Cette thèse fournit une description et une analyse détaillée du déroulement à l’heure actuelle des funérailles chez les Éton du Sud-Cameroun en privilégiant leur dimension sonore. Elle cherche en même temps à identifier la place qu’occupent les changements apportés par la colonisation et l’évangélisation, ainsi que les changements, plus récents, impulsés par l’ouverture de morgues, le développement des mass médias et la mobilité des populations. Fondé sur des matériaux recueillis de 2009 à 2013, ce travail s’attache donc à comprendre comment des expressions traditionnelles – polyrythmies, langage tambouriné et chants – cohabitent avec des pratiques importées – chants chrétiens, musiques de variété – au sein de cérémonies structurées par un dispositif spatio-temporel particulier, une répartition spécifique des rôles entre les participants et la récurrence d’un certain type d’interaction sonore (par exemple celle d’annonce/réponse). La diversité et l’abondance des sonorités étant indicatives de la puissance et du prestige du lignage du défunt, la plupart des familles cherchent à organiser de « grands deuils » où la présence sonore du mort et des deuilleurs est clairement mise en évidence. / This thesis provides a detailed description and analysis of the successive stages of present-day funeral ceremonies among the Eton of Southern Cameroon, emphasizing their sonic aspects. At the same time, it seeks to identify the role of changes introduced by colonization and evangelization, as well as more recent innovations linked to the opening of mortuary services, the development of mass-media communication and increased population mobility. Based on materials collected from 2009 to 2013, this work focuses on understanding how traditional expressions – polyrhythm, drum language and songs – coexist with imported practices – Christian songs, contemporary musical styles – in ceremonies structured by a distinctive spatio-temporal pattern, a specific distribution of roles among participants, and the recurrence of certain forms of sound-making (for example that of announcements/responses). The variety and number of sounds are indicators of the power and prestige of the lineage of the deceased; most families seek to organize “big ceremonies” where the sonic presence of the deceased and of the bereaved parents is clearly highlighted.

La version intégrale de ce mémoire [ou de cette thèse] est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU) / Instants et espaces investis par la musique, les sessions sont actuellement en Irlande un marqueur d’expression culturelle. En surface, celles-ci peuvent être définies en tant que regroupement prévu ou spontané de plusieurs musiciens dans le but de faire de la musique et de passer un agréable moment en communauté. Toutefois, un travail d'enquête réparti sur sept années de recherches dans le nord-ouest irlandais a révélé qu'en profondeur, les sessions représentent un phénomène socioculturel complexe, phénomène social autant que musical, fait musical autant que social, édifice symbolique mixte tissé d'interactions dont la combinatoire à chaque fois renouvelée implique un jeu de relations entre le facteur individuel et les stratégies collectives qui, radicalement, affectent l’ensemble de la structure de l’événement. Comprendre le fonctionnement d'une session revient alors à poser un certain nombre de questions ayant pour finalité de révéler la manière dont les deux pôles du social et du musical se trouvent, en même temps que distincts, inextricablement liés. Les sessions musicales se révèlent ainsi sources d'un certain nombre de problèmes, lesquels, a priori motivés par une connaissance spécifique à notre objet d'étude, conduisent à dépasser le domaine exclusif de l'Irlande pour venir affronter les questionnements plus larges que pose l'ethnomusicologie contemporaine. La présente thèse s'organise en cinq chapitres. Un premier est consacré à une description générale des sessions. L'attention est portée sur les liens dynamiques opérant entre ce qui relève du musical et ce qui procède d'un ordre plus spécifiquement social. Les questions alors soulevées engagent un second chapitre, dont l'organisation est bipartite. Y sont alors exposés, dans un premier temps, les grands axes problématiques sur lesquels cette thèse repose, et dans un second, les réponses méthodologiques impliquées par cette même problématique. Un troisième chapitre consiste à mettre en place l'ensemble des outils nécessaires à la conduite des analyses, à travers une réflexion portant sur les propriétés systématiques de l'ensemble des paramètres sociaux et musicaux caractéristiques de ce que sera notre corpus. L'étape suivante, quatrième chapitre de la thèse, se fonde sur les analyses comparatives d'un corpus de 26 pièces musicales, collectées dans le cadre de 7 situations de sessions distinctes. À travers un cinquième chapitre, le travail se termine enfin par une synthèse fondée sur l'intégralité des résultats analytiques obtenus dans le chapitre précédent. / As periods of time and spatial entities invested by music, sessions in Ireland nowadays are a marker of cultural expression. Superficially, those can be defined as a gathering, planned or spontaneous, of several musicians with the prospect to produce music and