Au début des années quatre-vingt, trois films de Fassbinder initient un mouvement de réappropriation artistique et critique d’une forme de récit restée très proche de ses origines, théâtrales comme littéraires : le mélodrame. La trilogie allemande de Fassbinder assume la capacité du mélodrame à raconter à la fois l’histoire d’une femme et celle d’un peuple, opérant une réconciliation entre cinéma de genre et cinéma d’auteur. Une dimension nouvelle apparaît cependant : la relation conscientisée du mélodrame à l’histoire, et sa capacité à faire du dialogue avec le cinéma qui les ont précédés un des motifs principaux des films contemporains. Cette démarche détermine le cinéma de Pedro Almodóvar ou d’Aki Kaurismäki, celui de Gus van Sant, de Lars von Trier ou Robert Guédiguian. Dans le sillage des travaux de Jean-Loup Bourget et de Peter Brooks, ce travail interroge la persistance du mélodrame dans le cinéma contemporain. Une telle pérennité tient à la rémanence du peuple comme point d’origine, objet et destinataire de la fiction. Aujourd’hui encore l’interrogation sur le peuple, sa définition, sa persistance, voire sa dissémination vient travailler le mélodrame des années récentes. Afin de résoudre cette aporie, le cinéma,comme le note Stanley Cavell, met en avant la dimension performative du mélodrame. Sa fonction est alors de faire advenir un peuple qu’il se donne pour mission d’éduquer, de Pixérécourt à Griffith, de Mattarazzo à Clint Eastwood. Les travaux consacrés par Jacques Rancière à la manière dont le peuple a pu, au fil de l’histoire, devenir acteur de son éducation fournissent un modèle intéressant pour penser la dimension éducative du mélodrame aujourd’hui. / By examining, according to the works of Jean-Loup Bourget and Peter Brooks, the characteristics of the genre, this essay tries to determine the peculiarities of the melodrama in the contemporary cinema. At the beginning of the eighties, the " German trilogy " of Fassbinder introduces a movement of artistic and critical reappropriation of the original pattern. This moment can be considered as the first step of contemporary melodrama. Here Fassbinder tells concurrently the story of a woman and that of a people. A new dimension however : today’s melodrama is deleberately involved whith the history of cinema, and includes a permanent dialogue with former films.This approach influences Pedro Almodóvar's cinema as that of Aki Kaurismäki, that of Gusvan Sant as that of Lars von Trier or Robert Guédiguian. What remains, however, is the people as subject and receiver of the fiction. If the notion of people, since the French Revolution, is abundantly questioned by 19th century melodrama, recent melodramas seem still puzzled by it’s coherence, and even by it’s existence. Michelet’s work on the matter is a great healp to understand how cinema can still evoke people today. Cinema, as notices Stanley Cavell, strikes the performative dimension of the melodrama and shows melodrama’s character as a searcher of knowledge. Since the origins, from Pixérécourt to Griffith, Mattarazzo and Clint Eastwood, melodrama’s assumed a particular mission, which is to educate people. The studies dedicated by Jacques Rancière tothe way the people have been able, during history, to become his own master, supply

Si de nombreuses études occidentales portent sur le cinéma chinois contemporain, les écrits occidentaux consacrés aux films de la première moitié du 20t: siècle sont presque inexistants. Cette recherche propose une réflexion sur un champ d'étude méconnue en France qu'est le mélodrame cinématographique chinois durant la période républicaine (1911-1949). Elle envisage une réévaluation sur les films souvent qualifiés de « réalistes» et de « révolutionnaires ». Les œuvres mélodramatiques chinoises possèdent de multiples facettes: son style stéréotypé (la victime, le traître, le misérabilisme et le manichéisme), sa nature hybride (influence occidentale et héritage chinois), et ses messages contradictoires (conservateurs pour certains, révolutionnaires pour d'autres). En dépit de son caractère propagandiste, le mélodrame apparaît comme étant l'un des genres les plus appréciés par le peuple chinois et les intellectuels. / Many western film scholars have strong interest to the Chinese contemporary movie, but, rarely they devotes to the films of the first half of the 20s century. This study proposes a reflection on a field of study that is the Chinese film melodrama during the Republican period (1911-1949), a field of study which is utterly neglected in France. It envisages a revaluation on the movies often called "realist" and "revolutionary". Chinese melodramatic films possess multiple faces: its stereotyped style (the victim, the traitor, the miserabilism and the Manichaeism), its hybrid nature (Chinese heritage and western influences), and contradictory messages (conservative for some people, revolutionaries for others). Despite its propagandistic character, melodrama is considered as one of the most popular gender by both the Chinese people and intellectuals.

