère être une non-réception et, d'autre part, le succès immédiat de ce roman de Kadare, nous mettons en évidence l'horizon d'attente d'une œuvre albanaise dans la France de 1970.Par le biais de la notion de lisibilité, nous démontrons la réception en termes d'émergence de la littérature albanaise et le processus de création du personnage Kadare, par la vulgate critique. Ce personnage deviendra par la suite le moule réceptacle dans lequel devront se couler les autres écrivains albanais. La caractéristique principale de ce moule semble être la considération des écrivains albanais comme des témoins du traumatisme historique du pays. Pourtant, les écrivains récusent ce statut d’homo politicus, ils se revendiquent homo poeticus, détruisant ainsi le moule, à commencer par Kadare lui-même. Ceci permet le passage d'une vulgate réductrice à une réception créatrice de la littérature albanaise. Opérée par l'écrivain français Éric Faye, la réception créatrice permet une forme de consécration de la littérature albanaise qui, nourrie depuis toujours par les grands noms de la littérature européenne, devient, à son tour, impulsion créatrice pour un écrivain européen. / The starting point of this work is a question of the ’70s French literary critics : “Are there writers in Albania ?” This work aims to analyze the different layers of the process of reception towards Albanian writers in France during the last 40 years.We analyze the process of albanian litterature reception starting from the question about readability expectations towards it. Considering firstly the reception before the publication of the General of the dead army and secondly the immediate success of this Kadare’s novel, we underline the expectation features towards the Albanian literature in France during the ’70s. Using the concept of readability as a background, we show that this reception encompasses two main features : Albanian literature as an emergent literature and the creation process of a prototypical character named ’Kadare’ from the French vulgate critic. This character will become the pattern to which all Albanian writers would henceforth have to fit.From the perspective of the critic, the main feature of this pattern seems to be the consideration of Albanian writers as witnesses of the historical trauma in their country. The Albanians writers, on the other hand, challenge this status of homo politicus and declare themselves as homo poeticus, breaking the pattern, starting from Kadare himself. This allows a shift from a simplistic vulgate to a creative reception towards Albanian literature. Operated by the French writer Eric Faye, creative reception can be seen as a form of consecration of the Albanian literature, since Albanian literature which has always been nourished from the great names of European literature becomes itself a creative impulse for a European writer.

On a souvent défini le soufisme comme le voyage de l’esprit, dont le but est de chercher la vérité et de percer l’opacité de monde des mystères. Ainsi, dans son interprétation de l’existence, Ibn ‘Arabi estime que le monde est créé à partir d’un souffle divin : « Sois » (Kun), adressé aux êtres afin qu’ils sortent hors de la préexistence pour entamer une existence effective. Cette interprétation laisse admettre que le monde naquit de la langue et que toutes les créatures sont issues de cette parole. Ainsi, l’ordre divin est une parole (kalima) et toute parole est blessante, notamment parce que le mot « kalima » est dérivé du kalam (blessure). Selon Ibn ‘Arabi, le kalam est la trace laissée sur le blessé. Dans ce cadre, l’ordre divin « sois » (Kun), en rendant manifeste les images de la préexistence, devient une blessure créatrice.Meddeb et Khatibi suivent les mêmes voies qu’Ibn ‘Arabi. Ils ont investi la notion de blessure pour construire une vision du monde. Leur expérience consiste à affranchir l’homme des entraves qui réduisent sa liberté et sa mobilité sous toutes leurs formes. Mais cette expérience s’applique à transgresser la loi pour pouvoir accéder à la vérité. En effet, la vérité que cherchent nos auteurs est différente de la religion et de la raison qui entravent