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L'hypothèse principale qui sous-tend cette recherche est que les œuvres de Maurice Blanchot (recueils critiques, romans et récits) s'inscrivent dans un projet métapolitique dont le fil rouge est la problématique de la souveraineté. C'est celle-ci qui fournit le point d'articulation entre les interventions publiques et les textes littéraires de Blanchot. Le rôle central dévolu par cet auteur à la Révolution et à la Loi, ainsi que l'encrage allégorique de ses textes dans les conditions historiques qui président à leur émergence sont des éléments qui permettent de les soustraire à l'idéologie néo-moderniste. D'autre part, on a voulu montrer qu'il s'agit d'une œuvre charnière, à partir de laquelle peut être investigué un double tournant. Celui-ci affecte à la fois la médiation juridique du pouvoir, axée sur la figure du souverain, et la doctrine de l'Etat esthétique fondée sur la relation entre la production de l'art et la constitution du peuple. L'exemple de Blanchot permet d'envisager un renouvellement des conditions représentationnelles, et c'est sans doute pour cette raison que cet auteur est devenu une référence inaugurale pour les pensées contemporaines qui se proposent de dépasser l'horizon juridico-politique de la souveraineté. En ce qui concerne le corpus analysé, le parti-pris de cette thèse est de privilégier des textes moins discutés par l'exégèse blanchotienne. Ainsi, plutôt que de relire les grands recueils critiques, il s'est agi d'analyser de manière détaillée le volet en quelque sorte caché du dispositif mis en place par Blanchot: les articles des années 1930, qui n'ont pas été, pour la plupart, réédités ; les chroniques publiées dans le Journal des débats, entre 1941 et 1944 ; les interventions politiques et culturelles postérieures à 1958 ; sur le plan de la fiction, les premiers récits dystopiques, " Le dernier mot " et " L'Idylle ", ainsi que le roman Le Très-Haut.

George Enescu (1881-1955) is known primarily today in conjunction with the world of violin playing. Celebrated as a violin virtuoso throughout the capitals of Europe and North America in the first half of this century, and later admired as a teacher of luminary talents such as Yehudi Menuhin, Arthur Grumiaux, and Ida Haendel, Enescu exerted a considerable influence on the developments of the international music scene. This was nowhere more apparent than in Paris and Bucharest, cities in which Enescu spent most of his life active as performer, conductor, and composer. As his career progressed, Enescu dedicated an increasing amount of time and energy to composition, producing an impressive list of works, many of which were of monumental proportions. Contemporary with Bartok and Kodály, Enescu found himself caught in the current of nationalism that asserted itself in Europe during the first decades of the twentieth century. Seeking a personal, expressive idiom in which he could fuse the musical elements of both Western tradition and his native Rumanian folk heritage, Enescu experimented with diverse compositional trends and styles. Expanding the reaches of tonality with heightened chromaticism, in which microtonal as well as modal inflections were both to play significant roles, Enescu’s idiom evolved into a highly plastic language, comprising a great variety of stylistic characteristics. In order to assimilate the heterogeneous elements into one unified expression, Enescu relied on traditional compositional techniques such as sonata form, cyclic thematic structure, and motivic development. The focus of this paper is to examine to what extent these compositional techniques are incorporated into his work and to direct attention to those elements, i.e., both structural and non-structural, that were most distinctive of Enescu’s musical style. Owing to its concentration of key stylistic elements and its stature as perhaps the most accomplished piano composition in Enescu’s output, the Sonata for Piano in D Major, Op. 24, No. 3 (1934) will serve as model for this analytical study. Chapter One provides by way of an introduction a brief overview of the formative years in Enescu’s life and defines the position of the Sonata within the complete ceuvre. Chapters Two, Three, and Four constitute the main body of the paper and contain analyses of each of the Sonata’s three movements. In these chapters discussion revolves around the more significant structural features of the work such as the overall cyclic design, simultaneously examining the methods Enescu employs to integrate folk inflection throughout the Sonata. Chapter Five comprises the summary. The most significant features of the Sonata are recapitulated and parallels to numerous other works are drawn, in an attempt to present the Sonata as a culmination of Enescu’s compositional style.

