Diploma thesis "Kancelář Blaník: Politická satira jako zrcadlo skutečné politiky" aims to discover what image of politics the satirical series "Kancelář Blaník" presents to the audience and how it achieves it. After the necessary theoretical anchoring of the researched issue follows a practical analysis of the series, which focuses on the characteristics of main and secondary characters, objects of satire and dramaturgical structure of episodes and the whole series. The final part of this thesis also describes the movie "Prezident Blaník", which follows the series and shows the differences in the processing of one theme in different formats.

Selon la définition classique, le théâtre est action et parole en action : « c’est une imitation faite par des personnages en action et non par le moyen d’une narration » (Aristote, Poétique, 1449b). Or, force est de constater que le théâtre d’Eugène Ionesco déroge à ce précepte et constitue une entorse à la conception aristotélo-hégélienne du genre fondé sur le primat du dialogue et la représentation de conflits entre personnages. La diégésis sous toutes ses formes – récits stricto sensu, mais aussi récits protopoétiques, descriptions et portraits – y abonde. Si le glissement modal devient systématique, la narration continue à être conditionnée par le contexte mimétique. Néanmoins, le cadre spatio-temporel s’en trouve foncièrement fragmenté, les notions d’intrigue et d’action mises à mal ou supplantées, sans que cette esthétique dramatique ne devienne pour autant épique au sens brechtien. Dans la prolongation des écrits non fictionnels de Ionesco, la narration est à la fois une trace du processus d’écriture et un moyen d’investigation ; elle devient le creuset d’une quête à la fois identitaire et mystique. / According to the classical definition, theatre is conceived as action and words in action : “it represents men in action and does not use narrative” (Aristotle, Poetics, 1449b). The theatre of Ionesco, however, clearly bends the rules of the aristotelo-hegelian primacy of dialog and representation of conflicts between characters. It is rich in diegesis in all its forms – storytelling, protopoetic narrative, descriptions and portraits; the shift in modes becomes systematic. Nonetheless, narrative is conditioned by the dramatic, mimetic framework. But space and time are fragmented, the concepts of plot and action undermined, without the aesthetics of Ionesco becoming epic in the Brechtian sense. Prolonging the non fictional writings of Ionesco, narrative in his theatre is to be considered both as a trace of the writing process and a means of investigation, located at the crossroads between a search for identity and a quest for mysticism.

O tema central desta pesquisa é a investigação sobre o estatuto da ficção no teatro contemporâneo ocidental. Em sintonia com as transformações sociais da sua época, os contornos do teatro perderam nitidez. Neste momento de questionamentos radicais, a permanência, mutação ou desaparecimento da ficção é uma das características centrais na reconfiguração da arte teatral. Ao diagnosticar o ambiente de desconfiança em relação aos métodos e resultados da representação, investigamos este novo lugar que ocupa, ou pode ocupar, a ficção teatral. Através do debate teórico e da análise de experiências teatrais das últimas três décadas, identificamos uma preocupação com o real e com a inovação formal que não são incompatíveis com um projeto teatral crítico. / Le sujet central de cette recherche est une investigation sur le statut de la fiction dans le théâtre occidental contemporain. En ligne avec les transformations sociales de son temps, les contours du théâtre ont perdu de leur netteté. En ce moment de mise en question radicale, la permanence, la mutation ou la disparition de la fiction est l\'une des caractéristiques principales pour la reconfiguration de l\'art théâtral. En diagnosticant l\'environnement de méfiance par rapport aux méthodes et résultats de la représentation, nous avons étudié ce nouveau lieu qu\'occupe, ou peut occuper, la fiction théâtrale. Par le débat théorique et par l\'analyse des expériences théâtrales des trois dernières décennies, nous avons identifié une préoccupation avec le réel et avec l\'innovation formelle qui ne sont pas incompatibles avec un projet théâtral critique.