Cette thèse porte sur la circulation de la théâtralité du cirque, de la France aux régions intérieures du Brésil, en prenant comme référence la configuration du spectacle de cirque moderne et la présence du théâtre dans le Cirque Olympique de 1807 à 1836. Le théâtre y est considéré comme un des éléments de la pluralité du cirque qui arriva au Brésil au XIXe siècle. Pour comprendre la circulation de cette dramaturgie, l’étude se porte sur le système de transports du pays, en se focalisant sur les chemins de fer, afin de mesurer l’impact culturel du Bahia and São Francisco Railway et du Chemin de Fer São Francisco dans les régions intérieures de l’Etat de Bahia, pendant la première moitié du XXe siècle. Ce qui permet de réaliser une analyse de la vie culturelle de ce « réseau de villes » bénéficiaires des chemins de fer, en particulier les villes de Alagoinhas, Serrinha, Senhor do Bonfim et Juazeiro. A titre d’exemple de cette circulation, l’étude se concentre sur le mélodrame français Les deux sergents, de D’Aubigny, présenté pour la première fois au public au Théâtre de la Porte Saint-Martin en 1823. Traduit en portugais, il fut représenté par des cirques et des compagnies théâtrales, dans différentes villes du Brésil, dont celles étudiées ici, et illustre un vrai triomphe de la dramaturgie mélodramatique française au Brésil, pendant plus d’un siècle. / This paper discusses the transit of the circus-theatricality from France to the interior of Brazil with reference to the configuration of the modern circus show and the presence of the theatre at the Cirque Olympique between the years 1807 and 1836. The theatre is therefore treated as an element of the plurality of the circus that came to Brazil in the nineteenth century. To understanding this circulation it is necessary to analyse the transport system in the country, focusing on the railroads, to point out the cultural impacts of the Bahia and San Francisco Railway and the Railway San Francisco on the interior of Bahia in the first half of the twentieth century and an analysis of the cultural life in the "network of cities" in Bahia, benefited by the railroads, especially the cities Alagoinhas, Serrinha, Senhor do Bonfim and Juazeiro. As an example of this movement, we discuss the French melodrama Les deux sergents from D'Aubigny, whose debut performance took place at the Théâtre de la Porte Saint-Martin in 1823. Translated into Portuguese, the piece was performed by circuses and theatre companies in several Brazilian cities, including those encompassed by this study, featuring a triumph of French melodramatic dramaturgy in Brazil over the course of more than a century.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Ce document traite de l'introduction et de l'impact du mélodrame français au Brésil au XIXe siècle. Cherchant à clarifier la trajectoire de cette forme théâtrale dans le pays, l'étude veut recueillir et systématiser des diverses informations, à partir de la récupération de sources historiques et matériel théorique, publiée dans le pays et à l'étranger, notamment en France, où le mélodrame est né. À cette fin, une série de recherches ont été faites dans les catalogues des bibliothèques nationales et étrangères, permettant d'organiser des références bibliographiques, consulter les ouvrages originaux dramaturgiques et effectuer des recherches à propos de l'utilisation du terme mélodrame et à propos de la mise en scène de pièces mélodramatiques écrites par des auteurs français de mélodrames du XIXe siècle. Les résultats sous-tendent l'élaboration du texte de la thèse, qui compare des différents systèmes culturels (France et Brésil) et veut comprendre les implications de la mise en place de cette forme théâtrale dans le domaine social et dans le domaine littéraire, selon la compréhension que la littérature dramatique ne se limite pas au langage verbal enregistré dans les pièces. En ce sens, cette étude présente un aperçu de l'art dramatique, spectacles, public et commentaires sur pièces et esthétique mélodramatique, présente dans les discours régulièrement parus dans la presse, comme un registre de l imaginaire collectif de la population. Ainsi, il est prévu de contribuer à la compréhension de ce phénomène associé avec le contexte particulier de sa réception au Brésil, dans cette importante période historique du développement social dans le pays. / Este trabalho trata da introdução e da repercussão do melodrama francês no Brasil, no século XIX. Visando elucidar a trajetória dessa forma teatral no contexto brasileiro, o estudo concentrou-se em reunir e sistematizar informações