Der Effekt der Desorientierung entsteht als Resultat wiederholter Versuche der Ästhetisierung von Phänomenen, die literarästhetisch undarstellbar oder kaum darstellbar sind. Es wird daher behauptet, die Desorientierung sei mit der Entgrenzung des Sprachästhetischen verbunden. Das Ziel dieser Arbeit war die Strategien der Entgrenzung des Ästhetischen in postmodernen Romanen zu lokalisieren und ihre wichtigsten Konsequenzen für die Lektüre zu beschreiben. Im Zentrum meiner Untersuchungen steht die sich allmählich konstituierende und sich zugleich dekonstruierende Sinnhaftigkeit der Erzählung. Literaturgeschichtlich beschränkt sich meine Untersuchung auf die Literatur der Postmoderne, weil sie als Zeitalter der radikalen Pluralisierung und Fragmentierung sowie permanenten Ästhetisierung aller kulturellen Bereiche gekennzeichnet ist. In der Entgrenzung des Ästhetischen sehe ich ein Novum, das paradigmatische Wenden in allen Geisteswissenschaften und Künsten eingeleitet hat. Analysiert wurden drei Romane: Thomas Pynchons The Crying of Lot 49, Elfriede Jelineks Lust und Witold Gombrowicz’ Kosmos. Die Romane Pynchons und Gombrowicz‘ repräsentieren eine sich erst konstituierende literarische Postmoderne. Bei Pynchon und Gombrowicz lässt sich sehr gut die schrittweise verlaufende Entgrenzung des Ästhetischen beobachten, während sie bei Jelinek einen ihrer möglichen Endzustände erreicht zu haben scheint. In den ersten Annäherungen an die von mir ausgewählten Texte konnte ich beobachten, dass sich die Desorientierung als Folge der Verdichtung von Verwirrungen (deren Zahl und/oder Art und Weise die Lektüre in erster Linie punktuell stören) konstituiert. Grob genommen konnte ich zunächst zwischen einer ontologisch und einer epistemologisch fundierten Desorientierung unterscheiden, d.h. es bleibt während der Lektüre unklar, welcher Art Entitäten die Protagonisten begegnen und/oder auf welchen Wegen sie zur Erkenntnis kommen. Die zweite wichtige Beobachtung betraf ein literarästhetisch inszeniertes Insistieren auf das Vorhandensein einer Realität/Dimension, bei gleichzeitiger explizit thematisierter Unmöglichkeit des Ausdrucks dieser Realität. Der Prozess des Desorientiert-Werdens müsste daher etwas mit der Steigerung der Ästhetisierungsintensität gemeinsam haben, d.h. mit dem Multiplizieren der (potentiell bedeutungsvollen) Beziehungen zwischen den Textkonstituenten. Womit der Leser im Endeffekt konfrontiert wird, sind unzählige Inseln inkompatibler Sinnhaftigkeiten, die rhetorischen Eruptionen. Die Perzeption des Lesers wird mit Unmengen von Signifikanten überflutet, zu denen er vergeblich nach passenden Signifikaten sucht. Die Erzählung der Ereignisse und Gestaltung der Figuren werden oft unterbrochen, gehemmt, aufgehoben, nicht zu Ende gebracht, so dass die Konstituierung der Gesamtbedeutung permanent unterlaufen wird. Obwohl alle Geschichten linear erzählt sind, scheint es unmöglich zu sein, irgendetwas in ihnen als sichere Erkenntnis zu gewinnen, da das permanente Stören des Signifikationsprozesses den Leser mit einem Minimum eines Sinns/einer Sinnhaftigkeit zurücklässt. Die Ästhetik der Desorientierung ließe sich somit als eine Ästhetik der Entdifferenzierung der Geschehensmomente, d.h. der Steigerung der Wahrscheinlichkeit ihrer Gleichwertigkeit für die Bedeutungskonstituierung beschreiben. Durch die Entdifferenzierung wird die Bedeutung zerstreut und sie kann sich hinter vielen möglichen Zeichen und Symbolen verstecken.

This dissertation examines transnational flows and identities in the work of four European filmmakers and writers that have done extensive work in Latin America around the mid-twentieth century. Not renouncing to the thematic and formal analysis of representation in the works themselves, it focuses more broadly in the modes of production and circulation of cinematic and literary creations. More specifically, it pays close attention to the location in which the work was produced, understood as a conglomerate of circumstances, places, people, as well as symbolic and cultural demands that exert pressure on the author. Understanding that a transnational piece establishes a multi-national dialogue, I emphasize the frequently unacknowledged dialogue that these authors establish with the Latin American tradition and culture. Not only were they conscious of the symbolic landscape in which they were working, but also their production represents a valuable contribution for such landscape, even when their primary audience might be European. The case studies include: an introduction on the globalization of “Tercer Cine”; Werner Herzog and his two Amazonian feature films in Peru; Luis Buñuel and his abundant Mexican production, with special attention to his American and French co-productions shot in Mexico; Max Aub and his Mexican stories and chronicles; and Witold Gombrowicz’ Trans-Atlantyk, as well as his translation of his novel Ferdydurke into the Spanish language. / Romance Languages and Literatures