Les trois ballets grecs de Stravinsky et de Balanchine s’unissent autour de l’agonisme − qui trouve son origine dans l’agôn, en grec « lutte » − que nous définissons comme étant la conciliation entre l’apollinien et le dionysiaque. Nous tentons de montrer comment le ballet manifeste la recherche d’un équilibre entre les qualités apollinienne et dionysiaque, essence même de la trilogie, par sa représentation et sa dramaturgie. Nous proposons pour cela une méthodologie afin d’étudier la coexistence des arts. Un mémoire sur les écritures du mouvement est joint à la thèse. Il part d’une réflexion menée sur les supports matériels qui conduisent au ballet – enregistrements vidéo, DVD, dessins, photographies, captures d’écran, dessins, partitions chorégraphiques, initiées dans ce travail. En dégageant la signification profonde de la trilogie, nous en proposons une interprétation et une production nouvelles. / Les trois ballets grecs de Stravinsky et de Balanchine s’unissent autour de l’agonisme − qui trouve son origine dans l’agôn, en grec « lutte » − que nous définissons comme étant la conciliation entre l’apollinien et le dionysiaque. Nous tentons de montrer comment le ballet manifeste la recherche d’un équilibre entre les qualités apollinienne et dionysiaque, essence même de la trilogie, par sa représentation et sa dramaturgie. Nous proposons pour cela une méthodologie afin d’étudier la coexistence des arts. Un mémoire sur les écritures du mouvement est joint à la thèse. Il part d’une réflexion menée sur les supports matériels qui conduisent au ballet – enregistrements vidéo, DVD, dessins, photographies, captures d’écran, dessins, partitions chorégraphiques, initiées dans ce travail. En dégageant la signification profonde de la trilogie, nous en proposons une interprétation et une production nouvelles.

This diploma thesis deals with the ways of using the qualifications of a literary manager in the field of pedagogy and didactics, specifically while teaching at a secondary school called Waldorfské lyceum. In the first part the author deals with the characteristics of the two careers – as a literary manager and as a teacher, and defines the set of qualities that are necessary for these professions. Later he compares these two professions and seeks intersections and parallels between them and the parts they take in a theater environment and in a school environment respectively. In the next part he introduces the Waldorf education and its specifics with regards to the performing arts incorporated into the lessons, and analyses the drama poetics of Rudolf Steiner including his approach towards the manner of speech and the art of eurythmy. In the crucial third part of this thesis the author is describing his experiences as a teacher at the secondary school Waldorfské lyceum and looks into individual areas of his activities – projects of literary, performing, artistic and cultural character, particularly in relation to utilizing the qualitifations of a literary manager, obtained during the studies of Dramaturgy for Dramatic Theater on The Theater Academy of Performing Arts.

Cette recherche en science de l’art a pour objet de questionner l’expérience esthétique du théâtre en matière de comportement humain et plus particulièrement de modification comportementale. Trois approches sont ici articulées.La première s’inscrit dans le cadre d’une étude de terrain ayant pour objet de décrire les processus de modification comportementale d’après la pratique de trois metteurs en scène de renommée internationale. Le caractère strictement factuel de cette approche propose une taxonomie des comportements des directeurs d’acteurs et permet de formuler, à partir des résultats, des hypothèses relatives aux diverses fonctions des comportements directifs dans un contexte de création esthétique et de construction du personnage.La seconde approche, propose principalement de voir en quoi l’émergence du behaviorisme et la prise de distance avec une culture mentaliste allait, au début du XXe siècle, alimenter le discours d’une fonction expérimentale du théâtre. Un théâtre qui, comme en témoigne les enjeux proposés par Brecht lorsqu’il évoque un théâtre de l’âge scientifique, sera évoqué comme scène de la recherche d’un changement du monde.Enfin, la troisième approche, appréhende la question de la « scientificité » du théâtre à travers une analyse de la La Mégère apprivoisée de William Shakespeare. Nous observons cela au moyen de l’analyse dramaturgique et de l’analyse fonctionnelle des comportements de ladite mégère et de son « dresseur ». / The present research attempts to question the theater’s aesthetic experience in terms of human behavior and more specifically with regards to its modification. Our investigation unfolds around three methodological approaches articulated herein.The first approach is a field study for which we used a methodology call "descriptive analysis" applied to the behavior modification practices used by three internationally renowned stage directors. In the context of the descriptive analysis we propose a taxonomy of directors’ behaviors and the results allowed us to formulate fact-based hypothesis regarding the causal behavior-environment links (functions) of habitual directive behaviors in the context of aesthetic creation and character construction.The second approach is historical. We found evidence that in the early part of the XXth century, the emergence of behaviorism fed the discourse of theater’s experimental role. One such theater, that Brecht named the theater of the scientific era, had for ultimate vocation no less than to change the world.Finally, the third approach is a textual-dramaturgic analysis for which we used the descriptive analysis tool. In doing so we address the "scientificity" of theater, the symbiosis of an art and a science, via an analysis of William Shakespeare’s "Taming of the Shrew". Concretely, we "observed" the ways the "tamer" modifies the "shrew’s" behaviors.

