Ce travail doctoral a pour enjeu théorique d'étudier la valeur acquise par les formes intimes de résistance dans les films polonais produits entre 1968 et 1989, à l’appui d’un panorama transversal d’œuvres connues ou inconnues. Si, comme l’écrit le philosophe polonais Leszek Kołakowski en 1977, « les liens familiaux, affectifs et sexuels résistent obstinément à l’emprise du pouvoir », comment le cinéma polonais a-t-il montré des corps qui aiment, pensent et rêvent malgré tout, figurant par leur présence à l’écran un rapport de force violent entretenu par la société civile avec l’État ? Déplaçant le concept de « biopolitique » (Michel Foucault) dans le contexte de la Pologne populaire, il s’agit de comprendre comment émerge une esthétique du désarroi visant à approfondir l’exploration poétique des gestes, des états (psycho)somatiques, des réactions corporelles et des sexualités. L’enjeu esthétique central cache un sous-enjeu mémoriel propre à l’Europe centrale et balkanique : qu’est-ce qu’à rebours les corps filmés font-ils à la mémoire du communisme ? Constituant le défi théorique de cette thèse, ce renversement que nous proposons de qualifier de mémoire bio-cinématographique, contribuera à éclairer la relation complexe induite par l’esthétique cinématographique avec l’altérité. / The theoretical challenge of this PhD consists on studying the value acquired by the intimate forms of resistance in Polish films produced between 1968 and 1989 in support of a transversal panorama of known or unknown filmic works. If, as the Polish philosopher Leszek Kołakowski wrote in 1977, “family, affective and sexual relations stubbornly resist the grip of communist power”, how did Polish cinema show bodies that loved, thought and dreamt despite everything, pointing, through their presence on-screen, to a power relationship that confronted civil society with the communist state? Extrapolating the concept of “biopolitics” (M. Foucault) to the context of Communist Poland, our study aims to understand how an aesthetic of disarray emerged in order to delve deeper into the poetic depiction of gestures, (psycho)somatic states, bodily reactions and sexualities. This multi-layered aesthetic issue conceals a crucial subtopic concerning memory which is specific to Central and Balkan Europe: what impact do filmed bodies have on the memory of communism? Discussing these themes, comprised in what we propose to designate as a bio-cinematic memory, seems to be relevant to shed some light on the complex experiences offered by Polish cinema towards otherness.

Dans ce mémoire, tant dans la partie création que recherche, je m’emploie à penser l’expérience du sublime. Je dis « expérience » parce que le sublime n’est ni un contenu ni une forme. C’est le fait pour le sujet d’éprouver et d’épouser ses propres limites, à savoir celles du corps et de l’entendement. Confronté aux bornes de son imagination, il découvre sa vocation métaphysique et aspire à ce qui le dépasse. En un mot, il y va d’une expérience paradoxale, car ce qui vulnérabilise renforce à la fois. J’aborde dans ma nouvelle, Le testament de Cassandre, cette épreuve du sublime par laquelle la souffrance se fait offrande. Le personnage éponyme en fait l’expérience dans sa portée la plus tragique. Renonçant à s’affranchir de la mort au nom de ce qui la rattache aux siens, Cassandre préfèrera le néant avec eux à l’éternité seule. S’il n’y a pas de lieu à proprement parler du sublime, il y a des espaces où il est susceptible de surgir, d’éclore. Le fragment, écriture de la dissémination et de l’organicité, en est un. À l’instar du sublime, il s’offre comme une force à l’œuvre plutôt qu’une forme donnée. De là la pertinence de les étudier ensemble, dans des œuvres où ils se rencontrent, et selon une approche esthétique, domaine par excellence du sensible. C’est dans cette perspective que mon essai, L’épreuve initiatrice, esthétique du sublime dans À travers un verger de Philippe Jaccottet et Les Amandiers de Thierry Hentsch, se penche sur les récits fragmentaires de Jaccottet et de Hentsch qui, en butte à l’inconcevable, avouent leur désœuvrement, mais accusent le coup, se ramassent et s’y exposent, encore. / My goal in the following work, as much in the research component as the creative component, is to think the « experience » of the sublime. I say « experience » because the sublime is neither form nor content. It is the subjective act of grasping and surpassing our own limits as they manifest in the mind and body, specifically with regards to the faculty of understanding. Confronted with the frontiers of our imagination, we come to know our metaphysical calling and we seek to transcend it. This experience is paradoxical in the sense that it renders us vulnerable, while also strengthening and reinforcing us. In my short story Le testament de Cassandre, I explore the challenge of coming to grips with the sublime. As the titular character traverses great suffering – the sublime’s tragic gift – she must choose between freedom from death or a lifetime with those she loves. Faced with this cruel choice, Cassandre prefers the cold embrace of nothingness to an eternity alone. The sublime has no single domain, although there are spaces where it is more likely to emerge or to bloom. Writing in fragments (fragmentary writing) – a style that is at once organic and diffuse – is one of those spaces. Like the sublime, writing in fragments resists form while transmitting force and power. Hence the pertinence of studying this style and the sublime together in works where they are both present. It is from this perspective that my essay The Initiating Test: The Aesthetic of the Sublime in À travers un verger by Philippe Jaccottet and Les Amandiers by Thierry Hentsch, examines the fragmentary accounts of Jaccottet and Hentsch who, in the face of the unthinkable, admit to their own lassitude while simultaneously blaming their circumstances, only to gather themselves anew to be exposed once again.