diversas e originais, provenientes da recuperação de fontes históricas e de material teórico publicado no país e no exterior, especialmente na França, berço do melodrama. Para tanto, foi realizada uma série de pesquisas em catálogos de bibliotecas nacionais e estrangeiras, que possibilitaram a organização de referenciais bibliográficos, a consulta de obras dramatúrgicas originais e levantamentos, em periódicos brasileiros do século XIX, acerca do uso do termo melodrama e acerca da encenação, em nossos palcos, de peças melodramáticas escritas pelos principais autores franceses de melodramas dos Oitocentos. Os resultados obtidos com essas pesquisas orientaram a comparação entre sistemas culturais distintos (França e Brasil) e a análise das implicações do estabelecimento dessa forma teatral no campo social e no campo literário, conforme o entendimento de que a literatura dramática não se limita à linguagem verbal registrada nas peças. Nesse sentido, o presente estudo apresenta um panorama sobre dramaturgia, espetáculos, público e comentários em relação às peças e à estética melodramática, presentes em discursos regularmente veiculados pela imprensa, como um registro do imaginário coletivo da população. Desse modo, espera-se contribuir para a compreensão deste fenômeno, associado ao contexto peculiar de sua recepção no Brasil, tendo em vista que a relação entre as obras encenadas nos palcos brasileiros e seu público acompanha e reflete a produção artística neste importante período histórico de transformação social no país.

Antonio Pietrangeli (1919-1968) est une figure incontournable du paysage cinématographique italien, en tant que critique tout au long des années 1940, puis comme réalisateur à partir de 1953. Formé par les débats critiques qui ont accompagné l’élaboration du néoréalisme, il place son premier film (Le Soleil dans les yeux, 1953) sous les auspices d’une saison néoréaliste finissante, ensuite réélaborée à travers un réalisme conçu sous les termes de la perte et de l’inachèvement, dont on trouve un écho dans son attention à la condition féminine. La présente étude propose une première monographie en langue française sur l’œuvre de Pietrangeli, conduite d’après l’ambition d’établir un dialogue entre son œuvre critique et filmique. L’hypothèse d’une pensée pietrangelienne du réalisme cinématographique, en mettant au jour des modalités de pensée spécifiques à la critique et la création, permet d’établir un dialogue dans lequel la question réaliste apparaît comme un outil conceptuel, qui éclaire la contribution de Pietrangeli à l’élaboration d’une modernité cinématographique. Les trois premiers chapitres retracent un « combat réaliste » qui s’inscrit pleinement dans l’historiographie du néoréalisme italien et se caractérise par sa spécificité morale. Elle annonce une transition épistémologique d’après laquelle la pensée du cinéma s’éloigne d’une tradition idéaliste au profit de perspectives existentielles, incarnées dans une filmographie où le réel, devenu objet de doute, dessine une phénoménologie sceptique que nous aborderons dans les quatrième et cinquième chapitres. / Antonio Pietrangeli (1919-1968) has been a prominent figure in Italian cinema, as a critic throughout the 1940’s and as a director from 1953. As an actor in the critical debates during the elaboration of neorealism, Pietrangeli places his first film (Empty Eyes, 1953) under the auspices of a neorealist ending season. This style will evolve afterwards towards a realism conceived under the concepts of loss and incompleteness, which is particularly visible in the light of his concern to the condition of women. The present study proposes the first french-language monography about the work of Pietrangeli, with the ambition to establish a dialogue between his critical and filmic work. The hypothesis of a Pietrangelian conception of cinematographic realism, by revealing specific relations between critics and creation, established a dialogue where the realistic question appears as a conceptual tool, which enlightens Pietrangeli's contribution to the elaboration of a cinematic modernism. The first three chapters trace back a "realistic struggle", which is fully part of Italian neorealism’s historiography, and is characterized by its moral specificity. It announces an epistemological transition, meaning that the conception of cinema moves away from an idealistic tradition in favor of existential perspectives, embodied in a filmography where reality, becoming questionable, indicates a skeptical phenomenology, which constitutes the core of the fourth and fifth chapters.