Des enfants de 9 à 12 ans peuvent-ils assumer le rôle de metteur en scène dans un groupe de création composé d'adultes? Cette question nous a amenée à nous pencher sur la mise en place d'un processus qui leur permettrait d'assumer ce rôle. Dans ce mémoire, nous ne décrirons donc pas, au jour le jour, chaque atelier, mais mettrons plutôt en évidence les éléments clefs qui ont permis, à notre avis, à nos jeunes metteurs en scène d'assumer complètement leur rôle et aux adultes de ne pas dénaturer leurs choix artistiques. De même, ce document n'a pas eu pour objectif de cerner ou d'analyser les particularités de l'imaginaire enfantin en comparant une mise en scène enfantine, à celle d'un adulte. En effet, si cette recherche a été envisagée, il nous est très vite apparu qu'elle demanderait des moyens humains, financiers et de temps dépassant largement le cadre d'une recherche de maÎtrise. Notre premier chapitre rend compte de l'évolution progressive des notions de jeunes publics et de théâtre pour enfants ainsi que de la légitimation des activités théâtrales à l'école. Nous y soulignons également de quelle manière notre recherche-création s'inscrit de façon naturelle dans ce courant qui, depuis plus de trente ans, a fait évoluer le théâtre jeunes publics. De même, y sont présentées les raisons qui nous ont poussée à choisir comme cadre théorique le rôle du metteur en scène et, décrites, les tâches qui lui incombent. Enfin, nous y précisons brièvement l'éthique de travail que les adultes ont dû respecter à l'égard des enfants. Ces balises posées, nous décrivons dans notre deuxième chapitre le processus et les stratégies qui permirent aux enfants d'écrire des textes fidèles à leur imaginaire et de se préparer à assumer leur futur rôle de metteur en scène. Abordant le coeur de notre recherche, nous présentons et analysons, dans notre troisième chapitre, le processus, les exercices et les stratégies qui ont été mis en place afin de permettre aux jeunes d'assumer pleinement leur fonction, bien que de façon peu conventionnelle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Enfants metteurs en scène, Mise en scène, Théâtre jeunes publics, Enseignement de la mise en scène.

