Made available in DSpace on 2014-07-29T15:22:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacao deyvisson.pdf: 2384156 bytes, checksum: f305850246e11e8fa7465538344ef841 (MD5) Previous issue date: 2009-04-14 / Dans le monde contemporain, le corps est devenu l'objet du désir, de culte, et en particulier de soins. Les pratiques de soins du corps pour des raisons de santé, d'hygiène, de médecine et d'esthétique se multiplient par les médias. En particulier, la santé du corps, chaque jour devient une préoccupation sociale et individuelle. Il est proposé dans cette recherche pour comprendre les soins du corps dans le but d'obtenir et de maintenir la santé par la recherche à la production discursive des organismes et des subjectivités dans la presse écrite. Il s'agit d'une recherche qualitative de l'étude de cas guidée par des concepts de la construction sociale du corps et de l'objet dans la culture. L'étude des médias qui suit utilise comme référence théorique et méthodologique d'analyse de discours (AD) de Foucaultian perspective. Par conséquent, les notions telles que les connaissances, le pouvoir, la subjectivité et de la parole sont prises à partir de la littérature pour affronter le terrain. La collection de six numéros de la revue mensuelle a été de bon entre les mois de Mai et Juin. Tout au long de la description de la publication, l'attention s'est tournée vers la surveillance de la hiérarchie des discours sur le corps en bonne santé, la standardisation des modèles physiques et biologiques de l'organisme d'examen et le sujet lui-même en tant que mode de subjectivité produite par les medias dominants / No mundo contemporâneo, o corpo se tornou objeto de desejo, culto, e principalmente cuidados. As práticas corporais de cuidado com finalidades sanitárias, higiênicas, médicas e estéticas se proliferam pela mídia. Especialmente, a saúde do corpo se torna a cada dia uma preocupação social e individual. Propõe-se com esta pesquisa compreender o cuidado com o corpo com fins de obtenção e manutenção de saúde observando a produção discursiva de corpos e subjetividades na mídia impressa. Tratase de uma pesquisa qualitativa com estudo de caso norteada por noções de construção social do corpo e dos sujeitos na cultura. O estudo de mídia que se segue utiliza como referencial teórico-metodológico a Análise de Discurso (AD) de perspectiva foucaultiana. Portanto, noções como saber, poder, subjetivação e discurso são retomadas a partir de pesquisa bibliográfica para enfrentamento do campo. A coleta de seis números mensais da revista Boa Forma se deu entre os meses de maio e junho. Ao longo da descrição da publicação, a atenção voltou-se para a vigilância hierárquica dos discursos sobre o corpo saudável, a normalização dos modelos corporais biologizantes e o exame do corpo e do sujeito por ele próprio como modo de subjetivação predominante produzido pela mídia

Se pourrait-il que le cinéma ne se soit pas mis à parler parce qu’il avait quelque chose à dire, mais afin de faire parler la parole, de la mettre sur écoute, de renseigner les imaginaires discursifs qui configurent notre expérience commune ? Se pourrait-il que le langage soit ainsi inscrit au cœur du septième art, comme il fut au centre des savoirs de la modernité théorique ? Notre époque a inventé les moyens de reproduire techniquement la parole, mais n’a sans doute pas tout à fait pris la mesure de la révolution anthropologique induite par la visibilité exceptionnelle que ceux-ci lui donnent. Nous partons de l’hypothèse qu’il y a une pensée cinématographique du langage et de ses usages, un savoir (esthétique, rhétorique, poétique) qui s’ajoute à la parole dès lors qu’elle est représentée dans les films. Plaçant la parole filmée au centre de l’analyse de quatre fables cinématographiques — Fury (1936) de Fritz Lang, Fail Safe (1963) de Sidney Lumet, Salò (1975) de Pier Paolo Pasolini et Film Socialisme (2010) de Jean-Luc Godard —, ce travail donne à entendre quatre "leçons de langage", interrogeant les puissances et les infortunes de la parole dans un monde persuadé qu’il communique massivement. À quoi pensent les films quand ils parlent ? Entre autres choses, ils méditent la portée sociale et politique des actes de parole. / Could it be that movies did not started talking because they had something to say, but in order to make the speech speak, to overhear it, to inform the discursive imaginaries that shape our common experience ? Could it be that language is at the very heart of the art of film, as it has been at the centre of modern theoretical knowledges ? Our times have invented the means of reproducing speech technically, but we have probably not fully appreciated the importance of the anthropological revolution induced by the exceptional visibility that it provides to it. Our hypothesis is that there is a cinematographic thought of language and of its uses, an aesthetical, rhetorical and poetical knowledge that is added to speech when it is represented in films. Putting the filmed speech in the centre of the analysis of four cinematographic fables — Fritz Lang’s Fury (1936), Sidney Lumet’s Fail Safe (1963), Pier Paolo Pasolini’s Salò (1975) and Jean-Luc Godard’s Film Socialisme (2010) — our work proposes four « language lessons », questioning the powers and misfortunes of speech in a world convinced that we communicate massively. What do films think when they talk ? Among other things, they meditate the social and political significance of speech acts.

