Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

La mise à jour dynamique des programmes consiste en la modification de ceux-ci sans en arrêter l'exécution. Cette caractéristique est primordiale pour les applications critiques en continuelles évolutions et nécessitant une haute disponibilité. Le but de notre travail est d'effectuer la vérification formelle de la correction de la mise à jour dynamique d'applications Java Card à travers l'étude du système EmbedDSU. Pour ce faire, nous avons premièrement établi la correction de la mise à jour du code en définissant une sémantique formelle des opérations de mise à jour sur le code intermédiaire Java Card en vue d'établir la sûreté de typage des mises à jour. Nous avons ensuite proposé une approche pour vérifier la sémantique du code mis à jour à travers la définition d'une transformation de prédicats. Nous nous sommes ensuite intéressés à la vérification de la correction concernant la détection de points sûrs de la mise à jour. Nous avons utilisé la vérification de modèles. Cette vérification nous a permis de corriger d'abord un problème d'inter blocage dans le système avant d'établir d'autres propriétés de correction : la sûreté d'activation et la garantie de mise à jour. La mise à jour des données est effectuée à travers les fonctions de transfert d'état. Pour cet aspect, nous avons proposé une solution permettant d'appliquer les fonctions de transfert d’état tout en préservant la consistance du tas de la machine virtuelle Java Card et en permettant une forte expressivité dans leurs écritures. / Dynamic Software Updating (DSU) consists in updating running programs on the fly without any downtime. This feature is interesting in critical applications that are in continual evolution and that require high availability. The aim of our work is to perform formal verification the correctness of dynamic software updating in Java Card applications by studying the system EmbedDSU. To do so, we first established the correctness of code update. We achieved this by defining formal semantics for update operations on java Card bytecode in order to ensure type safety. Then, we proposed an approach to verify the semantics of updated programs by defining a predicate transformation. Afterward, we were interested in the verification of correction concerning the safe update point detection. We used model checking. This verification allowed us first to fix a deadlock situation in the system and then to establish other correctness properties: activeness safety and updatability. Data update is performed through the application of state transfer functions. For this aspect, we proposed a solution to apply state transfer functions with the preservation of the Java Card virtual machine heap consistency and by allowing a high expressiveness when writing state transfer functions.

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Submitted by Livia Mello (liviacmello@yahoo.com.br) on 2016-10-05T13:08:07Z No. of bitstreams: 1 DissPMS.pdf: 6449595 bytes, checksum: 9fecb18e5f5670271cd4acb3c482e44a (MD5) / Approved for entry into archive by Marina Freitas (marinapf@ufscar.br) on 2016-10-20T19:24:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DissPMS.pdf: 6449595 bytes, checksum: 9fecb18e5f5670271cd4acb3c482e44a (MD5) / Approved for entry into archive by Marina Freitas (marinapf@ufscar.br) on 2016-10-20T19:25:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DissPMS.pdf: 6449595 bytes, checksum: 9fecb18e5f5670271cd4acb3c482e44a (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-20T19:25:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DissPMS.pdf: 6449595 bytes, checksum: 9fecb18e5f5670271cd4acb3c482e44a (MD5) Previous issue date: 2016-05-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / The purpose of this research is to make an analysis of the themes and aesthetics of the film Persona, from Ingmar Bergman, 1966. The first chapter is my analysis of the work, following the model of the writers Anne Goliot-Lété and Francis Vanoye, and the second chapter discusses the critical texts, analysis and interviews connected to the film. I also discussed the difficulties related to the interpretation of movies, and I tried in my own analysis to be very close to the movie itself, despite the tentations to invent more. / A pesquisa tem como objetivo fazer uma análise estilístico-temática do filme Persona, de Ingmar Bergman, 1966. O primeiro capítulo é a minha análise da obra, seguindo o modelo dos escritores Anne Goliot-Lété e Francis Vanoye, e o segundo trata da discussão de textos críticos, de análises e entrevistas ligados à obra. Busquei nesse trabalho discutir as dificuldades ligadas à interpretação de uma obra cinematográfica, atendo-me à questão de não deixar de lado a leitura do filme em si, a despeito das tentações que certos temas e rastros estilísticos podem despertar.