L'activité théorique et pratique d'Experiments in Art and Technology (E.A.T.) soulève un certain nombre de problèmes esthétiques, ceux posés par une organisation qui soutient la collaboration entre artistes et ingénieurs, à l'intérieur comme à l'extérieur du monde de l'art. Cette thèse interroge l'irruption, jugée symptomatique, de la question environnementale en art, et la mobilisation, par les principaux acteurs d'E.A.T., du concept équivoque d'environnement pour désigner non seulement ce qui nous entoure, mais aussi ce qui peut nous influencer. En confrontant les propos de John Cage, Robert Whitman et Robert Rauschenberg sur leur pratique à des œuvres de références attestant de l'imprégnation des technologies dans nos existences on identifie une approche environnementale qui participe d'une explicitation, par l'art, de l'environnement contemporain. Ces artistes s'efforcent en effet de mettre en évidence, par leur travail, les qualités esthétiques d'un environnement naturel et artificiel, à l'égard duquel on ne peut plus être indifférent. L'attention portée à la perception dans l'expérience de cet environnement, témoigne d'un intérêt commun pour une physique phénoménale qui, bien qu'en relation avec des préoccupations scientifiques, s'en démarque cependant. Il s'agit non seulement de transformer cet environnement diffus en un espace perçu, mais également d'interroger la place et le rôle de l'artiste dans la mise en forme de l'environnement humain. S'élabore ainsi avec E.A. T., une recherche-action centrée sur l'individu, et qui envisage la possibilité, non plus simplement de vivre dans, mais d'exister avec son environnement. / The theoretical and practical activity of Experiments in Art and Technology (E.A. T.) raises a number of aesthetic problems - those posed by an organization whose aim was to facilitate and encourage collaboration between artists and engineers, both inside and outside the art world. This thesis investigates the eruption of environmental issues in art and the use made by E.A.T.'s main actors of the ambiguous concept of the environment, a concept which includes not only what surrounds us but also that which can have an influence on us. By juxtaposing and comparing what John Cage, Robert Rauschenberg and Robert Whitman had to say about their practice with key works on the infiltration of technology into our lives, we will identify an environmental approach that is part of an “explicitation” of the contemporary environment by and through art. These artists strive to highlight, through their work, the aesthetic qualities of a natural and artificial environment, the consequences of which cannot leave us untouched or indifferent. The focus on perception in the experience of this environment reflects a common interest in a 'phenomenal physics' which, even if related scientific concerns, also differs significantly from them. It is not only a question of the transformation of this pervasive environment into a perceived space but also a matter of investigating the place and role of the artist in the shaping of the human environment. Thus we see in E.A.T.'s program an activity a form of action-research focused on the individual, which envisages also the possibility not only of living in but of existing with one's environment.