Dans cette thèse, il est fortement question de hip-hop, mais il est un merveilleux prétexte pour pouvoir parler d’autres choses sur la ville et sur l’ambiance urbaine. Il s’agissait au départ, de s’intéresser au hip-hop, de savoir s’il existait un hip-hop à la Brésilienne et comment s'actualisait le hip-hop à Fortaleza, ville du Nordeste. À partir des premières observations, j’ai pu constater que malgré une visibilité assez faible dans la ville, le travail des organisations du mouvement hip-hop au sein des communautés dites sensibles de Fortaleza est prépondérant. Se dressait alors un paradoxe entre une relative absence du hip-hop dans l’univers sonore de Fortaleza et une « hyper-présence » dans la periferia. Il faut donc comprendre le processus qui a amené le hip-hop à se « marginaliser » au Brésil et problématiser sa territorialisation dans les quartiers. Je montre que le hip-hop à Fortaleza ne s’est pas transposé tel quel dès sa sortie du Bronx. C’est finalement en se détachant des autres expressions urbaines comme le punk et le funk carioca que le hip-hop de Fortaleza s’est forgé en tant que « voie » pour une jeunesse délaissée. Ma thèse plonge le lecteur au cœur des pratiques du « hip-hop organisé », au travers des chroniques, des ateliers d’apprentissage ou des séminaires, qui donnent à voir ce qui caractérise l’action du mouvement hip-hop à Fortaleza. J’explique comment le hip-hop en tant que porte-drapeau d’une jeunesse populaire permet, en partie, par sa politique et son esthétique de sortir des logiques discriminatoires, mais aussi de la rhétorique territoriale qui est à la base de la formation des gangs. J’estime que les pratiques liées au mouvement hip-hop, au lieu de réactiver le stigmate qui pèse sur les populations habitant les quartiers périphériques, permettent à des jeunes de mobiliser un univers de pensée, à la fois proche de leur réalité tout en créant une pratique de la spatialité où la mobilité reste centrale. Cette mobilité est importante dans l’affirmation d’une citoyenneté complète et dans la construction d’une identité qui s’appuie sur son origine « marginale » au lieu de s’en affranchir. / In this research, the main subject is hip-hop but it is a great topic to think about other matters such as the city and the urban context. At the starting point of my thesis, with my interest in hip-hop, discovering if there was a Brazilian version of hip-hop was my main objective, the question point was how it could be actualized in Fortaleza, a city located in the North East of Brazil. From the fieldwork, although I have noticed a limited visibility from its practices in the center town, the hip-hop, as a movement, was incredibly strong in the comunidades located in the suburbs of the city. There was this paradox which is interesting to issue. Thus, we need to understand the process which brought the hip-hop to be « marginalized » and territorialized into the suburbs. I argue the hip-hop does not simply transpose itself in Brazil, as an American expression from the South Bronx to the Brazilian suburbs; I prove the hip-hop constructed itself by an intense competition with other subcultures as punk and funk carioca. This process has led the hip-hop to be the voice of the marginalized suburb’s youth. My thesis is an intense work field in showing the practices of the « hip-hop organizado », by chronicles, seminars, and workshops which allow us to define what are the characteristics of the Fortaleza’s hip-hop. I explain how this music base subculture transformed itself as the voice of the youth from the suburbs, and how it allows, in certain moment and condition, the hip-hopper to avoid a discriminatory path and extract him from a territorial construction which is a common trajectory to the gangs. I think that the hip-hop practices, instead of maintain or reactivate the stigma, allow young people to travel to an another way of live, close to their reality by creating a spatial practice and increasing the mobility, in this way the hip-hopper is able to affirm a complete citizenship by constructing an identity based on his roots from the margins and not against it.

