Ce projet a comme but développer une recherche sur le travail de l`acteur sous la perspective de l’Ethnoscénologie, ayant comme point de départ une manifestation culturelle brésilienne. Ce travail s’appuie sur la méthodologie développée par Graziela Rodrigues dans sa recherche “danseur-chercheur-interprète”. À travers cette recherche on développera le processus sur soi même ainsi que l`approfondissement dans un univers situé à la marge de la société brésilienne. Pour réaliser cette recherche on a choisi une manifestation culturelle, traditionnelle et organisée qui existe au Brésil depuis à peu près cinq cents ans, qui est celle des pleureuses ou chanteuses de incelências. Le contact direct de l’actrice/chercheuse avec les pleureuses et son entourage a été réalisé grâce à un travail de recherche sur le terrain à la province du Ceará. L’actrice a pris quelques éléments de cette culture qui lui ont permis de réussir à un jeu de l’acteur organique et authentique. Pour la construction scénique on propose la création d’une dramaturgie originale découlant des expériences passées au Ceará en rapport avec des souvenirs personnels de l'actrice et des éléments qui caractérisent la dramaturgie de l'acteur. / Pretende-se nesta pesquisa, sob a perspectiva da Etnocenologia (disciplina que estuda o comportamento humano espetacular e organizado), investigar como o ator pode utilizar uma manifestação cultural como mote para realizar uma criação orgânica e autêntica na cena. Este trabalho apoia-se no eixo co-habitar com a fonte do método Bailarino-Pesquisador-Intérprete desenvolvido por Graziela Rodrigues. Busca-se aqui o processo da atriz sobre si mesma através do confronto com uma realidade brasileira que se situa à margem da sociedade. Para realizar essa pesquisa foi eleita uma manifestação cultural, tradicional e organizada existente no Brasil há aproximadamente quinhentos anos: o ritual fúnebre realizado pelas carpideiras, também conhecidas como cantadeiras de incelências. Foi realizado o contato direto da atriz/pesquisadora com as carpideiras e seu entorno através de trabalho de campo no interior do Ceará. Posteriormente se prosseguiu a pesquisa em laboratório onde a intérprete busca elementos retirados da vivência no trabalho de campo que possibilitem a atuação orgânica e autêntica no teatro. Na construção deste experimento cênico propõe-se a criação de uma dramaturgia original advinda das experiências passadas no Ceará em relação com memórias pessoais da atriz e dos elementos que caracterizam a dramaturgia do ator/atriz.

Ce projet a comme but développer une recherche sur le travail de l`acteur sous la perspective de l’Ethnoscénologie, ayant comme point de départ une manifestation culturelle brésilienne. Ce travail s’appuie sur la méthodologie développée par Graziela Rodrigues dans sa recherche “danseur-chercheur-interprète”. À travers cette recherche on développera le processus sur soi même ainsi que l`approfondissement dans un univers situé à la marge de la société brésilienne. Pour réaliser cette recherche on a choisi une manifestation culturelle, traditionnelle et organisée qui existe au Brésil depuis à peu près cinq cents ans, qui est celle des pleureuses ou chanteuses de incelências. Le contact direct de l’actrice/chercheuse avec les pleureuses et son entourage a été réalisé grâce à un travail de recherche sur le terrain à la province du Ceará. L’actrice a pris quelques éléments de cette culture qui lui ont permis de réussir à un jeu de l’acteur organique et authentique. Pour la construction scénique on propose la création d’une dramaturgie originale découlant des expériences passées au Ceará en rapport avec des souvenirs personnels de l'actrice et des éléments qui caractérisent la dramaturgie de l'acteur. / Pretende-se nesta pesquisa, sob a perspectiva da Etnocenologia (disciplina que estuda o comportamento humano espetacular e organizado), investigar como o ator pode utilizar uma manifestação cultural como mote para realizar uma criação orgânica e autêntica na cena. Este trabalho apoia-se no eixo co-habitar com a fonte do método Bailarino-Pesquisador-Intérprete desenvolvido por Graziela Rodrigues. Busca-se aqui o processo da atriz sobre si mesma através do confronto com uma realidade brasileira que se situa à margem da sociedade. Para realizar essa pesquisa foi eleita uma manifestação cultural, tradicional e organizada existente no Brasil há aproximadamente quinhentos anos: o ritual fúnebre realizado pelas carpideiras, também conhecidas como cantadeiras de incelências. Foi realizado o contato direto da atriz/pesquisadora com as carpideiras e seu entorno através de trabalho de campo no interior do Ceará. Posteriormente se prosseguiu a pesquisa em laboratório onde a intérprete busca elementos retirados da vivência no trabalho de campo que possibilitem a atuação orgânica e autêntica no teatro. Na construção deste experimento cênico propõe-se a criação de uma dramaturgia original advinda das experiências passadas no Ceará em relação com memórias pessoais da atriz e dos elementos que caracterizam a dramaturgia do ator/atriz.