to share a nice moment together. Yet, a survey pursued over a seven-year research work in north-western Ireland revealed that, in depth, sessions represent complex socio-cultural events, social as much as musical, musical as well as social happening, symbolic entity enriched by interactions whose permanently renewed combination reflects the interplay between individual factors and group strategies, that, radically, affect the whole structure of the event. To understand how a session functions then requires raising a number of questions whose end is to elucidate how the two poles, social and musical, happen to be inextricably linked, though distinct at the same time. Musical sessions thus become a source of problems which, a priori connected to the amount of knowledge specific of our topic, lead to overcome the exclusive domain of Ireland up to facing the broader issues of contemporary ethnomusicology. The present thesis includes five chapters. The first one is a general description of sessions. Attention is paid to the dynamic links operating between what belongs to music and what proceeds from a line more specifically social. Questions then raised trigger a second chapter, whose content is bipartite. First are exposed the major problems on which the thesis rests, and secondly the methodological answers related to the given problematic. A third chapter consists of setting the spectrum of methods required to conduct analyses, through a reflexion bearing on the system properties of the whole range of social and musical parameters that characterize this work. Next step, the fourth chapter is based on the comparative analysis of 26 musical pieces that were collected in the context of seven different situations in distinct sessions. In the fifth chapter, the thesis ends with a synthesis of all analytical results as gathered in the previous chapters.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Genre né de la rencontre (imposée par l’exil) au XIXe siècle entre les Garinagu et des populations hispaniques centraméricaines, la paranda connaît aujourd’hui un regain d’intérêt chez les acteurs de la production discographique garifuna. Depuis son apparition dans les studios d’enregistrement, elle a évolué vers une forme modernisée, faisant appel à des instruments électriques et des procédés de traitement du son caractéristiques des musiques « populaires ». Devenue en 2000 (avec la compilation Paranda; Africa in Central America, produite par Ivan Duran et distribuée par Warner/Elektra) une « musique du monde » sur le marché discographique international, cette nouvelle forme de paranda connaît un succès conséquent dans les palmarès de world music – popularité qui se déploie après coup chez les Garinagu centraméricains, qui redécouvrent un genre jusqu’alors quasiment disparu dans sa version villageoise. À partir de l’exemple de la « récupération », à des fins commerciales, d’un genre musical « traditionnel » par un label indépendant centraméricain, cette thèse montre comment un producteur de world music a su se servir du studio d’enregistrement comme d’un outil créatif susceptible de lui ouvrir les portes de l’internationalisation. Utilisant le studio comme laboratoire expérimental, Ivan Duran est ainsi parvenu à réaliser des disques qui – tout en atteignant un succès critique international – allaient lui permettre d’établir son label, Stonetree Records, en tant que standard pour l’ensemble de l’industrie musicale régionale. Afin de comprendre quels mécanismes sont activés (et selon quelles modalités) dans le cadre spatio-temporel spécifique au studio d’enregistrement, cette recherche doctorale prend pour principale étude de cas la réalisation de Laru Beya – dernier album du parandero Aurelio Martinez, réalisé par Ivan Duran et distribué internationalement. Les trois chapitres centraux sont donc consacrés à l’analyse sémiologique de ce disque, avec d’abord une étude 1) des stratégies créatrices en présence (à travers une ethnographie de sessions d’enregistrement, sur une plage du Honduras), puis 2) de l’objet musical tel qu’il a été commercialisé (l’« œuvre » en elle-même) et enfin 3) de différentes conduites d’écoute d’auditeurs-consommateurs garinagu ou non. Tandis que le premier chapitre de cette thèse propose une contextualisation de notre objet de recherche (allant « du village au studio »), le cinquième et dernier chapitre s’attache – après avoir élargi les résultats de notre étude de cas à d’autres phénomènes similaires – à évaluer l’impact des processus d’internationalisation sur la production musicale locale (opérant un retour « du studio au village »). / Born from a critical encounter (imposed in exile) between Garifuna people and Spanish-speaking Central American populations, Paranda is currently experiencing a resurgence of interest among stakeholders of the garifuna record production. Since its arrival in the recording studios, it has evolved into a modernized form, using electric instruments and sound treatment techniques taken from popular music. In 2000 (with the release of Paranda; Africa in Central America, produced by Ivan Duran and distributed by Warner/Elektra), Paranda became a world music, thus experiencing a substantial success in world music charts – popularity that unfolds afterwards