Cette thèse tâche d’embrasser la production scénique de Felix Mendelssohn Bartholdy, en particulier ses musiques de scène pour la cour du roi de Prusse, qui connurent un grand succès au XIXe siècle. Le roi de Prusse Frédéric-Guillaume IV voulait alors renouveler le théâtre par la représentation d’œuvres antiques et de pièces de Shakespeare. Je souhaite comprendre comment ces œuvres, dictées par un arbitraire royal, à une époque où ces deux modèles esthétiques semblent passés de mode ont pu être l’un des points de départ, en Europe, d’une nouvelle réflexion sur l’Antiquité comme source d’inspiration, ainsi que de la création d’œuvres inspirées de l’Antiquité, sous la forme d’opéras sérieux ou parodiques et de musiques de scène.D’autre part, ces recherches et l’analyse des œuvres scéniques de Felix Mendelssohn Bartholdy permet d’envisager quelles ont pu être les idées dramatiques d’un compositeur extrêmement cultivé qui parlait grec et latin mais n’écrivit jamais ses propres livrets – à la différence d’un Berlioz ou d’un Wagner – et sembla toujours éprouver des difficultés à trouver un livret d’opéra qui lui permît d’exprimer ses idées musicales et dramatiques. Or, dans ses musiques de scène, le compositeur a toujours été au-delà de ce qui était attendu dans ce genre, recherchant peut-être, à une époque dite de « crise » des genres dramatiques en Allemagne, une nouvelle façon d’unir texte et musique, une nouvelle voie dramatique entre opéra, théâtre, oratorio et mélodrame. / This Dissertation aims at embracing Felix Mendelssohn Bartholdy’s stage music, more particularly his works composed for the court of the King of Prussia, which were much admired in the nineteenth century. The King of Prussia Frederick William IV wished to renew the theater by imposing the representation of classical and Shakespearean plays, at a time when these two aesthetic models seemed out-dated. I would understand how these works, dictated by an royal arbitrariness, were one of the starting points in Europe of the creation of works inspired by antiquity, music pieces ranging from parodic or serious operas to incidental music. Moreover, this research into and analysis of Felix Mendelssohn Bartholdy’s stage works allows us to consider what could be the dramatic ideas of a highly educated composer who could speak Greek and Latin, but never wrote his own librettos – unlike Berlioz or Wagner – and always seemed to have difficulty finding a libretto that would enable him to express his musical ideas and visions for the stage. However, in his incidental music, the composer always went further what was expected in this genre, searching perhaps, in a so-called period of « crisis » of drama genres in Germany, a new way of combining text and music, a new dramatic path between opera, drama, oratorio and melodrama

Robert Macaire apparaît en 1823 dans le mélodrame L’Auberge des Adrets sur la scène du Théâtre de l’Ambigu-Comique. Cette pièce marque l’histoire du mélodrame grâce à l’interprétation qu’en fait Frédérick Lemaître. Il crée un costume extravagant et improvise sur scène, transformant alors ce personnage secondaire en héros. Notre thèse met en lumière les modifications apportées dans l’oeuvre initiale grâce au jeu du comédien et recontextualise l’histoire des premières représentations. Le personnage apparaît de nouveau en 1834 dans Robert Macaire. Il devient un témoin emblématique des travers de la société de l’époque et héraut des contestations sociales et politiques de la monarchie de Juillet. Le succès est tel que le personnage réapparaît dans de nombreuses suites et avatars, donnant naissance au « macairisme ». Il s’attire ainsi les foudres de la censure. Au-delà du théâtre, il se transpose dans les caricatures et la littérature, devenant une figure archétypale et mythique. Il reste néanmoins fortement attaché à Frédérick Lemaître avec lequel il constitue un couple symbiotique justifiant l’analyse de l’impact du comédien dans la transfiguration du personnage de théâtre en un type social