Il est clair que la question de la pureté n'est pas un domaine vierge où les recherches ne se sont jamais aventurées. La notion de pureté est plus qu’un style d’écriture, c’est une façon de voir le monde et les choses. L’approche esthétique ne sera donc pas la seule. L’essentiel de notre propos est de revisiter la notion loin de la simple question du genre mais comme une façon de vivre, "a Way of life" comme disent les américains. Si l’on cherche bien, la notion a accompagné Gide durant toute sa vie et si au départ, c’est uniquement de pureté morale et esthétique qu’il était question, la notion de roman pur vient enfin résumer toute la quête gidienne de la pureté. On va sûrement nous reprocher une certaine confusion des deux notions, mais il faut bien l’admettre, le roman pur fait partie intégrante de la notion de pureté. C’est aussi dans ce sens que les notions de pureté et de roman pur se rejoignent et se complètent chez l’écrivain. Tout au long de ce travail, on va essayer de relier la notion de pureté qui est une question générale à la question du roman pur. Cette dernière perd à chaque fois son sens générique pour atteindre d’autres significations. / The notion of purity is not a new one ; It has already been talked by critics. This notion, according to Gide, is not only literary style but it is also a way of seeing the word. The aesthetic approach is not the only one. Our main aim is to revisit this problematic, away from the question of genres, by focusing on it as a “way of life”. The notion of purity was Gide’s main concern during his life. If, at the beginning, this notion was mainly aesthetic and ethical/moral, it finally summarizes Gide’s quest for purity.

La valeur esthétique des paysages et des espèces est un élément central de la conservation de la biodiversité, puisqu’elle fait intervenir les dimensions affectives et émotionnelles de notre rapport à la nature. Le lien entre biodiversité et perception esthétique demeure cependant peu étudié dans le cadre des services écosystémiques.Suite à un premier travail de synthèse ayant permis de poser les bases conceptuelles et méthodologiques de l’esthétique des paysages, trois études menées sur des systèmes sous-marins à différentes échelles ont permis de mieux comprendre et de quantifier le lien entre les différentes facettes de la biodiversité et la perception esthétique.Les résultats ont permis de mettre en évidence que la nature du lien entre biodiversité et préférences esthétique est dépendante de l’échelle de perception : à une échelle multi-spécifique, la biodiversité et la composition en espèces ont un effet positif sur les préférences esthétiques, tandis que les préférences à l’échelle spécifiques sont déconnectées du fonctionnement écologique des écosystèmes.Ces résultats confirment l’importance de la valeur esthétique dans notre perception de la biodiversité, qui pourrait avoir des conséquences majeures sur la façon dont nous protégeons notre environnement. L’approche fonctionnaliste de l’expérience esthétique est proposée et décrite afin de promouvoir une perception esthétique basée sur la compréhension et la reconnaissance des processus écologiques. Des pistes d’éducation à la biodiversité basée sur une expérience esthétique engagée sont également proposées afin de reconnecter les besoins écologiques et les préférences esthétiques. / The aesthetic value of landscapes and species is a central element for the conservation of biodiversity, since it involves the emotional and emotional dimensions of our relationship to nature. However, the links between biodiversity and aesthetic perception remains poorly studied and recognized within the ecosystem services framework.Following a first critical review, that described the conceptual and methodological bases of landscape aesthetics, three studies on underwater systems at different scales have been computed in order to better understand the link between the different facets of biodiversity and aesthetic perception.The results revealed that the link between biodiversity and aesthetic preferences is dependent on the scale of perception: at a multi-specific scale, biodiversity and species composition have a positive effect on aesthetic preferences, while preferences at a specific scale are disconnected to the ecological functioning of ecosystems.These results confirm the importance of aesthetic value in our perception of biodiversity, which could have major consequences in the way we protect our environment. The aesthetic experience based on the understanding of ecological functioning is proposed and described in order to promote an aesthetic perception relevant to ecological processes. Education to biodiversity based on engaged aesthetic is also proposed, in order to reconnect ecological needs and aesthetic preferences.