Antonio Pietrangeli (1919-1968) est une figure incontournable du paysage cinématographique italien, en tant que critique tout au long des années 1940, puis comme réalisateur à partir de 1953. Formé par les débats critiques qui ont accompagné l’élaboration du néoréalisme, il place son premier film (Le Soleil dans les yeux, 1953) sous les auspices d’une saison néoréaliste finissante, ensuite réélaborée à travers un réalisme conçu sous les termes de la perte et de l’inachèvement, dont on trouve un écho dans son attention à la condition féminine. La présente étude propose une première monographie en langue française sur l’œuvre de Pietrangeli, conduite d’après l’ambition d’établir un dialogue entre son œuvre critique et filmique. L’hypothèse d’une pensée pietrangelienne du réalisme cinématographique, en mettant au jour des modalités de pensée spécifiques à la critique et la création, permet d’établir un dialogue dans lequel la question réaliste apparaît comme un outil conceptuel, qui éclaire la contribution de Pietrangeli à l’élaboration d’une modernité cinématographique. Les trois premiers chapitres retracent un « combat réaliste » qui s’inscrit pleinement dans l’historiographie du néoréalisme italien et se caractérise par sa spécificité morale. Elle annonce une transition épistémologique d’après laquelle la pensée du cinéma s’éloigne d’une tradition idéaliste au profit de perspectives existentielles, incarnées dans une filmographie où le réel, devenu objet de doute, dessine une phénoménologie sceptique que nous aborderons dans les quatrième et cinquième chapitres. / Antonio Pietrangeli (1919-1968) has been a prominent figure in Italian cinema, as a critic throughout the 1940’s and as a director from 1953. As an actor in the critical debates during the elaboration of neorealism, Pietrangeli places his first film (Empty Eyes, 1953) under the auspices of a neorealist ending season. This style will evolve afterwards towards a realism conceived under the concepts of loss and incompleteness, which is particularly visible in the light of his concern to the condition of women. The present study proposes the first french-language monography about the work of Pietrangeli, with the ambition to establish a dialogue between his critical and filmic work. The hypothesis of a Pietrangelian conception of cinematographic realism, by revealing specific relations between critics and creation, established a dialogue where the realistic question appears as a conceptual tool, which enlightens Pietrangeli's contribution to the elaboration of a cinematic modernism. The first three chapters trace back a "realistic struggle", which is fully part of Italian neorealism’s historiography, and is characterized by its moral specificity. It announces an epistemological transition, meaning that the conception of cinema moves away from an idealistic tradition in favor of existential perspectives, embodied in a filmography where reality, becoming questionable, indicates a skeptical phenomenology, which constitutes the core of the fourth and fifth chapters.

Ce mémoire cherche à montrer l’influence du cinéma lors de la création de mondes fictifs vidéoludiques. L’étude présente les liens artistiques existants entre le 7e et le 10e art et leur influence sur la jouabilité, ce qui se ressent sur l’expérience des utilisateurs. Dans cette optique, elle cherche à comprendre en quoi l'esthétique pensée par les concepteurs favorise l’immersion des joueurs. L’analyse est focalisée sur un genre en particulier qui suscite de puissantes émotions : la science-fiction d’horreur, et se concentre sur une étude de cas : les jeux Dead Space (2008) et Dead Space 2 (2011) développés par Visceral Games. / This master thesis seeks to show the influence of cinema in the creation of fictive game worlds. The study presents the existing artistic links between 7th and 10th art and their influence on gameplay, which is reflected in the user experience. With this in mind, it seeks to understand how the aesthetic thought by the designers promotes the immersion of the players. The analysis is focused on one genre in particular that evokes powerful emotions: horror science-fiction, and fosters on a case study : the games Dead Space (2008) and Dead Space 2 (2011) developed by Visceral Games.

Cette thèse interroge la manière dont les penseurs des Lumières françaises ont compris, analysé et fondé philosophiquement les effets de sens de la musique, c’est à dire aussi bien les modalités selon lesquelles la musique produit du sens, que les modalités selon lesquelles l’être humain est affecté par la musique. Elle interroge plus généralement la place qu’occupe la pensée musicale dans l’économie des savoirs sur l’être humain au siècle des Lumières. Le sujet de la musique y est envisagé sous trois angles : comme corps physique soumis à un phénomène acoustiquement structuré (partie I), comme être parlant confronté au phénomène expressif primordial de la voix (partie II) et enfin comme imagination confrontée à des fictions sonore ou des imitations (partie III). / This PHD thesis examines how French philosophers from the enlightenment understood and analyzed musical effects, that is, how music produces meaning, but also, how the human being is affected by music. It is more generally about the specific place held by musical thought in the global anthropologic knowledge of the eighteenth century. The musical subject is here considered in three manners: first, as a body affected by an acoustically structured phenomenon, second, as a speaking animal affected by voice, and finally as a mind confronted to musical fictions or imitations.