médiatisé. À travers cette étude, nous analysons le succès de Robert Macaire et les différentes utilisations du personnage et de ses implications politiques afin de comprendre comment et pourquoi ce personnage théâtral est devenu type social. Aborder la question de Robert Macaire à travers le couple qu’il forme avec Frédérick Lemaître permet d’interroger les véritables enjeux de l’esthétique macairienne dans l’affirmation du théâtre populaire. / Robert Macaire appears in 1823 in L’Auberge des Adrets melodrama on the stage of the L’Ambigu-Comique Theater. This play celebrates the melodrama’s history, thanks to the interpretation created by Frédérick Lemaître. He creates an extravagant costume and improvises on stage, transforming this secondary character in heroe. Our thesis highlights changes in the initial work through the actor’s play and re-contextualizes the history of the firsts performances. The character appears again in 1834 in Robert Macaire. He became an emblematic witness of the society of that time and herald for the social and political challenges of the “monarchie de Juillet”. Due to the success, the character reappears in many suites and avatars giving birth to the “Macairisme”. He thus, attracted the wrath of censorship. Beyond the theatre, he transfers in cartoons and literature, thus becoming an archetypal and mythic figure. Nevertheless, he remains strongly attached to Frédérick Lemaître with whom he creates a symbiotic couple justifying the study of the impact of the comedian in the transfiguration of the theatre in a publicized social type character. Through this study, we do analyze the success of Robert Macaire and the different uses of the character and its political implications in order to understand how and why this theatrical character has become a social type. Addressing the issue of Robert Macaire through the couple formed with Frédérick Lemaître, allows querying the real issues of “the macairienne esthetic” in the claim of the popular theatr

Notre mémoire cherche à identifier les traces du cinéma de “l’âge d’or” dans le cinéma mexicain des années quatre-vingt-dix. Au Mexique, l’apogée que le cinéma industriel a connu entre 1935 et 1955 a établi les principaux genres et normes du cinéma national. Le cinéma produit durant cette période, abondamment diffusé par la télévision et la vidéo et apprécié de la critique, continue d’influencer la production contemporaine. En concentrant notre analyse sur deux films en particulier, Danzón (1991) de María Novaro et La ley de Herodes (1999) de Luis Estrada, nous étudions d’une part, comment le cinéma des années quatre-vingt-dix rend hommage au cinéma de l’âge d’or et, d’autre part, comment on l’utilise pour commenter les nouvelles tendances dans la politique et la production culturelle. La diffusion continue du cinéma de l’âge d’or nous permet d’expliquer en partie son influence sur les cinéastes mexicains contemporains. Par ailleurs, le contexte de néolibéralisme et de globalisation des années quatre-vingt-dix nous permet d’avancer d’autres hypothèses concernant les raisons qui ont amené ces cinéastes à récupérer des éléments de la culture “nationale-populaire”. Nous pensons que ce contexte pourrait expliquer autant l’hommage que la critique que font les films contemporains du cinéma de l’âge d’or. Notre analyse des références au cinéma de l’âge d’or dans le cinéma des années quatre-vingt-dix s’appuie sur la théorie de l’intertextualité dans le cinéma. / This thesis studies the traces of the so-called “golden age” of Mexican cinema in films produced in the nineties. In Mexico, the upsurge of cinematic production between 1935 and 1955 established the principal norms and genres of a national cinema. The cinema of this era, critically acclaimed and widely diffused through television and video, continues to influence contemporary filmmaking. Focusing our analysis on two films, María Novaro’s Danzón (1991) and Luis Estrada’s La ley de Herodes (1999), we study how films from the nineties at once