Erik Satie fut toujours considéré comme un personnage énigmatique dans le monde musical français au tournant du siècle dernier. Sa personnalité marginale et ses œuvres dépouillées aux titres étranges ont maintes fois suscité questionnements et polémique. En 1917, Erik Satie écrivit une œuvre qui ne ressembla aucunement au répertoire antérieur du compositeur. Socrate, qui fut représenté publiquement pour la première fois en janvier 1920 à la Société Nationale de Paris, laissa le public et la critique perplexe et mitigé. Qu’avait donc de si particulier cette œuvre qui, d’un côté, passa pour une blague mais qui, pour certains dont le compositeur lui-même, fut considérée comme une manifestation pure de sagesse et de sincérité ? Socrate fut conçu au même moment où Satie entretenait des liens étroits avec le monde cubiste. Pablo Picasso et Georges Braque furent désormais les maîtres d’un courant artistique qui allait révolutionner le monde artistique. De concert avec les valeurs avant-gardistes prônées par Erik Satie, les cubistes cherchèrent à bousculer les attentes du public en modifiant l’approche visuelle de manière à stimuler les différentes perceptions sensorielles. Avec le ballet Parade, représenté en mai 1917, le compositeur collabora avec Picasso et ceci eût grandement influencé son style musical puisqu’il employa des techniques se rapprochant grandement du cubisme. Comme le soutient Daniel Albright, Satie trouva dans le cubisme son analogue artistique. Selon moi, outre Parade, Erik Satie bénéficiera de l’esthétique cubiste pour développer son œuvre Socrate. Cette thèse se concentre sur la signification de l’œuvre Socrate, plus particulièrement comment celle-ci pourrait représenter un autoportrait d’Erik Satie. De surcroît, elle examine comment cette représentation est camouflée derrière des méthodes cubistes traduites musicalement. La thèse s’appuie sur une littérature variée portant sur divers sujets relatant Socrate, dont la biographie du compositeur et sa relation avec des réseaux artistiques, intellectuels et sociaux. Cette thèse est la première étude d’envergure à suggérer une possibilité d’autoportrait cubiste musical puisque peu d’auteurs se sont attardés à résoudre cette problématique. Cette thèse décrit comment Socrate est une manifestation personnelle de sincérité et d’humilité d’un compositeur qui, persécuté tout au long de sa vie, se dévoila aux yeux de tous par le recours à cette figure emblématique de l’histoire : Socrate.

The dissertation re-examines the philosophy of Georges Bataille within the context of post-Kantian aesthetics and argues for a re-evaluation of Bataille’s notion of expenditure [depenser] within this context. The dissertation argues further that the artistic practice of Robert Smithson is an exemplary case of an ‘aesthetics of expenditure.’ It is our contention that Bataille’s cosmic-energetic philosophy finds a complementary material expression in Smithson’s abstract geology and its confrontation with post-Kantian aesthetics. We will argue that this occurs through Smithson’s varying strategies, which are grouped conceptually according to the broader logic of their expression:seriality, sedimentality, monumentality, and meandering. While Smithson’s own references to Bataille in the early 1970s are discussed in detail, it is not our position that Smithson was enacting Bataille’s philosophy ‘aesthetically’; rather, by reading Bataille’s evaluation of Kant’s aesthetics and teleology in relation to Smithson’s artistic practice, we emphasize instead that the politics of disgust shared by both figures advance a radical decentring and repositioning of the human in relation to planetary and geological forces. If, as geologists now agree, our present age is that of the Anthropocene1, our argument is that Bataille and Smithson anticipate this precarious condition analytically, and, perhaps more importantly, that their analysis suggests further important diagnostic considerations at the level of social organization and political composition that might help defer, if not entirely prevent, the catastrophic end of this all-too-human period.