Ce projet a comme but développer une recherche sur le travail de l`acteur sous la perspective de l’Ethnoscénologie, ayant comme point de départ une manifestation culturelle brésilienne. Ce travail s’appuie sur la méthodologie développée par Graziela Rodrigues dans sa recherche “danseur-chercheur-interprète”. À travers cette recherche on développera le processus sur soi même ainsi que l`approfondissement dans un univers situé à la marge de la société brésilienne. Pour réaliser cette recherche on a choisi une manifestation culturelle, traditionnelle et organisée qui existe au Brésil depuis à peu près cinq cents ans, qui est celle des pleureuses ou chanteuses de incelências. Le contact direct de l’actrice/chercheuse avec les pleureuses et son entourage a été réalisé grâce à un travail de recherche sur le terrain à la province du Ceará. L’actrice a pris quelques éléments de cette culture qui lui ont permis de réussir à un jeu de l’acteur organique et authentique. Pour la construction scénique on propose la création d’une dramaturgie originale découlant des expériences passées au Ceará en rapport avec des souvenirs personnels de l'actrice et des éléments qui caractérisent la dramaturgie de l'acteur. / Pretende-se nesta pesquisa, sob a perspectiva da Etnocenologia (disciplina que estuda o comportamento humano espetacular e organizado), investigar como o ator pode utilizar uma manifestação cultural como mote para realizar uma criação orgânica e autêntica na cena. Este trabalho apoia-se no eixo co-habitar com a fonte do método Bailarino-Pesquisador-Intérprete desenvolvido por Graziela Rodrigues. Busca-se aqui o processo da atriz sobre si mesma através do confronto com uma realidade brasileira que se situa à margem da sociedade. Para realizar essa pesquisa foi eleita uma manifestação cultural, tradicional e organizada existente no Brasil há aproximadamente quinhentos anos: o ritual fúnebre realizado pelas carpideiras, também conhecidas como cantadeiras de incelências. Foi realizado o contato direto da atriz/pesquisadora com as carpideiras e seu entorno através de trabalho de campo no interior do Ceará. Posteriormente se prosseguiu a pesquisa em laboratório onde a intérprete busca elementos retirados da vivência no trabalho de campo que possibilitem a atuação orgânica e autêntica no teatro. Na construção deste experimento cênico propõe-se a criação de uma dramaturgia original advinda das experiências passadas no Ceará em relação com memórias pessoais da atriz e dos elementos que caracterizam a dramaturgia do ator/atriz.

