Thesis (doctoral)--Stockholm University, 1996. / Errata slip inserted. Includes bibliographical references (p. 457-460).

Thesis (doctoral)--Stockholm University, 1996. / Errata slip inserted. Includes bibliographical references (p. 457-460).

Vollst. zugl.: Zürich, Univ., Habil.-Schr., 2006

La notion freudienne « Das Unheimliche » nous parvient dans la philosophie de Lacan comme « le Réel » qui revient dans le monde. C'est parce que « le stade du miroir », qui rend possible d'entrer dans l'ordre, en réalité, n’est jamais inachevé. L'expérience de morcellement apparaît dans un événement ordinaire et dévoile ce qui est monstrueux et pathologique, ce qui, dans la culture de l'Occident, n’est pas représentable. L'inquiétante étrangeté dans la littérature est un terme qui nous renvoie aux expériences échappant à l'ordre symbolique. Cette expression consiste à ramener à la surface du texte ce que le discours dominant de la puissance et de la connaissance rejette, en le plaçant à la marge de représentation comme quelque chose qui semble être dégoûtant et répugnant (voir l'abjecte chez Kristeva, le maudit chez Bataille ou le monstrueux chez Foucault). Ces avatars ultérieurs de l'inquiétante étrangeté sont présentés avec l'aide de la notion du regard (présente déjà dans l'essai de Freud) afin d’atteindre le point où la scène fantasmatique (de regarder et d'être observé) devient la condition de l'écriture. C'est aussi le moment où le sujet amoureux (décrit par Barthes) permet à son Bien-Aimé d’apparaître dans le geste de l’écriture, lorsque l'objet lui-même dans la logique de l'économie du désir, garde pour toujours une certaine distance. La thèse en question est basée sur les œuvres de Jean Genet et Witold Gombrowicz, deux écrivains qui sont « unheimliche » par excellence. C’est la comparaison psychanalytique de biographies et d'écritures et en même temps la déconstruction de différences et de similitudes présentent dans leurs œuvres. / The Freudian notion of Das Unheimliche comes back to us in Lacan’s philosophy as the Real that returns (to the world). The experience of a fragmented subject appears in an ordinary event, and it shows the monstrous, the pathological, which, in the culture of the West, is always unrepresentable. The uncanny in literature is another term with which we can describe experiences that are incompatible with the symbolical order, and consist in bringing back to the surface of the text what the dominant discourse of power and knowledge consigned to oblivion, placed on the margins of representation, as something that is disgusting and repulsive (see Kristeva’s category of the abject, or Bataille’s the accursed, or Foucault’s the monstrous). These subsequent avatars of the uncanny I show with the help of the notion of the glance (strongly present already in Freud’s essay) so as to reach the moment in which a phantasmatic scene (of looking and being observed) becomes the condition of writing. This is also the moment in which the loving subject (as described by Barthes) makes the Beloved appear in the gesture of writing, whereas the object itself (as something shameful, suppressed), in keeping with the economy of desire, is supposed to remain forever at a distance. The thesis in question is based on the works by Jean Genet and Witold Gombrowicz, that is, the writers who are uncanny par excellence. This is psychoanalytical comparison of biographies, styles of writing, philosophy of life and the deconstruction of differences and similarities of these two writers.