render homage to golden age cinema and use it to comment upon new trends in Mexican politics and cultural production. The continued diffusion of golden age cinema allows us to partially explain its influence on Mexican filmmakers working in the nineties. The nineties’ historical context, strongly marked by neoliberalism and globalization, allows us to propose further hypotheses as to why contemporary filmmakers have recuperated elements of “national-popular” cinema. We believe that this context explains both the homage and the criticisms that today’s films direct towards the cinema of the golden age. Our analysis of the dialogue between the films produced in these two periods borrows from theories of filmic intertextuality. / Nuestra memoria busca identificar las huellas del cine de la llamada “época de oro” en el cine mexicano de los años noventa. En México, el auge de la producción cinematográfica que tuvo lugar entre 1935 y 1955 estableció las normas y los géneros principales del cine nacional. El cine de esta época, altamente difundido por la televisión y el video, y apreciado por los críticos, sigue influyendo en la producción contemporánea. Concentrando nuestro análisis en dos películas en particular, Danzón (1991) de María Novaro y La ley de Herodes (1999) de Luis Estrada, estudiamos cómo el cine de los noventas rinde homenaje al cine de la época de oro, por un lado, y cómo se refiere a ese cine para comentar las nuevas tendencias en la política y en la producción cultural, por otro. La difusión continua del cine de la época de oro a través el tiempo nos permite explicar en parte su influencia en los cineastas mexicanos de los años noventa. Por otra parte, el contexto de neoliberalismo y de globalización de los años noventa nos permite avanzar otras hipótesis en cuanto a las razones que empujaron a los cineastas a recuperar elementos de la cultura “nacional-popular”. Pensamos que ese contexto explica tanto el homenaje como la crítica que las películas contemporáneas hacen hacia el cine de la época de oro. Nuestro análisis del diálogo entre las películas producidas en estas dos épocas se apoya en la teoría de la intertextualidad en el cine.

Parmi les réalisateurs, producteurs et acteurs de Bombay, Raj Kapoor (1924-1988) est certainement l’un des plus célèbres et des plus originaux, qu’il s’agisse de son œuvre ou de sa personnalité. Sa vaste filmographie qui rassemble quelques-uns des plus beaux mélodrames du cinéma populaire hindi reste méconnue en France. Proches du peuple, ces mélodrames révèlent un phénomène présent dans différentes situations et sous différents aspects : le sentiment d’incompréhension.Ce travail de recherche, inspiré par la lecture de Peter Brooks et Stanley Cavell sur le mélodrame, se donne pour but de montrer que les mélodrames de Kapoor sont porteurs d’un concept particulier qui les unit et les définit comme un genre cinématographique propre que nous appellerons « mélodrame de l’incompréhension ». Le sentiment de ne pas comprendre ou d’être « mal compris » qui hante ces mélodrames se cristallise non seulement à partir des enjeux esthétiques, historiques, politiques et culturels mais aussi des événements personnels.S’appuyant sur l’esthétique du mélodrame, Kapoor multiplie la présence métaphorique du héros aveugle qui pointe la difficulté ou l’impossibilité de communiquer et fait grief à la société de ne pas le comprendre. Inscrivant sa souffrance dans un contexte plus large, le mélodrame kapoorien dépasse les frontières du drame intimiste pour s’élever au niveau du peuple, voire de la nation, selon certains auteurs. Pour amplifier le phénomène d’incompréhension, le mélodrame utilise le malentendu, la méprise, l’ignorance, la confusion, l’illusion, etc. au point que ces difficultés de communication paraissent très clairement représenter des éléments structurels marqués par la réflexion de Kapoor sur l’incompréhension, teintée de mélancolie et de tristesse. / Among Bombay’s directors, producers and actors, Raj Kapoor (1924-1988) is