La compagnie Kŭmgangsan Kagŭktan est une troupe professionnelle coréenne fondée en 1955 à Tokyo, au Japon. La cinquantaine d'artistes qui la composent est répartie dans trois départements spécialisés : danse, musique instrumentale et musique vocale. La compagnie se réfère spécifiquement à l'esthétique de la Corée du Nord avec laquelle elle a développé une relation étroite dès ses débuts. L'entraînement et le processus de création ont été transmis par les maîtres de Pyongyang en Corée du Nord, et les spectacles sont présentés au Japon. Pour comprendre les enjeux esthétiques et idéologiques de la musique et de la danse chosŏn de Kŭmgangsan Kagŭktan, nous nous sommes attachée à rapporter les parcours individuels et la formation des artistes, en lien étroit avec les relations entretenues, tant avec les institutions locales et leur politique, qu'avec les maîtres nord-coréens de Pyongyang, les publics. / The company Kŭmgangsan Kagŭktan is a Korean professional troupe founded 1955 in Tokyo, Japan. About 50 artists of the company are distributed in three specialized departments: dance, instrumental musical and vocal music. The company especially refers to North Korean aesthetics with which it has developed a close relationship since its birth. The training and the creation process were transmitted by the Pyongyang masters in North Korea and the performances were presented in Japan. To understand the aesthetic and ideological negotiations on chosŏn music and dance of Kŭmgangsan Kagŭktan, the research brought together the individual artistic paths and trainings of the company, in context with the company’s close connections maintained through the relationships with local institutions and their political involvement, the transmission practices of North Korean masters in Pyongyang as well as the company spectators.

Metteur en scène contemporain dont l’itinéraire personnel est une conséquence de la décentralisation théâtrale, Daniel Benoin tire sa force de création du passage de l’image mentale à sa concrétisation dans le spectacle vivant par l’hybridation de savoirs multiples et de techniques artistiques. Cette étude d’un destin particulier dans un rapport holiste avec l’art dramatique permet une théorisation du processus de création dans lequel un regard croisé entre phénoménologie et pragmatique confirme l’hypothèse d’une empreinte matérielle et stylistique. L’approche comparative d’un grand nombre de représentations et de l’ensemble des répétitions préalables à cinq spectacles (Wozzeck, La Cantatrice chauve, Faces, la reprise de La Cantatrice chauve, Le roman d’un trader) définira cette empreinte comme idiosyncrasique, formelle et originale, le tout commun à l’ensemble de l’œuvre observée. Ainsi, grâce aux concours de pré-images modulables et fécondes, les images mentales primordiales s’installent au cœur de la création et la vision onirique se révèle être l’essence même de la particularité artistique de ce metteur en scène. La recherche entreprise ouvre alors des perspectives renouvelées quant à l’esthétique et à la présence/absence de l’artiste dans des domaines élargis (cinéma, danse, peinture, photographie, musique, écriture). / Daniel Benoin, a contemporary stage director whose personal career was a consequence of theatrical decentralization, draws his creative strength from his ability to make mental images become concrete in live shows by using numerous knowledge and artistic techniques in a hybrid way. This project on a distinctive destiny in a holist connexion with Drama enables to theorize about the creation process in which a crossed look at phenomenology and pragmatism confirms the hypothesis of a material and stylistic imprint. The comparative approach of many performances and of all the preliminary rehearsals to five theatrical shows (Wozzeck, La Cantatrice chauve, Faces, the remake of La Cantatrice chauve, Le roman d'un trader) will eventually define this mark as an idiosyncratic, formal and original one, to be found in the whole work which was studied. Thus, thanks to the help of fertile and adjustable pre-images, essential mental images settle in the heart of creation and the oneiric vision turns out to be the very essence of the artistic particularity of this stage director. Therefore the research opens up renewed angles about the aesthetics and the presence/absence of the artist in enlarged fields (such as cinema, dancing, painting, photography, music, writing).