En linguistique, la politesse vise la préservation de l’harmonie interactionnelle. Que se passe-t-il dans les situations où le dissensus se trouve au cœur des échanges, tel le cas de nos talk-shows ? Le rôle de l’impolitesse, de la violence et leurs rapports à la politesse dans On n’est pas couché et Tout le monde en parle ont constitué le point de départ de notre recherche. Le présent travail est une analyse du système de la politesse confronté aux défis des émissions mentionnées, défis qui nous ont amenée à explorer la dichotomie politesse-impolitesse et qui nous ont conduite à articuler ces dernières avec les notions d’adéquation au contrat de communication, de violence et de mise en scène.Afin de rendre compte du fonctionnement de ces phénomènes, deux démarches nous ont semblé nécessaires. Premièrement, abandonner la conception selon laquelle la politesse désignait les comportements jugés adéquats et l’impolitesse était conçue comme sa « contrepartie » négative. Deuxièmement, tenter de « re-conceptualisation » la notion d’adéquation aux normes tout en allant au-delà des classements rigides et des formules conventionnelles polies ou impolies.Partant de ces réflexions, nous nous sommes fixé une double ambition : dans le premier volet, nous avons voulu aménager le cadre théorique de la politesse ─ qui, appliqué à notre corpus, présentait certaines insuffisances ─, et formuler des critères pour l’évaluation des notions présentées. Ainsi, nous avons proposé, avec prudence et modestie, un cadre et des outils théoriques adaptés à nos talk-shows. Dans le second volet, nous avons analysé ─ manipulant les outils présentés et nous appuyant sur ce nouveau cadre ─, le fonctionnement du système de la politesse ainsi que les mises en scène de la parole polie, impolie et violente. / In linguistics, politeness, considered omnipresent, aims at preserving the interactional and interpersonal harmony. But what happens when conflict is at the very heart of verbal interactions, as is the case with our talk-shows? The role of impoliteness and violence, as well as their relationship with politeness in “On n’est pas couché” and “Tout le monde en parle” are to be considered as the starting point for our research. Thus, the present work is an analysis of the notion of politeness confronted to the “challenges” raised by the televised shows mentioned above, an analysis in which we explored the politeness/impoliteness dichotomy that we articulated, thereafter, with the notions of appropriateness (in respect to the communication contract), violence and representation or “mise-en-scène”.In order to give a proper account of the functioning of these phenomena, firstly, we gave up the general view according to which politeness was defined as adequate behaviour while impoliteness was seen as its negative counterpart. Secondly, we tried to reconceptualise the notion of appropriateness going beyond rigid classifications or conventionalised polite and impolite formula.Given these considerations, we established a twofold objective. On the one hand, we tried to adjust the theoretical framework of politeness that, applied to our data, presented certain deficiencies, and to come up with some evaluation criteria for the analysed notions; consequently, we modestly and prudently proposed a framework and several theoretical “tools” adapted to our talk-shows. On the other hand, we analysed ─ using the presented tools and framework ─, the mechanisms of politeness and impoliteness as well as the divers “mises-en-scène” of polite, impolite and violent speech.