certainly one of the best known and most original both for his work and for his personality. His vast filmography which constitutes a collection of some of the most beautiful melodramas of Hindi popular cinema remains virtually unknown in France. Close to the people, these melodramas reveal a theme which is universally present, illustrated in a variety of situations and different lights. It is the phenomenon of incomprehension.The present work, inspired by a reading of Peter Brooks and Stanley Cavell on the subject of melodrama, aims to show that Kapoor’s melodramas treat this specific theme which unites them and allows them to be defined as a distinct cinematic genre here termed "melodrama of incomprehension." The feeling of inability to understand or of being misunderstood which haunts these melodramas is gleaned not only from aesthetic, historical, political and cultural subjects but also from personal experience.Drawing on the aesthetics of melodrama, Kapoor multiplies the metaphorical presence of the blind hero illustrating the overwhelming difficulty of communication, and blames society for a lack of understanding. Extending the resulting suffering to a wider context, Kapoor’s melodrama transcends the bounds of individual drama, reaching out to the level of the people as a whole, indeed to the entire nation according to some authors. To amplify the phenomenon of incomprehension, his melodrama uses misunderstanding, scorn, ignorance, confusion, illusion, and more. Kapoor does this to a point at which these difficulties of communication clearly represent identifiable structural elements in his portrayal of incomprehension imbued with melancholy and sadness.

Cette thèse explore les masculinités comme un terrain pluridisciplinaire pour penser les rapportsde pouvoir. A partir d’un rapprochement entre les films musicaux et les mélodrames réalisés parJacques Demy et Vincente Minnelli, ce travail examine les performances masculines dans lecontexte de l’après-guerre. Cette période de transformations sociales voit l’avènementd’une culture filmique transatlantique qui interroge et remet en cause les normes liées au genreet à la sexualité. Articulant approches esthétique et actorale, l’étude de la mise en scène met aujour la production de discours genrés ambivalents, historicisés en fonction des spécificités socio-culturelles propres aux cadres de production hollywoodien et français. Le film musical et lemélodrame, dans leur esthétique camp, se révèlent des lieux de négociations identitaires où seconstruit un rapport inédit au politique. On montre ici que les deux cinéastes, réunis par leur stylemélodramatique analogue, imaginent et rêvent des modèles de masculinités alternatives fondéessur des valeurs empathiques. Devant la caméra, la vulnérabilité, les émotions et les grandssentiments deviennent des armes politiques pour refonder et réinventer la communauté. / This thesis explores masculinities as a multidisciplinary field for thinking power relations. By connecting musical films and melodramas by Jacques Demy and Vincente Minnelli, this work examines male performances in the post-war context. This period of social transformations has given rise to the emergence of a transatlantic film culture that questions and challenges normsrelated to gender and sexuality. Articulating aesthetic and cultural studies approaches, the study of mise en scène brings to light the production of ambivalent gendered discourses, historicized according to the specific socio-cultural aspect of Hollywood and French film production environments. Musical films and melodramas, through their camp aesthetics, reveal themselvesas spaces of identity negotiation where an unprecedented rapport with politics is constructed. Both filmmakers, united by their similar melodramatic style, imagine and dream about models of alternative masculinities based on empathic values. In front of the camera, vulnerability, emotions and strong feelings become political weapons to refound and reinvent the community.