Mapamundi (du latin mappa mundi, « carte du monde », représentation de toute la superficie de la planète.)La Mapamundi, que je présente dans le cadre de cette thèse doctorale, est un essai de configuration poétique de l’étendue du « plurivers » artistique de Mapa Teatro pendant ses trente ans d’existence (1984-2014). Elle est imprimée sur papier et en même temps sur ma peau, inscrite dans la mémoire du corps. Trace physique d’une histoire, marque géographique d’un affect : à la fois pensée du corps et corps d’une pensée.Les cartes qui représentent la superficie de la Terre utilisent une « projection », une manière de traduire la superficie réelle tridimensionnelle d’un géoïde en un dessin bidimensionnel. Une Mapamundi « projetée » en une forme sensible, réflexive, pluriaxiale, qui se distinguerait d’un type d’analyse taxonomique purement « extérieur », mais aussi de tout catalogue intimiste, exclusivement « intérieur », et même de toute archive supposée intégrale, tel est le défi que je tenterai à présent dans la forme Atlas, « projection » conceptuelle et affective, théorique et poétique, de la Mapamundi de Mapa Teatro.L’Atlas est une forme visuelle du savoir, une forme savante du voir (Didi-Huberman).Une cartographie autant chronographique que chronogénétique, parce qu’elle trace un devenir, parce qu’elle ouvre des possibles. La carte (un espace, un dispositif), le témoin (un point de vue, une subjectivité) et le triptyque (un temps, un événement) constituent les trois axes de projection et d’analyse réflexive choisis pour la configuration de cet Atlas : carte (chapitre I), témoin (chapitre II) et triptyque (chapitre III) réunissent et problématisent un ensemble de figures qui traversent la cartographie poïétique de Mapa Teatro depuis sa création jusqu’à ce jour. Une forme de pensée-montage. / Mapamundi (from latin mappa mundi, « world’s map» a representation (a map) of the entire surface of the planet). The Mapamundi, that I here present, under the frame of this doctoral research, is an attempt to draw a poetical configuration of Mapa Teatro’s artistic «plurivers», built up during its thirty years of existence (1984-2014). It is printed on paper, and at the same time on my skin, engraved in my body’s memory. Physical trace of a history, geographical affectionate token: both the thinking of a body and a body of thought. Maps that represent the surface of the earth make use of a « projection », as a way of translating the real three-dimensional surface of a geoids into a two-dimensional basin. This is a «projected» Mapamundi in a sensible, reflective, pluriaxial form, that distinguishes itself not only from a taxonomic analysis, but also from any type of intimate catalogue, exclusively interior, or of any kind of a presumably overall archive. This is the challenge that I have risked in this Atlas form, a conceptual and affective « projection », both theoretical and poetic, of Mapa Teatro’s Mapamundi. An Atlas is a visual form of knowledge, a savant form of seeing (Didi-Huberman).A cartography in as much as it is both chronographic and chronogenetic, because it draws a becoming, because it opens to the possibles. The map (a space, a device), the witness ( a point of view, a subjectivity ) and the triptych ( a time, an event ) have been the three axis of projection and of reflective analysis chosen to shape this Atlas. Map (Chapter I), Witness (Chapter II) and Tryptique (Chapter III) gather and problematize a group of figures that traverse Mapa Teatro’s since its creation to our days. A form of montage-thought.

Le Yuju 豫剧(traduit de manière impropre par « opéra du Henan ») est une forme spectaculaire chinoise chantée et codifiée, dite « traditionnelle », en provenance du Henan. Sa présence puis son maintien depuis plus de soixante ans dans le sud de Taiwan sont surprenants. Le Yuju est arrivé à Taiwan en 1949 avec le gouvernement et l’armée nationaliste battant en retraite face aux communistes. Depuis, le Yuju est toujours présent au répertoire d’une seule compagnie taïwanaise, la compagnie Henan bangzi : Taiwan Yuju 河南梆子：台灣豫劇. Les relations politiques entre la Chine continentale et Taiwan dictent la politique intérieure de l’île depuis 1949. Une indigénisation du régime et de la population réfugiée succède alors à une forte politique de sinisation où les arts classiques chinois étaient favorisés au détriment de la culture locale. Désormais, au contraire, la dimension multiculturelle est encouragée pour construire une identité taiwanaise propre. L’environnement taiwanais, pris dans cette tourmente politique, est a priori hostile au développement et à l’épanouissement du Yuju sur l’île. Ainsi pour la compagnie Henan bangzi : Taiwan Yuju, la question de la survie est fondamentale et il est essentiel pour elle