Appréhender l’oeuvre de Luchino Visconti à partir de la notion d’espace, alors même que l’homme et le corps de l’acteur semblent être au centre de l’art du metteur en scène, permet de dégager aussi bien les correspondances existant entre théâtre, cinéma et opéra et les spécificités de chacun de ces arts que le dialogue qui s’établit entre les éléments et les influences de chaque création. La polysémie du terme “espace” autorisera en outre à l’envisager tant d’un point de vue matériel (espace scénique, espace(s) cinématographique(s))que temporel (inscription dans un espace-temps caractérisable d’un point de vue historique et/ou social, imbrications de temporalités multiples), tant sous l’angle philosophique(spatialité relative à la perception et à l’idée de finitude, espace mental) qu’artistique(influences littéraires, picturales, musicales notamment). L’espace apparaît ainsi comme une donnée sensible à partir et à l’intérieur de laquelle naît la représentation : il permet alors non seulement de contextualiser l’intrigue à travers des lieux réels se référant à un espace-temps déterminé mais encore de poser une atmosphère propice à l’apparition du personnage et au surgissement d’un monde imaginaire dont l’intensité favorise l’explosion de “vérité”. De cet ensemble se dégagera une esthétique faite de jeux de reflets et d’interpénétration visant à l’établissement d’un spectacle total, en un dialogue des arts toujours renouvelé. / The apprehension of the oeuvre of Luchino Visconti from the perspective of the concept of space –when the actor as man and his corporal presence would seem to lie at the very heart of the director’sart – throws light on both the relations which obtain between theater, cinema and opera and the factors specific to each of these arts, as well as the dialogue which is established between the elements and the influences of each creation. The polysemic nature of the term “space” moreover justifies an approach considering it from both a material point of view (stage space, cinematographic space(s)) and a temporal perspective (as an component part of a space-time identifiable from an historical and/orsocial point of view, the interweaving of multiple temporalities), from both a philosophic angle (a spaciality relative to perception and to the idea of finiteness, mental space) and an artistic perspective(notably literary, pictorial and musical influences). Space thus appears as a perceptible factor ordonnée out of which, and inside which, the performance is born: it allows not only the contextualization of the plot through the real settings referring to a given space-time, but equally thecreation of an atmosphere conducive to the appearance of the character and to the bringing intoexistence of an imaginary world whose intensity furthers the explosion of “truth”. Out of this composite whole emerges an esthetic vision composed of the play of reflections and interpenetrationaspiring to the creation of a total spectacle, in a constantly renewed dialogue of the arts.

Cette thèse traite du rapport entre le corps et la voix dans la représentation lyrique actuelle, de même qu’il s’interroge sur son devenir. L’opéra a longtemps été le terrain privilégié de la voix, avec la perception du spectateur basée sur la jouissance vocale au détriment du corps. Mais, suite au renouveau de la mise en scène lyrique contemporaine, l’opéra découvre une expérience perceptive nouvelle, fondée sur la concordance entre le corps et la voix. Cette nouvelle relation corps-Voix n’a jamais été problématisée sous l’angle de la perception. Les opera studies américaines, déconstruisant la dualité voix-corps, pour aboutir à une conception nouvelle du corps, lui permettant d’acquérir son autonomie, en dépit de la dimension mythique accordé à la voix. Nous assistons aujourd’hui à une mutation du langage scénique à l’opéra, celui-ci disloquant le corps et la voix au profit de son démembrement ; je nomme mise en écoute ces nouvelles expériences scéniques. C’est notamment dans les œuvres de Krzysztof Warlikowski et de Christoph Marthaler que ce phénomène est visible. En plaçant les chanteurs dans une frontalité exacerbée, ils utilisent le plateau au profit de pantomimes, représentant des corps silencieux, ceux de personnages fictifs ou faisant partie de l’intrigue. Ces pantomimes agissent sur la perception de l’auditeur, déplaçant l’écoute frontale centrée sur la voix sur celle périphérique des corps muets. A cette stratégie scénique, transférant la perception de l’auditeur sur le corps, répond une autre stratégie qu’est la mise en scène de l’écoute : apparaissent sur le plateau des figures d’écoutes qui, encerclant la voix, la prennent en otage au profit d’une expérience chorale où nous écoutons l’écoute des autres. Ces expériences permettent l’émancipation progressive du corps, son éloquence envahissant alors le plateau. Surgissent alors des sections rajoutées au tronçon de l’œuvre : ces séquences de corporalité pure s’infiltrent dans les fissures de l’œuvre, dilatant le temps musical ou débordant littéralement du cadre formel. / This dissertation is about the relation between body and voice in contemporary opera staging and its future. Opera has been considered as a voice phenomenon, defining the experience of the spectator based on vocal pleasure. After the renewal of the opera staging from the 50s, operagoers discover a new way of perception founded on the concordance between voice and body. American opera studies have deconstructed this body-voice relation, reaching a new conception of the body being independant despite of the mythical aspect of the operatic voice. We are witnessing a change on the operatic stage. This change consists of the division of the body and the voice and I name this reversal of the relation between body and voice the mise en ecoute. This phenomenon is shown in the stage works of Krzysztof Warlikowski and Christoph Marthaler. By putting the singer on the forestage and lessening the distance between the audience and singer, they use the stage for pantomimes, showing silent bodies who are the fictional characters or the real ones belonging to drama. These pantomimes impact on the spectator’s perception, directing his hearing from the voice to the mute body. We also notice another stage strategy which is the staging of the listening of the characters. The attention of these new listeners to the voice creates a new perception in which the spectator listens the hearing of these unusual figures, identifying himself with them. Through these experiences, the body frees itself, and its new voice invades the stage. New silent scenes appear on the stage which add to the operatic structure. These sequences of pure physicality penetrate into every layers of the work, in between the acts or at the beginning of the work, or even at the end, expanding the time of the work or overflowing the formal frame.