L’objectif de la présente étude est de démontrer comment Zola, dans L’Assommoir considère l’alcool et comment le naturalisme est un outil pour faire la leçon sans esthétique, ou plutôt en ayant développé une esthétique nouvelle, dure et brute. Nous avons également essayé d’analyser en quoi l’esthétique de l’alcool épouse ou nuance le message moralisateur de l’auteur dans cette oeuvre. Nous avons mis en relief les relations de cause à effet entre l’alcoolisme et la médiocrité humaine. L’idée directrice est que si la médiocrité peut toucher tous les hommes, quelle que soit leur classe sociale, elle touche plus souvent et plus durement la classe ouvrière, les laissés pour compte, en les conduisant ou en s’ajoutant en plus à la détresse sociale, financière, et la faim. Nous avons ainsi constaté en quoi l’alcoolisme est le principal facteur déclencheur et accélérateur de cette médiocrité, qu’elle brise les rêves et enchaine à la misère. / The purpose of this study is to demonstrate how Zola in L’Assommoir considers alcohol and how naturalism is a tool to lecture without aesthetics, or rather develops a new aesthetic, hard and brutal. We have also tried to analyse how the aesthetics of alcohol marries or nuances the moralizing message of the author in this work. We have highlighted the cause and effect relationship between alcohol and human mediocrity. The guiding line is that if mediocrity can affect all men, it affects the working class more often and harder, leaving them in or adding to a state of social and financial distress, even hunger. We have seen that alcoholism is the main trigger and accelerator of this mediocrity, that it breaks dreams and binds to misery.

Célèbres et reconnus mais peu discutés, les films réalisés par Erich von Stroheim, entre 1919 et 1929 à Hollywood, occupent une place problématique dans l’histoire et la théorie du cinéma. Les discours contradictoires ou paradoxaux qu’ils ont inspirés animent cette recherche. Œuvre à la fois mutilée, reconstruite ou ruinée, elle est indissociable d’une expérience du temps. La versatilité des mondes et les métamorphoses de l’intrigue qu’elle propose, malgré un régime narratif évident, invitent à reconsidérer les catégories de l’histoire du cinéma muet américain. Interrogeant la représentation de l’histoire, ces films donnent à penser l’événement de la Première Guerre mondiale comme un point aveugle, et livrent une historicité composite. Au sein des pratiques du cinéma muet hollywoodien, les films de Stroheim se distinguent par l’invention d’un montage en accolade produisant une continuité qui incite à envisager la question de la durée. Ces films s’écartent de ce qu’à la même époque instaure le naturalisme américain par-delà les modèles littéraires. Pour analyser ce cinéma dans sa complexité, sera examiné l’être stroheimien selon les devenirs qui le font changer dans la durée, différemment de son appréhension dans le temps chronologique. De sorte que leurs devenirs se mesurent relativement aux êtres cédant à l’entropie ou au contraire demeurant des invariants. Selon cette configuration générale, Stroheim crée les conditions d’une expérimentation distincte de celle du naturalisme traditionnel. / The films directed by Erich von Stroheim in Hollywood between 1919 and 1929, though little discussed, are famous and renowned, but they still remain an issue in both film history and film theory. Contradictions and paradoxes that characterize the discourses on these films drive this research. The works of Erich von Stroheim were in turns butchered, reconstructed, destroyed. Our aim is to show that it entails strongly an experience of time. Despite their obvious narrative plots, these films suggest a changeability of worlds and a metamorphosis of plot that lead us to review the standard approaches of American silent film history. While they question the representation of history, these films make the event of World War I appear as a blind spot, and reveal heterogeneous modes of historicity. Within the experiences of Hollywood silent films, the works of Erich von Stroheim are characterized by the creation of a bracket montage (montage en accolade), producing a continuity that invites us to consider the issue of duration. Beyond literary models, these films differ from what is established by American naturalism at the time. In order to make way for their complexity, we will study the Stroheim-being according to what it becomes and changes itself in duration, which is not what we could understand of it in chronological time. So what becomes of it is estimated with regard to its yielding to entropy, or, on the contrary, its remaining invariably the same. In accordance with this general configuration, Stroheim creates conditions that experiments a new way for naturalism.