de se constituer un public. Aussi nous interrogerons-nous sur les différentes stratégies mises en place par la compagnie depuis son arrivée à Taiwan (1953) jusqu’à aujourd’hui, pour assurer sa pérennité et attirer de nouveaux publics. Dans ce contexte spécifique, nous analyserons les différentes orientations esthétiques choisies par la compagnie, de la promotion des arts traditionnels à l’expérimentation esthétique. / The Yuju 豫劇 (improperly translated as "Henan Opera") is a comprehensive performing art from Henan, a province located in the central part of China. It blends stylized action, singing, dialogue and mime, to represent a story or depict different characters. It is often considered as a “traditional performing art”. Its presence and its preservation for more than sixty years in the southern Taiwan are quite surprising. The Yuju arrived in Taiwan in 1949 with the government and the Nationalist army retreating from the communist’s expansion in the mainland. Since then, the Yuju is always played by a unique Taiwanese company named Henan bangzi: Taiwan Yuju company 河南 梆子: 台灣 豫劇. Since 1949, internal politics of the island is largely determined by relations with Mainland China. An indigenization of both, the regime and the refugee population, comes up following a strong policy of bringing Taiwan under Chinese rule and culture. At that time, Chinese classical arts were favoured far beyond local culture. Nowadays, the multicultural aspect of the Taiwan society is encouraged in order to develop a specific Taiwanese identity. Such political context in Taiwan should be significantly hostile to the development of Yuju on the island. Thus, the survival of the Henan bangzi: Taiwan Yuju Company is fundamental and the company have to look for new audiences. Hence, we shall analyse what strategies the company implemented from its arrival in Taiwan in1953 till today, ensuring its sustainability while attracting new audiences. In this specific context, we shall analyse the different aesthetic directions chosen by the company from the promotion of traditional arts to aesthetic experimentation.

Cette thèse propose une étude des modes d’incorporation des savoir-faire au sein du Théâtre du Mouvement, une compagnie de mime contemporain dirigée par Claire Heggen et Yves Marc en Île-de-France. En s’appuyant sur une littérature en études théâtrales et danse, en ethnologie, ainsi que sur des données en physiologie et sciences de la motricité, elle interroge plus particulièrement la transmission de compétences sensorielles en son sein. La première partie présente le cadre épistémologique et méthodologique de la recherche menée, privilégiant un mode de connaissance micrologique ainsi qu’une approche ethnographique. La seconde partie traite successivement des modes d’affinement des sensibilités kinesthésiques et proprioceptives – insistant sur une connaissance globale de soi et l’incorporation de principes issus de la technique du mime corporel d’Etienne Decroux (1898-1991) –, des sensibilités visuelles et tactiles, mettant en lumière la transmission d’une technicité sensorielle. Enfin, une troisième partie, à travers les portraits de trois femmes artistes, formées dans la compagnie et considérées comme expertes, postule le partage d’une culture sensible au sein du groupe d’artistes considéré.Cette recherche se veut une contribution aux connaissances sur la formation de l’acteur dans le domaine des Arts du Mime et du Geste aujourd’hui en France, ainsi qu’un apport à une ethnographie des techniques sensorielles et de leur transmission dans le cadre des pratiques artistiques. / This thesis proposes a study of the expertise within Théâtre du Mouvement, a contemporary mime company co-directed by Claire Heggen and Yves Marc in France. Based on performing arts studies, ethnology, as well as data in physiology and movement science, it specifically concerns the transmission of sensory skills. The first part presents the epistemological and methodological framework of the research, favoring a mode of micrological knowledge and an ethnographic approach. The second part deals successively with refining kinesthetic and proprioceptive sensitivities – insisting on a global self-knowledge and the incorporation of the principles of mime developed by Etienne Decroux (1898-1991) – visual and tactile sensitivities, highlighting the transmission of sensory expertise. Finally, the third part, through the portraits of three woman artists, experts from the company, postulates the sharing of a sensitive culture in the group of artists. This research is a contribution to the actor’s learning in “Arts du Mime et du Geste” in France today, as well as a contribution to an ethnography of sensory techniques and their transmission within performing arts.