Yasmina Reza, l’une des dramaturges les plus honorées de la scène internationale, n’hésite pas à faire entrer son art dramatique sur la scène de l’art cinématographique : entre la forme romanesque et la forme dramatique, l’écriture rézienne expérimente également le domaine de l’image. Nous avons souhaité, d’abord, consacrer cette thèse à une étude analytique sur le théâtre rézien et ensuite sur son adaptation au cinéma. À travers ses pièces, Yasmina Reza met en scène des personnages ayant souvent les mêmes obsessions et soucis d’une pièce à l’autre, qui recourent fréquemment au même langage. Entre tragédie et comédie, la dramaturgie de Reza mélange le monologue et le dialogue pour raconter à la fois tout et presque rien. Le temps, l’espace, le décor, souvent simple et neutre, les objets quotidiens, servent à mettre en scène la vie quotidienne dans le théâtre rézien. De ce point de vue les ouvrages de Reza se rapprochent de ceux du cinéaste iranien Kiarostami. Au-delà de la présence des éléments autobiographiques et de la musique dans l’écriture dramatique rézienne, le théâtre de Reza se distingue par un langage spécifique, entre le silence, le non-dit et le récit, entre la conversation et le dialogue. Yasmina Reza déclare s’amuser avec les mises en abyme dans son théâtre, elle expérimente ainsi son premier film en tant que réalisatrice avec Chicas, une adaptation d’Une pièce espagnole qui multiplie les mises en abyme. Yasmina Resa poursuit avec l’écriture d’un scénario, Le pique-nique de Lulu Kreutz, réalisé par Didier Martiny, puis avec l’écriture du scénario de Carnage, d’après sa pièce Le dieu du carnage, en collaboration avec Roman Polanski. Dans cette thèse, nous avons tenté d’étudier l’adaptation des pièces réziennes au cinéma, leurs mises en scène et leurs personnages qui manifestent leurs violence et angoisses face à l’écran. / Yasmina Reza, one of the most honored dramaturge artist internationally, does not hesitate to introduce her dramatic art on the cinematographic scene: in between the Romanesque forme and the dramatic one, the Yasmina Reza also experiments in the pictorial art. In the first instance, we have sought to focus this thesis on an analytic study of the Rezian theater to follow with her work of adaptation to the cinema. In her theatre plays, Yasmina Reza’s characters have often the same obsessions and often use the same language. Between tragedy and comedy, Reza’s dramaturgy weaves with monologue and dialogue to relate about everything and at times almost nothing. Time, space, the setting, often simple and neutral, daily objects, are used to compose the contemporary life in Reza’s plays. From this standpoint, Reza’s theatre plays are echoing with Iranian Kiarostami’s cinema.Beyond the presence of autobiographic elements and references to music in Reza’s plays, her writing is singles out specifically, alternating between silences, the not-said and the narrative, between the conversation and the dialogue. Yasmina Reza affirms enjoying using of mise en abyme in her theatre plays, thus she experiments her first movie as script writer and director of Chicas, an adaptation of Une pièce espagnole which uses many mises en abyme. Yazmina Reza continues writing with the script Le pique-nique de Lulu Kreutz directed by Didier Martiny, then with the writing of the script of Le dieu du carnage, in collaboration with Roman Polanski. In this thesis, we have attempted to study the adaptation of Reza’s plays to the cinema, their dramatization along with their characters who display their violence and anxiety in front of the screen.