Des de la seva arribada a Argentina la figura de Witold Gombrowicz i la seva literatura han constituït un factor excèntric tant en la seva consideració dins el sistema de les lletres argentines com en la recepció pel lector mitjà. Durant els 24 anys que l'autor polonès passà a l'Argentina la repercussió de la seva obra fou mínima i només començà a donar-se a conèixer (i en grau menor a llegir-se) als anys 60, després del seu reconeixement a gran escala a París. Es en aquesta època que els seus amics creen una espècie de llegenda en torn a l'autor, que començarà a ser vist com a referent contracultural. Als anys 70 se'l reconeixerà sobretot com a dramaturg, tot i que són les lectures xifrades en novel·les i assaigs d'autors dels anys 80, especialment Ricardo Piglia i Juan José Saer, les que marcaran definitivament la configuració d'una lectura i una imatge de l'autor polonès molt lligada al context nacional que poc modificaran les aportacions crítiques més generals dels anys 90. La present tesi doctoral repassa més de 60 anys de presència de l'obra de Witold Gombrowicz a l'Argentina analitzant dècada rere dècada la seva recepció. Posteriorment es te en compte l'efecte de l'obra de l'escriptor polonès sobre els artistes locals, en especial quant a l'adopció de la figura de Gombrowicz como a personatge de ficció literària i cinematogràfica. Finalment es defineix sincrònica i diacrònicament el retrat imaginari de Witold Gombrowicz a l'imaginari cultural argentí. / "The reception of Witold Gombrowicz's works in Argentina and the construction of his image in the Argentinian cultural imaginary" KEY WORDS: Witold Gombrowicz, Polish literature, Argentinian literature, Ricardo Piglia, Theory of Reception.ABSTRACT:From the moment of his arrival in Argentina, Witold Gombrowicz and his literature were considered to be eccentric - both inside the general framework of Argentinian literature, and in terms of his reception by the average reader. During the 24 years that Gombrowicz spent in Argentina the impact of his work was minimal; he only began to be known (and, to a lesser degree, to be read) in the 1960s, after his great success in Paris. At this point his old friends created a kind of legend around the writer, who began to be regarded as a countercultural reference point. In the 1970s he gained recognition as a playwright, but more important to the creation of his cultural persona were the analyses - albeit restricted to the consideration of his presence in the domestic context - in the novels and essays of authors writing in the 1980s, especially Ricardo Piglia and Juan José Saer. The way of reading, understanding and imagining Gombrowicz that was thus established was largely unaffected by the more general critiques of his work written during the 1990s.This Ph. D. study follows Witold Gombrowicz's works presence in Argentina over a period of 60 years and analyzes his reception decade by decade. We consider the effect of his work on Argentinian creative artists, especially with regard to the adoption of his persona as a literary and film fiction character. Both synchronically and diachronically, the study seeks to define the image of Witold Gombrowicz in Argentinian cultural imaginary. / "Recepción de la obra de Witold Gombrowicz en la Argentina y configuración de su imagen en el imaginario cultural argentino" PALABRAS CLAVE:Witold Gombrowicz, literatura polaca, literatura argentina, Ricardo Piglia, Teoría de la recepción.RESUMEN: Desde su llegada a Argentina la figura de Witold Gombrowicz y su literatura han constituido un factor excéntrico tanto en su consideración dentro del sistema de las letras argentinas como en la recepción por el lector medio. Durante los 24 años que el autor polaco pasó en Argentina su repercusión fue mínima y sólo empezó a conocerse (y en un grado menor a leerse) en los años 60, después de su reconocimiento a gran escala en París. Es en esta época que sus antiguos amigos crean una especie de leyenda en torno al autor, que empezará a ser visto como referente contracultural. En los años 70 se lo reconocerá sobre todo como dramaturgo, aunque son las lecturas cifradas en novelas y ensayos de autores de los 80, especialmente Ricardo Piglia y Juan José Saer, las que marcarán definitivamente la configuración de una lectura y una imagen del autor polaco muy ligada al contexto nacional que poco modificarán las aportaciones críticas más generales de los años 90. La presente tesis doctoral repasa más de 60 años de presencia de la obra de Witold Gombrowicz en Argentina analizando década por década su recepción. Posteriormente se contempla el efecto de la obra del escritor polaco sobre los artistas locales, en especial en cuanto a la adopción de la figura de Gombrowicz como personaje de ficción literaria y cinematográfica. Finalmente se define sincrónica y diacrónicamente el retrato imaginario de Witold Gombrowicz en el imaginario cultural argentino.

La critique a cru percevoir une incompatibilité entre Victoria Ocampo et Witold Gombrowicz, entreune « conservatrice » et un « avant-gardiste » aux oeuvres littéraires trop différentes pour être misescôte à côte. Pourtant, ils partagent un point commun important : chez ces deux écrivains, l’origine declasse se détache de la biographie pour planter ses racines dans les travaux littéraires. Pour Ocampo etGombrowicz, l’aristocratie est le point de jonction entre la vie et l’oeuvre. Tous deux écrivent des viesaristocratiques, et ce dans deux sens du terme : d’un côté, ils font le récit de leur héritage privilégié –patricien pour l’Argentine et hobereau pour le Polonais – et essayent d’intégrer leur milieu familial etsocial dans leurs oeuvres ; de l’autre, ils rompent avec toute aristocratie sociale existante etconstruisent une vision fantasmatique de ce que serait une vie élitaire idéale, éminemment liée à lalittérature. Si Ocampo revendique ouvertement sa généalogie, Gombrowicz le fait de manière oblique,à force de contradictions et de transgressions. Alors que la première essaye de construire une figured’elle-même pérenne comme une statue afin d’entrer dans l’histoire, le second ne veut pas que lasienne se fige et souhaite au contraire, tel un aristocrate décadent, multiplier les grimaces.L’observation de ce Janus un peu particulier permet de mieux comprendre chacun des deux auteursmais aussi de renouveler les réflexions sur les écritures du Je, le cosmopolitisme périphérique et latraduction en Argentine. / The idea of an incompatibility between Victoria Ocampo and Witold Gombrowicz has been a recurring theme in literary criticism, which has consistently perceived a clash between a “conservative lady” and an “avant-garde man” with two oeuvres too different to be put side by side. However, both authors share an important common ground: the social class which they hail from detaches itself from their biography and roots itself in their literary works. For both Ocampo and Gombrowicz, aristocracy is the junction between life and work. Both write about their aristocratic lives, and do so in a double sense: their texts not only create the narrative of their own privileged heritage but also build up a phantasmatic vision of an ideal elitist life. On the one hand, they attempt to integrate their family and social milieu into their works – whether a patrician in the case of the Argentine or a country-nobleman in the case of the Pole. On the other hand, they both break from the existing social aristocracy by constructing ideals that are eminently linked to literature. While Ocampo openly vindicates her genealogy, Gombrowicz dons an oblique manner for his aristocratic claim, made of contradictions and transgressions. As Ocampo essays the construction of a perennial visage for herself, curated like a statue aimed to penetrate history, Gombrowicz wants nothing but to deform his own face: like a decadent aristocrat, he prefers the multiplication of grimaces and the degradation of forms. The peculiar Janus figure that arises from the juxtaposition of these two authors not only allows us to gain a better understanding of both of their oeuvres, but also generates new insights on many important broader themes: writings of the self, peripheral cosmopolitanism, and translation in Argentina.