l’homme. Pour transcender le préconçu afin de créer un monde nouveau, Meddeb et Khativi sont partis de la blessure de la langue puisque la culture arabe est fondée sur la lettre et le miracle linguistique, sur la langue coranique comme idéal. Ils se sont intéressés à la langue, depuis la lettre jusqu’à la phrase et au texte. Dans leur cheminement, ils ont opté pour le mélange des langues, une attitude qui vise à déposséder la langue arabe de sa pureté et de sa vérité divine pour la rendre à l’homme. Afin toujours de rendre la langue à l’histoire, ils sont passé de la langue coranique à la quête d’un autre idéal dans les traces que propose la poésie antéislamique, l’image du corps, les rituels et les métaphores. Ce métissage linguistique, culturel et religieux aboutit ainsi à une autre vision du monde. En effet, cette autre vision correspond à la reconstitution d’une forme de totalité humaine qui coïncide avec la littérature et la diversité des langues contre une totalité divine incarnée dans le Coran et le mysticisme religieux. Dans cet ordre d’idées, prôner la totalité, l’amour et la reconnaissance de l’autre devient une réponse au conservatisme islamiste et donne une nouvelle image de l’islam, différente de celle brouillée de violence. Ainsi, Meddeb et Khatibi repensent quelques convictions considérées comme fondamentales dans la religion islamique, mais qui le figent dans la violence et l’enfermement. Ainsi, le mysticisme s’écarte de Dieu pour devenir un moyen de penser un humanisme dans un monde en crise. / Sufism has often been defined as a journey of the mind, the purpose of which is to seek the truth and pierce the opacity of the world of mysteries. Thus, in his interpretation of existence, Ibn 'Arabi believes that the world is created from a divine breath: "Be" (Kun), addressed to beings so that they go out of pre-existence to begin a true existence. This interpretation suggests that the world was born of language and that all creatures are born of this word. Thus, the divine order is a word (kalima) and every word is offensive, especially because the word "kalima" is derived from kalam (wound). According to Ibn 'Arabi, kalam is the scar left on the wounded. In this context, the divine order "be" (Kun), by making manifest the images of pre-existence, becomes a creative wound.Meddeb and Khatibi follow the same path as Ibn 'Arabi. They have supported the notion of injury to build a vision of the world. Their experience is to free man from all the shackles that reduce his freedom and mobility. But this experience is applied to transgressing the law to be able to access the truth. Indeed, the truth that our authors seek is different from the religion and reason that hinder man. To transcend the preconceived idea of creating a new world, Meddeb and Khatibi built their arguments on the wound of language since the Arab culture is based on the letter and the linguistic miracle, on the Koranic language as an ideal. They were interested in the language, from the letter to the sentence and the text.In their journey, they opted for the mixing of languages, an attitude that aims to deprive the Arabic language of its purity and its divine truth in order to give it to mankind.In order to always make language history, they have moved from the Koranic language to the quest for another ideal in the traces of pre-Islamic poetry, the image of the body, rituals and metaphors.This linguistic, cultural and religious cross-fertilization leads to another vision of the world. Indeed, this other vision corresponds to the reconstitution of a form of human totality that coincides with literature and the diversity of languages against a divine totality incarnated in the Koran and religious mysticism. In this vein, advocating totality, love and recognition of the other becomes a response to Islamist conservatism and gives a new image of Islam, different from that blurred with violence. Thus Meddeb and Khatibi are redefining some beliefs that are considered fundamental in the Islamic religion, but that consign it to violence and confinement. Thus, mysticism deviates from God to become a means to humanism in a world in crisis.