"La Mise à mort" gehört der dritten Schaffensperiode Louis Aragons an. Sie folgt der surrealistischen Phase und der "wirklichen Welt"- Periode nach. Dieser Roman aus dem Jahr 1965 ist die Bilanz seines bisherigen Werkes. Aragon konzentriert sich auf Probleme seines Schaffens und entwirft eine Synthese seiner eigenen Entwicklung in fiktiver Gestalt. Er greift dabei auf die Hegelsche Dialektik zurück, die er in seiner Jugend intensiv studiert hat. Die Widersprüchlichkeit seiner Entwicklung stellt er in La Mise à mort durch die Doppelgänger Alfred (der Erzähler des Romans) und Anthoine (Autor der "Drei Erzählungen aus der roten Mappe"), und auch Christian, einen dritten Doppelgänger, dar. Das Grundthema des Romans ist die Suche nach der Wahrheit auf drei Ebenen: Nach der historischen Wahrheit in "Murmure", nach der Wahrheit des einzelnen Menschen in "Le Carnaval" und nach der Wahrheit in der Kunst in "Oedipe". Die drei Erzählungen aus der roten Mappe bringen die Vergangenheit Aragons ans Licht. Die Wiederentdeckung der surrealistischen Vergangenheit ist die Hauptantriebskraft für das Schreiben der drei Erzählungen. Das surrealistische Erbe muss dabei im Kontext der Romantik-Rezeption betrachtet werden (vor allem der deutschen Romantik). Von besonderer Brisanz für die Realismusdiskussion in La Mise à mort ist die Rezeption der im Roman behandelten romantischen Motive des Spiegels, des Schattens und des Doppelgängers. Sie tragen zu einer Öffnung des sozialistischen Realismusbegriffs bei, indem sie Werte der Phantasie und der Subjektivität darstellen und damit die Freiheit in der Wahl der Gestaltungsmethode erweitern. / "La Mise à mort" belongs to the third phase of Louis Aragon's literary creation after the Surrealist period and the "Monde réel" phase; this 1965 novel appears as a balance of his work. Aragon concentrates on the problems of his creative work and sketches a synthesis of its evolution in fictional form using the philosophical method that he had studied in his youth and applied in his early writings: the Hegelian dialectic. It is through the personae of Alfred, narrator of the novel, Anthoine, author of the "Trois contes de la chemise rouge", and also Christian, that he presents the contradictions of this evolution. The main theme chosen for this presentation is the search for truth, trying to show the complexity of the various aspects of reality: the search for historical truth in "Murmure"; the search for individual truth in "Le Carnaval"; and the search for truth in art in "Oedipe". The rediscovery of the surrealist past is the main driving force behind the writing of the three stories, and the surrealist heritage appears in the context of the reception of Romanticism, especially German Romanticism. Particularly important for the reception of German Romanticism will be the three motifs of the mirror, the shadow, and the double (Doppelgänger), illustrating a broad conception of socialist realism at this stage, distancing itself from dogmatic conceptions of realism and extending the concept to values of fantasy and subjectivity.

I denna semiotiska analys granskas hur nakenhet i Westworlds första säsong används för att stöda en etablering av androiderna som objekt. Detta görs utifrån en analys av mise-en-scène i två sekvenser av scener där nakenscenen följs av en påklädd sådan. I analysen ses ett samband mellan nakenscenernas science fiction-kodade miljöer och teorier kring en perfekt artificiell kropp, medan de påklädda scenerna visar livfulla och känslosamma ögonblick. Detta resulterar i en nakenhet som inte kan bli osedd och som även förändrar hur tittaren ser på påklädda scener. / This semiotic analysis examines the way nudity in Westworld’s first season is used to support an establishment of the androids as object. This is done through an analysis of mise-en-scène in two sequences of scenes where the nude scene is followed by a clothed one. In the analysis a connection between the nude scenes’ science fiction coded environments and theories about a perfect artificial body can be found, while the clothed scenes show lifeful and emotional moments. This results in a nudity that cannot be unseen and even affects the way the viewer sees clothed scenes.