La presente tesis fue galardonada con el Premio Extraordinario de Doctorado, según acuerdo de la Junta de Gobierno con fecha 13 de marzo de 1992. Debido a sus especiales características, una parte del material anexo a esta tesis no se reproduce en la presente edición, pero puede consultarse en la publicación en microfichas. Una selección del material videográfico de apoyo a esta tesis puede visualizarse en : http://www.youtube.com/watch?v=Msua3bM_26M / El primer capítulo trata de la dificultad que supone encuadrar un tema de estudio por lo que comporta de excluir y se justifican múltiples opciones que no se siguen. Del capítulo dos, dedicado a la novela, se recoge el carácter iniciático que para el autor supuso este viaje al Sur, visto como un lugar anárquico, en busca del orden interno que lo sustenta. Y la identificación de Carmen con este Sur en el que el espíritu/intelecto del autor se aproxima a la materia/naturaleza, a la madre tierra que le atrae pero a la que no sabe dominar, y porque le da miedo, la destruye. Carmen representa el eterno enfrentamiento entre los pares de opuestos irreconciliables: Norte/Sur, Vasco/Gitana, Hombre/Mujer, Orden/Anarquía, y la constante búsqueda del individuo para encontrar su conciliación. En la base de la investigación está la elección de la pasión, la muerte, la libertad y el destino que, simbolizados por la flor, el cuchillo, el anillo y las cartas, recorren la mayoría de las reinterpretaciones. En el tercer capítulo, dedicado a la ópera, se recoge el efecto amplificador que la música y el libreto han proporcionado a la novela. En la traslación de códigos que supone el paso de la novela a la escena el elemento decisivo es el hecho de que se convierte en espectáculo: cada Carmen que canta está representando el rito y reviviendo el sacrificio, sacralizándolo. Los tres personajes alrededor de los cuales gira la novela: el viajero, Carmen y Don José se convierten en cuatro. Micaela y Escamillo aportan la dimensión espacio temporal en tanto que parejas ideales para D. José y Carmen respectivamente; si no hubiera aparecido la FATALIDAD alterando el orden del espacio social y provocando la tragedia. El elemento trágico equilibrado por otros cuatro secundarios, Frasquita, Mercedes, Remendado y Dancaire, aportando el elemento ligero y cómico, mientras que los coros confirman el carácter mítico y la dimensión social: Don José puede matar a Carmen pero no a las cigarreras que cantan al placer que sienten al fumar, ni a los bandoleros que exaltan su libertad en las montañas, ni a los niños que parodian a los soldados. La música de Bizet es un ingrediente importante en la popularización de la anécdota y en su devenir mítico. El capítulo cuarto está dedicado principalmente al cine. La colocación de la cámara, la ausencia/presencia de sonido y cromatismo, la utilización de una u otra música, son, junto con la estructura narrativa que se elija en cada caso, así como las respectivas presencias físicas de los protagonistas, elementos que tienden a diversificar la obra. Se demuestra que las inferencias sociales que se traducen en ciertas aportaciones anecdóticas traslucen mucho más de lo que en apariencia representan. La pasión amorosa para Carmen es su forma de vida, el Amor para Carmen no puede ser sino búsqueda y juego. Y como en todo juego, el riesgo forma parte de lo inevitable. La "infidelidad" de Carmen es libertad en el hecho de amar y por tanto fidelidad hacia su propia concepción del amor. Don José no entiende estos códigos y se siente víctima de un sortilegio, del que sólo podrá librarle el "sacrificio" de la culpable. El aire de libertad que respira Carmen, la mujer que no obedece, que no está sometida, es la destilación del aire de libertad colectiva de los pueblos que han aprendido a rebelarse contra la Monarquía en la Revolución Francesa y siguen haciéndolo contra Napoleón, la República, o la Comuna. Al ser esta tesis pluridisciplinar, ha sido acompañada por un trabajo videográfico que la ilustra y la completa. / A study of the novel Carmen by Prosper Mérimée and, more especially, of its protagonist and the subsequent transmutations she has inspired in other creative artists in various media. The thesis is divided into five chapters and also includes a bibliography and six appendices. The first chapter explains the concept and methodology employed. The second deals with the genesis of Mérimée's novel. It starts with a view on life and politics in Spain, from 1830 to 1870 and continues with an approach on Mérimée's life and interests and a description of the novel and its literary precedents. The third chapter refers to Bizet's opera. It starts with a view on the impressions left by travelers visiting Spain in the 1850's, presents Bizet and the librettists Meilhac and Halévy, a functional analysis of the opera and concludes with opinions and commentaries about the work by some of the artists who have interpreted it. The fourth chapter provides a panoramic view on the 50 films on the subject for which there are entries in the filmogra¬phy, and analyses 15 of them. There is a view on the productions by Peter Brook in Theatre and T.V., and on some of the known choreography in ballet, and the work in theatre of Antonio Gala in Carmen, Carmen. The fifth chapter is devoted to the conclusions. The appendices are: 1. The technical script and literary commentary on the videocassette which accompany and complete the thesis. 2. A discography of recordings of the opera from 1908 to 1984. 3. A filmography of over 50 films on the theme from 1904 to 1990. 4. Ephemera: a collection of articles from newspapers and magazines in French, English and Spanish from 1980 to 1990. 5. The text of Les Bohémiens by Pushkin in its translation into French by Mérimée, which is used in the thesis 6. The catalogue of two books illustrated by Picasso which relate to two editions of Carmen.