INTRODUCTION Une meilleure prédiction du gain esthétique réalisable par un traitement ortho-chirurgical est cruciale dans une société où la chirurgie est de plus en plus accessible et où l'importance accordée au physique est prédominante. L'objectif de cette étude est donc de tenter de définir des critères qui permettent aux cliniciens d'évaluer le potentiel d'amélioration de l’esthétisme du profil après une chirurgie d'avancement mandibulaire chez des patients hypodivergents. MÉTHODE L'échantillon est composé de 18 patients hypodivergents traités par combinaison d'orthodontie et de chirurgie d'avancement mandibulaire sans génioplastie. Des radiographies céphalométriques initiales (T1) et finales (T2) sont utilisées pour produire des silhouettes noires. Ces images sont présentées à 20 sujets sans connaissances de la médecine dentaire, 20 résidents en orthodontie et 20 orthodontistes gradué.e.s à qui on a demandé de noter l'esthétique de chaque profil sur une échelle de 1 à 10. RÉSULTATS Une corrélation négative a été trouvée entre le score esthétique initial et la différence du score esthétique. 88 % des patients de cet échantillon ont été jugés comme présentant une amélioration de l'esthétisme de leur profil en présence de valeurs initiales d'ANB ≥ 6° et/ou de G'-Sn-Pog' ≤ 160° indépendamment. Les professionnels ont été plus sensibles dans le discernement des profils et ont eu tendance à juger d’une plus grande amélioration de l'esthétisme des profils que le public général. Les résidents et orthodontistes évaluent de manière très similaire la quantité d’amélioration de l’esthétisme du profil. CONCLUSION Cette étude soutient ainsi que ces seuils peuvent être utilisés pour juger de l'amélioration esthétique potentielle du profil chez les patients hypodivergents envisageant cette chirurgie. / INTRODUCTION A better prediction of the achievable esthetic gain from ortho-surgical treatment is crucial in a society where surgery is becoming more widely accessible and where the importance attached to physical appearance is predominant. The objective of this study is to attempt to define criteria that would enable clinicians to assess the potential for improving profile aesthetics following mandibular advancement surgery in hypodivergent patients. METHOD The sample consists of 18 hypodivergent patients who had been treated with a combination of orthodontics and mandibular advancement surgery without genioplasty. Initial (T1) and final (T2) cephalometric radiographs were used to produce silhouette images. These pictures were then presented to 20 laypeople, 20 orthodontic residents and 20 orthodontists who were asked to score the aesthetics of each profile from 1-10. RESULTS A negative correlation is found between the initial esthetic score and the overall change in the esthetic score. 88% of patients in this sample are judged to show an improvement in their post-surgical profile aesthetics when initial values of ANB ≥ 6° and/or initial values of G’-Sn-Pog’ ≤ 160° were met independently. Professionals are more sensitive in discerning profiles and tend to note a greater improvement in the profile aesthetics than laypeople. Residents and orthodontists rate the amount of post-surgical improvement similarly. CONCLUSION This study supports that these thresholds can be used to judge potential profile aesthetics improvement in hypodivergent patients considering mandibular advancement surgery.

L’essentiel de ce texte se veut une réflexion sur la manière de raconter une histoire ou, plutôt, de l’évoquer : un questionnement qui fonde ma pratique de l’image photographique et vidéographique. Afin de mener à bien cette réflexion, plusieurs aspects de mon questionnement par rapport à l’image seront abordés : la notion de véracité historique, l’image photographique, l’image d’archives, la complexité, un « univers de possibles », ainsi que l’analyse de ma méthodologie de travail. Cet approfondissement théorique sera développé de connivence avec ma pratique visuelle qui, dans le cadre de ma maîtrise en arts visuels, s’est principalement déployée sous la forme de l’installation vidéographique. Mots-clés : histoire, archives, évocation, complexité, art vidéographique. / This text is essentially a reflection on how to tell a story, or rather, how to evoke it: a questioning that inhabits my photographic and video practice. To carry out this reflection, several aspects of this inquiry in relation to the image will be discussed, the notions of historical truth, the photographic image, the archive image, complexity, “a universe of possibilities” and also, an analysis of my methodology. This theoretical inquisition will be developed in collusion with my visual practice that has been deployed, during my master’s degree, mainly in the form of video installations.

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Ce mémoire a pour objet d'étude le film Rubber (2010) de Quentin Dupieux. Nous nous intéressons en particulier à l'examen du spectateur idéal (celui qui répond aux offres de lecture proposées par le film) ou de l'énonciataire (cette instance du film à qui l'on prête la réception du discours) du second long-métrage du réalisateur français. Bon nombre de films de fiction semblent se dérouler « naturellement » ou en l'absence plus ou moins avérée des marques d'énonciation. Il arrive cependant que l'énonciation soit marquée ou se reconnaisse à l'emploi d'interpellations faites au spectateur, à la mise en présence d'un narrateur, à l'utilisation d'une mise en abyme (film dans le film, image dans l'image), voire à la déconstruction du récit. Lorsque l'énonciation du film est marquée, celui-ci met en présence l'instance de l'énonciation à qui il s'adresse. Cette mise en évidence des procédés mobilisés par le film change la dynamique de réception habituelle du cinéma narratif classique. La posture idéale du spectateur prévue par le film narratif classique, le spectateur idéal, celui qui reçoit et répond idéalement aux offres de lectures du film, en est nécessairement changé. Parce qu'il diffère du cinéma narratif classique, le film Rubber forme le dessein d'une nouvelle figure du spectateur.