in Garifuna communities, rediscovering a musical genre that had virtually disappeared in the village. From the example of a “recuperation”, for commercial purposes, of a traditional musical genre by an independent Central American label, this dissertation shows how a world music producer has been able to use the recording studio as a creative tool that opened the doors of internationalization. Using the studio as an experimental lab, Ivan Duran succeeded in making records that, while reaching an international critical success, would also allow him to establish his own label, Stonetree Records, as a standard within the whole regional music industry. To understand which mechanisms are activated (and how) within the spatio-temporal framework defined by the recording studio, this doctoral research will focus on the production of Laru Beya – parandero Aurelio Martinez’s latest album, produced by Ivan Duran and internationally distributed. The three central chapters are devoted to the semiotic analysis of this record, with a study of 1) creative strategies developed in the studio (through an ethnography of recording sessions, which took place on a beach in Honduras), then 2) the musical object as it was marketed (the "work" itself) and finally 3) different listeners’ (Garifuna or not) reactions. While the first chapter of this dissertation provides a contextualization of our research object (from "the studio to the village"), the fifth and final chapter – after extending the results of our case study to other phenomena – focuses on assessing the impact of Paranda’s internationalization on local music production (going back from “the studio to the village”).

Cette version du mémoire a été tronquée des éléments de composition originale, ces éléments donnant des informations d'ordre structurel qui permettraient d'identifier le stage qui fait l'objet de la présente recherche. Une version plus complète est disponible en ligne pour les membres de la communauté de l’Université de Montréal et peut aussi être consultée dans une des bibliothèques UdeM. / Ce mémoire a pour objectif de dégager les paramètres de l'expérience vécue par un groupe de stagiaires ayant participé à l'édition 2014 du stage Music’Oriente axé sur l'apprentissage des musiques cubaines, à Santiago de Cuba. Notre recherche porte précisément sur les diverses stratégies mises en oeuvre par les participants pour optimiser leur expérience. Sur ce type de terrain, la relation musico-touristique demande d'être appréhendée suivant des paramètres distincts du schéma performanciel classique situant le touriste dans le public et laissant le plus souvent la pratique musicale aux natifs. Selon notre perspective, dans le stage de musique, l'expérience du touriste doit être prise en compte non seulement pour l'appréciation que celui-ci a des prestations qui lui sont données à voir, mais également pour les significations qu'il attribue à sa démarche d'apprentissage musical en contexte de voyage à l'étranger. Mobilisant les outils de l'ethnomusicologie, de la philosophie, de la psychologie sociale et de l'anthropologie du tourisme, et à l'aide des notions d'expérience (Dewey c2005) et de flow (Csikszentmihalyi 1990), ce mémoire met notamment en exergue que le processus d'optimisation nécessite de la part des stagiaires de Music’Oriente une constante négociation de leur rapport au connu et à l'inconnu, dans la perspective de retirer les plus grands bénéfices d'une expérience d'immersion dans un cadre étranger. Par cette recherche, nous souhaitons que notre apport théorique, axé sur l'agentivité des touristes et sur leur démarche de construction de sens, contribuera à une compréhension plus approfondie de la dimension expérientielle de la pratique musicale en contexte touristique. / This thesis aims to identify the parameters of the experience of a group of tourists who participated in the 2014 edition of the Music’Oriente workshop, which focused on learning Cuban music in Santiago de Cuba. Our research is specifically concerned with the various strategies used by the participants to optimize their experience. The music-tourism relationship in this field requires a different perspective than that for a classic performance pattern which places the tourists in the audience and leaves most of the musical practice to natives. When considering the tourists’ experiences in the musical workshop, our perspective reveals that not only is the tourists’ appreciation of the musical performance important but also their attribution of meaning to their own music-learning approach in the context of travel abroad. By putting the tools of ethnomusicology, philosophy, social psychology and anthropology of tourism into action, and by using the concepts of experience (Dewey c2005) and flow (Csikszentmihalyi 1990), this thesis aims to highlight that the process of optimization requires participants to constantly negotiate their relationship to the known and the unknown to achieve the highest number of benefits of immersion in a foreign context. Through this research, we hope that our theoretical contribution, focused on the tourists' agency and process of constructing meaning, will lead to a deeper understanding of the experiential dimension of musical practice in a tourism context.