This dissertation offers a commented translation into Czech language of works written by two most important choreographers of the 18th century, Italian Gasparo Angiolini and French Jean-Georges Noverre. It is a selection of their most important texts where they develop an inovative aesthetics of the dramatic ballet – ballet en action. An introductory chapter about theatre aesthetics of the first half of the 18th century is included in the beginning of the work where I summarize the most important discussions of the period and topics that inspired the choreographers to their reform in the art of dance. Futhermore, a chapter refering to the sources for this work is attached to each commented translation.

Orientador: Prof. Dr. André de Macedo Duarte / Tese (doutorado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em Filosofia. Defesa: Curitiba, 04/10/2017 / Inclui referências / Resumo: Nesta tese fazemos um amplo percurso que cruza distintos momentos do pensamento foucaultiano, tendo como recorte a articulação entre experiência e política. Ainda que a noção de experiência não seja um tema reiterado literalmente em todos os momentos do pensamento foucaultiano, mostramos como em torno a ela parecem articular-se algumas de suas considerações e temas fundamentais. Para compreendermos essas considerações, faz-se necessário investigar a apropriação foucaultiana dos pensamentos de Georges Bataille e Maurice Blanchot. Assim, mostramos inicialmente como a noção de ausência de obra, em diálogo com Blanchot, é usada para indicar um pensamento que rompe com o círculo antropológico. Em seguida, investigamos o artigo de Foucault sobre Bataille, de 1963, para mostrar como nele estão presentes elementos que formam uma noção de experiência e de transgressão que diz respeito a um pensamento que pensaria o ser do limite, e que estabelece uma relação não fundacional com a finitude. Defendemos que esse desenvolvimento foi incorporado por Foucault no papel da filosofia como diagnóstico do presente, assim como em sua relação com a história. Em seguida mostramos como, embora na década de 1970 haja um deslocamento do pensamento foucaultiano em direção a uma análise mais minuciosa das relações de poder, o procedimento genealógico incorpora, por termos análogos, a mesma capacidade de abalo de uma ordem discursivo-política que fora destacado no pensamento sobre o ser da linguagem moderna. Posteriormente, mostramos como, em 1978, com o deslocamento de sua abordagem das relações de poder para o plano da governamentalidade, e oínicio de um conjunto de considerações sobre a crítica, a noção de experiência é novamentetrazida à tona quando Foucault pensa seu próprio pensamento. Contudo, é seu viés ético-político que ganha destaque, ao mesmo tempo em que a temática da relação entre crítica e limites é posta novamente. Ao definir a atitude crítica como prática de desassujeitamento, e a espiritualidade segundo a experiência batailliana, Foucault traça evidentes vínculos entre crítica, experiência e espiritualidade. Finalmente, mostramos como essas considerações se desenvolvem, tanto nos trabalhos derradeiros sobre a crítica, quanto em A coragem da verdade. Defendemos que os temas do mundo outro e da vida outra no cinismo dizem respeito a uma alteridade imanente que deve ser pensada nos termos de uma alteração, e que seria o sentido principal da noção foucaultiana de experiência. Palavras-chave: Experiência; política; ética; Foucault; Bataille; Blanchot / Résumé: Dans cette thèse on propose un parcours qui entrecroise des distincts moments de la pensée de Foucault, en ayant comme guide l?articulation entre expérience et politique. Bien que la notion d?expérience ne soit pas un thème repris exaustivement dans la pensée foucauldienne, autour d?elle s?articulent quelques unes de ses considérations fondamentales. Pour comprendre ces considérations, il faut examiner l?appropriation des pensées de Georges Bataille et de Maurice Blanchot par Foucault. Donc, au début on montre que la notion d?absence d?oeuvre, en dialogue avec Blanchot, est utilisée pour indiquer une pensée qui rompt avec le cèrcle anthropologique. Après, on examine l?article de Foucault sur Bataille, de 1963, pour montrer comment on y trouve des elements qui forment une notion d?expérience et de transgression rapportées à une pensée qui penserait l?être et la limite, et qui établit un rapport non fondational avec la finitude. Nous défendons que ce développement a été incorporé par Foucault dans ses considérations sur le rôle de la philosophie en tant que diagnostique du présent, aussi que dans son rapport à l?histoire. En suite on montre que, même si dans la décennie de 1970 il y a un déplacement de la pensée de Foucault vers une analyse plus minutieuse des rapports de pouvoir, la procédure généalogique incorpore, par des termes analogues, la même capacité de troubler un ordre discoursif-politique tel comme les écrits sur l?