Der Effekt der Desorientierung entsteht als Resultat wiederholter Versuche der Ästhetisierung von Phänomenen, die literarästhetisch undarstellbar oder kaum darstellbar sind. Es wird daher behauptet, die Desorientierung sei mit der Entgrenzung des Sprachästhetischen verbunden. Das Ziel dieser Arbeit war die Strategien der Entgrenzung des Ästhetischen in postmodernen Romanen zu lokalisieren und ihre wichtigsten Konsequenzen für die Lektüre zu beschreiben. Im Zentrum meiner Untersuchungen steht die sich allmählich konstituierende und sich zugleich dekonstruierende Sinnhaftigkeit der Erzählung. Literaturgeschichtlich beschränkt sich meine Untersuchung auf die Literatur der Postmoderne, weil sie als Zeitalter der radikalen Pluralisierung und Fragmentierung sowie permanenten Ästhetisierung aller kulturellen Bereiche gekennzeichnet ist. In der Entgrenzung des Ästhetischen sehe ich ein Novum, das paradigmatische Wenden in allen Geisteswissenschaften und Künsten eingeleitet hat. Analysiert wurden drei Romane: Thomas Pynchons The Crying of Lot 49, Elfriede Jelineks Lust und Witold Gombrowicz’ Kosmos. Die Romane Pynchons und Gombrowicz‘ repräsentieren eine sich erst konstituierende literarische Postmoderne. Bei Pynchon und Gombrowicz lässt sich sehr gut die schrittweise verlaufende Entgrenzung des Ästhetischen beobachten, während sie bei Jelinek einen ihrer möglichen Endzustände erreicht zu haben scheint. In den ersten Annäherungen an die von mir ausgewählten Texte konnte ich beobachten, dass sich die Desorientierung als Folge der Verdichtung von Verwirrungen (deren Zahl und/oder Art und Weise die Lektüre in erster Linie punktuell stören) konstituiert. Grob genommen konnte ich zunächst zwischen einer ontologisch und einer epistemologisch fundierten Desorientierung unterscheiden, d.h. es bleibt während der Lektüre unklar, welcher Art Entitäten die Protagonisten begegnen und/oder auf welchen Wegen sie zur Erkenntnis kommen. Die zweite wichtige Beobachtung betraf ein literarästhetisch inszeniertes Insistieren auf das Vorhandensein einer Realität/Dimension, bei gleichzeitiger explizit thematisierter Unmöglichkeit des Ausdrucks dieser Realität. Der Prozess des Desorientiert-Werdens müsste daher etwas mit der Steigerung der Ästhetisierungsintensität gemeinsam haben, d.h. mit dem Multiplizieren der (potentiell bedeutungsvollen) Beziehungen zwischen den Textkonstituenten. Womit der Leser im Endeffekt konfrontiert wird, sind unzählige Inseln inkompatibler Sinnhaftigkeiten, die rhetorischen Eruptionen. Die Perzeption des Lesers wird mit Unmengen von Signifikanten überflutet, zu denen er vergeblich nach passenden Signifikaten sucht. Die Erzählung der Ereignisse und Gestaltung der Figuren werden oft unterbrochen, gehemmt, aufgehoben, nicht zu Ende gebracht, so dass die Konstituierung der Gesamtbedeutung permanent unterlaufen wird. Obwohl alle Geschichten linear erzählt sind, scheint es unmöglich zu sein, irgendetwas in ihnen als sichere Erkenntnis zu gewinnen, da das permanente Stören des Signifikationsprozesses den Leser mit einem Minimum eines Sinns/einer Sinnhaftigkeit zurücklässt. Die Ästhetik der Desorientierung ließe sich somit als eine Ästhetik der Entdifferenzierung der Geschehensmomente, d.h. der Steigerung der Wahrscheinlichkeit ihrer Gleichwertigkeit für die Bedeutungskonstituierung beschreiben. Durch die Entdifferenzierung wird die Bedeutung zerstreut und sie kann sich hinter vielen möglichen Zeichen und Symbolen verstecken.