Ce texte d'accompagnement a pour but de rendre compte de l'expérimentation de la mise en implication de la déconstruction derridienne et de certains de ses concepts constitutifs dans le processus de mise en chantier de deux sphères fondamentales de l'activité théâtrale, soit l'écriture du texte et la mise en scène, à partir de matériaux textuels existants. Ce mémoire cherche donc à témoigner de la trace de la déconstruction et de l'espace que celle-ci a occupé dans le processus de réécriture et d'adaptation de trois oeuvres (Hamlet, Faust et Punch) ainsi que dans le processus d'élaboration de la mise en scène de cette adaptation. Cette adaptation sous forme de lecture croisée et ce compte rendu de la trace qu'occupe la déconstruction dans notre processus de création sont précédés d'une étude non-exhaustive de la déconstruction comme concept philosophique général, puis comme protocole de lecture et enfin en tant que possible principe moteur à la création d'une oeuvre théâtrale multidisciplinaire ou pluridisciplinaire. Pour réaliser l'étude, Derrida (l'homme et le philosophe) et le parcours de sa pensée à travers ses oeuvres sont au préalable présentés. Puis, la déconstruction est définie de manière générale, ensuite précisée en fonction de son contexte théâtral d'utilisation, et enfin disséminée en neuf concepts ou groupes concepts constitutifs jugés essentiels à l'expérimentation : le joint et le dis-joint, la marge, la trace, la ruine, le texte, la différance, la spectralité, le cadre et la signature. Dans ce document, certaines hypothèses découlent de l'emploi de ces concepts dans le processus d'écriture (ou de réécriture) dramaturgique et de mise en scène, la principale étant que la déconstruction, par le protocole de mise en lecture qu'elle implique, oriente la création en s'avérant génératrice de nouvelles écritures, donc libératrice de nouveaux sens. Il va de soi qu'elle engage une certaine responsabilité du créateur face aux oeuvres qu'il déconstruit, c'est-à-dire non pas celle de la relecture, mais bel et bien celle de la lecture, de la lecture active et responsable, propice à la création d'une oeuvre de théâtre transdisciplinaire. L'utilisation de l'exemple déconstructionnisté de Glas de Jacques Derrida comme expérience d'analyse et d'écriture en lecture croisée contribue également à l'encadrement de l'expérimentation d'un point de vue formel. Le texte Et cetera de Derrida servira quant à lui de guide idéologique à notre définition de la déconstruction derridienne. Afin de définir et de cerner plus avant la déconstruction derridienne, ses concepts constitutifs et leurs possibilités de mise en influence sur le processus d'écriture (ou de réécriture), qu'il soit dramaturgique ou scénique, les travaux de plusieurs auteurs comme Marc Goldschmit, Stratos E. Constantinidis, Nathalie Roelens, Peter Brunette, David Wills, Béatrice Picon-Vallin, André Green, André Dabezies et bien sûr Derrida lui-même (avec principalement Glas et Et Cetera) serviront d'assises théoriques à l'analyse. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Derrida, Déconstruction, Hamlet, Faust, Punch, Théâtre multidisciplinaire, Interdisciplinarité.

Nous proposons, dans ce mémoire qui s'articule autour de la dramaturgie de l'intériorité, un survol des différentes modalités de l'écriture d'un nouveau je qui, mi-biographique, mi-fictif, appartient à un auteur. Nous explorons les composantes d'une écriture qui est sous-tendue par le pacte autobiographique de Philippe Lejeune et qui tient lieu de gage d'authenticité. Cette annonce au lecteur se veut le premier pas vers la connaissance de soi par le biais de la communication avec l'autre. Notre mémoire donne à lire deux versants de l'engendrement dramaturgique du moi à partir de deux types de matériau intime. Notre mémoire-création est construit à partir de l'adaptation subjective d'un objet intime extérieur à soi, littéraire, alors que notre mémoire d'accompagnement fait état de l'utilisation du matériau biographique chez les auteurs de théâtre autofictionnel. Le mémoire-création s'est orienté à partir du Journal de l'auteur polonais Witold Gombrowicz. Nous introduisons notre travail par un volet biographique qui sert de pacte à la suite duquel nous proposons trois laboratoires d'écriture dramaturgique dans lesquels nous cherchons à transmettre l'intériorité de notre sujet/objet. Moi, mon double et l'autre(-moi) compte trois courtes pièces de théâtre précédées de préfaces explicatives concernant notre démarche d'adaptation. Les résultats de la recherche biographique ont guidé notre perception critique du matériau original et ont trouvé place dans la création. Nous avons choisi de rendre hommage au caractère autocritique de l'auteur qui pratique la démultiplication de sa propre pensée afin de couvrir et de dominer tous les discours possibles. Moi, mon double et l'autre(moi), réitère le monologue du Journal en donnant parole à l'esprit faible. Nous verrons que notre projet d'adaptation recoupe des questions auxquelles sont confrontés les dramaturges de l'autofiction et que la transposition symbolique des références biographiques s'inscrit dans la thématique de réification artistique du mémoire d'accompagnement. En regard de l'autofiction, l'analyse des textes dramatiques s'attarde à l'écriture de la fictivité vécue retrouvée dans trois œuvres québécoises. Rêves de Wajdi Mouawad, Le vrai monde? de Michel Tremblay et L'Inoublié ou Marcel Pomme-dans-l'eau: un récit-fleuve de Marcel Pomerlo, appartiennent à ce que nous caractérisons avec Jean-Pierre Sarrazac (1989) de dramaturgie du moi en mettant l'accent sur un protagoniste-auteur. Cette recherche sur le dévoilement d'un nouveau je passe par la symbolisation de la quête identitaire de l'auteur et a des reflets de narcissisme (le moi obsessionnel). La réflexion sur les manifestations de la dramaturgie de l'intériorité cherche à s'inscrire dans le mouvement de l'Intima Theatern de Strindberg. Dans l'infiniment petit, l'intimité, trouver l'infiniment grand : l'exposition du moi pour un théâtre de l'Autre, un théâtre du Monde. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Dramaturgie de l'intériorité, théâtre intime, Witold Gombrowicz, les auteurs du moi