L'objet de cette thèse est une monographie du théâtre traditionnel tibétain, ou ache lhamo, souvent appelé lhamo tout court, tel qu'il était joué à l'époque pré-moderne (antérieure à 1950) et tel qu'il est encore joué actuellement en Région Autonome du Tibet (République Populaire de Chine) et dans la diaspora tibétaine établie en Inde et au Népal. Comme la plupart des théâtres d'Asie, il est un genre composite : à la fois drame à thématique religieuse (issue du bouddhisme mahāyāna), satire mimée, et farce paysanne, il comprend de la récitation sur un mode parlé, du chant, des percussions, de la danse et des bouffonneries improvisées, ainsi qu'un usage de masques et de costumes flamboyants, qui tranchent avec la sobriété absolue des décors (la scène est vide) et de la mise en scène. Bien qu’il ait été encouragé et financé par le gouvernement des Dalai Lama, de grands monastères et des familles aristocratiques, c’est un théâtre avant tout populaire, et non pas réservé à une élite lettrée. Cette étude a circonscrit à la fois le contenu, le rôle social, le langage artistique et les implications politiques du théâtre dans la civilisation tibétaine. <p> La méthodologie a été composée en combinant les apports et réflexions critiques de trois disciplines : l'ethnologie, la tibétologie et les études théâtrales. L'approche est fondamentalement ethnologique, en ce que la production des données repose sur une immersion de plus de deux ans parmi des acteurs de théâtre de la Région Autonome du Tibet (1996-1998) et de près d'un an parmi ceux de la diaspora d'Asie du Sud (1998-2000). Elle l’est aussi en ce que l’intention a été de constituer une intelligibilité englobante pour l'ache lhamo, c'est-à-dire de mettre au jour l'intrication des dimensions culturelle, sociale, politique, économique, rituelle et symbolique de la pratique théâtrale. L’une des contributions principales du travail est d’étoffer l’ethnologie régionale du Tibet central, mais ses conclusions et son esprit critique le placent également dans la liste déjà importante des travaux consacrés à l'invention des traditions. La tibétologie a fourni le cadre interprétatif fondamental des données recueillies. Une importance très grande a été accordée à l'histoire du pays ainsi qu'à la philologie et aux terminologies vernaculaires particulières au théâtre. L’étude s’inscrit dans l’un des courants novateurs de la tibétologie, privilégiant les aspects non plus religieux et politiques de cette civilisation, mais sa partie « populaire » et anthropologique, mettant au premier plan l’analyse des pratiques et non celle des doctrines. Des sources écrites (textes pré-modernes et sources secondaires de folkloristes tibétains et chinois) ont été intégrées aux observations. En ce qui concerne la troisième approche méthodologique, cette étude ne s'inscrit ni dans le courant des « performance studies » de Richard Schechner, ni dans l'anthropologie théâtrale d’Eugenio Barba, ni dans l'ethnoscénologie telle qu'elle est défendue par Jean-Marie Pradier, mais plutôt dans l'anthropologie du théâtre, au sens d'étude interprétative et multidimensionnelle, utilisant les référents établis de l'anthropologie et les savoirs indigènes pour décrire une expression culturelle déterminée et reconnue comme un genre à part entière, le théâtre. <p> Les résultats sont présentés en trois parties, qui peuvent être résumées de manière lapidaire par trois adjectifs : culturelle, sociologique, artistique. La première partie, intitulée "Le cadre culturel du lhamo avant 1959", est consacrée au contexte (historique, religieux et littéraire) dans lequel le théâtre est inscrit, ainsi qu’aux textes (leur contenu, leurs modalités de composition et de transmission) qui révèlent l'imaginaire propre du théâtre. La deuxième partie est une analyse de "L'ancrage sociologique du lhamo". Les conditions matérielles des représentations y sont examinées : les divers types de troupes, leur organisation interne, le statut social des acteurs, l'inscription de la pratique du théâtre dans le système socio-économique pré-moderne, et les rapports d'obligations tissés entre acteurs et seigneurs, ainsi qu'entre acteurs et commanditaires des représentations. La dernière partie, "Art et savoirs des acteurs", jette un éclairage sur la matière vive du lhamo. Elle rend compte des conceptions, valeurs, plaisirs et difficultés de ceux qui pratiquent cette forme d'art. Les divers registres de leur discipline sont analysés en détail : costumes, masques, gestuelle, chant, accompagnement musical (percussions) et sentiments exprimés. L'appréciation qui en est faite par le public est aussi consignée. Au cœur de cette partie se trouve une réflexion sur la nature rituelle et non rituelle du lhamo, et sur les liens éventuels de ce dernier avec d'autres activités religieuses, telles la possession. Les dernières pages de la thèse constituent un épilogue, qui fait le point sur la situation contemporaine, donc les implications politiques, du théâtre des deux côtés de l'Himalaya. <p> L'image anthropologique du lhamo qui a pu être dégagée de ces trois volets d'analyse le fait apparaître comme essentiellement ambivalent : le lhamo est un théâtre de paradoxes. À l'image de la civilisation tibétaine, il est composite et cohérent à la fois. Sa cohérence réside dans son ambivalence : il traverse et relie des aspects contrastés de la culture. Il introduit du jeu entre les polarités que Tibétains et tibétologues établissent parfois un peu trop à la hâte entre culture savante et culture populaire, écriture et oralité, éléments exogènes et apports autochtones, bouddhisme et cultes qui ont précédé son implantation, aspiration religieuse et intérêts mondains, spécialistes rituels et bénéficiaires qui les rémunèrent. Combinant fonction pédagogique et fonction rituelle, sacré compassé du texte et irrévérence grivoise des improvisations, le lhamo correspond aussi très bien à la manière dont les théâtrologues appréhendent le théâtre : comme un objet curieux, créé par les hommes et qui pourtant ne cesse de les intriguer, comme s'il était venu d'ailleurs.

Cette étude est une réflexion sur le phénomène de création en matière d’oralité. Elle vise non seulement à étudier la mise en spectacle du Nguon et du Ngondo mais aussi et surtout, à vérifier la pertinence des outils d’analyse sémiologique appliqués à ces deux pratiques rituelles. Dans cette perspective, la grille d’interprétation que propose Anne Ubersfeld ,soutenue par André Helbo et Patrice Pavis ,nous a été d’une importance heuristique considérable.<p>S’appuyant sur le fait que le corpus de ce travail est constitué de deux rites appartenant à deux régions diamétralement opposées du Cameroun et que chacun d’eux procède d’un style particulier, le besoin de recourir à l’approche comparatiste de temps à autre s’est fait sentir. Fort de ce constat, la sémiologie du spectacle vivant qui sert de support méthodologique et théorique est complétée par l’approche comparatiste. Approche qui ne vise pas à assimiler le Nguon et le Ngondo, mais à mettre en évidence les spécificités de chaque rite grâce à la mise en rapport de l’un avec l’autre. <p>Les résultats auxquels nous sommes parvenu montrent que ces deux pratiques rituelles sont des performances au sens Schechnerien du terme. Chacune d’elles ayant une certaine spécificité. <p>Le Nguon est à coup sûr une suite d’évènements représentés devant un public par des acteurs en un temps déterminé dont l’imitation et la dénégation en constituent l’essence. Dans cette perspective, il se rapprocherait plus d’une représentation théâtrale. Contrairement au Nguon, le Ngondo est une suite de performances où gestes (minutieusement orchestrés, chorégraphiés), objets et certaines activités ludiques constituent un vocabulaire dont la syntaxe déroule un sens. Dans cette perspective, chaque esprit forge ses propres refuges, ses stratégies, ses fétiches pour affronter cette pratique rituelle où certains référentiels du théâtre tels que la frontalité, la dénégation, etc. paraissent estompés ou abolis pour céder place aux terrains d’action, d’expérimentation et de transformation. Ainsi, chaque moment du Ngondo est une performance accomplie. Fort de ce constat, le Ngondo a le caractère d’un festival où performances, musiques et danses rivalisent d’adresse avec des réminiscences mythiques et mystiques. <p>Afin de les démocratiser davantage et assurer leur exploitation optimale, nous avons pensé à la création des espaces culturels dans ces régions du Cameroun à partir du modèle que nous proposons dans ce travail. La multiplicité de ces espaces dans toutes les régions de notre pays et sur le continent africain et pourquoi pas dans le monde entier faciliterait le travail d’un collectif de chercheurs venus des quatre coins de la planète pour se réunir autour du concept de la « Négroscénologie », que chaque membre doit entériner et de promouvoir où qu’il soit.<p> / Doctorat en Information et communication / info:eu-repo/semantics/nonPublished