La recherche se focalise sur l’étude comparative de l’érotisme dans deux romans : La Marge d’André Pieyre de Mandiargues et La Pornographie de Witold Gombrowicz. Conformément à la nouvelle approche comparative (Apter, Casanova, Moretti) et dans une perspective culturelle et littéraire, le projet explore la façon dont l’érotisme peut être entendu (ou malentendu) dans l’histoire des idées, dans la critique littéraire et dans les œuvres littéraires. À partir d’une enquête épistémologique, de l’histoire contrastive du contexte littéraire franco-polonais et des enjeux critiques développés par Bataille, Foucault, Barthes et Deleuze, le projet montre les différences culturelles dans la représentation de l’érotisme littéraire. En outre, il compare la façon dont Mandiargues et Gombrowicz défendent la nécessité et le danger de l’érotisme dans la littérature, à travers leur écriture critique. Enfin, grâce à l’analyse des deux romans, l’étude tend à expliquer la dynamique de l’érotisme littéraire compris comme un thème tantôt descriptif tantôt narratif. Les deux romans montrent comment le rêve érotique peut être exploré à travers la temporalité narrative ou à travers l’espace et, par conséquent, comment ils peuvent conduire à des interprétations photographiques ou cinématographiques. Cette recherche vise à mettre en évidence le rôle de ces écrivains dans une discussion sur l’ars erotica contemporain dans la littérature mondiale et cherche à encourager l’étude de l’érotisme dans la littérature comparée. / The research focuses on the comparative study of eroticism in two novels: The Margin by André Pieyre de Mandiargues and Pornografia by Witold Gombrowicz. Following the new comparative approach (Apter, Casanova, Moretti) from a cultural and literary perspective, the project explores the ways in which eroticism can be understood (or misunderstood) in the history of ideas, in literary criticism and finally in literary works. Starting from an epistemological inquiry, the contrasting literary histories of Poland and France and theoretical approaches developed by Bataille, Foucault, Barthes and Deleuze, the project shows the cultural differences in representing eroticism in literature. Furthermore it compares how Mandiargues and Gombrowicz defend the necessity and the danger of eroticism in literature through their critical writing. Finally, thanks to a deep textual analysis of the two novels, the study seeks to explain the dynamics of literary eroticism understood as a theme that is either descriptive or narrative. The two novels show how the erotic dream can be explored through narrative temporality or space and consequently lead to photographical or cinematographical interpretations. This research intends to highlight the role of these writers in the discussion of contemporary ars erotica in global literature and to encourage the study of eroticism in comparative literature.

This thesis explores ways in which the reality of Kantor’s existence at a key moment in occupied Kraków may be read as directly informing the genesis and development of his artistic strategies. It argues for a particular ontological understanding of human being that resonates strongly with that implied by Kantor in his work and writings. Most approaches to Kantor have either operated from within a native perspective that assumes familiarity with Polish culture and its influences, or, from an Anglo-American theatre-history perspective that has tended to focus on his larger-scale performance work. This has meant that contextual factors informing Kantor’s work as a whole, including his happenings, paintings, and writings, as well as his theatrical works, have remained under-explored. The thesis takes a Heideggerian-hermeneutic approach that foregrounds biographical, cultural and aesthetic contexts specific to Kantor, but seemingly alien to Anglo-American experience. Kantor’s work is approached from Heideggerian and post-Heideggerian perspectives that read the work as a world-forming response to these contexts. Read in this way, key writings, art and performance works by Kantor are revealed to be explorations of existence and human being. Traditional ontological distinctions between process and product, painting and performance, are problematised through the critique of representation that these works and working practices propose. Kantor is revealed as a metaphysical artist whose work stands as a testament to a Heideggerian view of human being as a ‘positive negative’: a ‘placeholder of nothing’, but a ‘nothing’ that yet ‘is’ …