Ce mémoire-création propose une réflexion et un texte dramatique dont le sujet est la Malinche, personnage féminin qui a vécu à l'époque de la conquête du Mexique. Les historiens s'entendent pour dire que la Malinche a joué un rôle prédominant dans la Conquête du Mexique. Depuis le siècle dernier, les artistes mexicains et étrangers se sont considérablement inspirés de l'histoire de ce personnage fascinant. De nombreuses œuvres, tels que romans, pièces de théâtre, murales, sculptures, et pièces musicales, lui ont été consacrées où son statut passe de la trahison à l'adulation. C'est pourquoi la vision de ce personnage féminin historique doit être réexaminée à l'époque actuelle, en tenant compte de l'évolution du féminisme dans la société mexicaine. Dans le premier chapitre, nous remonterons d'abord à l'époque à laquelle a vécu la Malinche pour connaître le rôle qu'elle a joué dans l'histoire du Mexique par le soutien qu'elle a apporté aux Espagnols dans la conquête du territoire aztèque. Nous analyserons les différents noms qui lui ont été attribués et l'influence que ceux-ci ont eu sur sa vie. Nous ferons un résumé des codex antiques, où se trouvent les différentes images que les Amérindiens du Mexique ont faites d'elle et où on la compare, entre autres à une déesse aztèque. Dans le deuxième chapitre, nous verrons comment la société mexicaine à l'époque de la révolution change radicalement de point de vue sur le rôle qu'a joué la Malinche pendant la Conquête, en la voyant comme une traîtresse à sa patrie. Nous analyserons comment la femme évolue dans la culture patriarcale mexicaine et comment l'image de la Malinche demeure stigmatisée par l'idéologie machiste actuelle. Nous suivrons la naissance des termes et des significations qui dérivent directement de son nom, tels que malinchismo et Chingada. Nous nous intéresserons aussi au parcours de la Malinche qui a traversé les frontières mexicaines pour atteindre les États-Unis, où les féministes chicanas l'ont prise comme un symbole de l'émancipation de la femme. Dans la troisième partie, suite à l'étude de Sandra Messinger sur la dramaturgie mexicaine d'avant 1980, ayant comme thème la Malinche, nous étudierons deux textes dramatiques écrits après 2000, l'un par un homme, et l'autre par une femme. En les comparant nous ferons ressortir les différentes interprétations du personnage de la Malinche que ces auteurs proposent. En terminant, un texte dramatique s'inspirant des études précédentes, tente de faire le lien entre le rôle des femmes dans la société mexicaine actuelle et le personnage historique de la Malinche. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Malinche, malinchismo, dramaturgie mexicaine, féminisme, chicanas