Comment faire un travail scientifique si le chercheur est déjà trop obsédé par son objet d’étude et si, d’ailleurs, ce dernier n’est pas seulement un objet réifié mais doté d’une certaine réalité de l’âme ? La distance délicate entre le subjectif et l’objectif est ainsi l’enjeu principal de cette thèse, une recherche dont le chercheur est un cinéphage devenu cinéphile, qui est hanté par sa passion pour son objet bien vivant qu’est le cinéma de Wong Kar Wai mais qui a envie de vivre symboliquement cette passion. Il s’agit donc de l’équation personnelle d’après C. G. Jung et de cette distance ironique selon Antoine de Baecque. Vis-à-vis d’une telle difficulté méthodologique qui est en fait une occasion très généreuse, une approche empirique et une attitude religieuse se proposent. D’où le chercheur-cinéphile se lance dans un itinéraire homérique, à la recherche de son mythe du cinéma total qui n’est rien d’autre que son archétype du cinéma dont le symbole vivant se veut exactement Wong Kar Wai. Cette recherche devient, au fur et à mesure, une découverte, vu que la nostalgie n’est pas ailleurs, mais chez soi. Dans une telle circumambulation sous la forme d’une mise en abîme, le rapprochement entre une histoire du cinéma et une Histoire du cinéma n’est qu’inéluctable. Re-contextualisés sont les souvenirs personnels du chercheur du cinéaste hongkongais et plusieurs protagonistes rencontrés dans sa cinéphilie (Bresson, King Hu, Langlois, Bazin, Tarkovski, la bande de Truffaut, Dumont, etc.) sur la route et envisageable est une filiation toujours en devenir entre ce qui arrive avant et ce qui vient après. Que ces pages soient une scène de la création-critique et que la fonction cinéphile se manifeste à travers elle. / How to conduct a scientific work if the researcher is himself already incurably obsessed by his study material? This question fits in quite well for the present case, since the PhD student is an inveterate lover of Wong Kar Wai’s cinema. In other words, the situation is that of a cinephage-turned-cinephile — extremely conditioned by a living work inescapably defined by an amorous aura — who is trying to find a way out, in a relatively rational way, that is to say, symbolically, to deal with this entanglement as mise en abyme. Two methodological as well as deontological perspectives are thus drawn on, “the personal equation” adapted by C. G. Jung and “the ironic distance” coined by Antoine de Baecque. Hopefully, the writing of this dissertation could be regarded as a circumambulation whose goal is nothing more than its very process which is a nostalgic yearning for the cinema archetype, or, in terms of André Bazin’s idea(l): the myth of total cinema.

Valentine Penrose est une poète, romancière et collagiste surréaliste moins connue que certaines de ses homologues telles Frida Kahlo ou Claude Cahun. Si les quelques études qui lui ont été consacrées reconnaissent l’omniprésence du féminin et le caractère inquiétant de certaines manifestations de la femme dans son œuvre, les sources de ces représentations n’ont guère été explorées. Pour combler cette lacune, notre mémoire s’applique à analyser l’œuvre de Penrose afin d’y mettre en lumière la présence textuelle et picturale du saphisme littéraire et du roman gothique, deux influences majeures de l’auteure-artiste. En plus d’étudier en détail les collages insérés dans le recueil de poèmes Dons des féminines, nous explorerons également les nombreuses images in absentia du corpus, car nous constatons que l’écriture penrosienne a très souvent recours aux effets de style « picturaux ». Par conséquent, au fil de nos analyses, nous allons osciller entre une étude littéraire et une approche intermédiale des rapports texte/image, afin de mettre en relief la réactualisation polymorphe de deux traditions ; la présence du saphisme et du gothique transparaît à travers l’emploi de certaines figures de femme, les partis pris thématiques de Penrose, le choix des décors et des trames narratives. Au terme de la présente étude, nous aurons mis en évidence trois figures de femmes propres à l’univers penrosien : la femme-nature, la fugueuse et la rebelle exemplifient, à nos yeux, la manière dont l’œuvre de Penrose se situe à la croisée du saphisme littéraire et du roman gothique. / Valentine Penrose was a surrealist poet, novelist and collagist, less well-known than many of her female counterparts such as Frida Kahlo or Claude Cahun. Albeit few, there are studies on Penrose that recognize both the omnipresence of women and their often disquieting portrayal. The origins of these representations remain, however, largely under-explored. In order to fill this considerable lacuna in existing knowledge on Penrose’s work, this thesis will analyze her œuvre, highlighting the textual and pictorial presence of two major influences: literary Saphism and the Gothic novel. In addition to analyzing the collages that accompany the poetry in Dons des féminines, we will also study the corpus’ many images in absentia, as we believe that Penrose’s style very often has recourse to “pictorial” literary devices. Consequently, throughout our analyses, we adopt both a literary and an intermedial approach, looking closely at both textual and pictorial representations of women in order to demonstrate the polymorphous borrowing of two traditions; Saphism and the Gothic appear via the representation of certain characters, Penrose’s thematic biases and the choice of particular spatial environments and narrative structures. The present study thereby sheds light on the representation of three female figures specific to Penrose’s universe: the woman of nature (la femme-nature), the fugitive (la fugueuse) and the rebel (la rebelle) each exemplify the way in which Penrose’s œuvre is located at the crossroads of literary Saphism and the Gothic novel.