Cette thèse de doctorat a pour l’objet l’approche ethnomusicologique de deux expressions afro-descendantes du Maranhão (Brésil) : le tambor de crioula et le tambor de mina, réalisées en l’honneur de São Benedito et des voduns, orixás et encantados. L’analyse du matériau musical et chorégraphique servira de base à la mise en lumière des relations entretenues par ces deux rituels avec les problématiques de la construction des identités (créolisation), de l’élaboration d’un patrimoine musical national (programme brésilien du patrimoine immatériel) et de mémoire des esclavages (réappropriation de l’histoire et de la mémoire, liberté de pratiquer des rituels autrefois interdits et stigmatisés). Le tambor de crioula et le tambor de mina, expressions pluri-identitaires et polysémiques, puisant dans un héritage africain bantou et mina jeje-nagô, permettent de canaliser les identifications et servent de référents culturels et imaginaires. Cependant, le processus de patrimonialisation va induire des phénomènes de transformation : perte du sens symbolique lors de la pratique hors-rituel, raccourcissement de la durée des moments musico-chorégraphiques, abandon de l’improvisation, uniformisation des tenues vestimentaires et des esthétiques (miroir de l’identité), remise en question de la transmission maître/disciple par le programme de patrimonialisation. Face à ces transformations, les acteurs sociaux apportent dynamisme, créativité et renouveau dans les répertoires musicaux, vocaux et chorégraphiques, instituant la personnalité, l’individualité, son expression et son développement, au centre des rituels. / This Ph. D. thesis has for the object the ethnomusicologic approach of two afro-descendant expressions of the Maranhão (Brazil): tambor de crioula and tambor de mina, realized in honour of São Benedito and voduns, orixás and encantados. The analysis of the musical and choreographic material will be of use as basis to the enlightening of the relations maintained by these two rites with the problems of the construction of the identities (creolisation), the elaboration of a national musical heritage (Brazilian program of the intangible heritage) and of memory of the slaveries (reappropriation of the history and the memory, the liberation of rites formerly forbidden and stigmatized in the past). tambor de crioula and tambor de mina, pluri-identical and polysemous expressions, drawing from an African Bantu and mina jeje-Nagô inheritance, canalizing the identifications and serving as cultural and imaginary referent. However, the process of national intangible heritage is going to infer phenomena of transformation: loss of the symbolic sense and semiotic during the practice outside of the ritual practice, shortening of the duration of musico-choreographic moments, loss of the improvisation, standardization of esthetics (mirror of the identity), loss of the traditional transmission process master / follower. In front of these transformations, the social players bring dynamism, creativity and revival in the musical, vocal and choreographic directories, establishing the personality, the individuality, its expression and its development, in the center of the rites.