La recherche se focalise sur l’étude comparative de l’érotisme dans deux romans : La Marge d’André Pieyre de Mandiargues et La Pornographie de Witold Gombrowicz. Conformément à la nouvelle approche comparative (Apter, Casanova, Moretti) et dans une perspective culturelle et littéraire, le projet explore la façon dont l’érotisme peut être entendu (ou malentendu) dans l’histoire des idées, dans la critique littéraire et dans les œuvres littéraires. À partir d’une enquête épistémologique, de l’histoire contrastive du contexte littéraire franco-polonais et des enjeux critiques développés par Bataille, Foucault, Barthes et Deleuze, le projet montre les différences culturelles dans la représentation de l’érotisme littéraire. En outre, il compare la façon dont Mandiargues et Gombrowicz défendent la nécessité et le danger de l’érotisme dans la littérature, à travers leur écriture critique. Enfin, grâce à l’analyse des deux romans, l’étude tend à expliquer la dynamique de l’érotisme littéraire compris comme un thème tantôt descriptif tantôt narratif. Les deux romans montrent comment le rêve érotique peut être exploré à travers la temporalité narrative ou à travers l’espace et, par conséquent, comment ils peuvent conduire à des interprétations photographiques ou cinématographiques. Cette recherche vise à mettre en évidence le rôle de ces écrivains dans une discussion sur l’ars erotica contemporain dans la littérature mondiale et cherche à encourager l’étude de l’érotisme dans la littérature comparée. / The research focuses on the comparative study of eroticism in two novels: The Margin by André Pieyre de Mandiargues and Pornografia by Witold Gombrowicz. Following the new comparative approach (Apter, Casanova, Moretti) from a cultural and literary perspective, the project explores the ways in which eroticism can be understood (or misunderstood) in the history of ideas, in literary criticism and finally in literary works. Starting from an epistemological inquiry, the contrasting literary histories of Poland and France and theoretical approaches developed by Bataille, Foucault, Barthes and Deleuze, the project shows the cultural differences in representing eroticism in literature. Furthermore it compares how Mandiargues and Gombrowicz defend the necessity and the danger of eroticism in literature through their critical writing. Finally, thanks to a deep textual analysis of the two novels, the study seeks to explain the dynamics of literary eroticism understood as a theme that is either descriptive or narrative. The two novels show how the erotic dream can be explored through narrative temporality or space and consequently lead to photographical or cinematographical interpretations. This research intends to highlight the role of these writers in the discussion of contemporary ars erotica in global literature and to encourage the study of eroticism in comparative literature.

The main goal of this PhD dissertation is to explore the relation between postmodern poetics and some features of other theories developed at the same time in various areas of knowledge – mainly metaphysics, physics and sociology. If we can say that the modern paradigm was born with the question of how a multiplicity of different points of view could coexist, the postmodern paradigm seems to arise with the awareness that a systematic legitimation of differences cannot be based on a sole foundation that leads to a complete inclusion. For this reason, we argue that the concept of possible world is not only a useful heuristic metaphor adopted in different areas of the artistic and scientific postmodern culture, but it can put in constructive conversation different areas of knowledge which are usually thought to be more isolated and refractory to mutual influence than they actually are. Precisely because of the diverse usages and meanings that the term ‘world’ acquires in different contexts, the ontological commitment toward possible worlds varies significantly. They can be godly concepts, fictional scenarios, real sums of individuals that are isolated from each other, or ideal set of objects that are associated with different and mutually exclusive frames of reference and cultural coordinates. To shed a light on these matters is the main goal of the first book, entitled "What is a possible world?". The second book, entitled "Entangled worlds: the postmodernist literature", is committed to explore the topology of the possible worlds projected by postmodernist texts; in fact, the paradoxical topology that emerges from these texts appears to be inherently connected with a vast range of issues concerning our world.

This thesis explores ways in which the reality of Kantor’s existence at a key moment in occupied Kraków may be read as directly informing the genesis and development of his artistic strategies. It argues for a particular ontological understanding of human being that resonates strongly with that implied by Kantor in his work and writings. Most approaches to Kantor have either operated from within a native perspective that assumes familiarity with Polish culture and its influences, or, from an Anglo-American theatre-history perspective that has tended to focus on his larger-scale performance work. This has meant that contextual factors informing Kantor’s work as a whole, including his happenings, paintings, and writings, as well as his theatrical works, have remained under-explored. The thesis takes a Heideggerian-hermeneutic approach that foregrounds biographical, cultural and aesthetic contexts specific to Kantor, but seemingly alien to Anglo-American experience. Kantor’s work is approached from Heideggerian and post-Heideggerian perspectives that read the work as a world-forming response to these contexts. Read in this way, key writings, art and performance works by Kantor are revealed to be explorations of existence and human being. Traditional ontological distinctions between process and product, painting and performance, are problematised through the critique of representation that these works and working practices propose. Kantor is revealed as a metaphysical artist whose work stands as a testament to a Heideggerian view of human being as a ‘positive negative’: a ‘placeholder of nothing’, but a ‘nothing’ that yet ‘is’ …

L'Autofiction et sa réception jusqu'en 1989. La fictionalisation de soi comme phénomène littéraire universel. Les indices de Fiction. L'Auteur et son personnage fictif. Autofiction et roman autobiographique. L'autofiction est-elle un genre ? Mise en abyme. Métalepse. Intrusions d'auteur. Réception. Genre.Hermann Hesse. Dante. Gombrowicz. Doubrovsky. Balzac. Cervantes. Goethe.Barthes.