être du langage moderne avaient souligné. Aprés, on montre comment, en 1978, suivant le déplacement de l?approche do pouvoir vers la gouvernementalité, et le débout d?une série de considérations sur la critique, la notion d?expérience est, une autre fois, reprise lorsque Foucault pense sa propre pensée. Cependant, c?est son côté éthique-politique qui est souligné, en même temps que la thématique du rapport entre cririque et limites est reprise. En définissant la critique comme une pratique de désassujetissement, et la spiritualité selon l?expérience bataillienne, Foucault fait des evidentes liens entre critique, expérience et spiritualité. Finalement, on montre comment ces considérations se développent, tant dans les derniers écrits sur la critique, quant dans Le courage de la vérité. On défend que les thèmes cyniques du monde autre et de la vie autre font référence à une altérité imanente, qui doit être pensée dans le termes d?une altération, et qui serait le principal sens de la notion foucauldienne d?expérience. Mots-clés: Expérience; politique; éthique; Foucault; Bataille; Blanchot

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2013. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2014-01-30T09:42:26Z No. of bitstreams: 1 2013_VeraMarisaPugliesedeCastro.pdf: 29066073 bytes, checksum: 8eff92aa278479b1c2eff9941aa2de56 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2014-01-31T13:18:35Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_VeraMarisaPugliesedeCastro.pdf: 29066073 bytes, checksum: 8eff92aa278479b1c2eff9941aa2de56 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-01-31T13:18:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_VeraMarisaPugliesedeCastro.pdf: 29066073 bytes, checksum: 8eff92aa278479b1c2eff9941aa2de56 (MD5) / A presente investigação se debruça sobre a associação entre os Sudários de Bené Fonteles, que formam a série Sudários / Auto-Retratos, o painel cerâmico Le Chemin de la Croix, de Henri Matisse e a exposição The Stations of the Cross. Lema Sabachtani, realizada em 1966, por Barnett Newman, assim como sobre a natureza desta associação e como ela pode ser abordada pela História da Arte, teórica e metodologicamente. Esta pesquisa trata, portanto, da espessura do olhar entre aquele que vê a obra de arte e a própria obra porque trata dos espaço-tempi em que sua percepção se abre a uma rede de relações. Diante de uma obra nos desfiguramos e reconfiguramos enquanto sua imagem se modifica. Mas quando a obra concerne a uma transformação exemplar, esses conteúdos de desdobram e se redobram em inúmeras questões, como é o caso do tema da transformação mais recorrente em nossa cultura cristã e ocidental, no grande drama expresso pela Paixão. O interesse por essas obras, portanto, foi imposta pela expressa categoria de identificação autoimpingida do artista com o tema, com o pathos do processo de criação e com a temporalidade complexa que a constelação dessas obras acaba por sedimentar. Assim, a investigação levou à reflexão sobre o impacto do jogo entre o pathos e o anacronismo sobre o discurso na História da Arte como montagem de tempos heterogêneos, baseada em pressupostos oferecidos por Aby Warburg, Walter Benjamin e Georges Didi-Huberman. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The subject of this PhD research project is the association of Henri Matisse's Chemin de la Croix, Barnett Newman's Stations of the Cross. Lema Sabachtani Exhibition and Bené Fonteles' Sudários, as well as what the order of this association and how it can be brought up by Art History, theoretically and methodologically. Therefore, this research is about of the thickness of the outlook between the one who sees the artwork and the artwork itself, because it talks about the space-times in that perception that opens itself into a web of relations. In front of an artwork we desfigure and reconfigure ourselves as the image modifies. But when the artwork approaches to a model transformation, these contents unfold and refold themselves in numerous questions. That is the case of the more recurrent transformations in our Western Christian culture, in the great drama expressed by the Passion. The interest by these artworks, therefore, was imposed by the artist’s self-inflicted identification category with the subject, with the pathos of the creation process and with the complexity of the temporality that the constellation of these works deposits. Thus, the inquiry induced to the speculation about the impact of the relation between the pathos and the anachronism about the discourse in the Art History as montage of heterogeneous times, based in presuppositions offered by Aby Warburg, Walter Benjamin and Georges Didi-Huberman.