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Cette thèse analyse la division moderne des domaines des sciences de la musique et la hiérarchisation des répertoires musicaux qui lui est corrélative. La recherche s’appuie sur une enquête socio-historique menée à partir du cas français et sur plusieurs sources courant du début du XVIIème au milieu du XXème siècle. Elle mobilise des ressources manuscrites et imprimées (documents administratifs, archives savantes et muséales, actes de congrès et autres imprimés issus des Expositions universelles, archives du secteur de l’édition, pièces documentant la collecte et la conservation d’instruments de musique, de chansons et d’enregistrements sonores) qui sont traitées à l’aide de plusieurs méthodes (analyse lexicale, sociologie des textes, bases de données, ethnographie historique). L’enquête met en lumière une configuration de patrimonialisation de la musique pilotée par l’État-nation français, qui participe d’un processus de longue durée de différenciation du social par la musique. Des opérations de collecte et de conservation des objets de musique sont impulsées par le Second Empire et confortées par la Troisième République. Elles concourent à assigner certains répertoires, portés par des populations vivantes, à une anhistoricité – un en-deçà de l’histoire. Ce partage est analysé comme un système de domination symbolique institué par plusieurs administrations (Instruction publique, Commerce et Industrie, Beaux-Arts, Colonies), produit et reproduit par différent·e·s agent·e·s mandaté·e·s par l’État (Professeur·e·s, académicien·ne·s, conservateurs et conservatrices, dirigeant·e·s territoriaux). / In this dissertation, I analyse how, in the modern period, the different scientific domains dealing with music were divided, and how, at the same time, musical repertories were organised into a hierarchy. This research, focused on the French case, is based on a socio-historical enquiry and on several sources dating from the beginning of the seventeenth to the mid-twentieth century. Those sources are both manuscript and printed, and range from administrative documents, scientific and museum archives, conference proceedings and other printed sources related to the Universal Exhibitions, to archives from the publishing sector and other pieces related to the collection and curating of musical instruments, songs and audio recordings. The following methods were mobilised : lexical analysis, textual sociology, databases and historical ethnography. The enquiry emphasizes a configuration of the process of making music a part of national heritage by the French State, which is also a long-term process of social differentiation through the music. Collecting and curating operations of musical objects were initiated by the Second Empire and consolidated by the Third Republic. These operations have contributed to make certain repertories anhistorical, kept in a zone below history. This separation is analysed as a symbolic domination system, which was enacted by several administrations (Public Instruction, Trading and Industry, Fine Arts, Colonies), produced and reproduced by different agents commissioned by the State (teachers and professors, academicians, curators, territorial leaders).

Suivant une dynamique que l’on pourrait nommer « faire de l’anthropologie dans la ville », ce travail se propose d’analyser la roda de samba et de choro dans un contexte urbain des villes de Rio de Janeiro et Salvador de Bahia. Partant d’une démarche à la fois pluridisciplinaire et interdisciplinaire qui fait appel aux connaissances et aux préceptes théorico-méthodologiques des disciplines telles que l’anthropologie, la musique, la musicologie, l’ethnomusicologie, l’histoire et la sociologie, on cherche à comprendre d’une part, quels mécanismes vont permettre à de telles pratiques de sortir des marges sociales pour gagner des espaces de visibilité en ville et d’autre part, quels sont les enjeux sociaux, identitaires et symboliques observés à partir de l’inscription de la roda dans les nouveaux espaces de la ville. / Following a dynamic that could be called "make anthropology in the city," this study proposes to analyze the roda de samba and choro in an urban context of the city of Rio de Janeiro and Salvador de Bahia. Starting from an approach that is both multidisciplinary and interdisciplinary uses knowledge and theoretical-methodological precepts of disciplines such as anthropology, music, musicology, ethnomusicology, history and sociology, it seeks to understanding on the one hand, what mechanisms will allow such practices out of the social margins to gain visibility in the city areas and secondly, what are the social, symbolic and identity issues observed from the registration the roda in new areas of the city.

Le Cajón est un rituel de possession cubain dont la musique est une composante essentielle. Une approche musicologique et une étude d’anthropologie religieuse combinées permettent de mettre en avant les spécificités du Cajón au sein des différents cultes afro-cubains à La Havane. Considérant le Cajón comme un fait social total, cette recherche propose d’analyser la complexité du rituel en prenant en compte les niveaux social, musical autant que religieux. De fait, l’analyse montre que le Cajón s’inscrit de diverses manières dans la pratique religieuse des cultes afro-cubains, en dépassant même parfois le cadre. Le Cajón comprend une suite de rites (Misa, Biagué, Chamalongo, sacrifice et Toque) ancrés dans un espace sacré où chaque participant a un rôle bien identifié. L’analyse d'une séance de rituel et des interactions qui s’y produisent nous permettent de définir le rôle de la musique. Celle-ci s’adapte en permanence au rituel : elle structure le temps rituel, participe à l’induction et à la socialisation de la transe de possession. Les musiciens, comme officiants, exploitent de manière créative des systèmes mélodiques et des motifs rythmiques associés à la musique de rumba, de la makuta et du palo monte. La superposition de répertoires et de systèmes musicaux engendre une complexité sur le plan sonore. Nous parvenons à la conclusion que l’analyse musicale constitue une clef pour la compréhension du rituel. / The Cajón in Cuba is both music and a possession ritual. The combined approach of musicology and religious anthropology highlights the specificities of the Cajón. Therefore, it is possible to position the musical and ritual practice of Cajón among different Afro-Cuban cults in Havana. Considering the Cajón as total social fact, this research aims to analyze the complexity of ritual taking into account social, musical and religious aspects. The analysis shows that the Cajón can be recognized in different way among religious practices of Afro-Cuban cults, even sometimes coming out of its framework. The Cajón covers a sequence of rituals (Misa, Biagué, Chamalongo, sacrifice and Toque) embedded in a sacred space where every participant has a well-identified role. The analysis of one sequence of ritual and of interactions which happen enables the definition of the role of music. The music is permanently adapting to the ritual being one of its components: it structures the ritual time, it participates to the introduction and also to the socialization of the possession trance. The musicians as participants use in creative way melodic systems and rhythmic patterns associated to the music of rumba, makuta and palo monte. Overlapping of repertoires and musical systems generates a complexity concerning sound effects. We conclude that the musical analysis is a key for the understanding of the ritual.