La rencontre entre Wittgenstein et Schopenhauer était inéluctable dans la Vienne « fin-de- siècle », fascinée par le philosophe allemand et lasse des exigences d’une rationalité néo-kantienne non exempte de contradictions. Mais le héraut de la volonté aveugle et sans but laisse un héritage difficile à assumer, dans lequel la quête du sens de l’existence et les problèmes d’identité interfèrent avec les conditions très strictes imposées à l’exercice de la pensée et aux formes de la représentation, dominées dans la culture moderne par la recherche incessante des causes et l’idéal de la science. L’exigence éthique et esthétique de Wittgenstein l’incite en réponse à mettre à nu les origines et le développement de toute activité intellectuelle et philosophique. Il suit ainsi d’abord la piste proposée par Schopenhauer à l’intellect en quête d’objectivité et de repos, celui de l’artiste ou du génie osant s’avancer aux limites de la représentation, dans la pure contemplation des idées. Mais ce chemin passe aussi tout près des frontières de la maladie mentale, et l’apaisement de la contemplation intellectuelle passive et détachée de la volonté peut basculer à tout instant dans le chaos d’une forme morbide de désengagement du monde, d’un solipsisme non seulement théorique mais vécu. Wittgenstein peu à peu identifie le solipsisme comme l’archétype de la maladie philosophique, conduisant les jeux de langages à se détacher des formes de vies et des comportements instinctifs qui les ont engendrés. Sa propre vocation philosophique se manifeste au cours de ce processus thérapeutique, comme l’expression d’une lutte vigilante contre les tentations réflexives de l’entendement et un retour humble à l’action dans la vie ordinaire. / Wittgenstein and Schopenhauer’s meeting was inescapable in the ‘End-of-Century’ Vienna, fascinated by the German philosopher and tired by the demands of neo-kantian rationality, itself not immune to contradiction. But the herald of blind and pointless will left a burdening inheritance, in which the quest for the meaning of existence and the problems of identity interfered with the very strict conditions imposed upon the practice of thought and the forms of representation, which, in the modern culture, are dominated by the relentless search for causes and by the ideal of science. Wittgenstein’s ethical and esthetic demands lead him, in answer, to reveal the origins and the development of any intellectual and philosophical activity. At first, he follows Schopenhauer’s path for the intellect looking for objectivity and rest, that of the artist or the genius daring enough to tread at the limits of representation, in the pure contemplation of ideas. But this path comes very close to the frontiers of mental illness, and at any moment, the soothing of passive intellectual contemplation, detached from will, may fall in the chaos of a morbid form of worldly disengagement, that is, of a not merely theoretical solipsism, but also lived. Wittgenstein gradually identifies solipsism as the archetype of philosophical illness, leading his language games to come apart from the forms of life and instinctive behaviors which fostered them. His own philosophical calling is made manifest through this therapeutic process, which expresses a vigilant struggle against the reflexive temptations of intellect, and a humble return to language and action in ordinary life.