La Politique d'intégration des arts à l’architecture et à l'environnement des bâtiments et des sites gouvernementaux et publics, ou « Politique du 1% », s'attache à favoriser, au Québec, la création d’œuvres d'art contemporain intégrées à leur environnement. Elle comporte trois objectifs principaux : susciter une création artistique intégrée à son environnement spatial, « visibiliser » les artistes québécois et leurs œuvres tout en enrichissant le cadre de vie des citoyens, et démocratiser l’art actuel à toute la population du Québec. La bonne application du processus entrepris pour la réalisation de l’intégration d’une œuvre d’art est gérée par un comité constitué pour chaque projet, et elle se fait en fonction de critères spécifiques qui répondent à la pluralité des intérêts des acteurs en présence, notamment le public et les experts du monde artistique. L’enjeu pour l’artiste, à travers la réalisation d’une œuvre d’intégration, est alors de répondre aux attentes propres à chacun des groupes d’acteurs. La présente recherche a donc pour but de mettre au jour la façon dont les artistes font face à ces attentes, et notre interrogation porte ainsi sur le pouvoir d’action des artistes « intégrateurs » dans le cadre du processus de création et d’intégration de leur œuvre : quelle est la possibilité de faire incarner à celle-ci leurs valeurs, leur démarche intime mais aussi leur propre conception de ce qu’est une bonne intégration de l’art, tout en créant une œuvre significative. La recherche révèle ainsi qu’une adaptation de leur démarche et de leur pratique est nécessaire dans ce nouveau contexte. L’analyse du discours des artistes met aussi en évidence un spectre d’adaptabilité, qui permet de comprendre comment est possible cette adaptation compte tenu de la confrontation de valeurs telles que la liberté et l’autonomie face aux contraintes inhérentes à la Politique. / The Politique d'intégration des arts à l’architecture et à l'environnement des bâtiments et des sites gouvernementaux et publics, or “ Politique du 1%”, endeavours to promote the creation in the province of Québec of contemporary artworks integrated into their environment. It has three main objectives: to provoke the creation of artistic works integrated into their spatial environment, to make Québec based artists and their works more visible while enriching the living environment of citizens, and finally to make contemporary art more accessible to the entire population of the Québec province. The application of the process undertaken for the realization of the integration of an artwork is managed by a committee set up for each project, and is done according to specific criteria which meet the diverse interests of the actors concerned, especially the general public and the experts of the artistic world. The challenge for the artist, through the creation of an integrative work, is then to meet the expectations generated by each group of actors. This research therefore aims to reveal the means by which artists cope with such expectations and our question thus relates to the power of action of the “integrating” artists within the framework of the process of creation and of integration of their work: what is the possibility of incorporating their values, their intimate approach but also their own interpretation of what a successful integration is, while creating a meaningful piece of art. The research thus reveals that an adaptation of their approach and practice is necessary in this new context. The analysis of the artists' discourse also highlights a spectrum of adaptability, which enables to understand how this adaptation is possible given the confrontation of values such as freedom and autonomy to the constraints inherent in the policy.