Ayant entrepris durant l’année 2019 un terrain ethnographique dans les monts d’Auvergne (et régions périphériques du Massif Central), plusieurs thématiques actuelles des Langues en Danger - thème de plus en plus central dans les études contemporaines d’anthropologie linguistique - seront ici soulevées et discutées. La langue auvergnate est un dialecte nord-occitan situé dans une aire marginale et périphérique de l’aire culturelle occitane, tout autant que de l’espace centralisé français, ce qui fait d’elle à bien des égards, le « patois du patois ». Elle est classée par l’UNESCO parmi les langues les plus menacées d’Europe. Basant ce travail de mémoire sur les questions d’usages linguistiques, je discute des registres, des représentations et des formations socio-culturelles rendus possibles par une action à la fois politique et poétique. Se trouvent au rendez-vous les intellectuels et académiciens de la normativité, les bourgeois-bohèmes du romantisme des derniers locuteurs et, toujours, les « grands absents du discours sur la langue » que sont les locuteurs naturels. Cette série de trois terrains situés à des saisons culturelles différentes, valorise l’approche des fêtes de village, des veillées nocturnes, des assemblées politiques et associatives occitanistes, des cafés urbains anarchistes ou ouvriers dans lesquels la langue se parle à l’heure de l’apéritif ; tout cela dans cet objectif de connoter des usages disruptifs et d’évoquer ces intérêts en revitalisation linguistique pour les potentiels romantique et politique. Si l’on concentre notre étude sur un panoccitanisme représenté notamment par la performativité des usages linguistiques militants et artistiques, il s’agirait d’évoquer dans le langage occitaniste, ces manifestations de création et d’hybridation qui forment d’une langue revitalisée, une langue nouvelle, se défiant du fort monolinguisme français. Cette étude a été complémentée par une approche comparative avec les dialectes occitans du Piémont (Italie), cela permettant de mettre en lumière les influences d’une politique linguistique sur les usages et représentations d’une langue et d’une culture. / Beginning in 2019 an ethnographic field in Auvergne (and peripheral regions of the Massif Central in Southern France), several current themes of Endangered Languages - theme increasingly central in contemporary studies of linguistic anthropology - will be presented and discussed. The Auvergnat language is a North-Occitan dialect located in a marginal area of the Occitan cultural area, as well as the centralized French space, which makes it in many ways the "patois of patois”. It is classified by UNESCO among the most endangered languages in Europe. Basing my research work on the question of linguistic usage, I discuss the registers, representations and socio-cultural formations made possible by activity that is both political and poetical. Intellectuals and academicians of normativity, folklorists of the romanticism of last speakers and, above all, natural speakers, the "great absentees of the discourse on language", meet in these linguistic and cultural settings. The fieldwork reported here focused on village festivals, Occitanist political and associative meetings, and urban anarchist or worker cafes in which the Auvergnat language is spoken. This to evoke the contribution of disruptive practices and concerns for linguistic revitalization to the romantic and political potential of Auvergnat Occitan. This study concentrates on the Panoccitanism represented by the performativity of militant and artistic linguistic usages: these manifestations of creation and hybridization which form a revitalized language, a new language, defying the strong monolinguism dominating France. This study has been supplemented by a comparison with the Occitan dialects of Piedmont (Italy), thus making it possible to highlight the influences of a linguistic policy on the use and representation of a language and a culture.