Cette thèse porte sur l’esthétique phénoménologique d’Edmund Husserl et de ses disciples du Cercle de Munich. Sous l’influence conjointe de Husserl et de Theodor Lipps, les jeunes phénoménologues munichois Aloys Fischer, Theodor Conrad et Moritz Geiger ont donné naissance à l’esthétique phénoménologique au tournant du XXe siècle en élaborant un programme esthétique fondé sur la thèse de l’objectivité des valeurs. Comme Husserl, l’esthétique était pour eux une « science de la valeur » [Wertwissenschaft]. Le premier chapitre expose le programme du Cercle de Munich et définit la méthode phénoménologique en esthétique en la distinguant des approches psychologiques et philosophiques ou métaphysiques. Le deuxième traite de l’histoire du mouvement phénoménologique depuis son origine dans l’école de Lipps à Munich jusqu’à la Première Guerre mondiale et de la « phénoménologie de l’objet » qui a joué un rôle central dans l’élaboration de l’esthétique du Cercle de Munich. Les troisième et quatrième chapitres présentent une reconstitution de l’esthétique de Husserl à partir de ses œuvres de la période de Göttingen (1901-1916), et ils portent non seulement sur sa conception de l’attitude esthétique comme « intérêt au mode d’apparition », mais aussi sur sa théorie de l’« objectivation » ou de la « constitution » des valeurs esthétiques. Finalement, le dernier chapitre est consacré à l’esthétique de Moritz Geiger et montre, notamment, que l’« esthétique existentielle » qu’il a développée dans les années 1920 et 1930 remet en cause, jusqu’à un certain point, l’« esthétique de la valeur » qu’il défendait par ailleurs conformément au programme du Cercle de Munich. / This thesis is a study of the phenomenological aesthetics of Edmund Husserl and his followers of the Munich Circle. Under the joint influence of Husserl and Theodor Lipps, Munich phenomenologists Aloys Fischer, Theodor Conrad and Moritz Geiger founded phenomenological aesthetics at the turn of the twentieth century. Aesthetics was for them, as for Husserl, a « science of value » [Wertwissenschaft]. The first chapter outlines the program of the Munich Circle in aesthetics, defines the phenomenological method, and distinguiches it from psychological and philosophical of metaphysical aesthetics. The second focuses on the history of the phenomenological movement from its origins in the School of Lipps in Munich to the First World War and on the « phenomenology of the object » which played a central role in the development of the aesthetics of the Munich Circle. The third and fourth chapters present a reconstruction of the aesthetics of Husserl’s works from the period of Göttingen (1901-1916) and address his conception of aesthetics attitude as an « interest in the mode of appearance » as well as his theory of « objectification » or « constitution » of values. The last chapter discusses the aesthetics of Moritz Geiger from is article on aesthetic enjoyment in 1913 to is posthumous work Die Bedeutung der Kunst, and deals with the problem of the unity of his thought concerning aesthetics of value.

Il existe un domaine où Jean-Paul Sartre paraît n’avoir laissé, malgré sa polygraphie, presque aucune trace : la poésie. Mais était-elle dès lors étrangère à sa pensée ? Loin de là selon nous. L’acception de ce mot ne se limite pas chez lui au sens ordinaire d’un genre littéraire, mais elle désigne aussi un mode d’être-dans-le-monde propre au poète-écrivain, qui se résume en choix de l’« échec » ou de « l’impossible ». Même si larvée dans ses écrits, la réflexion de Sartre autour de cette idée nous semble former une systématicité qu’on pourrait appeler un « deuxième Qu’est-ce que la littérature ? » qui, en articulant de manière paradoxale l’esthétisme antihumaniste et la moralité de l’« anthropodicée », trahit parfois le premier — qui ne cesse, pour autant, d’être la pensée de la « littérature engagée ». Dans cette présente étude, suivant de telles lignes conductrices, nous avançons nos analyses en deux étapes. Le premier temps de notre travail sera consacré à l’analyse structurelle de la « poésie » sartrienne, menée d’abord sur le plan du projet existentiel (Partie I), ensuite sur le plan de la création poético-littéraire (Partie II). À cette analyse fera suite le second temps de la recherche, la réflexion sur la portée morale de la « poésie » comprise au sens sartrien (Partie III). / There is a domain in which Jean-Paul Sartre appears not to have left any trace, in spite of his polygraphy: poetry. Was it then strange to his thought? Far from it, in our opinion. In Sartre’s work, this word is not limited to the ordinary sense of a literary genre, but also designates a mode of being-in-the-world specific to the poet-writer, which comes down to the choice of “failure” or “impossibility.” Though it remained latent in his writings, his reflection on this idea seems to form a systematicity of what we could call the “second What is literature?” that, articulating in a paradoxical way the antihumanistic aestheticism and morality of “anthropodicy,” sometimes betrays the first What is literature? — without ceasing to be the thought of “committed literature.” Following these guidelines, in this thesis, we advance our analysis in two steps. The primary phase of our work will be devoted to the structural analysis of Sartrian “poetry,” led first on the level of an existential project (Part I), and subsequently, on the level of a poetico-literary creation (Part II). This analysis will be followed by the second phase of the research, reflection on the moral range of “poetry” understood in the Sartrian sense (Part III).